Earticle

문화 이미지를 구축하는 명시적 장(field)으로서 문학 번역의 파라텍스트는 수용자가 가진 고유한 문화적 관념을 해체하는 담론적 기능을 수행하며, 번역자가 원어 문화 인식을 재구성 하는 중요한 창구이다. 한중 수교 이전의 현대 한국에는 중국의 역사 발전 과정에 대한 인식 편차가 존재하여 한국 수용자들의 현대 중국 인식을 억눌렀고 이로 인해 중국 문학의 한국 내 번역과 확산이 지체되어 1980년대 한국에서 ‘현대 중국 번역’이 시급히 해결해야 할 주요 과제가 되었다. 중국 현대문학의 대표작인 『낙타상자(骆驼祥子)』의 집중적인 소개는 1980년 대 한국의 ‘현대 중국 번역’에서 중요한 부분을 차지하며, 최영애와 김용옥이 1986년에 번역 하고 출간한 『낙타상자(骆驼祥子)』는 최초의 한국어 완역본이다. 한국의 한학자 김용옥은 이 번역본에 실린 장대한 해설을 통해 중국 담론을 객관적이고 이성적으로 서술하며, 중화 문명 이 일관되면서도 다원적인 통일 국가 이미지를 재구성했다. 또한, ‘현대 중국 이해’라는 문화적 입장을 제시함으로써 한국 번역자와 한학자들에게 중국 문화를 새롭게 인식할 수 있는 틀을 만들었다.

As a salient domain for cultural image construction, the paratexts of literary translation function as a discursive vehicle for deconstructing recipients’ entrenched cultural perceptions, offering a critical lens through which to examine how translators reshape cognitive understandings of the source culture. Prior to the establishment of Sino-Korean diplomatic relations, a discernible cognitive bias regarding China’s historical trajectory persisted in contemporary Korean society. This bias constrained Korean audiences’ perceptions of modern China and impeded the translation and dissemination of Chinese literature in Korea, emerging as a central challenge to be addressed in the 1980s within Korea’s broader project of “translating modern China.” The focused translation and introduction of Camel Xiangzi, a canonical work of modern Chinese literature, constituted a pivotal component of this initiative. The 1986 Korean translation by Choi Young-ae and Kim Yong-ok marked the first complete rendition of the novel in the Korean language. Through an extensive interpretive commentary accompanying the translation, the distinguished Korean sinologist Kim Yong-ok articulated Chinese discourse with objectivity and rationality, reconstructing an image of China as a civilization characterized by historical continuity and pluralistic unity. By elucidating a cultural stance grounded in “understanding modern China,” Kim Yong-ok created a framework for Korean translators and sinologists to perceive Chinese culture anew.

본 연구는 색상 오류, 폰트 문제, 해상도 저하, 투명도 처리 오류 등 대표적인 프리프 레스 PDF 오류가 그림책의 파라텍스트 요소에 어떠한 변화를 초래하는지를 실증적으 로 분석하고, 이러한 변화가 독자의 감정적 반응, 이야기 몰입도, 시각적 선호도에 어떠 한 영향을 미치는지를 규명하는 것을 목적으로 한다. 나아가 프리프레스 워크플로에서 PDF 오류를 최소화하기 위한 가이드라인을 제안함으로써, 인쇄 제작 품질 향상과 독자 경험 증진에 기여하고자 한다. 연구는 크게 두 가지 구성으로 이루어진다. 첫째, 국제 표준(ISO 15930, PDF/X)을 기반으로 PDF 오류 유형을 분류하고, 이를 인쇄 샘플에 적용한 뒤, 오류가 없는 버전 과 오류가 포함된 버전 간의 시각적 차이를 분광측색계를 이용해 정량적으로 분석하였다. 둘째, 아동과 성인 독자를 대상으로 비교 A/B 테스트 및 설문조사를 실시하여 색 상 차이에 대한 인지, 가독성 평가, 감정적 반응, 이야기 몰입도를 조사하였다. 정량적 색채 데이터와 주관적 설문 결과를 종합적으로 분석함으로써, 프리프레스 PDF 오류가 그림책 파라텍스트 경험에 미치는 영향을 실증적으로 도출하였다. 본 연구는 프리프레스 단계에서의 오류 관리가 단순한 기술적 인쇄 품질 유지를 넘어, 독자의 감정적·인지적 몰입을 보존하는 데 필수적임을 강조하며, 디자이너와 인쇄 실무자를 위한 실질적인 가이드라인을 제시한다. 연구 결과는 그림책 인쇄 및 출판 산업에서 품질 관리 기준을 강화하기 위한 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다.

