Earticle

본 연구는 조형 디자인 분야 외국인 유학생을 대상으로, 전공 수행 맥락을 한국어 수업의 내용으로 설정하고 이를 어휘 계층화에 기반하여 조직한 내용 한국어 교수요목을 제안하는 데 목적이 있다. 조형 디자인 계열의 전공 진입 단계에서는 조형 요소의 명명과 설명, 작품 의미의 해 석, 미학적 판단의 제시와 같은 기초 수행 담화가 핵심적으로 이루어진 다. 이에 본 연구는 전공 수행 맥락에서 활용되는 핵심 어휘를 인지적 복합성에 따라 지각–개념화–해석–비평의 네 범주로 배열하고, 이에 대응 하는 담화 활동을 구성하여 이를 교수요목 배열의 조직 원리로 삼았다. 제안된 수업은 조형 분석, 작품 감상, 비평 활동, 프로젝트 발표 수행 등을 중심 과업으로 구성되며, 설명문·감상문·비평문 작성과 발표 활동을 통해 학습자가 전공 개념을 언어적으로 조직하고 의미를 구성하며 평가 관점 을 제시하도록 설계되었다. 이 과정에서 어휘는 개별 용어의 제시에 머무 르지 않고 전공 수행 담화를 구성하는 핵심 자원으로 기능한다. 본 연구 는 전공 진입 단계에서 요구되는 기초 수행 담화를 어휘 기능에 따라 체계화하고 이를 교수요목 설계 원리로 구체화함으로써 전공 특화 내용 한국어 수업의 설계 가능성을 제시하였다. 또한 본 접근은 조형 디자인을 사례로 하였으나, 전공 수행 담화를 기초 수준에서 분석하고 조직하는 방식은 예술 및 디자인 계열의 전공 진입 단계 수업으로 확장 적용될 수 있다.

This study proposes a content-based Korean syllabus for international students in the field of formative design by adopting disciplinary performance contexts as the core instructional content and organizing them through lexical stratification. At the entry level of formative design education, foundational disciplinary discourse—such as naming and describing formal elements, explaining compositional principles, interpreting artistic meaning, and presenting aesthetic judgments— constitutes a central component of academic engagement. Accordingly, this study categorizes key vocabulary used in entry-level disciplinary performance into four strata—perceptual, conceptual, interpretive, and critical—based on cognitive complexity, and employs this stratification as the organizing principle of syllabus design. The proposed course is structured around major tasks including formal analysis, artwork appreciation, critical discussion, and project presentation. Through explanatory, reflective, and critical writing and presentation activities, learners are guided to organize disciplinary concepts linguistically, construct meaning, and articulate evaluative perspectives. In this process, vocabulary functions not merely as isolated terminology but as a central resource for constructing disciplinary discourse. By systematizing foundational disciplinary discourse at the entry level through lexical stratification and operationalizing it as a principle of syllabus design, this study demonstrates a feasible model for discipline-specific content-based Korean instruction. Although formative design serves as the case context, the approach of analyzing and organizing disciplinary performance at the foundational level may be extended to entry-level courses in other fields within art and design.

도시 공간의 많은 부분을 차지하고 있는 가로공간은 도로와 대지를 바탕으로 3차원의 물리적 형태로 구성되며, 환경조형물의 형태 및 조형디자인구성에 따라, 그 공간의 특성을 표현한다. 특히 3차원의 환경조형물 중 도시공간의 주된 구성 요소인 건축물은 도시의 이미지를 결정하는 주요소임은 자명한 사실이다. 그러나 물리적 도시성장과 국제주의 양식에 따른 획일화된 건축 디자인 계획으로 인해 정체성을 상실한 도시공간이 되어가고 있다. 즉 전문가, 건축물, 이용자 간의 상호 유기적 작용 및 관계성 또한 약화되고 있는 실증이며, 이를 해결하기위한 노력이 필요한 시점에 직면해 있다. 이에 본 연구에서는 이용자 관점에서의 조형디자인표현특성을 파악하고자 하였다. 이를 위해 국내·외 주요 도시 중 인지도 높은 건축물들이 집중되어 있는 홍콩 도시공간 건축물을 중심으로, 유형에 따른 각 종 건축물에 대한 조형디자인 구성요소 표현특성을 토대로, 조형디자인 구성요소에 대한 피실험자 대상의 조형디자인 구성요소에 대한 시지각 우선순위를 파악하였다. 이는 전문가 관점에서의 작품성 위주로의 연구수행이 아니라 향후 이용자 관점에서의 업무 및 상업지역내 건축물에 대한 조형디자인표현특성을 이해할 수 있음과 동시에 향후 조형디자인 계획 방향 등을 제시할 수 있는 기초 연구 자료가 될 수 있으리라 판단된다.

According to specific forms of environmental mouldings along with formative design compositions, street spaces which are composed of three dimensionally various physical forms including many different roads and lands are not only occupied lots of portions but expressed as a specific characteristic area in a city. Especially architectural buildings among three dimensional environmental mouldings represent truly as a main element in a city. City has been only physically developed with losing identities by uniformed architectural design planning so we are facing with the time to solving all the issues which currently has been disconnected between architects, buildings, and users. The main purpose of this research provides with aspects of users’ viewpoints for formative design characteristics. In order to find priority of visual perception regarding formative design components from test subjects, we focused on the internationally recognized city, Hong Kong which has lots of different types of formative design characteristic buildings including specific expression methods for formative design components. This study is to be basic research materials suggesting formative design directions which are not from professionals’ viewpoints for design quality but users’ viewpoints in office and commercial district.

일제 강점기 여성들 one length hair style의 변천사 및 형태학적 분석을 시도한 연구로서 선행논문과 저서를 바탕으 로 형태, 질감, 색상 등 헤어디자인의 구성 요소들을 분석하여 다양한 형태의 one length hair style 커트가 가능해지는데 연구의 목적이 있다. 연구 결과 1910년-1920년대 one length hair style은 커트 길이의 단차가 전혀 없는 out line을 지닌 형태, 자연 그대로의 모발 질감, 자연 모발 색상을 보였다. 1930년대 one length hair style은 약간의 커트 길이의 단차를 보이면서 다이아몬드 형태, 자연스런 질감의 narrow wave, 과산화수소나 oxygenated water을 이용한 약간의 탈색이 이뤄 졌다. 1940년대 one length hair style은 형태, 질감, 색상 면에서 화려한 미(美)를 추구하려는 특이점이 발견되지 않았다. 본 연구를 통해 one length hair style에 관한 심층적이고 세분화 된 후속 연구가 가능해지며, 헤어미용 교육의 기초 자료 및 뉴 모드의 트렌드 개발을 위한 초석으로 작용하리라 사료한다.

This study is an attempt to analyze the changes and morphological analysis of the one length hair style of women in the Imperial Japanese colonial period, and the purpose of this study is to analyze the components of hair design such as shape, texture, and color based on the precedent and the book and to make possible various styles of one length hair style cut. From the results of this study, one‐length hair style showed the outline shape with no step height of cut length, natural hair texture and natural hair color in 1910s to 1920s. In the 1930s, the one length hair style showed a slight cut length step height and a slight discoloration using a diamond shape, a narrow wave of natural texture, hydrogen peroxide or oxygenated water. In the 1940s, one‐length hair style did not find any singularity to pursue brilliant beauty(美) in terms of form, texture, and color. This study may enable a deep and detailed follow‐up study on one‐length hair style, and will be a cornerstone for the development of basic data of hair beauty education and trend of new mode.

