Earticle

본 연구는 국가기술자격 검정이 국가직무능력표준 (이하 NCS; National Competency Standard)을 기반으로 나가아야 할 방향성을 고찰하는데 목적을 둔다. 본 연구는 한국산업인력공단이 실시한 시각디자인 직종 산업현장 멘토링 (2015년 4월 ~ 10월) 50개사 산업디자인전문회사로부터 작성되어진 보고서와 관련문헌, 전문가 의견을 바탕으로 현 국가기술자격의 문제점과 개선 요구사항을 분석 하였다. 결과, 50개사 산업디자인전문회사로부터 요구 된 산업현장 직무능력 사항은 다음과 같이 분석되었다. 첫 번째 프로젝트 기획력이다. 이는 의뢰된 프로젝트 및 제안요청서를 작성하여 클라이언트 요구사항 수렴을 통해 제안내용과 목표를 정확하게 설정해야 되는 프로젝트 기획력이 필요 능력이다. 두 번째 프레젠테이션 능력이다. 이는 문서작성ㆍ프레젠테이션 소프트웨어를 활용하여 설득력 있는 프로젝트 기획안을 제시하고 프로젝트 제안자의 차별화와 장점 발표를 통하여 설득력 있는 프레젠테이션을 하는 능력이다. 세 번째 디자인권 분쟁에 관한 것이다. 이는 외부로 부터 제공받은 서비스ㆍ콘텐츠 등을 보존 및 데이터베이스화 하여 차후 디자인개발에 활용하고 최종결과물을 저작권과 지식재산권에 대한 법적 보호절차를 통해서 개발 후 디자인권 분쟁을 사전에 차단 할 수 있는 능력이다.

The purpose of this study is to look for the right direction for further development of the National Technical Qualification Examination based on the NCS in the 21st century social environment in order to address the mismatch issue of the National Technical Qualification Examination between the typical core competencies required to employee and the performance capabilities required in the actual industry. In order to achieve the purpose of the study, case study was conducted based on the expert opinions as well as the report by the industrial design specialty companies composed of the 50 visual design industrial mentoring companies (Apr 2015 to Oct 2015) The requirements of the Industrial Competency Standards was analyzed as shown below. First of all, The Project Planning Ability required to set up the proposal and goal clearly by starting with the requested project along with the request of proposal and by having the client requirements together was the most preferred as a required skill. Secondly, the convincing Presentation Skill by presenting the convincing project proposal using the word-processing and presentation software and by presenting the project proposer’s differentiation and advantage was the second most important. The ability to prevent design rights associated dispute after development by preserving and databasing the service and contents provided from the outside and by utilizing in the design development afterwards was required through the legal protection procedures of the Copyright and the Intellectual Property Rights of the final output.

본 연구는 디자인 씽킹 방법론을 적용하여 제작된 증강현실(AR) 모션포스터 디자인을 분석하고, 이를 기반으로 시각디자인 교육 현장에서 활용 가능한 AR 모션포스터 디자인 가이드라인을 제안하는 것을 목적으로 한다. 연구 방법으로는 문헌연구·사례연구·실증연구를 결합한 혼합 연구 방법을 채택하였다. 문헌연구에서는 디자인 씽킹·증강현실·모션포스터 관련 KCI 등재 학술지 논문 20편을 분석하였으며, 사례연구에서는 AR 마케팅 디스플레이, 호주 멜버른 동물원 AR 포스터, 오스트리아 MAK 박물관의 “100 Best Posters” AR 전시 등 국내외 대표 사례를 검토하였다. 실증연구에서는 2024년 B대학교 시각디자인 전공 학생들이 제작한 AR 모션포스터 16개 중 8개를 선별하여 ①시각적 조형, ②모션, ③AR 연동, ④스토리텔링, ⑤디자인 씽킹 프로세스의 5개 차원에서 전문가 평가를 수행하였다. 분석 결과 일러스트 기반 시각 표현, 시간적 서사 구조, Artivive 플랫폼 기반 이미지 인식형 AR이 효과적 표현의 공통 패턴으로 도출되었다. 이를 바탕으로 콘셉트 명확성·시각적 레이어 디자인·모션 리듬 구조·AR 트리거 명확화·스토리텔링 구조·AR 도구 최적화·사운드 연계·피드백 기반 반복 개선의 8가지 핵심 요소(G1~G8)를 도출하고, 이를 기획·시각화·구현·검증의 4단계 프로세스로 체계화한 디자인 가이드라인을 최종 제안하였다. 본 연구는 AR 모션포스터를 독자적 연구 대상으로 규명하고, 시각디자인 교육 현장에서 활용가능한 실증 기반 가이드라인을 제공한다는 점에서 학문적·실무적 의의를 지닌다.

