Earticle

This study explores the concept of screen-performance as a sensory and performative interface in interactive media content. Moving beyond the traditional notion of the screen as a passive display, it examines how screens can function as spatial, real-time systems that engage users’ bodies and perceptions. Based on theoretical research on screen media and performativity, the paper analyzes two original media artworks—Light, Movement of Boundaries and Boundaries: Coexistence—as case studies. These works demonstrate how screen-based installations can incorporate sensor feedback, adaptive visuals, and embodied participation. The findings suggest that screen-performance offers a meaningful framework for designing immersive user experiences in media art, interactive installations, and game environments.

본 연구는 우즈베키스탄 라즈기(Lazgi) 춤을 신체를 통해 공동체의 의미와 기억이 생성되는 수행적 실천으로 규명하고자 하였다. 이를 위해질적 연구 방법론을 바탕으로 문헌 분석과 자기기술지적 분석을 병행하였다. 연구 결과, 첫째, 라즈기 춤은 신체 부위별 비동기적 리듬과 진동을 활용하여 조직되는 정교한 신체 기술 체계임을 확인하였다. 둘째, 타악기 도이라(Doira)의 리듬을 매개로 수행자와 관객 사이에서 발생하는신체적 동조와 관계적 감응의 과정을 포착하였다. 셋째, 이러한 수행은역사적 변동 속에서 공동체의 기억을 신체에 축적하고 현재화하는 상징적 실천이자 정체성 형성의 기제로 작동한다. 결론적으로 라즈기 춤은형식, 감성, 정체성이 리듬과 신체를 매개로 상호 침투하는 통합적 수행구조를 지닌다. 본 연구는 스포츠인류학적 논의를 민속무용 영역으로 확장하여 신체 수행과 공동체 기억의 상관관계를 실증했다는 점에서 의의가 있다.

This study identifies the Uzbekistani Lazgi dance as a performative practice through which communal meanings and memories are generated, employing a qualitative methodology that integrates a literature review with auto-ethnographic analysis. The findings reveal that Lazgi is a sophisticated system of "techniques of the body" that utilizes the Doira rhythm to facilitate physical synchronization and relational affect between performers and the audience. Consequently, Lazgi serves as an integrated performative structure where form, sensibility, and identity interpenetrate to actualize collective memory, effectively extending the scope of sports anthropology into the realm of folk dance.

This paper explores the intersection of information technology and gender performativity in Ian McEwan’s Machines Like Me, drawing on Donna Haraway’s concept of the informatics of domination and Rosi Braidotti’s posthuman feminist methodology. Haraway argues that with the rise of information technology, modern power has shifted from hierarchical, organism-based control to modes of regulation rooted in data, code, and informational flows, transforming gender into a programmable construct. Within this framework, the paper examines how human characters like Charlie and Miranda are shaped by shifting gender norms, and how posthuman figures like Adam and Eve embody a reconfigured, technologically produced form of gender. As Braidotti states, gender is a meta-methodological tool, a navigational instrument—gender is as gender does, positioning the androids as critical sites for mapping the material and algorithmic production of gender. Viewed through this lens, the novel reveals how posthuman entities challenge and redefine embodied identity in an age of algorithmic governance. This reading ultimately reveals how literary narratives can serve as critical sites for interrogating the entanglement of power, technology, and gendered subjectivity in the posthuman condition.

본 논문은 리차드 셰크너의 작업에 나타난 수행성의 미학적 특징을 고찰한 연구이다. 오늘날 수행적 공연의 형태는 한국연극뿐 아니라 세계 여러 나라 공연예술에서 그 중요성이 더욱 확대되고 있다. 그 배경에는 여전히 프로시니엄 무대가 세계를 장악하고 있을 때 ‘퍼포먼스 그룹’을 창단해 독자적인 길을 걸었던 셰크너의 영향이 적지 않다. 수행성이라는 용어는 1955년 존 오스틴에 의해 처음 알려진 개념이다. 초기에 수행성은 발화행위와 관련되어 ‘행위를 이행하다’는 의미로 쓰였다가 1990년대 연구대상이 언어철학적 관점에서 문화의 수행적 성격으로 시각이 변화하기 시작하면서부터 문화 이론을 통해 새롭게 거듭나게 되었다. 에리카 피셔 리히테는 공연을 하나의 ‘사건’으로 해석하고, 몸의 ‘자기지시성’을 강조하며 수행성을 설명했다. 피셔 리히테에 의하면, 몸이 그 자체로 존재하고 그에 대한 관객의 지각에 의해 연극의 수행성이 작동된다는 것이다. 이렇게 세계적으로 수행성에 대한 이론이 발전하는 가운데 예술 장르간 경계는 점차 모호해졌으며 퍼포먼스 아트가 주목받고 예술 장르가 융·복합적으로 발전하기 시작했다. 연구자는 현대공연예술의 발전에 셰크너의 역할이 컸고 특히 그의 작업 속에 이러한 수행성 미학의 특징들이 나타난다고 보았다. 셰크너는 연극을 일방적인 대사 전달이 아닌 총체적인 경험의 예술로 인식되기를 바랬기 때문이다. 또한, 그의 작업은 전통 연극의 공간을 파괴한 공간의 변화와 관객 참여에 중점을 두었는데, 그는 이를 ‘환경연극’이라고 제시하고 연극에서 관객이 보다 능동적이기를 바랬으며, 견고했던 제 4의 벽을 허물었다. 이를 통해 공연자와 관객이 진정으로 하나가 되면서 자연스럽게 삶과 예술의 경계를 허물고 일상에서 예술적인 요소를 찾는 일상성을 추구했다. 그러므로 본고의 연구자는 이러한 미적 논의의 발전으로써 세크너의 수행성을 다음의 네 가지로 구분하였는데 그 첫째는 탈 장르성, 둘째는 환경연극적 공간성, 셋째는 능동적 관객성 그리고 넷째는 일상성이다. 많은 현대공연예술의 흐름이 있지만, 연구자는 도출된 네 가지의 특징이 셰크너의 공연미학으로 일관되게 보여지는 수행적 미학이라고 보고 이러한 특징들을 고찰하고자 한다.

This paper is a study on the aesthetics of performativity in Richard Schechner’s work. These days the form of performative performance is becoming more important not only in Korean theater, but also in performing arts in many countries around the world. The term performativity has been studied for a long time, but it has been shown as an experimental aspect in performances produced since the 1960s. Behind the scenes is the influence of Schechner, who founded the “Performance Group” and took his own path when the proscenium arch still dominated the world. The term performativity was first known by John Austin in 1955. Initially, performativity was used to mean ‘to perform’ in relation to the act of pronouncing. Erica Fischer-Lichte interpreted the performance as an ‘event’ and explained its performativity, emphasizing the body’s ‘self-referential’. According to Fischer-Lichte, the body exists in itself and the performativity of the play is driven by the audience's perception of it. That is because Schechner wanted the play to be perceived as an art of total experience, not as a one-sided delivery of lines. His work also focused on changing the space that destroyed the space of traditional plays and on audience participation. He presented it as an ‘environmental theatre’ and hoped the audience would be more active in the play, breaking down the solid fourth wall. Through this, he hoped that performers and audiences would truly unite and naturally break down the boundaries between life and art, and sought to find artistic elements in everyday life. Thus, as an advance in this aesthetic discussion, This paper researcher divided the performance of Schechner into four categories. The first is decategorization, the second is environmental theater space, the third is active audience, and the fourth is dailiness. This paper researcher would like to consider these four characteristics, considering that they are performativity aesthetics that are consistently shown by Schechner's performing aesthetics. Furthermore, this paper researcher wants to help Korean theatre make a leap forward globally by suggesting expansion and development potential in plays through this study.