한국의 디자인은 경제성장과 밀접한 연관이 되어 발전하였고 오늘날에도 물질적인 성장이나 부의 증대, 소비촉진을 위한 핵심적인 역할을 담당하고 있다. 물론 한국의 디자인 수준이 크게 성장한 것은 사실이나 트렌드를 선도하는 수준에는 이르지 못하고 있다. 그 이면에는 대다수의 디자인 기업에서 트렌드 리서치와 벤치마킹등의 공급자적인 관점으로 편중되어 디자인 조형창작이 이루어지는 것도 여러 원인들 중 한가지라고 생각된다. 세계의 디자인 트렌드를 선도하는 사례를 살펴보면 창작자의 작가적인 관점에서 비롯된 그들의 주관적인 사고가 디자인 조형창작에서 적지 않은 비중을 차지하는 것을 알 수 있다. 자기 표현적 디자인 개발 사례를 살펴보고 사고의 스펙트럼 양 극단에 있는 디자이너와 예술가들과의 심층 인터뷰를 통해 자기표현적 디자인 조형창작의 개념모델 제안을 위한 시사점을 얻고자 한다. 이를 통해 공급자적인 관점에 따른 사고가 지배적인 대다수의 디자인 조형창작에 작가적인 관점에 따른 사고체계와 프로세스를 융합한 균형적인 사고가 이루어지는 5단계 디자인 조형창작 과정으로 체계화한 개념모델을 제안 하였다.

Korea's design developed closely related to economic growth and plays a key role in material growth, wealth growth, and consumption promotion today. Of course, it is true that Korea's design level has grown significantly, but it has not reached a trend-leading level. Behind this, it is thought that one of the reasons behind this is that most design companies are biased towards trend research and benchmarking from a supplier perspective, resulting in the creation of design sculptures. If you look at the examples that lead the world's design trends, you can see that their subjective thinking from the author's point of view accounts for a significant portion of design sculpture creation. Through an in-depth interview with designers and artists at both extremes of the spectrum of thought, I want to look at examples of self-expression design development and get implications for suggesting conceptual models of self-expression design sculpture. Through this, a conceptual model was proposed, which is organized into a five-step design creation process in which balanced thinking is achieved by combining the thinking system and process according to the writer's point of view with the majority of design creation dominated by supplier perspective.

This study examined the characteristics of formative design elements of semi‐up‐style observed in wedding ceremonies in the mid and late 2000s focused on five elements (parting, position and volume of chignon, burial and exposure of the ear line, forelock style, and head pieces, corsage, and various accessories including wig) by comparing them with the characteristics late 1990s. First, with regard to the type of parting, late 1990s, parting in the middle or combing straight back was popular regardless of face shape, but in the mid and late 2000s, parting was made at the side to produce elegant and refined beauty. Second, with regard to the position and volume of chignon, late 1990s, chignon was raised up to the gold point (G.P) and the top point (T.P) or an excessive volume was given to TP, so it looked artificial and old, but in the mid and late 2000s, chignon was positioned at the nape point (N.P) and back point (B.P), and N.P gave a point volume at around the neckline to produce the feeling of moderation, elegance, and composure. Third, with regard to the burial and exposure of the ear line, late 1990s, the ear line was exposed completely with no consideration of the bride’s face shape, so it looked artificial and old, but in the mid and late 2000s, the ear line was styled in various images including full exposure, partial exposure, and full burial. Fourth, with regard to forelock style, late 1990s, forelock was combed straight back neatly, but in the mid and late 2000s, forelock was styled in various ways including bang hair, medium length, and oblique curl. Fifth, with regard to partial wig and accessories, late 1990s, simply corsage or a partial wig was used uniformly, but in the mid and late 2000s, a partial wig was seldom used and various pieces of different shapes, sizes, and materials were used including corsage, head pieces, and natural flowers to adorn the bride. That is, while up‐style late 1990,s was a classical style that put the hair up to the top, looking unnatural and old, that in the mid and late 2000s was mainly natural semi‐up‐style in harmony with place, makeup, dress style, etc.

The purpose of this study was to examine the satisfaction of environmental sculptures, consideration degree of formative design and environmental sculpture formative design elements that enhance user's satisfaction from user's perspective. To this end, the user satisfaction of the environmental sculptures on the central road and Dongseong-ro in Daegu city's central business and commercial districts completed through the basic design of Daegu Grand Design and environmental sculptures located in major streets in Seoul, Hong Kong, Macau, Singapore, etc. is Compared and analyzed. As a result of this study, it was understood that one of the factors influencing the difference in satisfaction with environmental sculptures was the formative design elements appeared in environmental sculptures. Accordingly, when planning environmental sculptures to create urban spaces with harmony and aesthetics with the surrounding environment, it is considered that discussion on the formative design direction considering user satisfaction is required.