This study aims to analyze Augmented Reality (AR) motion poster design produced through the design thinking methodology and propose design guidelines for AR motion posters applicable to visual communication design education. The research employs a mixed-method approach combining literature review, case study, and empirical research. The literature review analyzed 20 KCI-listed academic papers on design thinking, augmented reality, and motion posters. The case study examined representative domestic and international cases, including AR marketing displays, the Melbourne Zoo AR storytelling poster, and the MAK Museum’s “100 Best Posters” AR exhibition in Austria. The empirical study selected and analyzed 8 out of 16 AR motion poster projects produced by visual communication design students at University B in 2024, evaluating them across five dimensions: visual elements, motion, AR integration, storytelling, and design thinking process, through expert evaluation. The analysis revealed that illustration-based visual expression, temporal narrative structure, and Artivive‘s marker-based image recognition AR were common patterns of effective expression. Based on these findings, the study derived eight core guideline elements (G1–G8): concept clarity, visual layer design, motion rhythm structure, AR trigger clarification, storytelling structure, AR tool optimization, sound integration, and feedback-based iterative improvement. These elements were systematized into a four-stage design process: planning, visualization, implementation, and verification. This study holds academic and practical significance in establishing AR motion posters as an independent research subject and providing empirically-grounded guidelines for visual communication design education.

본 논문은 이미지를 다루는 시각디자인 분야에서 주로 이론적 토대로서 많이 인용하는 퍼스의 기호학에 대한 점검과 재고를 목적으로 한다. 본 연구자는 퍼스의 기호분류법인 도상, 지표, 상징이 퍼스 본인의 의도와는 다르게 다소 왜곡되어서 인용되고 있는 현재 상황에 대해 의문을 제기한다. 퍼스의 기호학은 단순히 기호를 분류하기 위한 권위적인 틀을 넘어 인간의 사고체계를 분석한 철학이다. 그것을 좀 더 거대한 차원의 사회학적, 철학적 담론으로 이해하게 되면, 우리는 도상, 지표, 상징의 개념을 퍼스의 철학적 의도와 상관없이 너무 자의적으로 인용하고 있었음을 알 수 있다. 현대 디자인의 가치를 예전과는 달리 의미의 전달보다는 총체적인 문제해결의 측면에서 찾고 있는 상황에서 디자인의 미학적 가치는 그것의 논리적 가치에 종속되어가고 있는 것으로 보여진다. 퍼스의 기호학을 큰 틀에서 다시 재고했을 때 우리는 앞으로의 시각-커뮤니케이션디자인이 두 가지 가치의 디자인이 동등하게 상호의존하며 전개될 수 있는 가능성을 찾아보게 될 것이다. 퍼스의 기호학에 대한 올바른 이해와 적용으로 우리는 시각-커뮤니케이션디자인의 바람직한 전개방향을 그려볼 수 있을 것이다.

The purpose of this paper is in reconsideration on Peirce's semiotics, as the most useful theoretical background of visual communication design. I will argue that the concepts of icon, index, symbol, as types of sign proposed by C. S. Peirce have differently been quoting from his real intention with some distortion. Peirce's semiotics is a philosophy analysing system of human thinking beyond simple authoritative frame of categorizing type of signs. When we understand his semiotics as a meta discourse of sociology or philosophy, we get to know we have used his semiotics very arbitrarily regardless of his philosophical intention. In the situation of us finding the value of contemporary design in an aspect of overall solving problem rather than delivery of meaning contrarily to the old days, the aesthetical value of design seems to be going to be subordinate to its logical value. If we reconsider Peirce's semiotics macroscopically, we will be able to see a possibility of both of two values going together, being interdependent equally. With a right understanding and adoption, we will be able to draw desirable development of visual-communication design.

현재 디지털 뉴미디어 시대에서 예술과 기술이 완벽하게 융합되어 있습니다. 현대 디자인에서 제일 중요하게 전달된 시각적의 커뮤니케이션 형태로 디지털잡화를 느끼고 있으며 직관적인 형상성입니다. 진실적 생활로 아름다움의 감화력을 느끼고 있습 니다. 현지 현대 문화 디자인의서 매우 중요한 위치를 차지합니다. 그것은 문화 활동, 사회 공익사업, 상업 활동, 영화 및 텔레비전방면에서 이미 현대적인 디자인의 많은 곳 에서 사용되었습니다. 문화적 변화는 종이 미디어에서 전자 미디어로 전화가 되며, 텍 스트에서 이미지로, 합리성에서 감성으로, 단독성에서 다양성으로, 인식과 상상력에서 표현으로, 이미지에서 상상으로 이동되었습니다. 디지털잡화는 현대 시각 디자인에서 도 가장 중요한 위치를 차지하고 있으며 비즈니스 분야의 치열한 경쟁 속에서 디지털 잡화 디자인은 다양한 수준의 널리 사용됩니다. 진솔과, 진실성, 지신의 생생한 이미지 로 표현되며 도시 생활의 즐거움과 예술적인 미학의 매력을 선사 하고 있습니다. 전통 적인 회화 창작 방법과 현대적인 시각 디자인의 조합하게 되며 디지털 잡화는 디자인 에서 중국 전통 문화 요소의 본질과 풍부하고 암묵적인 아름다움을 담고 있습니다. 이 원본에서는 디지털잡화를 시각적 언어 표현을 탐구하고 연구하고, 전통적 요 소와 디지털 잡화의 통합으로 생성되는 독특한 예술적 아름다움을 탐구하고 국내외 고 저적인 잡화 분석을 결합하여 잡화를 통해 시각적인 전달을 포괄적으로 적용하고자합니다. 디지털잡화 시각 커뮤니케이션 디자인에서 응용 프로그램 전달하과 응용하며 디 지털잡화는 뉴미디어 시대의 그 가치를 탐구하고 마지막으로 디지털잡화의 기존 문제 점과 발전 전망을 논의하여 더 좋은 잡화를 개발을 위한 넓은 공간을 제공합니다.