이 논문은 최은미의 소설집 『눈으로 만든 사람』에 수록된 작품을 주디 스 버틀러의 이론을 적용하여 분석한 글이다. 이 작품집에 수록된 최은미 의 소설들은 작중인물의 상처를 반복적으로 들추어냄으로써 이 시대의 차별과 억압에 대해 사유하도록 만들고, 나아가 그것을 깨고 나아갈 수 있는 가능성을 함께 발견해내고 있다. 이러한 최은미의 작품은 다양한 위 치에 놓인 여성이 경험할 수밖에 없는 고통의 감각을 사유한다는 점에서 여성문학으로서 중요한 역할을 할 뿐만 아니라, 현 사회가 지닌 여러 문 제점들을 들여다보는 거울 역할을 한다는 점에서 정치·사회적인 측면에서 도 반드시 논의될 필요가 있다. 본고의 분석 대상인 최은미 소설에 등장하는 인물들은 자신이 경험한 고통의 감각을 토대로 현사회의 폭력에 대항해나가고자 하는데, 이는 체 제 내에서 이루어지는 저항과 전복에 대해 이야기한 버틀러의 수행성과 취약성 이론으로 설명된다. 버틀러는 배제의 메커니즘에 의해 구성적 외 부가 된 존재들의 급진적 인용이 지배 질서를 전복시킬 힘을 갖는다고 주 장했으며, 나아가 우리 모두는 연결되어 있기에 폭력이 아닌 비폭력으로 이 체제에 맞설 필요가 있음을 강조한 학자이다. 즉, 버틀러는 주체의 속 성에서 사회적 관계의 속성으로 논의를 확장시켜나가고 있는 것인데, 본 고는 이러한 사유의 흐름이 최은미의 작품들에서도 발견된다고 보았다. 우선, ｢보내는 이｣, ｢눈으로 만든 사람｣, 그리고 ｢운내｣는 모두 가부장 적 규범에 의해 금기시되는 여성의 몸을 조명함과 동시에 이러한 몸을 지 닌 비순수한 젠더주체로서의 여성이 기존의 규범을 교란시키는 양상을 그려내고 있다. 바로 여기에서 현실을 완전히 벗어나지 않으면서도, 그 사 회의 질서를 충실하게 따르지 않음으로써 체제의 균열을 내는 최은미 소 설의 저항성이 드러난다. 또한, ｢여기 우리 마주｣와 ｢내게 내가 나일 그 때｣라는 두 작품의 경우에는 모두 취약성에 노출된 인물들이 등장하는데, 이 인물들이 타인에게 받은 상처는 완전히 사라지지 않기에 이들은 타인 에 대한 적대와 불신을 안고 살아갈 수밖에 없다. 이때 소설은 누군가와 함께 살아가는 삶이 자신을 끊임없는 폭력에 노출시키지만, 반대로 그러 한 상호의존적 관계를 토대로 비폭력을 실천할 수 있다는 것을 보여줌으 로써 여러 실패 속에서도 다시 일어설 수 있는 가능성을 찾아내고 있다.

This paper is an analysis of the works included in Choi Eun-mi’s short story collection, “A Person Made from Snow”, applying Judith Butler’s theory. The Stories in this collection repeatedly expose the wounds of the characters, prompting reflection on the discrimination and oppression of this era. Furthermore, they explore the potential to break free from the challenges. Choi Eun-mi’s works play a crucial role in feminist literature by contemplating the sensations of pain inevitable for women in various positions. Additionally, the serve as a mirror reflecting the societal and political aspects of the current issues. The characters in Choi Eun-mi’ novels, the subject of this analysis, strive to resist and confront the violence in contemporary society based on the sensations of pain they have experienced. This can be explained through Butler's theories of performativity and vulnerability, which discuss resistance and upheaval within the system. Butler argued that those who have become structurally excluded through mechanisms of exclusion possess the power to overthrow the dominant order radically. She emphasized the need for non-violent opposition, emphasizing our interconnectedness. In other words, Butler expands the discussion from the attributes of the subject to the attributes of social relationships. The paper observes that this line of reasoning is evident in Choi Eun-mi’s works. The stories “Sender,” “A Person Made from Snow,” and “Odor” all illuminate the female body, forbidden by patriarchal norms, simultaneously disrupting existing norms as impure gender subjects. It is in this disruption that the resistance in Choi Eun-mi’s novels is revealed. In the works “Here We Face” and “At That Time When I Become Myself,” characters exposed to vulnerability emerge. These characters, unable to erase the wounds inflicted by others, carry hostility and distrust, living in a perpetual state of exposure to violence. Despite the novel portraying a life lived with someone exposing oneself to constant violence, it also demonstrates that, through such interdependent relationships, we can practice non-violence, revealing the possibility of rising again despite various failures.

본 연구는 주디스 버틀러의 수행성 이론과 젠더화된 신체 개념을 이론적 틀로 삼아 교사교육이 단순 한 교수 기능의 함양을 넘어 정체성 형성의 수행적 실천으로 전환될 수 있는 이론적 기반과 교육적 함의 를 제안하는 데 목적이 있다. 연구방법으로는 주디스 버틀러의 수행성 개념과 관련 국내외 연구, 그리고 교사 교육 및 신체 수행과 관련된 담론 자료를 분석함으로써 신체와 젠더 수행의 교육적 의미와 교사 교육에의 시사점을 도출하고 자 한다. 논의된 결과 첫째, 교사 정체성을 단순한 지식 내면화가 아닌 신체화된 수행 과정으로 재구성하는 교 육과정이 필요하다. 즉, 교사다움의 규범을 일방적으로 주입하기보다는, 예비교사 스스로 자신의 신체성 과 정체성 구성 과정을 성찰할 수 있도록 돕는 교육 실천이 요구된다. 둘째, 젠더화된 교사상에 대한 비 판적 성찰을 포함하는 젠더 감수성 교육이 강화되어야 한다. 교사교육 과정은 성별 고정관념을 재생산하 는 것이 아니라, 다양한 정체성과 몸의 표현을 존중하고 수용할 수 있는 비판적 시각을 길러야 한다. 셋 째, 교사교육에서 움직임 기반 표현 수업은 열린 탐색과 자기 실험의 장이다. 이는 수행성(performativity) 의 핵심인‘과정으로서의 정체성 구성’을 실천적으로 구현하는 방식이다. 교사 정체성을 유동적이고 다층적인 실천으로 이해하는 담론 환경이 조성되어야 한다. 교사됨은 하나의 정답이 있는‘완성된 상태’가 아니라, 계속해서 수행되고 재구성되는 ‘과정’임을 인식하는 교육적 전환이 요구된다. 본 연구는 현재 초등 예비교사 연구에서 미흡한 신체성 및 표현 양상 연구의 공백을 진단하였으며, 향후 연구에서는 교사 실천 현장에서의 신체 수행 사례를 질적으로 분석하거나, 신체 기반 교수학습 활동이 정체성 구성에 미치는 영향을 실증적으로 검토하는 후속 연구가 필요하다.