꽃 예술을 학문화 하고 미술 장르화 하려는 다방면의 노력이 어언 10여년이 지났고 많은 열매를 맺고 있으나 아직 동양 꽃 예술의 체계적 동양 미학의 적용은 미진한 상태이다. 뿐만 아니라 한국 전통 꽃 예술 연구에 토대가 될 수 있는 조선 시대 화론은 물론 회화관 조차도 기록이 드물며 특히 조선 후기 이전의 기록들은 거의 없는 상태이다. 이에 한국을 비롯한 우리의 동양적 꽃 예술 미학의 정립이 절실한 상황이다. 따라서 동양 회화의 대표적 화론 중 하나인 중국의 남북조시대 인물화가 사혁(謝赫)의 화육법(畵六法)(500 ～530년 활동)에 의해 조선시대 사대부 문인화가이며 수묵 사의(水墨 寫意)화조화의 대가인 창강(滄江) 조속(趙涑)(1595～1668)의 작품을 분석하고 그를 통해 그림에 임하는 조선 사대부의 정신과 미감을 연구, 고찰한 후 그에 준하여 본인의 화예조형 작품을 분석해 봄으로써 한국적, 특히 문인적인 꽃 예술 조형과 정신을 알아보고, 이를 평가, 분석하는 기준을 제안하고자 한다.조속은 조선시대 성리학적 시대정신을 공부한 문인화가로서 그의 작품 속에는 성리학적 우주관과 자연관, 인간과 자연과의 합일 등의 사상이 녹아 있다. 화면에 다른 모든 요소들은 배재하고 꽃과 새라는 소재만을 크게 확대시킨 행위는 성리학에 있어서 통찰력과 사색적인 사유의 정신이 들어 있음을 보여주는 것이다. 취미와 교양의 여기(餘技)로서 즐기는 그의 화조그림은 꽃과 새라는 자연물을 통해서 성리학적 정(靜)과 동(動)의 사상, 이(理)와 기(氣)의 사상을 잘 보여주는 것이다. 이것은 실제적으로 그림을 그리는 행위에서는 동적인 선과 정적인 우주만물을 대변하는 여백의 조화로 나타나며, 수묵의 시대인 조선의 사대부답게 수묵의 묵법으로만 공간감과 깊이를 추구한 격조 있는 분위기의 그림을 그렸다. 문인화가가 취미로서 하는 그림이기에 극채 정밀하지 못하고, 성리학적 ‘기(氣)’를 중요시 하였던 조속의 화조화 분석 결과, 거칠고 활기 찬 그의 필치와 흑백의 대조가 뚜렷한 묵법도 하나의 특징인데, 이것은 당시 유행하던 한국적 절파화풍과도 긴밀한 연관을 가지고 꾸밈없으며, 소박하고 야일하고 서정취 넘치는 한국적 그림의 요소들과 상통하였다. 그러나 문인화가의 그림이기에 ‘기’를 표현하더라도 정(靜)중(中)동(動)의 절제의 미학을 보여 주고 있는 것이「노수서작도」와「고매서작도」에서 잘 나타나고 있다. 이것은 선비들의 그림에 있어서는 화원화가들이 중시 여기는 기운생동의 분위기보다는 시적인 분위기를 더 높이 평가하고 청신이나 평담(平淡)으로 자신의 미감을 나타내고 작가의 고상한 인격을 그림 속에 표현하고자 했던 때문이다.이와 같이 조속의 화조화 분석을 통한 조선의 사대부 문인 정신과 그림은 성리학적 투철한 격물(格物)정신, 전통중시, 정중동(情中動), 우주만물을 표현하는 정적인 여백과 동적인 선의 조화, 흑백의 음양의 대비 등을 기본으로 한다고 볼 수 있었다. 문인 화가들의 사상과 조형정신을 기본으로 본인 작품에 임했는데, 봄을 표현한「구름위로」와 가을 분위기를 시각화 한「가을」은 조속의 사시지기(四時之氣)의 자연관과 같이 인간과 자연의 합일점을 생각한 작업이었고, 성리학적 우주관에 입각하여 우주만물의 이기의 공존과 합일, 음양의 조화, 선과 여백의 조화 등에 중점을 두고 작업하였다.사혁의 화육법에 의거한 결과,「구름위로」는 곡선만의 간결한 구도, 가운데 간결한 꽃 작업으로 강조의 효과, 뭉침과 흐트러짐의 조화, 봄의 기운생동을 내재되게 표현하고자 선의 움직임을 서서히 완만하게 오르게 한 구성, 놓여지는 공간과의 조화로운 관계, 옛 그림이나 주변 사물을 잘 관찰하여 응용한 선의 형태, 봄을 표현한 작품의 성질에 맞는 노랑과 초록의 적절한 색채 사용 등의 작업과 분석을 할 수 있었다. 「가을」 작품에서는 화기를 분리하여 호응과 대비의 구도를 갖게 하고 이로 인해 생긴 큰 여백과 선이 작품에 통일감과 조화를 이루도록 하였다. 노박 덩굴의 선(線) 작업은 작품에 공간감과 생동감, 운치를 주고 있으며 선은 자연스러움을 추구했지만 응물상형과 전이모사의 정신으로 주변이나 옛 그림에서 나무의 형태들을 항상 주시하여 전통적인 선의 형태를 염두에 둔 것이다. 가을 느낌을 한층 고조시킬 수 있는 화기(花器)로 일반적 화기가 아닌 호박을 선택하였고, 꽃의 주조색 역시 가을 분위기인 주홍을 사용하였다. 전체적으로 시적인 분위기를 추구하였다. 이와 같이 조선의 사대부 문인 화조화가의 자연관과 작품을 분석하여 그 정신과 기법을 본인 작품에 대입시켰던 결과, 우리의 문인정신과 미감을 기본으로 화육법에 의한 동양적 조형성에 임하면 현대 화예 조형에서 보다 정체성 있고 한국적이며 정립된 작품 활동을 할 수 있음을 입증할 수 있었다.

In the field of Modern Floral Formative Design, Asian art thesis is not yet incorporated. The purpose of this thesis is to analyze the Korean literary artist's technique thought and the aspects of his bird and flower painting, then to apply the outcome into Modern Floral Formative art.The scholar, Jo Sok(1595～1668) is the most popular personal in the field of Korean Water and Ink Painting of Bird and Flower. To discover his idea of universe based on Korean neo-confucianism is necessarily needed. The scholars who draw as a hobby reveal themselves in paintings based on their knowledge, idealism, philosophy and etc. The evaluating point in these paintings is not only to focus on their drawing techniques of certain objects but also to concentrate on the artists' philosophy, idea of universe and knowledge.This thesis is design to compare and to analyze Jo Sok's most representative paintings, such as「Old Tree with Birds」 and「Magpie on a Old Plum」 focused on 'Six method of painting' written by the most noted painter in China called Sah- Hyuk(A.D. 500～535). Additionally, the researcher analyzed her own floral formative artworks called「Above the Clouds…」 and「Autumn」.The researcher's intention in this study is to adapt a spirit of the Korean literary artist's line and the void space of formative art. Furthermore, this study is proposing that modern floral formative artists would imply Korean literary artists' intellectual spirits, an es-thetic sense and the forms to their own artworks.

This study is a preceding study to propose direction of design planning for modern church architecture from the user's perspective view. One of the many ways to overcome symptoms is that people suffer from psychological and mental problems, in accordance with the rapid growth and change of modern urban society, the rise of individualism and selfishness. The purpose of the study is to present basic research data for the future by examining the expression characteristics of the formative design in pre and post World War ll American Modern Expressionist churches. It was understood that the churches showed the expression characteristics of formative design according to the Analysis items of visual, relational, and practical elements classification, and also the expression characteristics of the design according to the type of the research subject

오늘날과 같은 멀티미디어 시대에 있어서 문화산업 분야는 영화를 비롯하여 애니매이션, 출판, 대중음악, 게임, 캐릭터등 고부가가치 산업으로 재구성되고 있다. 그 중에서도 특히 캐릭터 산업은 엄청난 파급효과를 창출해 준다. 캐릭터는 대상의 이미지를 선명히 부각시킨다는 특징으로 현대 사회에서 대중의 시선을 집중시킬 수 있는 시각적 요소에 적합할 매체일 뿐 아니라, 다양한 미디어의 발달로 인해 캐릭터의 이용범위에 상품적 가치는 점점 확대되어 가고 현재 캐릭터는 인간과 상품사이에서 커뮤니케이션 역할을 하면서 적극적으로 활용되고 있고 21세기 미래형 산업이라는 발전가능성을 안고 있다.캐릭터 산업은 고도의 가공 기술과 현대적인 디자인 감각이 요구되는 토탈디자인 산업으로 선진국에서는 이미 캐릭터 메이커를 구심점으로 신제품개발과 디자인 문화의 창조에 노력을 기울이고 있다. 팬시 산업은 현대인의 심리에 부응하면서 동시에 미적 의식을 구체화함으로 어린이에게 꿈과 환상을 청소년들에게는 독특하고 발랄한 감각의 용품을 일반인에게는 빼놓을수 없는 독자적인 장르를 이루고 있다. 팬시 산업은 현실에서 못다 채우는 정서적 욕망을 캐릭터를 통해 보상 받고자하는 기대감, 현대의 유행을 같이 참여한다는 대중심리 자기 만족 등의 소비심리에 작용한다고 본다. 그러나 팬시 산업의 현황은 80%이상의 외국의 캐릭터 상품으로 장식하면서 어느새 고께빵, 푸우, 디즈니 등의 제품들이 문화적 코드로 정착되어 가고 있으며, 그들의 정서와 문화를 우리도 모르게 받아들이고 있다.본 연구에서는 창의성 없는 모방작의 범람과 일본, 미국판 등 국적 불명의 캐릭터들이 난무하고 있는 실정 가운데 세계인의 사랑을 받을 수 있는 자국의 문화를 가진 국적 있는 캐릭터를 개발하는데 있어 단기적 산업적 이윤을 추구하는 캐릭터가 아닌 오랜 사랑을 받아온 캐릭터 미키마우스, 미피, 피터래빗 등을 통해 우리 생활에 자리 잡기까지의 역사적 배경과 특성을 살펴보고 디자인 전략과 마케팅전략, 각 캐릭터들의 이미지 분석과 형태, 색채, 스토리분석을 통해 부족한 점과 지향점을 파악해 팬시산업에 있어서 캐릭터의 조형 디자인에 관한 연구를 하는데 있다.