In this digital new media era, art and technology have achieved perfect integration. As an important visual communication form of modern design, digital illustration, with its intuitive image, real life experience and the appeal of beauty, plays a very important role in modern design, involving cultural activities, social public undertakings, commercial activities, film and television culture, etc It has been widely used in many fields of modern design. Cultural transformation has changed from paper media to electronic media, from text to image, from rational to perceptual, from single to plural, from feeling and imagination to appearance, from image to simulacrum. Digital illustration also occupies a key position in the contemporary visual communication design. In the era of fierce competition in the commercial field, digital illustration design is widely used in different levels of design fields. With a direct, real and self vivid image, it has the pleasure of urban life and the appeal of artistic aesthetics. This combination of traditional painting creation and modern visual design makes digital illustration design contain the essence of traditional Chinese cultural elements and rich and implicit beauty. This paper attempts to explore the visual language expression of digital illustration, expound the unique artistic beauty produced by the collision and fusion of traditional elements and digital illustration, and analyze the application of illustration in visual communication design in a comprehensive and in-depth way combining with the case analysis of classic illustration at home and abroad. This paper explores the application of digital illustration in visual communication design, and the survival value of digital illustration in the new media era, and finally discusses the existing problems and development prospects of digital illustration, so as to provide a broad space for the better development of illustration.

在这个数字化的新媒体时代，艺术与技术做到了完美融合，数字插画作为现代设计 的一种重要的视觉传达形式，以其直观的形象性，真实的生活感受及其美的感染力，在现 代设计中占有相当重要的地位，涉及到文化活动、社会公共事业、商业活动、影视文化等 方面，已广泛应用于现代设计的多个领域。文化转型已经从纸媒转换到电子媒体，文字转 换为图像、理性转变到感性、单一转变多元，感觉和想象转变到表象、意象再转变到拟 象。数字插画在当代视觉传达设计中也占据着很关键的位置，在商业领域激烈竞争的时代 背景下，数字插画设计被广泛应用到不同层面的设计领域中。以一种直叙、真实、自我的 生动形象展现，使它具有都市生活的快感，且具有艺术美学的感染力。这种将传统的绘画 创作方式与现代视觉设计相结合，使数字插画设计中蕴含着中国传统文化元素的精髓和浓 郁且含蓄的美感。 本文试图通过对数字插画视觉语言表现形式的探索研究，对传统元素与数字插画碰 撞融合所产生的独特艺术美的阐述，同时结合国内外经典插画案例分析，对插画在视觉传 达设计中的应用进行全面和深入的分析。探索数字插画在在视觉传达设计方面的应用，以 及数字插画在新媒体时代的生存价值，最后探讨数字插画的现存问题及发展前景，为插画 的更好发展提供广阔的空间。

일반적으로 직관은 사건/사물을 직접적으로 빠르게 통찰하는 능력으로 받아들여진다. 세계를 해석하는 데에 매우 중요한 덕목인 것이다. 그래서 보통 사람들은 어떤 좋은 가치를 선점하기 위해 직관이라는 가치에 쉽게 편승한다. 시각디자인 분야도 예외가 아니다. 때로는 산업으로서의 효율성을 강조하기 위해 용이성 같은 뜻과 함께 직관이라는 가치에 기댄다. 또 때로는 혁신적 창의성을 찬양하기 위해 직관이라는 말로 디자이너의 고유한 조형감각을 지칭하거나 순간적으로 떠오르는 영감을 가리키기도 한다. 전자에서 직관은 보편성을 띤다. 반면에, 후자에서는 개별성을 띤다. 이러한 애매모호함 때문에 ‘사유가 직관적’이라는 말은 일반적으로 받아들여지는 것처럼 바람직하게만 들리지 않는다. 직관이라는 개념이 어떻게 정의되느냐에 따라 이 말은 바람직하지 않은 말이 되기도 하고 심지어는 말이 안 되는 수사가 되기도 한다. 지금 우리가 일반적으로 동의하는 직관의 의미는 무엇으로부터 비롯되었는가? 그리고 때로는 보편성의, 때로는 개별성을 띠는 애매한 직관의 의미를 어떻게 받아들일 때 시각디자인 분야는 그 존재의미를 정당화할 수 있는가? 본 연구는 이 문제들을 고찰함으로써 시각디자인에서 직관의 가치는 어떠해야 하는지를 재고해 보고자 하는 목적에서 기획되었다.

Generally, intuition is accepted with a meaning of insight grabbing fast directly through objects or situations. It is a very important quality to construct the world. So, ordinary people easily rely on the value of intuition when they preoccupy a virtue. No exception to visual graphic design field. Sometimes, accentuating efficiency as industrial factor, it relies on intuition, and sometimes, praising innovative creativity. In the former case, intuition means utility, convenience in universality, and in the latter case, it refers to unique sensibility or sudden inspiration in speciality. Because of this kind of ambiguity, a word like ‘thinking is intuitive’ doesn’t sound always desirable. Depending on how to define intuition, this word can be undesirable, even comes to be paradoxical rhetoric. Now, where is the meaning of intuition which we are agreeing derived from? In order to justify significance of visual graphic design, how do we accept the meaning of intuition which seems to be sometimes universality, sometimes speciality? With exploring these issues. This paper was planned in purpose of reconsidering what the value of intuition has to be.