This study aims to empirically analyze how prepress PDF errors—specifically color errors, font issues, resolution degradation, and transparency problems—impact the paratextual elements of picture books and how these changes influence readers’ emotional responses, narrative engagement, and visual preferences. Furthermore, the research proposes guidelines to minimize PDF errors in the prepress workflow, ultimately contributing to improving the quality of print production and enhancing reader experience. The research consists of two main components. First, based on international standards(ISO 15930, PDF/X), PDF errors were classified and applied to print samples, and the visual differences between error-free and error-containing versions were quantitatively evaluated using spectrophotometer measurements. Second, comparative A/B tests and surveys were conducted with children and adult readers to assess their perception of color differences, legibility, emotional response, and narrative immersion. The combined analysis of quantitative color data and subjective survey results provided empirical insights into how prepress PDF errors affect the paratextual experience of picture books. This study contributes practical guidelines for designers and print professionals, emphasizing that error management in the prepress stage is essential not only for maintaining technical print quality but also for preserving the reader’s emotional and cognitive engagement. The findings serve as a foundational reference for strengthening quality control standards in the picture book printing and publishing industry.

This study examines the emergence and expansion of Hangul labeling on the covers of Arabic translations of Korean novels (2006–2025) within the frameworks of world-literature theory and paratextual analysis. Arabic translations of Korean literature, once rare, gained wider recognition following Please Look After Mom (2009), The Vegetarian (2016), and Han Kang’s 2024 Nobel Prize, which elevated the global prestige of Korean literature. These milestones transformed publishing practices in the Arab world, leading to the strategic use of Hangul as a marker of cultural identity and literary capital. Drawing on Casanova’s andMoretti’s world-literarymodels, Genette’s theory of the paratext, and multimodality studies, this research analyzed 46 Arabic editions. Hangul labeling, which had not appeared before 2018, was first introduced in TheWhite Book (2019) and rose to 42.4%of all titles by 2024– 2025. A survey of publishers showed that Hangul functions as a visual branding device designed to attract culturally engaged readers and strengthen global visibility. The study concludes that Hangul labeling represents a deliberate paratextual strategy that visually reflects the changing global position of Korean literature within the Arabic literary field.

여성의 머리카락은 여성성을 특징짓는 표상으로 남성에게 관찰되는 신체로서 담론 화되어 왔다. 일본에서는 헤이안 시대를 거치며 키보다 긴 머리카락이 여성을 집안 내 부소유물적인 존재로 묶어두는 도구 역할을 했으며 근대화의 기로에선 메이지기 초기 에는 올림머리라는 긴 머리카락으로 남성의 소유물적 여성성을 유지하고자 했다. 그런 의미에서 요사노 아키코가 『흐트러진 머리칼』에서 ‘머리카락’을 관찰되는 신체 표상이 아닌 여성의 내적 고민의 발로이자 주체적 자부심이 있는 젊음의 상징, 혹은 무 기로 내세움으로서 살아 움직이는 신체로 재정립하였다는 점은 시사하는 바가 크다. 이는 이전 세대의 시마자키 도손이 여성에 가탁해 쓴 시의 표현 등을 통해 명백히 드러난다. 남성 문학자들의 연애시에 표현된 신체표상에서 읽을 수 있는 여성의 나른함, 수동 적, 죽음이라는 이미지는 요사노 아키코를 거치며 생기, 적극적, 생명이라는 새로운 이 미지로 색을 입었다. 그러나 이러한 그녀의 단카가 서적이라는 물성을 가지며 그 표지화에서 시대의 착종 을 드러낸다. 여성을 수동적이며 신화적인 이미지로 가두어두고자 한 시선이 『흐트러 진 머리칼』의 표지화에 응축되어 있기 때문이다. 근대의 여성의 자아발견이 남성이 마련한 장에서 발현될 수밖에 없던 시대적 한계는 내면을 노래하는 요사노 아키코의 단카 의 기조와 그 단카들을 장식하는 표지화의 괴리로 이어졌다. 여성의 신체를 주체적으로 세우고자 했던 여성가인 앞에 드러난 간극은 ‘머리카락’이라는 신체의 표현의 차이를 통해 확인할 수 있다 하겠다.