Today, as a multi-media era, culture industry is reconstructed as high value-added industry such as movie, animation, publication, music, game and character design.Especially character design has had an enormous ripple effect. Animation character is perfect medium for visual factor by bringing the subject's image into relief that is attraction to people's interests. As the option for use of character is expended, its commercial value is expended as well. Character design also has a potential as a future industry forits active communication role between human and product.

세계화와 함께 지역화를 추구하는 태도나 사고를 의미하는 글로컬리즘은 오늘날 하나의 사조로 구분될 만큼 괄목할 만한 개념으로 부상하고 있다. 이러한 추세는 패션계에도 큰 영향을 미치고 있는바 우리의 정체 성과 그 근원적인 뿌리에 대한 의미를 되짚어 볼 필요성이 제기되고 있다. 이에 본 연구는 이러한 시대적 흐름을 반영하여 창의적 디자인 사고의 영감원으로서 조선 시대 철릭을 조명하고 그것이 지닌 독특한 조형 미를 분석해 그를 새롭게 표출시킨 패션디자인을 제안하고자 함에 목적을 둔다. 본 연구의 방법으로는 문헌 연구와 시각자료 분석연구 방법을 병행했다. 연구 내용은 철릭에 관한 일반적 고찰과 조형미 분석 그리고 작품 계획 및 결과 제시로 이루어졌다. 분석 결과로 철릭의 조형미를 선적 조형미, 비움과 채움의 공간미, 여유의 미, 비의 미로 제시하고 이를 적용한 패션디자인 작품 3벌을 제작하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 선적 조형미는 직선과 곡선의 공존과 조화로 나타났으며 비움과 채움의 공간미는 주름이 없는 공간과 주름으로 채워진 공간의 병치미로 나타났다. 또한 여유의 미는 여유로운 형태와 실루엣으로 나타났으며 비의 미는 가벼운 소재와 투시 소재에 의한 비상의 이미지로 나타났다. 둘째, 본 연구의 작품에서는 철릭을 디자인 모티프로 하되 분리와 결합, 도치, 방향 전환, 위치 변경, 생략, 중첩의 방법으로 디자인한 결과 선적 조형미, 비움과 채움의 공간미, 여유의 미, 비의 미를 토대로 한 현대적 감성이 나타날 수 있었다. 셋째, 주름진 소재 여러 조각을 겹치며 반복 사용함으로써 풍성한 실루엣을 구성할 수 있었으며 레이어링의 역동적 율동미가 표현되었다. 넷째, 빈 공간과 주름 공간을 병치시킨 결과 흥미로운 공간미가 나타났다. 색채와 재질을 통일감 있게 사용한 경우는 극적 대립보다는 차분한 조화로움이 표현될 수 있었고 색채와 재질의 차를 크게 했을 경우 극적이며 특정 공간이 강조되는 효과가 있었다. 다섯째, 여유 있는 실루엣에 가벼운 흰색 소재의 새 깃털 같은 주름들이 부가적으로 겹쳐짐으로써 비의 미가 강조될 수 있었다. 이상의 결과를 통해 본 연구는 한국적 조형미를 특정한 구성 방법을 적용해 독특하고 현대적인 패션디자인을 제시하였다는 점에 연구의 의 의가 있다. 이러한 실험적 연구를 통해 현대 패션디자인 작품에 대한 발전적 행보에 도움이 되기를 기대한다.

Today, Glocalism which means attitudes or ideas pursuing both globalism and localism is rising as an eye-opening concept so it is even specified as the trend of the times. Such a trend has a great effect on the fashion world and there is an emerging need to look back on the meaning of our identity and its underlying roots. Hence, reflecting the current of the times, this study aims to shed light on Cheollik of the Joseon Dynasty period as a source for inspiration for creative design thinking, analyzing its unique formative beauty, and present fashion design expressing it in a new manner. As for the research methodology, literature research and visual data analysis were conducted together. As for the research contents, it consisted of overall review of Cheollik and analysis of its formative beauty, plan for work and presentation of a result. As a result of analysis, the study suggested the formative beauty of Cheollik as beauty of linear form, that of space emptied and filled, that of composure and that of flight, and 3 fashion design works applying them above were created. Research findings are as follows. Firstly, beauty of linear form was represented as coexistence and harmony of straight and curved lines, and beauty of space emptied and filled was represented as juxtaposition of spaces with and without pleats. Furthermore, beauty of composure was shown from loose shapes and silhouettes, and beauty of flight was shown from an image of flight by light and see-through materials. With a design motif from Cheollik, the works in the research could express modern sensibility based on beauty of Cheollik as beauty of linear form, that of space emptied and filled, that of composure and that of flight through design by methods including separation and combination, inversion, switch of direction, change of location, omission and layering Thirdly, an ample silhouette was created by layering and repetitive use of several pieces of a pleated material and dynamic and rhythmical beauty of layering was expressed. Fourthly, juxtaposition of empty and pleated spaces resulted in beauty of interesting space. It was possible to express calm harmony rather than dramatic confrontation when using colors and texture in unity. Besides, there was a dramatic effect to emphasize certain space when there was a great difference between color and texture. Fifthly, beauty of flight was emphasized by layering of pleats like feather from a light and white material on an ample silhouette. Shown from research findings above, the study has significance in that it presented unique and modern fashion design of Korean formative beauty by applying a specific composition method. This experimental research is expected to be helpful for a developmental pathway for modern fashion design works.

본 연구는 생성형 인공지능 기반의 텍스트 생성 도구 챗지피티와 이미지 생성 도구 미드저니를 활용하여 슬리브 디자인의 시각적 구현 가능성을 분석하고, 프롬프트 구성 방식에 따른 이미지 생성 결과의 차이를 도출함으로써 패션 디자인 분야에서 생성형 AI의 활용 가능성과 전략을 모색하고자 하였다. 본 연구에서는 셔츠 디자인의 기본 요소인 화이트 컬러의 면 소재, 레귤러 핏, 셔츠 칼라를 동일하게 설정한 상태에서, 다섯 가지 슬리브 유형을 독립 변수로 설정하여 이미지 생성 실험을 실시하였다. 이를 통해 프롬프트 유형에 따라 생성된 각 슬리브 디자인의 시각적 구현 특성을 비교⋅분석하였다. 실험 결과, 일반적인 셔츠 구성과 조형적 호환성이 높은 슬리브 유형은 비교적 정확하게 시각화되었으나, 전형적인 셔츠 디자인에서 벗어난 슬리브 유형은 미드저니의 사전 학습된 이미지 데이터에 따라 자율적으로 조정되거나 예기치 않은 시각 요소가 삽 입되는 경향이 나타났다. 또한, 프롬프트의 구성 방식에 따라 이미지 결과물의 차이가 뚜렷하게 나타났으며, 키워드 나열형보다 문장 구조와 관계성이 포함된 서술형 프롬프트가 디자인의 일관성과 세부 표현의 정확성 측면에서 더 효과적인 결과를 도출하였다. 아울러, 미드저니는 사용자 의도를 그대로 재현하는 데에는 한계 가 있으나, 조형 요소 간 새로운 결합 가능성을 제안하고 창의적 발상을 유도하는 측면에서 유의미한 디자인 도구로 활용될 수 있음을 확인하였다. 본 연구는 슬리브라는 구체적 조형 요소를 중심으로 생성형 AI의 이미 지 구현 특성과 프롬프트 구성 방식의 영향을 분석함으로써, 패션 디자인 분야에서 AI 활용 가능성과 프롬프 트 전략 수립에 유용한 기초자료를 제공한다는 점에서 의의가 있다.