전통적인 도형과 문화 기호는 시각적 전달 디자인 발전의 중요한 표현 매개체 이자 사회화 발전에서 사람들의 생활수준을 향상시키는 밀접한 기호이다. 역할을 통 해 시각적 전달 디자인 응용 공간을 넓힌 결과이자 문화적 기호 영향을 받아 시각적으 로 디자인의 의미와 응용을 바탕으로 하는 시각디자인 효과로 중국 시각전달 산업의 발전에 적극적인 추진 역할을 한다. 전통 문화는 문화에 부합되는 한 가지로서 깊은 시 대적 의미와 가치를 가진다. 그러나 현대 부호의 시각 디자인에 도안과 부호의 다차원 변화가 존재한다. 전통적인 도안 기호는 시각 디자인에 깊은 영향을 미친다. 실제 응용 과 응용 전략에 대한 분석은 반드시 예술적 의미 표현에 융합된 특성, 디자인의 운반체 와 본체를 포함한다. 도안과 문화 기호 결과는 새로운 높이에 이르렀다. 본고는 중국 전통 도형 기호의 역사 배경을 논술하면서 전통적인 도형 기호의 의미, 특징과 변천 과정을 제시하여 전통적인 도형 기호의 철학 사상에 대해 문화를 논 술하고 중국 문화의 철학 사상과 도안 기호에 대해 관련 해석을 한다. 전개 논술 전통 적인 도안 기호는 시각적 전달 디자인 응용 형식에서 표현되고 도안 부호 형식의 자연, 생각, 교차 재구성 세 가지 측면에서 논술한다. 마지막으로 도안 기호의 미래 발전에 대해 개인적인 전망과 정리를 한다. 본 연구는 시각적 전달 디자인의 관련 특징을 착안 점으로 삼아 실제적인 시각전달 디자인 실천에서 문화 기호의 뚜렷한 가치를 논술하는 중심으로 설계자가 타당성 있는 참고를 제공하는 것으로 간주한다.

Traditional graphics and cultural symbols are important performance carriers for the development of visual communication design. They are also closely related to the improvement of people's living standards in the process of social development. In terms of function, it is the result of expanding the application space of visual communication design and the visual design effect based on the connotation and application of visual communication design under the influence of cultural symbols, which has a positive role in promoting the development of visual communication industry in China. Traditional culture, as a kind of cultural conformity, has its profound connotation and value of the times. However, there are multi-dimensional changes in patterns and symbols in modern symbol visual design. Traditional pattern symbols have a profound impact on visual design. Practical application and application strategy analysis are bound to be in the expression of artistic connotation, with its integration characteristics, the design carrier and ontology are transmitted The result of unified pattern and cultural symbol reached a new height. This paper starts with the historical background of Chinese traditional graphic symbols, puts forward the connotation, characteristics and evolution process of traditional graphic symbols, expounds the philosophical thoughts of traditional graphic symbols in culture, and explains the philosophical thoughts and graphic symbols of Chinese culture in relation. This paper expounds the application form of traditional pattern symbols in visual communication design, and discusses from three aspects: the nature, the idea and the cross reconstruction of pattern symbols. At last, the author makes a personal outlook and summary on the future development of graphic symbols. This study takes the relevant characteristics of visual communication design as the starting point, and in the actual practice of visual communication design, focuses on the outstanding value of cultural symbols, so as to provide feasible reference for designers.

传统图形和文化符号是视觉传达设计发展的重要表现载体，也是在社会化发展中， 对人民生活水平提高关系密切的符号。从作用来讲，是视觉传达设计应用空间拓展的结 果，也是在文化符号影响渗透下，以视觉传达设计内涵和应用为基础的视觉设计效果，对 中国视觉传达行业的发展，具有积极的促进作用。传统文化作为文化符合的一种，有其深 刻的时代内涵和价值，但是在现代符号视觉设计里面存在图案和符号的的多维度变化，传 统的图案符号对视觉设计有深远的影响，实际应用和应用策略分析，势必在艺术内涵表达 中，以其融入性特质，设计的载体和本体由于传统图案和文化符号结果达到一个新高度。 本文从阐述中国传统图形符号历史背景开始，提出传统图形符号的内涵、特征及演 变过程，对传统图形符号的哲学思想进行文化阐述，对中国文化的哲学思想和图案符号做 关联解释。展开阐述传统图案符号在视觉传达设计应用形式表现，从图案符号形式的自 然、认为、交叉重构三方面进行论述。最后对图案符号的未来发展做个人展望和总结。本 研究以视觉传达设计的相关特征为切入点，在实际的视觉传达设计实践中，以文化符号的 突出价值为阐述重点，以为设计者提供可行性的借鉴。