Objectives This study explores teacher identity formation as a sociocultural process constructed through bodily and gendered performance. Using Judith Butler’s theory of performativity and the concept of the gendered body as a theoretical framework, it critically examines how embodied practices shape becoming a teacher. The aim is to provide a theoretical and pedagogical foundation for reimagining teacher education as a performative practice of identity, beyond the acquisition of instructional skills. Methods This study adopts a theoretical literature review to critically examine the processes of teacher identity formation and embodiment through the lens of performativity theory and the gendered body. Results First, teacher identity should be understood as an embodied and performative process, supported by reflective practices. Second, gender sensitivity education is essential to challenge normative teacher images and foster critical awareness. Third, movement-based expression classes offer exploratory spaces for enacting identity as a continuous performative process. A discursive environment that understands teacher identity as fluid, multilayered practice must be fostered. Conclusions Future research should qualitatively examine embodied practices in teaching contexts or empirically explore the impact of body-based pedagogical activities on identity formation.

본 논문은 글로벌화와 대규모 이주민의 유입 등으로 인해 이전과는 다 른 사회, 문화적 상황에 처해 있는 지금의 아일랜드를 포스트-켈틱 아일랜드로 규정하 고, 동시대 아일랜드 연극을 이해하기 위해서 문화상호주의적 접근방식이 필요함을 확 인해보려는 시도의 글이다. 문화상호주의적 연극에 대한 개념적 이해, 아일랜드에 새 롭게 유입된 이주민 공동체 극단의 공연에 대한 분석 그리고 다큐멘터리 드라마투르 기와 같은 극작법의 변화 양상 등의 주제를 중심으로 포스트-켈틱 시대 아일랜드의 새로운 정체성 모색의 다양한 갈래들을 점검해 보고 있다.

This paper examines the Irish society in the post-Celtic Tiger era, which has faced a new order, such as the new globalization of the world and a domestic increase of the immigrant influx, and explores the new Irishness portrayed by the Irish drama at that time. For this purpose, I use the concept of intercultural theater and analyze the various methods of dramaturgy used as a cultural linkage in contemporary Irish dramas. Consequently, I assert that the works of contemporary Irish playwrights reframe the parameters of national belongings and test the limits of interculturalism as official discourse in the post-Celtic Tiger nation.

기술융합 관련 무용공연에 대한 그동안의 연구들을 살펴보면 주로 기술적 활용에 초점을 맞춘 작품 분석이 주를 이루어왔다. 이러한 기술적 활용에 대한 작품 분석뿐 아니라 기술융합 무용 작품에 대한 미학적, 예술적 논의 역시 관련 분야의 다각적인 연구 발전을 위해 필요하다. 본 연구는 현재 다양하게 시도되는 기술융합 무용 작품들 의 미학적 함의를 살펴보는 데 그 목적을 두고 있으며 이를 현대철학자 에리카 피셔- 리히테의 수행성 개념으로 분석해 보고자 한다. 그 연구의 결과는 다음과 같이 도출되 었다. 첫째, 지금, 여기, 공동체적 현존성을 가진다. 기술융합 무용 공연은 공동체적 현존 성의 범위를 넓혀 주며, 공동체적 현존성을 직접적으로 보고, 느낄 수 있도록 구현할 수 있다는 점에서 수행적인 미학적 함의 가진다. 둘째, 움직임 감각의 자기 생산성을 가진다. 로봇의 움직임과 무용수의 움직임 사 이에 발생하는 감응적 힘이 생겨나면서 인간의 움직임 속에 있는 미세 지각과 로봇이 인간의 움직임을 포착하려는 센서 간의 피드백 고리를 형성하게 된다. 그러면서 우리 는 지금까지 느끼지 않았던 새로운 관계 속에 생겨나는 움직임의 힘, 새로운 감각들에 대한 미학적 함의를 가진다. 셋째, 경계적 경험의 사건성을 가진다. 기술융합 무용 작품은 현실과 가상의 이분 법적 개념 사이에 놓이게 하여 경계적 경험을 제공하면서 무용수 움직임에 대한 본질적 특성을 새롭게 바라보게 한다는 점에서 미학적 함의 가진다. 이와 같이 기술융합 무용 작품은 에리카피셔-리히테가 말하는 수행성의 개념적 특 성들을 다양하게 내포하고 있으며, 기존의 전통적 방식의 예술 표현이 아닌 다양한 시도들을 통해 관객에게 새로움을 보여주고 있다. 이러한 흐름은 우리가 전통적 무용 공 연을 바라보는 관점을 넘어 다양한 시공간, 다양한 움직임, 다양한 감각들의 범위를 넓혀 관계하며 새로운 의미를 찾아내야 할 것이다.

Research related to technology convergence so far has mainly focused on the use of technology and analysis of works. Now is the time to go beyond analysis of works and technical concepts, and to discuss aesthetic and artistic aspects of technology convergence dance works. This study raises the need to look at various currently attempted technological fusion dance works from an aesthetic point of view. Therefore, this study has the purpose of examining the aesthetic implications of the technical fusion dance work, and it is analyzed with the concept of Performativity of the contemporary philosopher Erica Fischer-Lichte. The research results are as follows. First, it has a communal presence in the here and now. Technological fusion dance performance broadens the scope of community presence, and has a performative aesthetic significance in that it can be realized to directly see and feel the community presence. Second, it has the self-productivity of movement sense. A responsive force is created between the robot's movement and the dancer's movement, forming a feedback loop between the micro-perceptions in the human movement and the sensors that the robot attempts to capture the human movement. In doing so, we have aesthetic implications for the power of movement and new senses that arise in a new relationship that we have never felt before. Third, it has the eventuality of borderline experience. Technological convergence dance works have aesthetic implications in that they provide a borderline experience by placing them between the dichotomous concepts of reality and virtuality, while allowing a new perspective on the essential characteristics of dancers' movements. As described above, the technical fusion dance work contains various conceptual characteristics of Performativity as described by Erica Fischer-Lichte, and shows novelty to the audience through various attempts rather than the traditional artistic expression. In this flow, we need to find new meanings by expanding the scope of various time and space, various movements, and various senses beyond our view of traditional dance performance.