This study explores the potential of generative artificial intelligence (AI) tools in visualizing sleeve design, focusing on the application of the text-based model ChatGPT and the image-generation platform Midjourney. The purpose of the research is to examine how variations in prompt composition affect image outcomes and to investigate the strategic use of generative AI in the field of fashion design. In the experiment, key shirt design elements—white cotton fabric, regular fit, and a classic shirt collar—were fixed as constants, while five different sleeve types were set as independent variables to generate images under controlled conditions. Based on the approach above, a comparative analysis was conducted on the characteristics of visually represented sleeve types across different prompts. The results revealed that sleeve types structurally compatible with conventional shirt designs were more accurately visualized. In contrast, sleeves that deviated from typical shirt structures tended to trigger autonomous reinterpretations or the insertion of unintended visual elements, reflecting Midjourney’s reliance on pre-trained prototypical image data. Additionally, distinct differences emerged depending on the structure of the prompt. Sentence-based prompts, which articulated logical relationships among design components, consistently produced more coherent and precise outcomes compared to keyword-based prompts, particularly in cases involving complex forms or intricate details. While Midjourney showed limitations in faithfully reproducing user intent, it also demonstrated the capacity to propose unexpected combinations of design elements, thereby supporting creative ideation. As such, the platform functions more effectively as a tool for exploratory design thinking rather than for exact visual replication. By centering on the sleeve—a specific structural element—this study identifies key factors influencing AI-generated fashion imagery and offers foundational insights for developing prompt strategies and expanding the role of generative AI in contemporary fashion design practices.

The objective of this study is to apply simple geometric lines, the characteristics of minimalism, and elements of haircut design to procedure haircut designs simplifying complex procedures, such as section and the use of a base. Moreover, this study aims to create a manual that could objectively establish the haircut design process that could be utilized as basic educational material presenting various haircut designs. As for the research methods used in this study, after setting up the outline for the lengths of E and P, which are suitable for each design, On the Base and Off the Base were utilized. By repetitively using the horizontal and vertical sectioning, a total of two long-hair designs and two medium-hair designs were produced. As for the results of this study, the heaviness of the horizontal line of Under Zone was represented, and the lesser value of the heaviness of the vertical line of Middle Zone & Over Zone were represented. Works 1 & 2 were represented in the form of a straight line, and works 3 & 4 were represented in the form of a curved line. This study objectified and materialized the process by combining the formative elements of geometry and minimalism, while also applying the minimalization of sectioning and the repetitive use of a base. Also, this study suggested the creative ability to adjust the haircut design, the ease of analyzing the haircut design with respect to the adjustment of the base, sectioning, and angles, and the possibility to represent the haircut design more fully.

本研究目的在于利用几何学单纯线条、简约主义特性和剪发设计实操要素，简化复杂的分区和发片操作， 把几何学线条融入发型设计中，继而制作明确发型设计客观流程的手册，并将其用作开发或表现各种发型设 计的基础教育资料。在研究方法，先是把整体轮廓线设定为符合各类设计的E.P长度，然后采用On the Base 和Off the Base。在分区方式上，反复使用水平分区（Horizontal section）和垂直分区（Vertical sectio n），分别制作两个长发发型作品和2个中长度发型作品。研究结果显示，Under Zone的水平线呈现较重的重 量感，Middle Zone和Over Zone的垂直线呈现较轻的重量感。另外，作品1和2是以直线形式设计的发型，而 作品3和4则是以曲线形式设计的发型。本研究把几何学和简约主义造型要素结合起来，尽量减少分区，反复 进行发片，把剪发流程进行客观化和具体化。另外，通过调整发型设计计划的创意能力，结合发片和分区以 及角度调整，不仅可以便于分析发型设计，而且还有助于发型设计再现可能性。

본 연구는 패션 브랜드 마린 세르의 지속 가능 패션 디자인에 나타난 조형적 특성을 분석하는 데 목적이 있다. 이를 통해 오늘날 패션에서 지속 가능성이 어떠한 방식으로 시각화되고 확장되는지를 살펴보고자 하였다. 연구 방법으로는 선행 연구를 바탕으로 한 이론적 고찰과 함께, 마린 세르 컬렉션에 나타난 사례 분석을 병행하였다. 분석 대상은 마린 세르가 파리 컬렉션에 데뷔한 2018년 S/S 컬렉션부터 2026년 F/W 컬렉션까지로 설정하였으며, 공식 자료를 바탕으로 업사이클링 및 데드스톡 소재 활용 여부가 확인 가능한 사례를 중심으로 분석하였다. 이를 바탕으로 마린 세르의 지속 가능한 패션의 조형적 특성을 도출하였으며, 선행 연구에서 제시된 다양한 특성을 검토한 후 이를 재구성하여 분석 기준으로 설정하였다. 본 연구에서는 자원순환과 재사용 개념을 환경성으로, 수공예적 요소와 장식적 표현을 강조한 개념을 쿠튀르적 장식성으로, 과거 복식및 문화적 요소를 재해석한 표현을 전통성으로, 이질적 소재와 기능의 결합을 의외성으로, 그리고 기존 의복구조를 분해하고 재조합하는 방식을 해체성으로 구분하여 총 다섯 가지 조형적 특성으로 범주화하였다. 분석 결과, 마린 세르의 지속 가능한 패션 디자인은 단순한 친환경적 실천을 넘어 다양한 소재와 구조의 재구성을 통해 독창적인 조형적 표현을 형성하고 있음을 확인할 수 있었다. 또한, 각 조형적 특성은 개별적으로 나타나기보다 상호 결합하여 복합적인 방식으로 구현되는 경향을 보였다. 본 연구는 마린 세르의 지속 가능한 패션디자인을 환경적 관점에 국한하지 않고 조형적 특성이라는 측면에서 분석함으로써 디자인 표현 방식에 대한 이해를 확장하였다는 점에서 의의가 있다. 향후 연구에서는 이러한 조형적 특성이 가지고 있는 미적 가치와 내러티브에 대한 심층적 연구가 계속 이루어지길 기대한다.