Women's hair has been a discourse to men who believes that hairs characterize femininity. In Midaregami, Yosano Akiko redefined ‘hair’ not as an observed physical representation, but as a living body. She described it as an expression of a woman's inner concerns, a symbol of youth with subjective pride, or a weapon which has great implications. This is evident from the expression of Shimazaki Toson's poems written in the guise of a woman. The image of a woman's lassitude, passiveness, and death, as presented in male literature, was colored with a new image of vitality, active, and life through Yosano Akiko . However, as her poems are published in the form of a book, the cover reveals the confusion of the times. The limitations of the times when a modern woman’s self-discovery had no choice but expressed in a space prepared by men led to a gap between the keynote of Yosano Akiko's poetries, which illustrate her inner self, and the cover art that adorns those poems. The gap revealed in front of the female poet who attempted to establish the female body independently can be confirmed through the difference in the expression of the body, such as the hair.

This study undertakes a diachronic examination of major peritextual elements in Korean translations of Simone de Beauvoir’s ‘Le Deuxième Sexe’. The analysed translations include those by Yi Yongho (1955), Cho Hongshik (1974), Yun Yŏngnae (1983/1986/ 1988), Kim Kit’ae (1986), Kang Myŏnghŭi (2001), Yi Hŭiyŏng (2017), and Yi Chŏngsun (2022). The main focus of our study is the titles, cover images, and translatorial comments, specifically ‘haesŏl’ (literally, “commentary”). Our findings indicate that (1) certain book covers might distort, to varying extents, the reader’s comprehension of the main text, (2) Yun’s translations are particularly misleading, offering an incorrect impression of the original work’s structure, (3) recent translations give the impression of being a theory or guidebook on the original work, (4) the translator’s presence is more prominent in recent translations, and (5) the product category for the translated book is fittingly represented only in Yi Hŭiyŏng (2017) and Yi Chŏngsun (2022).

In this essay, I discuss the question of how to better translate English terms for translation studies. First, I consider Gérard Genette’s terms paratext, peritext, and epitext, with an emphasis on the prefixes “para,” “peri,” and “epi,” and compare existing translations of the three terms. I argue that the widely used terms 곁텍스트 (paratext), 주변텍스트 (peritext), and 후텍스트 (epitext) are highly misleading. Second, I briefly explain the origin of 화면해설(lit. screen commentary) as the traditional Korean term for audio description and argue that 음성해설 (lit. voice commentary) is a better term since audio description services are offered in live events too. I also argue that 영상번역 (lit. image translation) should not be used as an umbrella term for audiovisual translation. Third, I discuss subtle nuances of the synonyms 번역가, 번역사, and 번역자 (all referring to “translator”), with an emphasis on the hanja affixes -家, -士, and -者. Then, I show that in the legal community the terms 통역인(interpreter, -人) and 번역인 (translator, -人) are preferred. After discussing all these examples, I suggest how Korean researchers could better deal with foreign terms.

P’ansori, a traditional Korean genre of musical storytelling, is a representative cultural property recognized by the government and UNESCO. Still, p’ansori in translation has not received sound scholarly treatment. Against this backdrop, the present study analyzes Marshall R. Pihl’s translation of “Sim Ch’ŏng ka” (The Song of Shim Ch’ŏng) and discusses how p’ansori can be enriched in English translation. The Song of Shim Ch’ŏng, the first annotated English translation of a full p’ansori performance text, is in the eighth chapter of The Korean Singer of Tales (1994), Pihl’s seminal book on p’ansori. This translation and related peritexts are examined in the following areas: (1) the title and layout, (2) lexical features, (3) syntactic incompleteness, (4) punctuation marks and italics, and (5) the translator’s notes and index. The study concludes with a brief discussion of how p’ansori translation/translators should be like.

This study examined the source and target paratexts of Gulliver’s Travels with an aim to show how paratexts are structured or restructured through translation. The study assumed that the structuring of paratexts may be different depending on when the target texts were produced. The source text used for this study was the London edition of Gulliver’s Travels published in 1726. The 6 Korean translations selected for the analysis include the first unabridged translation published in 1975 and the first single edition that came out in 1987. According to the findings of the study, the source paratext was used as a site for providing background information about the main text such as how the work was published and the author’s intent of writing the work among others. The elements of source paratext were mostly preserved in the target texts supplementing the context of the source text. In more recent translations published after 2000 new elements such as illustrations were added to complement readers’ text reading. In conclusion, it can be said that paratext is actively used in mediating the gap between the source and target text world not only by preserving the source paratext but also restructuring or adding new elements in the target texts.