본 연구는 AI 기반 K-Pop 댄스 플랫폼이 현대 춤 경험과 신체 인식, 수행성 구조 에 어떠한 변화를 가져오는지를 분석하는 데 목적이 있다. 최근 AI 모션 인식 기술은 춤 동작을 실시간으로 분석․점수화하며, 무용을 감상과 수행의 대상에서 측정과 피 드백의 대상으로 전환시키고 있다. 본 연구는 모바일 카메라 기반 포즈 추정 플랫폼과 센서 기반 아케이드형 플랫폼을 분석 대상으로 설정하고, 질적․해석적 접근을 통해 플랫폼의 신체 인식 구조, 점수화 체계, 시각적 피드백 방식, 반복 수행 유도 장치를 중심으로 분석하였다. 분석 결과, AI 기술은 춤을 좌표와 각도로 환원하여 정확성 중 심의 규범을 강화하는 동시에, 반복과 실시간 피드백을 통해 새로운 몰입 경험과 수행 의 과정화를 촉진하는 이중적 성격을 지니는 것으로 나타났다. 플랫폼 환경에서 신체 는 감각 내부의 경험과 알고리즘적 해석이 중첩되는 복합적 인식 구조로 재구성되며, 수행성은 결과 중심 개념에서 반복과 조정의 과정 중심 개념으로 전환된다. 본 연구는 AI 기술을 춤의 통제 장치로만 이해하지 않고, 신체 경험을 재조직하는 환경으로 해 석함으로써, 기술 환경 속에서 춤 수행성이 확장되는 가능성을 제시한다.

This study examines how AI-based K-Pop dance platforms reshape contemporary dance experience, bodily perception, and performativity. With the rapid development of AI motion recognition technologies, dance movements are analyzed and scored in real time, transforming dance from an object of appreciation and performance into an object of measurement and feedback. The study focuses on two types of platforms: a mobile camera-based pose estimation system and a sensor-based arcade system. Using a qualitative and interpretive approach, it analyzes bodily recognition mechanisms, scoring systems, visual feedback strategies, and repetition-inducing structures embedded in these platforms. The findings reveal that AI technologies simultaneously reinforce accuracy-based norms by reducing dance movements to coordinates and angles, while also generating new immersive experiences and process-oriented performativity through repetition and real-time feedback. Within platform environments, the body is reconstructed as a hybrid perceptual structure in which internal sensations intersect with algorithmic interpretations, and performativity shifts from a result-oriented concept to a process-centered one based on repetition and adjustment. This study interprets AI technology not merely as a controlling apparatus but as an environment that reorganizes bodily experience and expands the possibilities of dance performativity in technological contexts.

이 논문은 중국조선족 여성작가 김인순의 장편소설 『춘향』을 통해, 고전 서 사에서 깊게 자리해 온 남성 중심 질서의 해체와 여성 주체 형성의 과정을 살핀 다. 한국 고전을 중국어로 다시 쓴 김인순의 시도는 언어, 젠더, 민족의 경계를 새롭게 수행하는 창작 행위로, 조선족문학 내부의 언어 체계와 발화 구조를 전 복하는 의미를 지닌다. 작품 속 이몽룡, 변학도, 봉주선생은 각각 체제, 폭력, 지식 권위를 상징하지 만, 모두 몰락의 과정을 거치며 고전에서의 역할을 상실한다. 이들의 붕괴는 고전적 남성 영웅 서사와 권위 구조가 더 이상 유효하지 않음을 드러낸다. 반면 향부인과 춘향은 남성 부재의 공간에서 새로운 삶의 방식을 구축하며, 기존의 질서에서 벗어난 여성적 주체성을 드러낸다. 결국 『춘향』은 고전을 해체하는 데서 그치지 않고, 경계적 정체성을 지닌 조 선족 여성작가의 시선으로 주체가 어떻게 다시 태어나는가를 새롭게 그려낸 작 품으로 읽힌다. 작품 속에서 드러나는 여성 주체성은 서사 내부에서만 형성된 것이 아니다. 그것은 작가가 살아온 언어적, 문화적 경계의 경험과도 맞물리며, 그 지점에서 작품은 더욱 분명한 의미를 획득한다.

This study analyzes the novel Chunhyang by ethnic Korean (Joseonjok) woman writer Kim In-sun, examining how the male-centered order presupposed in the classical narrative is dismantled and how a new female subjectivity is formed. Kim In-sun’s rewriting of a Korean classic in Chinese constitutes a creative act that newly performs the boundaries of language, gender, and ethnicity, while subverting dominant linguistic and narrative structures within Joseonjok literature. The male characters Yi Mongryong, Byeon Hakdo, and Bongju Seonsaeng symbolize institutional authority, violence, and knowledge, yet they all undergo decline and ultimately lose their classical roles. Their collapse reveals the obsolescence of male-hero-centered narrative classical structures and their associated authority. In contrast, Hyangbuin and Chunhyang construct new modes of living based on emotion and experience within a space marked by the absence of men, thereby articulating a form of feminine subjectivity that departs from existing social orders. Ultimately, Chunhyang is assessed as a work that not only dismantles the authority of the classical narrative but also re-narrativizes the formation of subjectivity from the perspective of a Joseonjok woman writer with a liminal identity. The emergence of a female subject within the text resonates with the author’s own linguistic and cultural experiences of living at the boundary, suggesting new possibilities for literary subjectivity constituted at such liminal sites.

본 논문은 충청남도 서산 지역의 농업 사회를 기반으로 형성된 서산 농악의 구성 요소와 예술적 특질을 고찰하고, 그 문화사적 의미와 공동 체적 가치를 분석하는 데 목적을 둔다. 서산농악은 경기·충청 농악권의 음악적 특징을 공유하면서도, 서산 지역의 지리적 특성과 농경 의례가 결합하여 독자적인 전승 양상을 지 니고 있다. 서산농악의 가장 큰 특징은 단순한 놀이를 넘어 세시풍속 및 농경 주기와 밀접하게 결합된 생활 예술이라는 점이다. 정월 대보름의 볏가릿대 세우기, 지신밟기(꽃반), 이월 초하루 일꾼의 날, 두레농악 등 연중 지속적으로 연행 되며 공동체의 안녕과 풍요를 기원하는 핵심 수단으로 기능해 왔다. 악기 편성은 꽹과리, 징, 장구, 북을 중심으로 새납, 벅구, 소고 등이 결합되며, 무동과 잡색이 등장하여 의례성과 연희성을 동시에 보여준 다. 특히 용대기는 농악대의 상징적 중심으로, 풍년과 공동체의 번영을 상징하는 중요한 요소이다. 본 연구는 1980년대 서산 지역 5개 마을(고북면 장요리, 해미면 동암 리, 지곡면 중앙리, 대산면 독곶리, 인지면 야당리)의 민속조사 자료를 분석하여 전승 양상을 두 가지 유형으로 구분하였다. 고북과 대산 지역 은 용대기의 상징성과 집단적 질서를 강조하는 ‘의례 중심형’ 농악이 두 드러지며, 지곡과 인지 지역은 무동놀이와 개인 기량이 강조되는 ‘연희 강화형’ 농악의 특성을 보인다. 결론적으로 서산농악은 현대화 과정 속에서도 지역 고유의 의례적 맥락과 전통 장단을 비교적 온전히 보존하고 있다. 이러한 서산농악의 전승 체계는 지역 정체성을 표현하는 중요한 문화적 장치이며, 향후 지속적인 계승을 위 해 세시풍속과의 상관관계에 대한 종합적인 연구가 필요함을 시사한다.