This study aims to analyze the formative characteristics of sustainable fashion design found in the collections of the fashion brand Marine Serre. Based on this analysis, the study examines how sustainability is visually expressed within contemporary fashion. The research methodology combines a theoretical review based on previous studies with a case analysis of Marine Serre’s collections. The analysis focuses on collection images and materials obtained from professional fashion platforms and official channels. After reviewing various classification systems proposed in previous studies, this study reconstructed the analytical criteria into five formative characteristics: environmental sustainability, couture-like decorative characteristics, traditionality, unexpectedness, and deconstruction. Environmental sustainability refers to resource circulation and reuse; couture-like decorative characteristics emphasize handcrafted and decorative expressions; traditionality involves the reinterpretation of historical costumes and cultural elements; unexpectedness reflects the combination of heterogeneous materials and functions; and deconstruction denotes the disassembly and recomposition of conventional garment structures. The scope of analysis includes collections from Marine Serre’s debut at Paris Fashion Week in the Spring/Summer 2018 season to the Fall/Winter 2026 season. The selected cases focused on works employing upcycling techniques identified through designer interviews, the official websites, the YouTube channels, Instagram, and fashion-related articles and reports. The findings reveal that Marine Serre’s sustainable fashion design extends beyond environmentally friendly practices and creates distinctive formative expressions through the recombination of various materials and structures. Furthermore, these formative characteristics tend to be manifested in integrated and hybrid expressions rather than isolated elements. This study contributes to a broader understanding of sustainable fashion design from a formative perspective rather than limiting it to environmental considerations. Future studies should further explore the aesthetic values and narratives embedded within these formative characteristics.

This study a object, That outward form of human hair only looks beautiful image, not stop, not from changes that help the human body and the date of the internal image changchulin completely made that beautiful fully developed to produce new human beings can be seen as an important role. In addition, the representational aspect of postmodernism tend disciplines, as do one trillion aspects of postmodern dislocation of hair design is possible, you can understand. First, texture, form a line gateuna One length cut is another cut and commonly called Parallel cut heavy shot is reminiscent of the feeling. Pararel cut cuts only the formal concept of creating a modern sensibility designed by combining the classic styling of the results, rather than a massage Name when directed geotmareumeuro curls were expressed as a youthful freshness. Second, the texture and the angle according to the treatment of mixed cut Graduation cut the angle and connected by a layer of fine representation of the scalp hair, depending on the angle perpendicular to the surface by creating a detailed layer is giving. In addition to patingseon, texture, cut, depending on the variety of techniques to make changes to be expressed. Mass media, especially the Graduation cut hairstyles people prefer the modern style has been featured frequently. Third, due to changes in the structural form of each procedure by the lines and angles in harmony Uniform layer cut any part of the scalp eseona set the reference point and if the cuts go over the structure of the head matches the natural length can be achieved. The result been postmodernism and get cut hair style when you want to change through the effective way to study the angle, shape and texture according to the changes in the style showed. Increase layer cut also cut with a feeling of lightness to the desired layer syagikeoteu, Kurt Wolf, etc. Pointing to use Stroke cut technique or by using the technique was able to give a lighter texture.

본 연구는 남성 정장에 대한 전반적인 이해를 바탕으로 ‘더 스튜디오 케이(the Studio K)’의 ‘라피규라(LA FIGURA)’ 남성 정장 라인의 기존 디자인의 성향을 연구 및 분석하고, 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨이지향하는 남성 정장의 ‘위트(wit)’가 무엇인지 조형적 특성을 통해 파악하며, 브랜드를 중심으로 우리나라 남성 맞춤 정장 디자인의 발전된 방향을 제시하는 것을 목적으로 한다. 남성 맞춤 정장 디자인 발전 방안으로역사적 배경 및 소재와 실루엣, 디테일을 중심으로 문헌조사와 실태조사를 병행하여 연구하고자 한다. 첫번째로, 남성 정장의 현대화가 시작된 대표적인 시점인 17세기 중반의 찰스 2세 왕정 당시부터 20세기까지남성 정장의 역사를 연구 분석한다. 두 번째로, 현대 남성 정장에 적용된 나라별 정장 디자인의 다양한 스타일과 각 스타일이 탄생하게 된 계기를 영국, 이태리, 미국을 중심으로 분석 및 요약한다. 세 번째로, 스튜디오케이 맨 정장의 전체적인 종류와 주요 특징을 알아보고, 위와 같은 정보를 토대로 2013년 F/W부터 현재까지의 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨의 디자인 특징을 색상과 소재, 실루엣과 디테일을 중심으로 분석하여차별화 요소 및 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨만의 남성 정장의 위트가 무엇인지를 찾아서 위의 연구를중심으로 트렌드에 따른 시즌감을 반영하여 디자이너 브랜드의 특성 부각, 체형에 따른 패턴의 연구, 캐쥬얼과 매칭 할 수 있는 부각된 스타일링 팁으로 브랜드를 발전시키는데 핵심요소가 되는 연구를 진행 하고자한다. 결과적으로 남성 정장에서 가장 중요한 핵심요소와 라피규라 바이 더 스튜디오 케이 맨의 발전 전개를위하여 반영해야 하는 요소들을 제시하는 것이 이번 연구의 절차이다.

The purpose of this research is to introduce a fashion brand, ‘LA FIGURA by the studio K Men’ and analyze men’s classic suits designed by LA FIGURA. By studying men’s classic suits from the early 17th century to the current trend first, the tendency of procedures continues knowing philosophy of LA FIGURA’s own creations for bespoke tailoring that LA FIGURA’s custom-made suits delicately represent selective styles for men’s classic suits not only for those styles reflected from the general tradition of men’s suits but also LA FIGURA’s ‘wit’ of the suit designs through the formative characteristics. At last, the research suggests a future reference of what direction LA FIGURA could aim for and specific design ideas for the successful business such as a fabric, silhouette and a design detail. To briefly delineate the study, first, it describes chronological knowledge on men’s classic suits from the early 17th century when the first modernization of suit’s design had started and up until now about the current trend for men’s bespoke suits. Second, the study focuses on the analysis of LA FIGURA’s bespoke tailoring in terms of its previous collections from F/W of 2009 until the present. The analysis addresses three main styles of men’s suit including the British, Italian and the American suits to reflect on LA FIGURA’s bespoke design. It interprets how each style of suit has occurred based on the historic backgrounds for men’s classic suit design and some example of their brands. Third, the paper concludes with the suggestion for improvements for LA FIGURA’s brand image and techniques for suit’s design including fabric, silhouette and design detail.

This study aimed to explore the application of Alexander Calder’s formative characteristics to nail design, moving beyond traditional pictorial nail art to propose more creative and innovative concepts. To achieve this, five nail art designs were reinterpreted from the perspective of Calder’s artistic principles. The results introduced new production techniques, emphasizing artistic value and expanding the creative potential of nail art. By integrating sculptural elements and design principles rarely used in conventional nail art, this study enhanced originality and established a new aesthetic framework. Furthermore, it validates the connection between Calder’s artistic approach and the researcher’s designs, providing a theoretical foundation for future creative developments in nail art.

本研究旨在应用亚历山大·卡尔德的造型特性, 突破传统美甲艺术的绘画性设计模式, 提出创新性设计方案. 基于亚历山大·卡尔德作品的艺术视角, 本研究共重新解读并设计了5 款美甲艺术作品. 研究结果为美甲设计领域提供了全新的制作方法, 并显著提升了设计的艺 术价值. 通过引入传统美甲领域未曾使用的造型元素和原理, 有效增强了设计的创造性, 构 建了美甲艺术设计的新美学价值. 本研究通过将亚历山大·卡尔德作品与创作者作品的关联性 论证, 为新的设计构思提供了理论依据.