본 연구는 그림책 『지각대장 존』의 포스트모던 특성을 연구하는 것이목적이다. 포스트모던 그림책에서 자주 등장하는 현실과 환상의 구분에서기존의 연구들은 현실 세계와 환상 세계의 경계를 인식할 수 있는 기준에대한 천착 없이 주인공이 악어, 사자, 파도를 만나는 상황은 환상세계로, 교실상황은 현실 세계로 본 사례가 대부분이었다. 본 연구에서는 글과 그림의 관계 뿐 아니라 포스트모던 그림책의 연구에서 강조되는 파라텍스트, 즉 서체, 표지, 판형 등을 포함한 다양한 요소들을 면밀히 분석하였다. 그 결과 본 연구는 첫 장면과 마지막 장면이 현실 세계를, 네 개의에피소드는 환상 세계라는 결론에 도달하였다. 본 연구는 또한 『지각대장존』이 가지는 기호학적 특징과 포스트모던 적인 성격을 상세히 분석하였다. 주인공의 이름은 문화적 배경과 결부되어 있었다. 『지각대장 존』은 다양한 포스트모던 요소들을 갖추고 있었다. 이야기는 각 에피소드에서글과 그림이 병행되면서 순환구조를 만들어 열린 결말에 도달하였으며, 포스트모던 그림책의 연구에서 주목하는 요소들이 각각 이야기의 진행과숨어있는 의미를 발견하는 단서로 작용함을 확인할 수 있었다. 본 연구는글과 그림에 더 해 파라텍스트를 분석하여 그림책을 해석하였다는 데 의의가 있다. 제언으로는 포스트모던 그림책의 분석에서 글, 그림과 파라텍스트에 나타난 정보를 주의깊게 살펴보는 해석하는 것이 필요하다.

The purpose of this study is to study the postmodern characteristics of John Patrick Norman McHennessy, the Boy Who Was Always Late. In the distinction between reality and fantasy that frequently appears in Postmodern picture books, most of the previous studies have found that the main characters meet alligators, lions, and waves without an innate understanding of the real world and the fantasy world, and that the classroom situation is real. In this study, we carefully analyzed various elements, including the relationship between the text and the pictures, such as the font, the cover, and the plate, which are highlighted in the study of postmodern picture books. As a result, the study concluded that the first and last scenes were the real world, and that the four episodes were the fantasy world. The study also analyzed in detail the semiotics and postmodern characteristics of the book. The main character's name was associated with a cultural background. In each episode, the story was accompanied by a combination of words and pictures, resulting in an open ending, and the focus of postmodern picture book's study was each a clue to the story's progress and its hidden meaning. This study is meaningful in that we analyzed and interpreted picture books by analyzing the paratext in addition to the analysis of text and pictures. The suggestion is to interpret the analysis of postmodern picture books carefully looking at the text, pictures, and information in the parabolic text.

본고는 <콘크리트 유토피아>의 텍스트와 파라텍스트 간의 상호작용이 구현하는 관객 체험을 미디어 컨버전스 개념을 통해 천착하는 것을 목적으로 한다. <콘크리트 유토피아>의 파라텍스트들은 아파트 입주와 관련한 문턱 경험을 제공 한다. 가입 의례의 형식을 가진 게임과 인스타그램은 관객의 관극 체험을 입주 체험과 포갠다. 오프닝 크리디트 시퀀스는 영화를 ‘장치-아파트’라는 현실의 알레고리로 해석 할 바탕을 마련한다. 텍스트와 파라텍스트 간의 상호작용은 아파트 공동체에 대한 성 찰을 가능케 한다. 텍스트의 사회극과 파라텍스트의 가입의례가 동시에 진행되면서 아 파트 공동체에 대한 관객의 몰입이 유도된다. 또한 파라텍스트들은 외부인의 시선을 제시함으로써 아파트 공동체에 대한 비판적 거리를 형성한다. 마지막으로 이 영화는 숏 간의 결속을 통해 오늘날 아파트로 직조된 사회구조의 심급에 거대한 분노가 놓여 있음을 제시함으로써, 관객에게 새로운 공동체의 모색을 촉구한다. 본고는 동화와 이 화, 상징과 알레고리를 오가는 관객의 역동적인 콘텐츠 향유 경험을 기술한다는 점에 서 기존의 논의와 차별된다. 이러한 접근은 <콘크리트 유토피아> 관련 콘텐츠들이 구 현하는 시청각 체험과 아파트라는 장치가 직조하는 감각 및 감정 경험 간의 관계를 설 명할 수 있다는 점에서 의의가 있다. 더 나아가 본고는 영화가 재현하는 군중행동에 착 목함으로써 아파트가 구성하는 주체의 성격을 밝힌다는 점에서 가치가 있다.