This study examines the constitutional elements and artistic characteristics of Seosan Nongak (서산농악), which developed within the agricultural society of Seosan, Chungcheongnam-do, and analyzes its cultural-historical significance and communal value. While Seosan Nongak shares musical traits with the Gyeonggi and Chungcheong provinces' nongak traditions, it has formed a unique succession pattern by integrating the geographical features and agricultural rituals of the Seosan region. The most prominent feature of Seosan Nongak is its nature as a living art closely intertwined with seasonal customs and the agricultural cycle, transcending mere entertainment. It has functioned as a core means of praying for the community’s well-being and prosperity, performed continuously throughout the year during events such as the establishment of the rice-stack pole (Byotgaritdae) on the first full moon of the lunar year, Jishenbalgi (Kkotban), the Laborer’s Day on the first day of the second lunar month, and Dure Nongak. The instrumentation is centered around the kkwaenggwari (small gong), jing (large gong), janggu (hourglass drum), and buk (barrel drum), combined with the saenap (taepyeongso), beokgu, and sogo. The inclusion of mudong (dancing children) and japsaek (masked characters) reflects a dual structure of ritualism and performativity. Notably, the Yongdaegi (dragon flag) serves as the symbolic center of the troupe, representing a bountiful harvest and communal prosperit . By analyzing folk survey data from five villages in Seosan from the 1980s (Jangyo-ri, Dongam-ri, Jungang-ri, Dokgot-ri, and Yadang-ri), this research categorizes the succession patterns into two types : * Ritual-Centered Type: Predominant in Gobuk and Daesan, emphasizing the symbolism of the Yongdaegi and collective order. * Performance-Enhanced Type: Found in Jigok and Inji, characterized by active mudong performances and individual virtuosity. In conclusion, Seosan Nongak has relatively well-preserved its unique ritual contexts and traditional rhythms despite the pressures of modernization. Its succession system serves as a vital cultural apparatus expressing regional identity. The study suggests that a comprehensive research approach linking seasonal customs with nongak is essential for its sustainable preservation in contemporary society.

This paper traces Margaret Fuller’s evolution from a self-described “bright and ugly” girl, grappling with anxiety over her femininity, to a pioneering American woman scholar who articulated a proto-feminist discourse of gender fluidity. Employing Judith Butler’s theory of gender performativity, it examines Fuller’s journals, letters, and writings, with particular attention to her personal experiences of gender trouble, including her rigorous, boyish education, and unsettling adolescent experiences. This paper, then, turns to her troubled friendship with Ralph Waldo Emerson, analyzing how she gradually moved beyond the need for his intellectual mentorship to fashion herself as an independent ‘Woman Thinking.’ It further explores Fuller’s two short stories and Woman in the Nineteenth Century, illustrating her radical assertion that “there is no wholly masculine man, no purely feminine woman.” Ultimately, this paper argues that Fuller’s intellectual independence, honed through persistent struggles with gender norms, enabled her to launch a groundbreaking critique of gender essentialism of her time and advocate for women’s human rights to self-culture and personal development.

본 연구는 행위소 모형을 기저로 한일 양국의 모성 애를 고찰한 후 버틀러의 수행성 이론을 활용하여 각 마더의 함의와 신화를 추출하려는 시도였다. 먼저 발신 자를 두 아들의 살인 행위로 상정하고 행위소 모형에 대입해 보면 수신자는 공통적으로 엄마들이 되나 그 내 용은 매우 달랐다. 주체자인 한국 마더는 모성애를 협 조자로 대상인 아들의 생존에 전력이었다면 일본 마더 는 아들과 자신의 생존욕을 협조자로 대상은 아들의 생 존이 아닌 자신의 생존에 필사적이었다. 최종적으로 대 상 획득에 전자는 일시적으로나마 성공하였고 후자는 아들의 수감으로 인해 실패하게 된다. 그 다음 수행성 은 한국 마더는 부모가 가난하고 무능하더라도 자식은 반드시 지켜내야 한다 였고 일본 마더는 한국보다는 상대적으로 자녀에게 덤덤하고 책임감이 약하다는 수행적 모성 정체성이 내재되어 있음을 알 수 있었다. 이를 토 대로 분석한 함의와 신화는 한국 마더의 표현이미지는 헌신적인 엄마가 내용이미지는 왜곡된 가치관이 내재된 엄마였고 일본 마더는 표현이미지는 철이 없는 엄마가 내용이미지는 이기적이고 뒤틀린 엄마가 내재되어 있었다.

This study was an attempt to examine maternal love in Korea and Japan based on Actantial Modele and then extract the implications and myths of each mother using Butler's theory of performativity. First, assuming that the sender committed the murder of two sons and applying it to Actantial Modele, the recipients were mothers in common but the content was very different. While the Korean mother worked hard for her son's survival the Japanese mother was desperate for her own survival, not her son's survival. Ultimately, the former succeeded in obtaining the object, albeit temporarily, while the latter failed due to his son's imprisonment. Through this the performativity learned was that Korean mothers must protect their children even if their parents are poor and incompetent and Japanese mothers had an inherent performative maternal identity in that they had a relatively weaker sense of responsibility for their children than Korean mothers. The implications and myths analyzed based on this were that the Korean mother's expressive image was a devoted mother. the content image was a mother with distorted values. and the Japanese mother's expressive image was an immature mother. and the content image was a selfish and twisted mother.

이 연구는 연극 <아주 잔인한 실종>의 연습과정 속 배우들의 연기지도 방법론에 대한 고찰이다. 이 연극은 소포클래스의 작품 <오이디푸스 왕>을 각색, 재창작 한 작품으로 그리스비극을 현대적으로 재구성했다. 시대적 배경은 현대로, 공간적 배경은 한국을 바탕으로 변화되었지만 배우의 신체와 텍스트에 대해 의존도가 큰 것은 그리스 비극의 요소와 동일하다. 사실주의적 표현을 기반으로 하지만 작품의 특성상 신체성과 물질성이 많이 강조되어 있다. 이에 아리스토텔레스의 「시학」에서 다루었던 기본적인 요소들로 회귀를 추구하였으며 리얼리티를 추구하되 신체성을 필두로 한 일루젼의 확장, 이로 인한 관객들의 미학적 경험의 확대에 중점을 두었다. 무대 또한 개방감이 크기 때문에 배우들이 연극적으로 채워야 하는 부분들이 많았고, 자연스러운 연기를 바탕으로 하면서도 강력한 물질성을 보여주어야 했다. 본 연구자는 미카엘 체홉의 ‘심리제스처’와 바르바의 ‘몸-정신’을 활용해 연기지도에 임했으며 연습과정 속에서 몸성을 깨우고 이를 공연에서의 창발의 순간에 이르도록, 배우의 신체적 활동을 통한 ‘행동’을 끌어내기 위해 노력했다. 기존의 심리제스처에 대한 활용은 배우로 하여금 연습과정에서 배역과 상황에 걸맞는 감정을 느끼게 하기 위한, 외적인 접근방식의 훈련용도로 여겨져 왔다. 이를 다르게 접근하여 본 연구자는 배역의 심리상태를 관객에게 보여 줄 수 있는 적극적인 표현 용도로 활용하고자 했으며 배우들이 가진 신체적 물질성을 강하게 드러낼 수 있는 방법론으로 작용할 수 있도록 했다. 또한 몸-정신을 바탕으로 배역의 세분화 된 움직임에 사유적 지각이 표현될 수 있는 방법론을 강구했으며 이를 토대로 사유의 시각화를 이루고자 노력했다. 이러한 신체적 훈련 과정을 토대로 배우와 인물 사이의 경계를 허물어 수행성의 영역에 이를 수 있도록 시도했고 이러한 과정에서 배우의 몸성을 깨워 즉흥의 순간을 경험하게 하였다. 이는 그 과정에 대한 연구이며 향후 신체적 훈련법의 영역이 더욱 확장, 발전하는 계기가 되길 바란다.