최근 현대인들은 삶의 질을 높이고자 무엇보다 가치소비를 지향하게 되었으며 이로 인해 문화에 대한 관 심도 증가하였는데 특히 서로 상이한 예술분야의 융합으로 인하여 새롭게 탄생하는 복합적인 예술장르나 예술작품에 대한 선호도도 증가하게 되었다. 대중들의 이러한 욕구를 충족시키기 위해 본 문은 회화와 패션 이라는 서로 상이하면서도 공통성이 있는 예술분야의 융합을 통해 보다 예술적인 이미지와 수공예적인 가치 를 더한 패션디자인을 모색하고자 20세기 초 뚜렷한 독창적인 개성을 지니고 있는 모더니스트이자 페미니시 스트인 미국의 대표적인 화가 조지아 오키프의 작품을 패션에 적용하여 패션디자인 개발연구를 진행하였다. 본 연구에서는 이론적 고찰을 통해 오키프의 예술생애를 살펴보고 부동한 시기에 나타난 작품에 대한 분석 을 통해 조형적 특성을 살펴보고 그 조형적 특성을 ʻ확대성ʼ, ʻ반복성ʼ, ʻ대칭 및 균형성ʼ, ʻ평면성ʼ, ʻ색채표현ʼ 등 다섯 가지로 종합하였으며 이러한 특성을 패션디자인에 적용하여 표현하였다. 패션디자인에서의 ʻ확대성ʼ 의 표현은 회화작품 모티브의 이미지를 추상적인 원형으로 재해석하여 의상의 앞중심 부분에 집중적으로 확대하여 표현하였고 ʻ반복성ʼ은 회화작품 모티브의 이미지를 불규칙적이며 반복적인 곡선으로 재해석하여 의상의 앞면에 표현하였으며 ʻ대칭 및 균형성ʼ은 회화작품의 모티브의 이미지를 대칭적인 문양으로 단순화하 여 의상의 앞중심 부분에 좌우수직적인 대칭문양으로 표현하였고 ʻ평면성ʼ은 회화작품의 모티브의 이미지를 불규칙적인 타원형으로 간략화하여 의상의 여러 면에 표현하였다. 이러한 조형적 특성을 패션디자인에 적용 하여 총 4벌의 작품을 제작하였는데 모든 작품 제작과정에서는 모직물을 주소재로 사용하였으며 문양의 표 현에 있어서는 코바늘뜨기기법, 섬유펠트기법, 손자수기법을 이용하였고 그 과정에서 문양을 새롭게 디자인 하고 다양하게 구성하여 작품을 제작하였으며 ʻ색채표현ʼ의 방법에 있어서는 오키프의 작품에서 가장 대표적 으로 사용한 대비색상사용과 유사색상사용의 두 가지 기법을 참고로 인접색상배색, 보색대비, 대비색대비, 무채색대비 등 기법을 사용하여 시각적인 효과를 추구하였다. 본 연구가 의도한 것은 회화와 패션의 공감대 를 형성하고 창의적인 패션디자인의 개발을 통해 현대인의 심미요구에 부합되는 패션디자인작품을 개발하 고자 하는데 그 목적을 두었다.

The objective of this study is to develop fashion design with added value as handcraft by applying designs inspired by art paintings in accordance with the increased interest in culture due to the recent trend towards value conscious consumption among modern people. The process of this paper is to achieve new style of fashion design by combining two different part which involve art and fashion. And this attempt is shown in four sets of products made in the paper which referenced to the paintings of Georgia O'Keeffe(a modernist from the United States in 20th century) after summarizing her theoretically discussed artistic career and formative characteristics in different stages. And the design incorporated the features like amplification, repeatability, symmetry, balance, planarity and color using from O'Keeffes’ paintings. During the design process of all the costumes, we summarized the scene of flowers and sceneries into vortex lines, irregular curves and irregular ovals in order to present the formative characteristics in paintings. The expression in the design process is a re-interpretative image of the painting as an abstract circular pattern, and the symmetrical image of the painting is reflected in the vertical center. In decorating process, we transformed the wool fabric into modern garments and reproduced new patterns of the products by felting, embroidery and crocheting. The use of color was made references to the formative characteristic which is the style of contrasting colors and similar color by O'Keeffe. The purpose of this paper is to develop fashion design works that face with the aesthetic needs of modern people through the development of creative fashion design and the formation of a consensus of painting and fashion.

현대 패션은 다양한 예술과 융합하여 개성과 가치관을 표현하는 방향으로 발전하고 있으며, 종이접기 기 법은 패션과 결합된 조형 예술 중 하나로 활용된다. 한국 전통 종이접기는 고유한 역사성과 조형미를 지니고 있지만 현대적 재해석과 창의적 패션 디자인 연구는 부족한 실정이다. 반면, 애슬레저 패션은 COVID-19 이 후 실용성, 통기성, 활동성을 강조하며 빠르게 성장한 분야로 자리 잡았다. 종이접기의 접히고 펼쳐지는 구조 는 착용자의 움직임을 자유롭게 하며, 요크나 골반 등에 적용하면 애슬레저 패션의 활동성을 강화할 수 있다. 또한, 접기 패턴을 통해 공기층을 형성하여 통기성을 높이기 때문에, 여유 분량이 필요한 부위에 적용하여 공기 순환이 원활한 쾌적한 디자인을 구현할 수 있다. 본 연구는 한국 전통 종이접기의 조형미를 활용하여 신체 움직임이 용이한 구조의 애슬레저 패션 디자인을 개발하는 것을 목표로 하였다. 이를 위해 문헌 연구 및 사례 분석을 통해 한국 전통 종이접기의 유형과 애슬레저 패션의 특징을 이론적으로 고찰하고, 조형미와 기능성을 결합한 4개의 애슬레저 패션 작품을 개발하였다. 디자인 개발 과정에서 두 작품은 종이접기의 조형 미를 형태적 요소로 강조하였으며, 나머지 두 작품은 구조적 요소를 활용하여 기능성과 실용성을 극대화하였 다. 이를 통해 직관적인 디자인을 구현하고 애슬레저 아이템의 다기능성과 활용도를 강화하였으며, 등, 골반, 허벅지의 활동성과 통기성을 향상시켰다. 또한, 폴리에스터 및 가방 심지 등의 소재 결합을 통해 창의성과 디자인 가능성을 확장하였다. 그러나 일부 아이템에서 실루엣의 안정성이 부족하고, 접은 공간을 수납 구조 로 활용하기 어려운 한계가 나타났다. 따라서 향후 연구에서는 형태 유지성을 개선하고, 접기 기법을 활용한 공간을 수납 구조로 변형하여 실용성을 극대화하는 방안을 모색할 필요가 있다. 본 연구는 전통성과 현대성 이 조화를 이루는 창의적 패션 연구의 지속적 확장을 기대하며, 애슬레저 패션의 디자인 가능성을 더욱 넓히는 데 기여하고자 한다.

Modern fashion integrates various art forms to express individuality and values. Origami techniques, as a form of formative art, are being applied in fashion design. Traditional Korean origami has unique historical and aesthetic qualities, but research on its modern reinterpretation is still limited. Meanwhile, athleisure fashion has rapidly grown since the pandemic, emphasizing practicality, breathability, and mobility. The foldable structure of origami enhances movement and, when applied to areas like the yoke or hips, improves flexibility. Additionally, origami patterns create air layers, increasing ventilation and maintaining airflow, ensuring a comfortable design. Applying folding techniques to areas requiring extra volume makes movement more dynamic and unrestricted. This study develops athleisure fashion integrating traditional Korean origami aesthetics, emphasizing either visual appeal or structural functionality. A literature review and case study analyze Korean origami and athleisure characteristics, leading to four fashion designs that merge aesthetics and function. Two highlight origami’s aesthetic appeal, while two enhance mobility and practicality. These designs improve ventilation and comfort, particularly in the back, hips, and thighs. However, some designs lack silhouette stability and functional storage. Future studies should refine shape retention and storage solutions. Expanding origami-based design can lead to more functional and innovative athleisure fashion. This research promotes creative fashion development harmonizing tradition and modernity.

