Earticle

Korean Intangible Cultural Heritage (ICH) have been transmitted under the rule of “maintaining the archetype”. The concept of archetype has been praised for preserving a national tradition intact, but at the same time, it has an irreconcilable dichotomy of stuffed intangible cultural properties like hardened fossils. This shows the controversy of the ‘archetype’ of ICH. This paper argues against the common misconception that ICH might have a transcendental archetype. The purpose of this study is to shed light on how Taepyeongmu, a well-known Korean intangible cultural heritage, came to be conceived as an archetype, and to analyze how the traditional dance is transmitted in contemporary. Contrary to popular belief that the Taepyeongmu has a long history, it was invented in modern era. It was reconstructed from Gut (shamanism ritual) by a dancer named Han Sung Joon in the 1900s. This study takes a practical approach to analyze what elements are selected and made into an ‘archetype’. Also, it takes a fresh look at the ICH as a ‘living tradition’, beyond dichotomies and conflicts.

본고에서는 조선시대 전라도를 통치했던 관리가 머물던 관청인 감영의 중심 전각인 선화당을 대상으로 삼아 그곳에 배치할 기물이나 의식구의 원형을 고증하여, 향후 복원할 때 참고가 되고자 한다. 이를 위해 먼저 1884년 피트가 찍은 사진과 관련 일지 및 배치도를 분석하였다. 다음 조선 후기에 지방을 통치한 관리들의 행사를 그린 풍속화를 분석하여 관련 기물의 종별 수량을 알아보았다. 자료에 의해 파악한 기물이나 의식구를 각급 박물관에 소장된 유물이나 사진자료를 통해 밝혀 보았다. 이를 통해 다음과 같은 것들을 재현 제작하여 선화당 내에 다음과 같은 기물을 복원하여 배치하기를 제안한다. 첫째, 건물에는 단청을 칠한다. 기둥에는 붉은 칠을 하고 아래쪽을 하얀 한지를 바르고 가장자리에 청색 띠를 두른다. 마루의 기둥에는 네모난 종이등을 매달고,, 바닥에는 돗자리를 깔고, 관리가 앉는 주칠 의자를 배치한다. 벽에는 청룡도와 백호도를 그린 병풍을 배치한다. 한쪽 벽에는 둑이나 부채와 같은 의식구를 받침대에 꽂아 세워둔다. 둘째 방안에는 평상을 넣고 그 위에 화문석과 방석을 깔아 관리가 앉을 수 있게 한다. 평상 앞에는 책상을 놓고, 그 옆에는 빨간 천을 덮은 탁자 2개를 놓고 관리의 도장 2개를 넣은 함을 각각 배치한다. 이처럼 건물 내부가 고증한대로 기물과 의식구가 원형대로 복원되어 지역사회의 역사의식이 높아지고 문화관광이 활성화되길 기대해본다.

This paper is intended to serve as a reference for future restoration by proving the original objects and rituals for Seonhwadang in Jeollagamyeong during the Joseon Dynasty. I analyzed the photos taken by Pete in 1884, the diary, and the layout drawings, and analyzed the events of local officials painted on genre paintings in the late Joseon period to reveal the quantity of crafts and ceremonial instruments by type. In addition, the existence of the artefact was proved through relics and photographs held in various museums. First, the inside and outside of Seonhwadang are decorated with a Dancheong patterns, and the pillars are painted with Stone wine pigment. Korean paper is applied on the lower part of the pillars, and a blue band is wrapped. A large square paper lantern hangs from the ceiling. Large sedgy mats are laid on the entire floor and a red lacquered chair is placed. In the center of the wall, a folding screen depicting a blue dragon and a white tiger is placed. On the other side of the wall, ceremonial tools such as a spear(Duk) and a fan are mounted on the pedestal. Second, in the Ondol room, there is a wide, low chair for the official to sit on, and on top of it, a sedgy mat and cushion are placed on it. A desk is placed in front of the wide chair, and two tables covered with red cloth are placed next to it. On each of the two tables, place a box with a seal on it. As such, I expect that the artifacts proven through this study will be placed in Seonhwadang and restored to their original state.

본 국내 장기 체류 외국인은 지난 30여 년 동안 급격히 증가하여 2020년에 이르러 204만여 명에 달한다. 동일 국적 혹은 문화를 가진 외국인들이 서로 이웃하며 거주하면서 국토 공간 곳곳에 집중거주지를 형성하고 있다. 본 연구는 국내 외국인 중 가장 큰 비중을 차지하고 있는 조선족의 최초 집중거주지인 가리봉을 대상으로 이주민의 정착지로서 면모를 살펴보고자 한다. 우선 가리봉이 동포이자 외국인인 조선족의 귀환 이주와 정착에 적합한 장소로 여겨진 배경 및 과정을 분석한다. 보다 구체적으로 가리봉이 집터이자 일터이며 그리고 쉼터로서 자리매김하면서 조선족의 삶터임을 주장한다. 본 연구는 귀환 조선족의 집중거주지 원형이라 할 수 있는 가리봉의 지역지리적 성격을 규명함으로써 국내 각지에 새롭게 생겨나는 조선족 집중거주지의 확산과 분화를 분석할 수 있는 단초를 제공했다는 점에서 의의가 있다.