This paper studied the interaction between <Concrete Utopia> and paratext through the concept of media convergence. The paratexts of <Concrete Utopia> blur the line between reality and fiction. Games and Instagram in the form of entrance ceremony give the audience the identity of apartment residents. The opening credit sequence makes the movie interpreted as an allegory of reality. The interaction between text and paratext enables reflection on the apartment community. Canned yellow peaches strengthens the psychological bond between Min Sung and the audience. As the social drama of the text and the entrance ceremony of the paratext proceed at the same time, the audience's immersion in the apartment community is induced. Paratexts also present different perspectives on the apartment community. Crowd behavior in the apartment community becomes an object of immersion and at the same time an object of criticism. Finally, the relationship between shots faces the huge anger that sustains the apartment community with the audience. The Concrete Utopia urges the search for a new community. This paper is significant in that it describes the dynamic content enjoyment experience of the audience. This approach can explain the relationship between the audiovisual experience realized by the contents related to <Concrete Utopia> and the sensory and emotional experiences woven by apartment.

본고는 <콘크리트 유토피아>의 텍스트와 파라텍스트 간의 상호작용이 구현하는 관객 체험을 미디어 컨버전스 개념을 통해 천착하는 것을 목적으로 한다. <콘크리트 유토피아>의 파라텍스트들은 아파트 입주와 관련한 문턱 경험을 제공 한다. 가입 의례의 형식을 가진 게임과 인스타그램은 관객의 관극 체험을 입주 체험과 포갠다. 오프닝 크리디트 시퀀스는 영화를 ‘장치-아파트’라는 현실의 알레고리로 해석 할 바탕을 마련한다. 텍스트와 파라텍스트 간의 상호작용은 아파트 공동체에 대한 성 찰을 가능케 한다. 텍스트의 사회극과 파라텍스트의 가입의례가 동시에 진행되면서 아 파트 공동체에 대한 관객의 몰입이 유도된다. 또한 파라텍스트들은 외부인의 시선을 제시함으로써 아파트 공동체에 대한 비판적 거리를 형성한다. 마지막으로 이 영화는 숏 간의 결속을 통해 오늘날 아파트로 직조된 사회구조의 심급에 거대한 분노가 놓여 있음을 제시함으로써, 관객에게 새로운 공동체의 모색을 촉구한다. 본고는 동화와 이 화, 상징과 알레고리를 오가는 관객의 역동적인 콘텐츠 향유 경험을 기술한다는 점에 서 기존의 논의와 차별된다. 이러한 접근은 <콘크리트 유토피아> 관련 콘텐츠들이 구 현하는 시청각 체험과 아파트라는 장치가 직조하는 감각 및 감정 경험 간의 관계를 설 명할 수 있다는 점에서 의의가 있다. 더 나아가 본고는 영화가 재현하는 군중행동에 착 목함으로써 아파트가 구성하는 주체의 성격을 밝힌다는 점에서 가치가 있다.

This paper studied the interaction between <Concrete Utopia> and paratext through the concept of media convergence. The paratexts of <Concrete Utopia> blur the line between reality and fiction. Games and Instagram in the form of entrance ceremony give the audience the identity of apartment residents. The opening credit sequence makes the movie interpreted as an allegory of reality. The interaction between text and paratext enables reflection on the apartment community. Canned yellow peaches strengthens the psychological bond between Min Sung and the audience. As the social drama of the text and the entrance ceremony of the paratext proceed at the same time, the audience's immersion in the apartment community is induced. Paratexts also present different perspectives on the apartment community. Crowd behavior in the apartment community becomes an object of immersion and at the same time an object of criticism. Finally, the relationship between shots faces the huge anger that sustains the apartment community with the audience. The Concrete Utopia urges the search for a new community. This paper is significant in that it describes the dynamic content enjoyment experience of the audience. This approach can explain the relationship between the audiovisual experience realized by the contents related to <Concrete Utopia> and the sensory and emotional experiences woven by apartment.