This study explores the acting coaching methodology during the rehearsal process of the play "A Very Cruel Disappearance." The play is a contemporary reinterpretation of Sophocles' "Oedipus Rex" within the framework of the lower class, with a modern setting and a spatial background based in Korea. Despite the shift in temporal and spatial contexts, there is a significant reliance on the actor's body and text, mirroring elements found in Greek tragedy. While grounded in naturalistic expression, the work places a strong emphasis on corporeality and materiality. Drawing inspiration from Aristotle's "Poetics," the study seeks a return to fundamental elements, pursuing realism while focusing on the expansion of illusion, particularly emphasizing the audience's aesthetic experience. The researcher employed Michel Chekhov's 'Psychological Gesture' and Eugenio Barba's 'Body-Mind' in acting coaching, aiming to awaken corporeality during the rehearsal process. Efforts were made to guide actors in embodying 'action' through their physical activity, leading to emergent moments in performance. Departing from the conventional use of psychological gestures as a training tool for actors to feel appropriate emotions during the rehearsal process, this study sought to actively utilize it for expressive purposes, showcasing the psychological state of the characters to the audience. Additionally, building on the Body-Mind approach, the study sought a methodology where the nuanced movements of the characters could reflect reasoned perceptions. This approach aimed to visualize thought processes and break down the boundaries between the actor and the character. Through this physical training process, the study attempted to dissolve the boundaries between the actor and the character, leading to performative spontaneity. This research serves as an exploration of this process, and it is hoped that it will contribute to the further expansion and development of physical training methods in the future.

본고는 박솔뫼의 소설 『미래 산책 연습』에 나타난 독특한 발화의 양상 을 분석함으로써 그것이 수행적 발화로서 보편적 역사를 해체하는 윤리 적 가능성을 지닌다는 것을 확인한다. 작품의 특징인 독특한 문체는 곧 서술자인 인물 ‘나’의 독특한 말하기 방식으로, 본고의 각 장에서는 그 말 하기 방식을 수사학적 차원에서 유형화하고 분석하였다. 그리고 각각의 발화 유형이 어떠한 수행적 윤리를 실천하는지를 확인하였다. 『미래 산책 연습』의 모순적, 비약적, 예언적 발화는 소설 속 인물의, 그리고 소설의 수행적 윤리성을 구성한다. 구체적으로 모순적 발화는 과거와 현재, 현재와 미래가 뒤섞이는 발화 의 양상으로 나타난다. ‘나’의 현재는 과거의 누군가가 상상해보았을 다른 가능성으로서 의미를 지닌다. 이러한 시간관은 시제가 혼용되는 발화의 양상으로 나타나며 이는 선형적인 시간관을 바탕으로 하는 역사의 보편 성을 파열하는 수행적 윤리를 보여준다. 또한 미래 산책 연습에는 개연성 없는 비약적 발화의 양상이 나타난 다. 발이 닿는 대로 걸어다니는 인물들의 산책이 우연한 풍경과 만남, 깨 달음을 향해 열려 있듯이 이들의 비약적인 발화는 다른 시간, 다른 장소, 그리고 타자를 향해 열려 있다. 이렇듯 비약적인 발화는 개방성이라는 수 행적 윤리를 보여준다. 마지막으로 미래를 선취하는 예언적 발화들을 살펴보았다. 다른 미래, 즉 다른 가능성을 상상해보는 연습을 반복하는 과정에서 예언적 어조의 발화들은 도래할 미래에 대한 믿음의 표현으로 나타난다. ‘나’는 묵시론적 관점으로 더 나은 미래에 대한 소망을 가졌던 이들의 발화를 자신의 목소 리와 겹쳐놓으며 탈인용성의 수행적 윤리를 보여준다.

This paper explores the ethical potential of performative speeches in Park Sol-moe’s novel Future Walking Practice(2021) to deconstruct universal history through an analysis of the unique manifestations of speech found in the work. The distinctive style of the work is embodied in the unique manner of expression of the narrator-character I. Specifically, contradictory speeches manifest as a form of speech where past and present, present and future are intertwined. The I’s present carries meaning as an alternative possibility that someone from the past might have imagined. This perception of time is evident in the manifestation of speeches where tenses are intermingled, demonstrating a performative ethic that fractures the universality of history based on a linear perception of time. Additionally, Future Walking Practice exhibits the aspect of leaping speeches devoid of determinism. Similar to the characters strolling wherever their feet take them, their leaping speeches are open towards encounters with fortuitous landscapes and realizations, extending towards different times, places, and others. Such leaping speeches demonstrate a performative ethic of openness. Lastly, the paper examines prophetic speeches that preempt the future. In the process of repeatedly imagining different futures, speeches with prophetic tones emerge as expressions of faith in the impending future. I overlays the speeches of those who had hopes for abetter future from a prophetic perspective, demonstrating a transcendent performative ethic.

본고에서는 메타버스 기반 탈춤공연 <비비런>을 중심으로 기존 탈춤과의 ‘차이’를 주목하고, 가상세계 내 탈춤 구현방식에서 발견되는 특성과 의미를 고찰하였다. 메타버스 기반 공연예술의 제작 및 관련 논의가 초기 단계이고, 특히 국내의 탈춤 공연 관련 사례는 <비비런>이 유일한 점을 감안하여 해당 공연 내부에서 연희자, 관 객, 연희공간을 나누어 논의를 구체화하였다. 이를 통해 탈‘춤’과 디지털 퍼포먼스 사 이에서의 새로운 지각 경험, 예술적 표현을 생성해내는 연희자, 참여와 놀이 사이를 유희하며 주체적으로 공연을 이끌어가는 참여생산자로서의 관객, 실재와 가상 사이에 서 무한한 확장의 가능성을 품은 연희 공간의 예술적 의미를 도출하였다. 메타버스 기반 탈춤공연은 이제 개발되기 시작한 콘텐츠로 상용화 과정에서 개선 및 보완되어야 할 요소들이 있다. 그럼에도 탈춤이 오프라인으로만 진행되어야 한다 는 통념을 완화했다는 점에서 충분히 의미가 있다. 향후 메타버스 기반 탈춤공연이 대 규모의 글로벌 팬덤을 잇는 유기적이고 긴밀한 네트워크망으로서 질적인 발전을 거듭 하며, 오프라인 공연과 함께 가상 세계화를 견인하여 한류 콘텐츠의 주축으로 자리매 김하기를 기대한다.