본 연구의 목적은 급변하는 디자인산업의 환경과 매체변화에 대응하는 디자인 리서치교육의 필요성과 효율성을 검증해 보는 것이다. 첫 번째 연구결과는 리서치기반 수업을 수강한 학생들이 정성적·정량적·사용자분석리서치 중 정량적리서치의 중요성에 대하여 통계적으로 유의하게 인지하고 있다는 것이다. 통상적으로 디자인 전공자들은 정성적 이미지자료에 의존하고 있으며, 논리적이고 순차적으로 진행되는 정량리서치에는 흥미를 가지고 있지 못하다. 그러나 리서치 기반의 수업을 듣고 나서는 정량적 리서치가 클라이언트를 설득하거나, 새로운 아이디어를 창출할 때, 중요한 역할을 한다는 것을 스스로 깨닫고 자신감을 가질 수 있게 되었다. 두 번째 연구결과는 리서치기반의 수업을 듣고 난 학생들이 디자인에서 ‘콘셉을 잡는 능력’과 ‘프로젝트에 관한 사전 리서치 능력’이 결국 디자인 결과물의 수준을 결정하는 주요 요인이라는 생각이 훨씬 강하다는 것이다. 이는 조형적 스킬을 다루는 기능인으로 디자이너를 더 이상 정의할 수 없는 앞으로의 디자인 교육에서 리서치 기반의 디자인 교육이 꼭 필요한 항목이라는 것을 증명해준다. 리서치기반 디자인교육을 통해 일반적인 디자인 교육에서 간과하기 쉬운 정량적리서치와 정성적리서치가 통합되는 창의적인 교육의 효과를 기대해 볼 수 있었다.

The purpose of this study is to verify the necessity and efficiency of design research training that responds to sudden changes in the environment of the design industry and change in medium. The first outcome is that students who took the research-based class recognized the importance of quantitative research among qualitative·qualitative·user analysis researches in a statistically significant manner. Conventionally, design majors depend on qualitative image data, and lack interest in quantitative research, which occurs logically and sequentially. However, after taking the research-based class, they came to realize on their own that quantitative research can serve a crucial role in persuading clients, coming up with new ideas. The second outcome is that students who took the research-based class tend to have much stronger belief that 'ability to come up with a concept' and 'ability to do prior research on the project' are main factors that decide the quality of the design product. This proves that in the future design education, research-based design education is a necessity, as designers can no longer be defined as wrights that work with plastic skillsets. Through research-based design education, creative educational effect can be expected, where qualitative research is integrated with quantitative research that is often overlooked in the design education.

코로나바이러스 대유행으로 가속화된 온라인 전시의 보급은 그동안 오프라인 전시에서 다루지 않던 가능성과 논점을 제시한다. 디자인전공생들의 졸업 전시는 기능적, 심미적 탐구가 왕성하게 실천되는 장으로서 자급형 온라인 전시의 현재를 이해하고 가능성을 모색하는 대상으로 삼을만하다. 이 연구는 2020년 온라인으로 졸업전시를 개최한 국내 시각디자인 전공의 웹 사이트 15곳을 분석하여 대학별 전시의 특징을 분석한다. 도착-검색-감상-소통의 단계로 구분하여 평가하고 시사점을 제시한다. 1) 웹 사이트 구조를 이용한 전시 정체성 수립, 2) 작품과 참가자 검색 경로의 다각화, 3) 상세 페이지의 자유도와 다양성 보장, 4) 관객 소통을 유도하고 개인화할 수 있는 기능 개발이다.

This study aims at analyzing the web sites for 2020 art college graduation exhibitions to derive implications that should be considered for future online exhibitions. Fifteen web sites for graduation exhibitions of domestic visual design majors will be selected to analyze the usability of the web sites in the stages of arrival-search-appreciation-communication. The spread of online exhibitions accelerated by the coronavirus pandemic presents issues that were not covered in offline exhibitions. Based on the commonalities and peculiarities of graduation exhibitions by college, implications for mature and rational graduation exhibitions will be suggested.

This article illustrates the relationship with visual communication value and MICE Brand Identity through the design management. In integrated visual communication value, factors of design management is very important. Rational, Emotional, and kinesthetic value of design will enlarge the impact of Brand Identity in MICE industry. In this article, it is founded that Integrated communication brand identity of exhibition and convention industry is influenced by the design strategy and designer's mind. Therefore, design factors of MICE industry will be strongly emphasized in the future. Selection and strengthness of adjustable design factors will be newly competitive forces in MICE industry, and will be differentiated aspects.

The field of Generative AI(Artificial Intelligence) involves a technology that autonomously comprehends user intentions through commands and learns from provided data to generate new content, such as images or text. This capability, which allows autonomous creativity even with design keywords, is anticipated to play a significant role in the domain of visual communication design. This article delves into the tools of generative AI applicable to visual design and the methodology for design creation using these tools. Furthermore, it discusses how designers can interact visually with AI technology in the era of generative AI.

This study compares visual communication design outputs created through two generative AI platforms— ChatGPT and Midjourney—within an educational context. Focusing on three design categories (poster, logo, and package), the research examines how each platform supports the creative process. ChatGPT, as a language-based model, showed strengths in generating structured ideas and visual direction, particularly for logo where branding and concept clarity are essential. In contrast, Midjourney, as an image-generating AI, excelled in producing a wide range of artistic and expressive visuals, making it especially effective for poster and package design that benefits from painterly and atmospheric elements. Evaluation criteria were based on the specific standards pursued in poster, logo, and package design to effectively assess the generated outputs. The study concludes that each platform offers unique advantages depending on the design task, suggesting that their complementary use can enhance both design education and professional practice. These findings highlight the importance of platform literacy in future visual communication curricula and propose a hybrid approach to AI-assisted design.