본 연구는 유아의 관점에서 다문화 그림책에 대한 반응을 질적으로 분석하여 유아 다문화 교육의 방향을 제시하는 것을 목표로 한다. 다문화 교육은 유아가 다양한 문화적 배경을 이해하고, 평등성과 반편견을 형성 하며, 사회적 다양성을 인정하는 태도를 개발하는 데 중점을 둔다. 연구자는 2024년 8월 20일부터 9월 3일 까지 약 2주간 다문화 그림책 3권을 선정하여 유아들 과 함께 읽고, 유아들의 반응을 녹음, 녹화, 현장 노트 를 통해 기록하였다. 연구의 주요 초점은 그림책 속 일러스트레이션과 색 깔 요소가 유아들의 다문화 인식에 미치는 영향을 분석 하는데 있었다. 수집된 자료는 ‘경험 이야기’, ‘자기 동일시’, ‘파라텍스트 발견하기’, ‘흥미 및 적극성 표현 하기’, ‘편견 및 다문화 요소 발견하기’, ‘다문화 인식에 대한 마음가짐’ 등으로 범주화하여 유아들의 반응을 분 석했다. 또한, 그림책의 시각적 요소가 유아들에게 평 등성과 반편견의 태도를 형성하는 데 어떤 역할을 하는 지 살펴보았다. 이 연구는 유아 다문화 교육의 발전에 기초 자료로 활용될 수 있으며, 유아들이 다양한 사회적, 문화적 맥락을 이해하고 존중하는 능력을 키우는 데 기여할 것으로 기대된다.

This study aims to qualitatively analyze young children's responses to multicultural picture books from their perspective, providing a foundation for the direction of multicultural education in early childhood. Multicultural education focuses on helping young children understand diverse cultural backgrounds, develop attitudes of equality and anti-bias, and recognize social diversity. The researcher selected three multicultural picture books and read them with the children over a two-week period, from August 20 to September 3, 2024. The children's reactions were recorded through audio and video, and field notes were taken. The main focus of the study was to analyze the impact of illustrations and color elements in the picture books on children's awareness of multiculturalism. The collected data were categorized into themes such as "experience stories," "self-identification," "discovering paratext," "expressing interest and engagement," "recognizing prejudice and multicultural elements," and "attitudes toward multicultural awareness." The study also examined how the visual elements of the picture books contributed to shaping attitudes of equality and anti-bias in the children. This research is expected to serve as a foundational resource for the development of multicultural education in early childhood, helping children cultivate the ability to understand and respect diverse social and cultural contexts.

Wang, E. Chull. “Hosseini’s Novel and Peritext: Connotations of the Title of And the Mountains Echoed.” Studies in English Language & Literature. 39.4 (2013): 119-140. Gerard Genette argues that the paratext consisting of peritext and epitext provides the text with a meaningful way of interpretation. It lies on the threshold of the text and affects the way the text is received by the reader, so it becomes a “threshold of interpretation.” Its main function is “to ensure for the text a destiny consistent with the author’s purpose.” Peritext consists of elements such as titles, prefaces, epigraphs, and notes whereas epitext consists of reviews, author interviews, and publishing stunt. This study picks up and uses Genette’s idea of paratext to discuss about meanings and significances of the title (peritext) of Khaled Hosseini’s And the Mountains Echoed. It gives a special attention to what Hosseini says in “Acknowledgments” in which he indicates the title “was inspired in part by William Blake’s lovely poem, ‘Nurse’s Song.’” It will first discuss how Hosseini’s text is related to Blake’s poem and then examine how the title as a peritext shapes, reflects, and even guides the novel’s form and narrative strategy. (Chonbuk National University)

Despite its classical status in Korean academics, Thomas More’s Utopia has been often discussed without due consideration of the historical and cultural contexts from which the work arose. Without bothering to look into nuances of the text, many intellectuals in Korean academics identify More’s Utopia, rather too hastily, as an early emergence either of Marxism or of Utopian discourse. To suggest a more productive reading of More’s Utopia, this paper focuses on the paratextual elements in More’s book, especially the introductory epistles and poems written by More’s friends and acquaintances, including Desiderius Erasmus and Peter Giles. Through the analysis of paratextual elements, the paper argues that More’s Utopia is a collaborative work of Northern humanists in More’s time under the guiding sprit of friendship, thereby problematizing a conventional understanding of the authorship of the book and placing the meaning of Utopia (“Nowhere”) in on-going textual conversations among the like-minded.