In this article focuses on the metaverse-based Mask Dance <BIBIRUN>, noting its ‘differences’ from traditional Korean Mask dance and examining the characteristics found in its implementation in the virtual world. Considering that the production and discussion of metaverse-based performing arts are in their early stages, and that <Bibirun> is the only example of a metaverse-based Mask Dance in Korea, the discussion was refined by dividing the performers, the audience, and the performance space within the performance. Through this, I derived the artistic meanings of the performers who create new perceptual experiences and artistic expressions between mask dance and digital performance, the audience as participatory producers who play between participation and play and lead the performance on their own, and the space of performance that holds the possibility of extention between the real and the virtual. Metaverse-based mask dance is just beginning to be developed, and there are still elements that need to be improved and supplemented during the commercialization process. Nevertheless, it is significant enough that it has alleviated the myth that it should only be performed offline. In the future, I hope that metaverse-based mask dance will continue to develop qualitatively as an organic and close-knit network that connects a large global fan base, and that they will become the mainstay of Hallyu content by driving virtual globalization alongside offline performances.

본 논문은 다원화하고 있는 현대 도예에 분야에서 퍼포펀스와 융합한 작품들에 주목하며 도예 퍼포먼스 작품이 담고 있는 수행적 표현과 의미를 연구 및 분석하였다. 이에 미켈 바르셀로, 요제프 나즈, 이강효, 테리 프레임, 제이제이 맥크라켄의 도예 퍼포먼스 작품들을 분석한 후 퍼포먼스의 수행성과 효과에 대하여 알아본다. 연구 결과 도예 퍼포먼스는 점토를 이용한 신체적 행위를 통해 일반적인 도예 작품에서 보여주는 표현 형식과 제작과정을 넘어서는 확장성을 보여준다. 또한 행위자의 실시간 공연으로 사건을 만들어가는 과정적 체현으로 작가와 관객이 서로 관계하는 열린 구조를 통해 기존과 다른 방식의 해석과 이해를 할 수 있게 하였다. 타 매체와의 융합적 시도는 현대 도예에서 탈경계성을 함의하며 새로운 영역으로의 확장 가능성을 보여준다. 이것으로 공예적 특성이 강한 도예 분야의 관념적 틀을 깨는 긍정적 영향을 기대한다.

This thesis studies and analyzes the performative expression and meaning of ceramic performance art in the diversifying contemporary ceramic art. Therefore, after analyzing the ceramic performance works of Miquel Barcelό, Josef Nadj, Kang-hyo Lee, Teri Frame, and J. J. McCracken, I tried to find out the performativity and effectiveness of the performance. As a result of the study, the ceramic performance shows the expandability beyond the expression form and production process shown in general ceramic artworks through physical actions using clay. In addition, the real-time performance of the actor is a process embodiment of creating an event, and the open structure in which the artist and the audience relate to each other enables interpretation and understanding in a different way than before. Convergence attempts with other media imply borderlessness in contemporary ceramics and show the possibility of expanding into new field. This is expected to have a positive impact that breaks the ideological frame of the ceramic arts field, which has strong craft characteristics.

본 연구는 컨템퍼러리 댄스와 페미니즘의 관계성을 탐색하고 페미니즘과 안무의 미학적, 정치적 개념 및 실천의 관계를 살피는 것에 목적이 있다. 문헌연구를 통해 도나 해러웨이(Donna Haraway), 엘 리자베스 그로츠(Elizabeth Grosz), 주디스 버틀러(Judith Butler)의 페미니즘 개념을 컨템퍼러리 댄스 와 교차 논의했으며, 사례연구를 통해 안무가의 실천에서 페미니즘적 미학을 발견하고자 했다. 컨템퍼 러리 댄스의 페미니즘적 미학의 개념은 첫째, 신체를 하나의 물질로 다루는 육체성의 개념으로, 인간의 육체를 공연의 재료로 고려하는 것을 의미한다. 둘째, 신체를 주체적으로 움직이게 하는 과정으로서 안무를 바라보며 안무에서의 수행성을 강조한다. 셋째, 반규범적, 비정상성의 개념은 이분화된 성별로 부터 발생하는 정치와 몸의 이미지를 구성하는 이데올로기적인 관계들과 이성애적인 규범에서 구축된 춤의 본질을 검토하는 것이다. 사례연구는 메테 잉바르첸(Mette Ingvartsen)와 제레미 웨이드(Jeremy Wade)의 작업을 대상으로 페 미니즘의 관점을 토대로 안무의 방법, 작업의 과정, 작품의 비평, 예술가의 성찰 등의 실천적 지식을 논의했다. 잉바르첸의 <69 Position>은 퍼포먼스에서 섹슈얼리티와 누디티를 재현하는 방식에 관해 사회문화적 환경에 초점을 맞춘다. 이는 성과 권력의 문제에 안무적으로 접근하며 컨템퍼러리 댄스에서 몸의 정치를 자본의 영역까지 확장한 것에 의미가 있다. 웨이드의 ‘Future Clinic for Critical Care(FCCC)’에서 퀴어적인 전략은 소수자들의 연대를 통한 공공의 문제에 접근하는 예술의 정치적 행위에 초점을 맞춘다. 본 연구를 통해 가부장적, 이성애중심적인 역사적 토대에서 구축된 지식과 관점과 다른 방식으로 춤과 안무의 지식에 접근하고, 페미니즘이 컨템퍼러리 안무와 담론 생산에 중요한 영향을 주었음을 밝 히고자 했다.

The purpose of this study explores the relationship between contemporary dance and feminism, and examines the influence of feminism on the aesthetic and practice of dance. This study was conducted through literature review and case study. I discussed the relationship between feminism and dance through the feminist’s movement and theory developed by Donna Haraway, Elizabeth Grosz, and Judith Butler. The case analysis of this study, I choose two contemporary choreographers, Mette Ingvartsen and Jeremy Wade. Ingvartsen’s <69 Position> deals with the performances related to nudity and focuses on the socio-cultural environment in which the search for the relationship between politics and sexuality is mainly carried out over time. Ingvartsen’s feminist approach consists of exploring the relationship between the sexed body and society, capital, and politics. Wade propose the role of art as a sustainable practice through curation covering the political performance of queer, women, and people with disabilities in the project called “Future Clinic for Critical Care(FCCC).” Wade’s queering strategy means discovering social problems with minorities and driving political mobilization on them. In this paper, I approach the knowledge of choreography in a way differing from the knowledge built on the patriarchal history. This research suggests that feminism is expected to exist as a source of undiscovered identities and opens up new possibilities for research and creation.