디지털기술이 발달하면서 시각디자인 환경은 급변하고 있다. 따라서 연구자는 디지털기술 특성이 발현(發顯)된 그래픽적 요소와 양상을 분석해 디자인 분야의 실무 활용성과 학문적 깊이를 더해보고자 했다. 1장에서는 연구범위 및 방법을 한정하고, 2장에서 이론적 토대를 ‘미디어 기술과 그래픽형식’, ‘디지털기술 특성’으로 나누어 논하였다. 3장에서는 대한민국디자인전람회 고찰과 분야별 수상작 흐름을 논한 후, 12회(1977년)∼50회(2015년) 사이 시각디자인 분야 기관장급 이상 수상작의 유형 분석 및 293점의 연구대상을 표집 하였다. 4장에서는 연구대상을 세 시기로 나누어 디지털기술 특성이 발현된 그래픽적 요소를 분석하고 그 발현 양상을 논했다.그 결과로서 4.1절에서 ‘디지털기술 특성이 발현된 그래픽적 요소’를 ① 점에 의한 축조, ② 기하 도형의 사용, ③ 활자의 이미지화, ④ 이미지 중첩, ⑤ 선에 의한 이미지, ⑥ 이미지 방위(方位)의 다양성, ⑦ 이미지 역전, ⑧ 동형반복과 가변적 표현, ⑨ 사진사용의 증가, ⑩ 글자 수의 증가, ⑪ 전통적 이미지의 감소 등으로 나누어 논하였다. 더불어 4.2절에서는 ‘디지털기술 특성이 발현된 양상’을 ① 디테일한 재구성, ② 재구성 쉬움으로의 수렴, ③ 수리적 제어에 의한 형식의 다양화, ④ 상상계의 다양화, ⑤ 시각디자인에서 커뮤니케이션디자인으로 변화 등으로 논하였다. 이처럼 연구자는 대한민국디자인전람회 시각디자인 분야 수상작에 나타난 디지털기술 특성이 발현된 그래픽적 요소를 분석하고 논의해 그 양상을 알 수 있었다. 본 연구가 디자인 분야의 실무 활용성과 학문적 깊이를 더할 것으로 기대한다.

Visual communication design environment has witnessed rapid changes amid advancement of digital technology. Thus, this study was intended to analyze graphic elements and patterns manifesting the characteristics of digital technology so as to expand practical application and deepen the boundaries of academic knowledge in the field of design. Chapter 1 defined the scope and methodology of this study and Chapter 2 presented discussions on theoretical foundation from the prism of media technology, graphic format, and digital technology characteristics. Chapter 3 also presented a review of the Korea Design Exhibition and trends of prize-winning works in respective fields, followed by the analysis on type of works recognized with prizes awarded by heads or higher-ranking officials of organizations in the category of visual communication design from the 12th event held in 1977 to the 50th event held in 2015, along with sampling of 293 works as subjects. Chapter 4 presented an analysis of graphical elements manifesting the characteristics of digital technology based on 3 periods and discussed the pattern of such manifestation. Consequently, the graphic elements in which the characteristics of digital technology had been expressed were classified into ① construction by dot, ② use of geometric figures, ③ conversion of print types into image, ④ image superimposition, ⑤ image rendered by lines, ⑥ variety of image orientation, ⑦ image reversal, ⑧ identical shape repetition and variable expression, ⑨ increase of photograph use, ⑩ increase of number of letters, ⑪ decrease of traditional image, etc. in 4.1. In addition, the expressive patterns of digital technology characteristics were discussed based on ① detailed reconfiguration, ② convergence to simplified reconfigurability, ③ diversification of forms by mathematical control, ④ diversification of imaginary systems, ⑤ transition from visual communication design to communication design, etc. in 4.2.In this way, the researchers analyzed and discussed the expression of the graphic elements of the digital technology characteristics that manifestoed in prize-winning works of Visual communication design in the Korea design Exhibition. I hope that this research will to expand practical application and deepen the boundaries of academic knowledge in the field of design.

This study explores the development and implementation of a learner-centered instructional model that integrates Project-based Learning (PjBL) with Design Thinking methodologies in the context of a university-level Visual Communication Design course. The instructional innovation was applied to the course “Design” during the second semester of the 2024 academic year. The study aimed to improve students’ creative problem-solving skills, collaboration, and self-directed learning through a structured project cycle grounded in real-world challenges. The results demonstrate that the integration of PjBL and Design Thinking significantly enhanced student engagement, critical thinking, and the ability to generate practical design outcomes. Qualitative feedback and output evaluations further support the pedagogical effectiveness of the model.