『무정』은 의심할 여지 없는 스테디셀러였다. 조선 문단에서는 『무정』의 성공을 기반으로 삼았고, 『무정』을 시작점으로 두는 계보를 계속해 그려왔다. 『무정』은 지식인 독자만이 아니라 대중 독자를 추구하는 기획이기도 했으나, 문인들이 신문 지면 등을 통하여 『무정』의 의의를 정의할 때에는 대중성이나 대중소설과의 연관성이 무시되고는 했다. 여기에는 『무정』이 지식인과 대중 독자 양측을 만족시키는 이중적인 성격의 상품이라는 사실도 영향을 끼쳤다. 본고에서는 『무정』의 파라텍스트(Paratext)에 주목했다. 선호 도서 인터뷰, 서점 주인의 출판시장에 대한 소회, 중고서적을 구하는 글 등의 파라텍스트를 검토하여 『무정』이 어떤 방식으로 독자들에게 소비되었는지 확인하고자 했다. 『무정』은 조선 문학을 대표하는 작품으로서 외국 소설과 함께 읽히거나, 조선 문단의 문예 소설과 함께 읽혔다. 또 대중소설으로서 번안소설, 연애·정탐소설과 함께 읽히기도 했다. 그러나 시장에서 소비될 때 『무정』의 유명세나 권위는 다른 문단 관계자들의 작품의 판매량에 영향을 미치는 방식으로는 실현되지는 않았다. 조선 문단은 『무정』을 시작으로 하는 문학사의 계보를 손에 넣었으나, 『무정』이 갖는 독특한 상품성은 그 계보에서 잘라냈던 것이다.

Drawing on Genette’s concept of paratext, this article examines the relationship between texts and paratexts, as presented in Ruan Qingyue’s collection of stories, Zeng Manzu. Focusing on the roles of paratexts in the interpretation of the texts, this article explores the close linkage between the texts of “Zeng Manzu” and “Paper Angels,” and the paratexts, especially the publisher’s mottoes as well as the critics’ introduction and the review. It probes the ways in which the emphasis on the temporality of the present in the preface pertains to the recalling of the past and the future in “Zeng Manzu,” concomitantly actualizing textuality through paratextuality. Furthermore, this article delves into the prominent features of spatiality in association with alterity and discusses the representation of space in the formation of racial politics and social life of the people. Rather than essentializing the space of Taiwan and the U.S. in particular, the stories symbolically embody an open, complementary space; each space is imperative to the production of textual meanings and their thematization: the unflagging pursuit of unconditional love; a stern warning against an epidemic of violence inherent in all humans, irrespective of race and ethnicity; and the nebulous nature of the self-other dichotomy. By linking the authorship with the publisher’s mottoes, this study extends the concept of paratextuality in terms of its social impact for a global readership. The significance of paratextuality in Ruan’s works resides not only in the completion of the textual meanings but also in the extension of the literary through social influence through the dissemination of common, yet far-reaching humane values unbounded by national and ethnic boundaries.

For Romantic women writers the paratext itself is essentially a masculine literary space affiliated with established writing practices; however,this paper suggests that Charlotte Turner Smith’s mode of discourse in her use of notes and their relation to the text proper are never fixed in her contemplative blank-verse long poem, Beachy Head (1807). Even though the display of learning in the paratext partly supports the woman writer’s claim to authority, this paper argues that Smith’s endnotes also indicate her way of challenging the double bind for women writers, summoning masculine authority on the margins of her book while simultaneously interrogating essentialist thinking and instructions about one’s identity in a culture and on the printed page. The poem shows how the fringes of the book can be effectively transformed from a masculine site of authority to an increasingly feminized site of interchange as Smith writes with an awareness of patriarchal, imperial abuses of power in that area of the book. There is a persistent transgression of cultural/textual boundaries occurring in Beachy Head, which explores the very scene and languages of imperial encounter. Accordingly, if Wordsworth’s theory of composition suggests a subjective and abstract poetic experience?an experience without mediation?in which its medium’s purpose seems to be to disappear from the reader’s consciousness, an examination of the alternative discourse of self-exposure in Smith’s poem reveals the essentially fluid nature of media-consciousness in the Romantic era, which remains little acknowledged in received accounts of Romantic literary culture.