20세기에 접어들면서 민족주의의 등장과 더불어 아시아지역이 정치, 경제 등 세계사적으로 중요한 위치로 부각되기 시작하고 포스트모더니즘과 같은 문화요인과 결합하면서 아시아 풍은 세계의 문화를 선도하는 하나의 문화사조로 자리 잡게 되었다. 이에 본 연구의 목적은 현대 패션에 적용 가능한 아시아지역 민족복식의 조형적 특징을 추출하여 디자인을 개발함으로써 아시아지역 복식의 융합된 형태를 반영한 상품 기획에 도움이 되고자한다. 연구의 범위는 16세기말∼19세기의 아시아 민족복식에 관한 선행논문과 문헌자료를 통한 이론적 고찰과 2000년대 이후의 현대 패션에 나타난 아시안 룩의 사례를 분석하였다. 그 결과 현대 패션에 적용 가능한 아시아지역 민족복식의 조형적 특징을 첫째, 직선적 실루엣의 비구조적인 평면성 둘째, 유기적인 율동미 셋째, 형태의 가변성으로 도출하였다. 이러한 3가지 조형적 특징을 토대로 형태적 접근 가능성을 모색하여 아시아지역의 민족복식을 응용한 10종의 디자인을 개발하였다. 본 연구 결과를 통해 현대 패션에 적용 가능한 아시아지역의 민족복식을 응용한 패션디자인 작품제작 연구 결론은 다음과 같다. 첫째, 평면형의 직선적인 실루엣을 통한 공간적인 형태미는 아시아 룩의 전통미를 표현해 주는 동시에 현대 패션의 조형적 요소로도 활용되고 있어 현대적인 재해석을 할 경우 그 가능성이 무한하다. 둘째, 아시아지역의 민족복식에서 보이는 자유로운 여밈은 다양한 비균제적인 미를 표현하는 방법이며 특히 현대적인 이미지로 비례, 균형, 율동미 등을 적절하게 표현한다면 그 가능성을 기대할 수 있을 것이다. 셋째, 비구조적인 평면성을 통해 근본적인 선을 발전 변형시킨 디자인 개발은 현대적 감각으로 재구성이 가능하여 패션 테마의 다양성과 확대가 높다는 특징이 있다.

In the 20th century, Asia started to stand out as an important position historically in terms of politics and the economy, and Asian style surfaced as one of the cultural trends that leads global culture as it combines with cultural factors such as modernism. The purpose of this study is to aid planning of a product that reflects a mixed form of costume history of Asia by developing a design based on the formative characteristics of ethnic costumes of the Asian region which can be applied to contemporary fashion. Theoretical examination and analysis was conducted on cases of Asian style presented in contemporary fashion since the year 2000 and through precedent studies and literature about ethnic costumes of Asia from the end of the 16th century to 19th century. The results show that the formative characteristics of ethnic costume of the Asian region that can be applied to contemporary fashion are as follows: first, a plaintive planar characteristic of a linear silhouette, second, organic rhythmical beauty, third, variability of form, and fourth, symbolic expression of external elements. 10 types of designs that applied ethnic costumes of Asia were developed through formative approaches based on the four formative characteristics above. The conclusion of this study of fashion design production that applies ethnic costumes of the Asian region to contemporary fashion is as follows: First, the formative beauty of space implemented through a planar straight line is utilized as a sculptural element of contemporary fashion while simultaneously highlighting the features of Asian tradition, and thus offers limitless potential when re-interpreted to a contemporary perspective. Second, the free adjustment in the ethnic costumes of Asia is a way of expressing diverse asymmetric beauties, and if expressed properly with the use of elements such as proportion, balance and motion from a contemporary perspective, presents limitless potential. Third, designs developed through modification of base line on a non-structural plane can be re-organized in a contemporary sense, and can accommodate extensive themes of fashions.

본 연구는 인체 근육이 가진 조형적 요소 중 선에 주목하여 각 근육의 선적 조형미를 분석하고, 이를 다양 한 움직임이 요구되는 애슬레저 웨어에 적용함으로써 새로운 디자인 개발을 시도하는 데 목적을 두었다. 본 연구의 연구 방법은 문헌 연구와 사례 연구, 작품 개발 연구의 세 가지 방법을 통해 진행되었다. 우선 조형 요소 중 하나인 선과 인체 근육, 애슬레저 웨어에 대해 관련 전문 서적 및 학술 논문, 기사 등의 자료를 통해 문헌 연구를 진행하고, 선행 연구에서 수집한 10개의 애슬레저 웨어 브랜드 중 3개의 브랜드에서 수집 및 선정된 사례를 대상으로 사례 연구를 진행하였다. 브랜드별 사례는 디자인 특징, 제품의 유형, 모티브 등으로 구분하여 인체 근육의 선적 조형미가 적용된 양상을 분석하고 미적 가치를 도출하였다. 이를 기반으로 주요 골격근 13개와 선의 조형미 8가지를 모티브로 채택하여 애슬레저 웨어의 대표 제품인 트랙 재킷, 아노락, 보디 슈트, 스웨트 셔츠, 팬츠 등으로 구성된 총 6점의 작품을 설계 및 디자인하였다. 각 작품의 제작 의도와 방법을 기술함으로써 인체 근육의 선적 조형미를 응용한 작품의 전개 과정과 해설을 제시하였다. 본 연구는 인체 근육의 조형적 가치를 파악하고, 이를 의복 구성의 과정에 적용함으로써 애슬레저 웨어 디자인에 활용 한 작품 개발 연구이다. 이는 새로운 패션 디자인 개발의 방법을 탐구하였다는 점, 나아가 인체 근육을 활용 한 패션 디자인이 애슬레저 웨어의 특성과 융합하여 현대적으로 해석될 수 있는 가능성을 제시하였다는 점 에서 의의를 가진다. 이에 후속 연구를 통해 인체 근육이 가지고 있는 미적 가치를 작품 개발에 적용하는 것을 기대하는 바이다.

This study aims to develop new design concepts by focusing on the linear formative elements of human muscles and applying the aesthetic qualities of these lines to athleisure wear, which demands a wide range of movements. The research methodology consists of a literature review, case studies, and design-based practice. First, a literature review was conducted on the concept of ‘line’ as a formative element, the structure of human muscles, and the characteristics of athleisure wear, based on academic articles. Subsequently, a case study was carried out on selected design images from three out of ten pre-identified athleisure brands. The cases were analyzed in terms of design features, product types, and visual motifs, examining how the linear aesthetics of human muscles were embodied and identifying their aesthetic values. Based on the literature review and case studies, 13 major skeletal muscles and eight types of linear expressions were selected as design motifs. These were then applied to create six athleisure garments, including track jackets, anoraks, bodysuits, sweatshirts, and pants. The design development process for each piece was described, offering insight into how the linear beauty of human muscles was translated into fashion form. This study explored the formative potential of human muscles and demonstrated its application to garment design, specifically in the context of athleisure fashion. It is significant in that it proposed a novel approach to fashion design and underscored the potential for a contemporary reinterpretation of the human body’s muscular form through the lens of athleisure wear. Future studies are expected to further explore the aesthetic value of human musculature in creative fashion development.