디지털 시대의 급속한 발전과 메타버스와 같은 개념의 등장으로 시각 디자인 산업은 새로운 도전과 기회에 직면하였다. 본 연구가 시각디자인 교육 발전과 개선에 참고자료로 남아있기를 기대하는 바이다. 본 연구에서는 서울대와 칭화대를 연구대상으로 하여 시각디자인 전공과정에 두 대학이 설정한 차이점을 비교분석하는 분석모델을 개발하였다. 선행 연구를 기반으로 인터뷰를 위한 체계적인 연구 방법을 디자인하여, 다양한 문화 맥락에서 시각 디자인 교육의 특성과 차이점을 더 잘 이해하고, 마지막으로 해당 제안 및 홍보 방법을 제안하였다. 본 연구는 서울대학교가 흥미지향적 교수방식에 중점을 두고 필수과목과 실무기회를 늘리고 다문화와 글로벌 교육을 강화할 것을 권고하고 있다는 것을 발견했다. 청화대는 시장 적응 과정과 기초 강화에 더 많은 관심을 기울이고 있으며, 일반 과목과 선택 과목을 늘리고 디지털화, 다문화 및 국제화 교육을 강화할 것을 제창하고 있다. 본 연구가 시각디자인 교육을 시대에 발맞춰 추진하고 미래 발전 추세에 적응하는 데 유익한 기여를 할 수 있기를 바라는 바이다.

As the digital age rapidly advances and concepts like the metaverse gain momentum, the field of visual design is encountering new challenges and opportunities. This study aims to explore the innovation and improvement of curriculum design and system construction in visual design education, specifically in the context of the mobile internet era and different cultural backgrounds. Seoul National University and Tsinghua University are selected as the research subjects. An analysis model is developed to compare and analyze the differences in curriculum setting for visual design major between the two institutions. Building upon previous research, a systematic research approach involving in-depth interviews is employed to better understand the characteristics and differences of visual design education in different cultural contexts. Finally, corresponding recommendations and promotion strategies are proposed based on the findings. This study reveals that Seoul National University emphasizes an interest-driven teaching approach, suggesting the inclusion of compulsory subjects and practical opportunities to enhance cross-cultural and global education. On the other hand, Tsinghua University focuses more on market-adaptive courses and a solid foundation, recommending the addition of courses in general education and elective subjects to strengthen digital, cross-cultural, and international education. It is hoped that this research will provide valuable contributions to promoting the progress and adaptation of visual design education to future trends.

Background In the development of technology, the surface of the representation of the graphic design is by repeating the process of fundamental change. Contemporary graphic design, which developed into international typography style in the grid norms, which is a product of modernism, began to appear in the present. Thus, if to dream of a departure from the traditional norm called grid, the struggle has been exposed in a variety of representations. As a result, the collapse of the form by the deconstructive expression and de grid and post-modern remarkably appeared. Methods Fella, as one of the representative person who represents these forms well strived to the study of the establishment of design identity, which is based on a result creation and aesthetics of deconstructive expression. Therefore, the researcher, based on the French modern philosophy aesthetics, considers the graph algorithms of Fella, which are pulling the whole world of graphic design community and line of graphic design education, examining the impact of the modern graphic design. Fella's graphics forms have been the basis of the deconstructive aesthetics principle. And, the expression of his consciousness imagination has aroused a new homework to a lot of designers. Result More than to research freely and resist, this is to the designers, is a matrix to re-constructed for the future-oriented role of design. Drifting from the edge of the current era to the era of post-modernism and regulations flows into uncertain times, but looking at the aesthetic aspects of graphic design also shows the various aspects represented as one of the genre. Conclusion In this study, looking at the flow of the modern Graphism and the future of graphic design in the development of graphic design through the consciousness imagination of Fella, through more than the study of the presentation aspect, the primary objective is to link a comprehensive aspect.

Researches on design activity and cognitive process of different design disciplines have been explored on the foundation of design thinking theories through various research methods. This paper calls to the attention of visual communication designers' thinking processes with research goals of proposing a research method for the analysis of visual communication designer’s thinking process and conducting experiments on visual communication designers to analyze design activities and cognitive processes from problem structuring phase to detailing phase. After a comprehensive review on research methods for the analysis of design thinking process, experiment appropriate for examining design activities and cognitive processes of visual communication designers is designed. Two visual communication designers participated in the experiment and the verbal and visual data collected are analyzed through two separate coding schemes. Results from the experiments indicate that visual communication designers perform various activity modes such as thinking, examining, writing, sketching, and working with computer throughout the process of designing. They structure ill-defined design problem by multi-modal activities of thinking and examining and generate either a design concept or a visual concept by writing and sketching. They refine visual design by working with computer. The simultaneity and the modal shifts of the activities have shown to make novel design decisions. Visual communication designers diverge their thoughts during problem structuring phase to preliminary design and again, during design refinement to detailing for visual exploration . Convergence of visual concept is done rapidly after examining their writings. Convergence of visual execution is done by the designer’s level of satisficing design work through computer iterations.