본 연구는 컨템퍼러리 댄스에서 안무의 미학적, 형식적 변화와 함께 드라마투르기(Dramaturgy)를탐색하는 것에 목적이 있다. 이를 위해 1990년대 이후 전개된 확장된 안무의 개념을 살펴보고 드라마투르기 작업 사례를 분석하여 드라마투르기의 개념적, 실천적 논의를 전개했다. 컨템퍼러리 댄스에서는 무용의 자율적인 매커니즘을 벗어나 타매체와의 교류와 합류를 통해 창작의가능성을 발견하고, 안무의 과정에서 담론과 이론 등 지식생산을 춤의 주요한 과업으로 고려한다. 이러한 안무의 인식론적, 방법론적 패러다임의 변화에 따라 매체의 다양성, 담론 생성, 협업 등을 토대로안무의 실험이 전개되고 있으며, 기존의 움직임의 나열과 구성에 초점을 맞춘 좁은 의미에서의 안무를벗어나 ‘확장된 안무’로 논의되고 있다. 본고에서는 컨템퍼러리 댄스의 안무 개념 및 실천과 변화의 배경에서 수행적 드라마투르기에 관한개념적 논의와 유럽의 드라마투르그 예룬 피터스(Jeroen Peeters)의 드라마투르기를 사례를 중심으로다음과 같은 결과를 도출했다. 첫째, 수행적 드라마투르그는 고전적 드라마투르기에서 강조되었던 텍스트 중심의 역할에서 해방되어 창작 과정에서의 실천을 강조한다. 드라마투르그의 정체성은 고정된 것이아니라 창작의 과정에서 자유로운 ‘행위’를 통해 매번 변화한다. 둘째, 안무의 재료에 대한 실증적 접근을 강조한다. 안무의 과정에서 수집되는 재료들은 드라마투르그와 같은 협업자들이 ‘공동의’ 감각과 이미지를 발생시키고 대화를 만들기 위해서 중요한 요소이다. 셋째, 협업의 방법론에 대한 요구이다. 작업의 과정에서 협업자들은 각자의 관점과 감각으로 참여하며 이들의 실천은 무대 위에서 이질적으로 존재한다. 공동의 작업을 위한 안무의 방법론과 도구의 개발은 안무의 재료를 선정하고 질문을 구체화하며, 장면의 구성을 위해서 중요한 과정이다. 본고에서는 드라마투르기의 수행적 접근을 체계적으로 살피고 드라마투르기를 새롭게 변화하는 안무의 맥락 안에 위치시키고자하며, 21세기의 춤을 이해할 수 있는 관점을 제시하고자 했다.

This study aims to explore the performativity of dramaturgy with in the field of expanded choreography. I look into the concepts of expanded choreography after the 1990s and discuss Jeroen Peeters’s dramaturgy in the respect of performativity. The characteristics of expanded choreography are as follow. First, choreographers are capable of producing knowledge rather than an artifact. The knowledge that can be produced is not rigid but more comprehensive. Second, the choreographers carry out experimental choreography with the paradigm of interdisciplinary and meta-media performing arts. They All the collaborators can be considered as an author which used to be given to only choreographers. Third, many choreographers attempt to explore the relationship between the body and society. They consider the social engaging of dance into the choreography. To examine how dramaturgs elaborate their own performativity in the area of expanded choreography, I have chosen the physical dramaturgy of Jeroen Peeters. I found results as below. First, a theory can be discovered in the choreographic practice. Materials can be chosen not only body gestures and movements but also other media, philosophy, and theories. Second, the dramaturg should approach to the process of choreography with empirical research. The practice of dramaturgy is involved in embodied thinking, in structuring, and performative operation of whole process. Third, the role of dramaturgy is performatively changed in every individual work. In contrast with the classical dramaturgy, the new dramaturgy in contemporary dance not deal with the abstraction of knowledge but practice in the way of performativity.

20세기 후반부터 전개된 컨템퍼러리 댄스에서는 신체를 생각과 감정을 실어 나르는 도구로 고려한 근대적 사유에 저항하며 ‘주체’로서의 신체에 대한 탐색을 시도해왔다. 춤을 통해 정체성을 드러내고 개별성(Singularities)을 획득하기 위한 ‘정치적’ 행위는 컨템퍼러리 댄스의 예술 형식이자 창작의 방식으로 이해되고 있다. 여기서 개별성이란 흔히 모던 댄스에서 무용수의 내적 자아의 표현으로 성취되는 춤의 자율성에 관한 것이 아니라 사회적 장치(apparatus)들이 배치된 신체의 수행을 통해 발견되는 것이다. 본고에서는 제도와 신체의 관계에 대한 비평적 관점을 견지한 안무 작업 <Glory>를 중심으로 ‘무대 위의 춤추는 신체(Performing Body)’의 개념을 한국의 사회문화적 맥락에서 탐색한다. <Glory>에서는 한국 남성 무용수의 신체적 경험을 중심으로 군대와 무용 경연 제도를 교차시키며 신체에서 재현되는 제도에 관해 추적하고, 한국 사회문화적 맥락에서 ‘춤은 주체적인가’를 질문한다. 그리고 이를 작업으로 구체화하기 위해 무용수의 경험에 대한 성찰적 증언과 춤을 안무의 재료로 삼고 이를 개념화, 맥락화하여 작품의 구조를 만드는 안무적 다큐멘터리(Choreographic Documentary) 형식을 발전시켰다. <Glory>에서는 안무적 접근을 통해 신체에 달라붙어있지만 보이지 않는 장치들을 무대 위에서 시각화하는 방식으로 사회적 구조를 폭로함으로써 제도 아래 취약한 신체는 ‘정치적’ 신체가 된다. 이는 주디스 버틀러(Judith Butler)가 주체의 수행성은 불안정한 상태에서 이루어진다고 강조한 것과 같이 안무가의 수행은 불안정한 신체를 정치적인 주체로의 변형을 시도하는 것으로 볼 수 있다. 본고에서 안무의 과정에서 안무가의 수행과 무용수의 몸에 대한 성찰을 중심으로 춤의 정치와 미학적 의미를 발견하고자 했으며, 이를 통해 춤의 정치적 본성과 동시대 예술에서 신체의 개념에 대해 재질문하고자 했다.

This paper explores the concept of 'Performing Body on Stage' based on the choreographic work Glory which considers the critical point of view on system and body in relation to Korean sociocultural context. Glory focuses on the physical experience of Korean male dancers, experiencing the military service and dance competitions, questions the system recreated in the body, and asks "is the body free in dance?" To shape this into work, the dancer’s reflective testimonies are used as the materials of choreography, and the conceptualized and contextualized structure is developed into the form of ‘choreographic documentary’. In this paper, I refer Judith Butler’s proposal on ‘vulnerability and resistance’ to construct the frame of this study. I analyze the choreographic approach to the dancer’s body and how a ‘vulnerable body’ can be transformed into a ‘political subject’ through the choreographer’s practice in Glory. When the apparatus which are invisible but attached to the body are visualized on stage, the body exposes the social and political form. In this sense, finding the index of precarity associated with physical vulnerability was not only the process of choreography but also becoming subject in this work. Having physical autonomy in dance is that one actualizes the potential of artistic creation latent in individual diversity, not the military body identity, which moves in an interminable manner with the same identity. This artistic act of the choreographer is political as well as aesthetic in terms of re-asking about the nature of the dance and contemporary arts at the same time.