다양한 예술·디자인 영역에서는 고정관념에 사로잡힌 일상적인 인식체계에서 벗어난 다양한 생산력과 상상력을 추구하는 자율적인 사고의 중요성이 요구되어지고 있다. 이에 본 연구에서는 의미를 풍부하게 확장하여 다의적 해석의 가능성을 열어주는 모호성에 대한 이론적 고찰을 통해 여러 다양한 예술 분야에 나타난 모호성의 형태·의의·효과를 살펴보았다. 보다 체계적인 모호성에 대한 접근을 위해, 윌리엄 엠프슨(William Empson)의 <모호성의 일곱 가지 유형>에서 시적언어에 나타난 모호성의 근거를 살펴보았고, 그 안에서 수사법의 적용이 큰 영향을 미친다는 것을 파악할 수 있었다. 세부적으로 작용하는 수사학적 접근방식과 표현방법을 통해 발휘되는 의미작용을 살펴보기 위해, 연구자의 수업 안에서 선별된 시각디자인과 학생들의 인쇄물 북 디자인 1점, 포스터 2점의 프로젝트 결과물을 분석 대상으로 한정하였다. 본 연구의 결론을 정리하면, 예술 분야 전반에 걸쳐 모호성은 서로 다른 형태로 의미영역을 확장시키고, 수용자의 참여를 적극적으로 이끌어내는 도구로서의 가치를 지니고 있다. 또한, 시적언어에서 모호성의 유형에 적용된 언어에서의 수사학적 접근은 시각언어에서도 연상적·정서적 의미를 부여해 인지적 접근의 이해와 효과를 높여준다. 이러한 모호성에 기반을 둔 콘텐츠의 진행은 잘 구축된 콘텐츠와 의미작용에 의해 창의성이 발현됨을 파악할 수 있었다. 시각디자인 교육 안에서 학생들은 이러한 방법론을 통해 시각적 단절과 사고의 한계를 극복하여 사고체계와 개념체계의 필요성을 인식하고, 모호성을 근거로 디자인 프로세스 상에서 접근방식과 표현방법의 향상을 이루어낼 수 있을 것이다. 이를 위해, 넓은 시야를 가지고 다각도로 문제에 접근할 수 있는 디자이너로서의 소양을 축적하고, 통찰력(Insight)을 키워나가 사고·개념 체계의 필요성을 인식해 나감이 중요하다.

In a variety of art and design areas, it is demanded to practice autonomous thinking pursing productivity as well as imagination not being restricted to the ordinary recognition system trapped in fixed ideas. Therefore, this study establishes a theoretical system about ambiguity which extends meaning richly and also opens the possibility of polysemous analysis and examines the forms, meanings, and effects of ambiguity found in a variety of art areas. To approach ambiguity more systematically, the researcher has investigated the grounds of ambiguity with regard to poetic language found in William Empson’s <Seven Types of Ambiguity> and found that the application of rhetoric exerts significant influence in it. In order to examine signification exhibited through rhetorical approaches and rhetorical expressions working in detail, the researcher selected as the subjects of analysis a book design and two posters made by the students of design from the researcher’s class. To sum up the conclusions of this research, ambiguity extends its semantic area in different forms covering all the areas of art and has value as a tool that intervenes in receivers’ active participation. Also, in poetic language, rhetorical approaches in language applied to the forms of ambiguity have both associative and emotional meaning in visual language, too, and enhance the understanding and effect of cognitive approaches. Hence the development of contents based on such ambiguity draws well-established contents and the expression of creativity through signification. Through visual communication design education, students get to overcome visual interruptions as well as limitations of thinking with this methodology and recognize the necessity of the system of thinking and the conceptual system. In addition, they will be able to realize the improvement of their approaches as well as expressive methods in the design process based on the utility of ambiguity. To attain this, it is important for them to accumulate knowledge and elevate insight as a designer who can approach a problem multilaterally with a broad view and also recognize the necessity of thinking and conceptual systems.

최근 컴퓨터나 영상매체 등 디지털 매체를 이용한 시각디자인분야는 기술의 발달로 보다 근본적인 변화를 겪었다. 디지털매체는 인간의 공감각적인 메커니즘을 더욱 활성화시키며 인간이 활동하고 즐길 수 있는 공간을 더욱 확장 시켰다. 매체미학의 등장은 기술의 역할이 강조되면서 새로운 방식의 디자인 분야를 해석하기 위해 새로운 미학의 접근을 요구하고 있다. 디지털매체는 디자인개념이 확장 뿐 아니라 다양한 분야와 영역의 구분 없이 경계를 넘나들면서 시각디자인분야도 새로운 가치와 디지털매체의 새로운 패러다임을 요구되고 있다. 예술과 인문, 사회과학, 과학기술 등과 같이 학문영역간의 연관을 지으면서 새로운 시대의 시각디자인의 다양한 경향에 대한 연구가 계속되어지길 기대한다. 본 연구는 철학적, 이론적 배경과 사회적 현상들을 통해 매체 변화에 따른 매체미학의 개념과 감성적 지각이론으로서의 매체미학을 고찰하고, 그러한 특징들이 반영된 시각디자인분야에서 멀티융합적인 특성을 사례분석을 통해 연구해 보고자 한다.

Recently using a computer, video media and digital media technology to the development of the visual design field has undergone more fundamental changes. Digital media is a human ball sensational mechanism more active and human activities and enjoy extends a space. The advent of media aesthetics of technology as the new way of highlighting the role of design in order to interpret the new aesthetics of access requirements. Digital media design concept expansion as well as a variety of fields and areas to cross the boundary interchangeably when Visual communication design to our new value and the new paradigm of digital media are required. Arts and Humanities, social sciences, science and technology, such as the study area slated for the association between the Visual communication design of a new era with a variety of research on the trends continue, but you should expect the road. This research is a philosophical, theoretical background and social events through media change the aesthetics of the media based on the concept of emotional perception theory as the medium of deliberate and aesthetics, such features are reflected in the field of Visual design multi fusion to portray the attributes through studying the case analysis.