The number of foreigners staying for a long time in Korea has increased rapidly over the past 30 years, reaching 2.04 million by 2020. Foreigners of the same nationality or culture are living next to each other, forming residential concentrations in the Korean cities. This study aims to examine Garibong as the first residential concentration for Chosonjok(Korean-Chinese), the largest migrant group. To begin with, we analyze how Garibong becomes a suitable place for the returning migrants which are copatriats and also foreigner. More specifically, we examine how Garibong gets to be a place of life(home, work, and recreation) for Chosonjok immigrants. All in all, Garibong is considered to be the archetype of the Chosonjok’s residential concentration. This regional geographical study is meaingful in that it provided a basis for further analyzing the spread and differentiation of newly emerging Korean-Chinese settlements in various parts of the country by.

이 논문은 지역원형의식에 대한 논의이다. 그 대상은 대암산과 대암산용늪기우제에 내재한 지역인의 원형의 식에 대한 것이다. 논의 방법은 대암산 주변 사람들의 대암산에 대한 원형의식과 용늪기우제를 지내는 유형을 통해 원형의식을 탐구하는 것으로 하였다. 강원도에는 산이 많고 산을 배경으로 삶을 영위하는 사람들이 많다 는데 착안한 논의였다. 논의과정은 크게 대암산과 용늪기우제로 나누었다. 대암산은 일상과 생활의 터전, 신성과 외경의 대상으로 그 원형의식을 고찰했고, 용늪기우제는 기우제를 지내는 방식에 따라 용 달래기(기원제), 용 가르치기(키씻이), 용 혼내기(개적심, 투장)로 나누어 그에 내재한 원형의식을 고찰했다. 이를 통해 강원인이 갖고 있는 원형의식 의 일단을 고구할 수 있었다. 비록 이 논문을 통해 강원인의 원형의식 전반을 밝힐 수는 없었지만, 부분이나마 대암산과 용늪기우제에 얽힌 원형의식은 밝힐 수 있었다는데 의의를 둬야할 것이다. 왜냐하면 강, 바다처럼 특정 부분을 중심으로 본고와 같은 고찰이 이어지면 강원인이 갖고 있는 원형의식 전반에 관한 논의도 가능하리라 보기 때문이다.

This is a study about the archetype of thought of local people. The subject of this study is Mt. Daeam, the ritual for rain at the Yong Nup(the Swamp of Dragon), and the underlying consciousness of the natives. I studied here the archetype of thought in the area about Mt. Daeam and the process of the ritual for rain. Here I studied in the point of that many people are living in, rather with mountains in Gangwon-do. I studied in two ways; Mt. Daeam and the swamp of Dragon. The ritual for rain at the Yong Nup(the Swamp of Dragon) is composed of three steps; Soothing the Dragon, Teaching the Dragon and Scolding the Dragon. I studied the archetypes of thought at each step.Through this study, I observed the archetype of thought in Gangwon-do. Though I couldn't explore all the aspects of the archetype of Gangwon-do her, but it is meaningful to have been able to know the archetype underlying in Mt. Daeam and the ritual for rain at the Yong Nup(the Swamp of Dragon). If we continue this kind of study focusing every particular subject like rivers or seas, the study of overall archetype underlying the people of Gangwon-do should be possible.

In the religious building, symbols are important elements for design. Because Man use symbolic items to represent the concept cannot be define or fully comprehended by usual contents. There is a difference between religious architecture and the others, a scared heart on the religious architecture is evoked through symbols. Symbols have unconscious function. And also the religious building is included with an unconscious function. Unconscious pursued in the religious building is related on the scared heart. So the analytical psychology is researched for the relation between unconscious and the religious building, and especially the archetype of unconscious in the analytical psychology is mainly concerned in this study. As a result of the study, possibility would be found of application of the archetype of unconscious in the analytical psychology to the religious building.

본 연구는 「백조의 호수」1막 2장 “호숫가 아다지오”에 대한 박기현 안무가의 재연 공연 “백조의 호수 中 아다지오 파드되”가 지니는 예술적 의미와 가치생산을 ‘원형 (prototype/archetype)’과 ‘재연(re-enactment)’의 개념을 중심으로 탐구하는 데 목적이 있다. 논의를 위해 원작이 기록된 무보와 악보의 원본을 분석하여 고전의 원형이 기록된 방식과 특징을 논하고, 안무가와 무용수와의 면담 및 연습 과정의 관찰을 통해 재연 과정에서의 발레 마스터와 무용수의 신체적 기억과 경험 수행의 특성을 논의하였다. 고전의 원본적 가치는 무보의 물리적 보존과 더불어 발레 마스터와 무용수의 몸 아카이 브를 통해 저장되고 전승된다. 고전 발레의 재연은 원전의 모든 것을 그대로 보존하는 수동적 반복이 아니라, 기록의 해석과 체화된 지식의 창조적 수행을 통한 탐구적 실천과정으로 이해할 수 있다.

This study examines the artistic significance and value production of choreographer Park Kihyun’s re-enactment performance based on Lakeside Adagio of Act I, of Swan Lake, focusing on the concepts of ‘prototype/archetype’ and ‘re-enactment.’ The analysis examines the original dance notation and musical score to investigate how the prototype of the classical ballet was documented and structured. It also conducts interviews with the choreographer and dancers and observes the rehearsal process to explore the embodied memory and experiential performance of the ballet master and dancers in the re-enactment process. The study argues that the original value of the classical work is preserved and transmitted not only through the physical conservation of notation but also through the bodily archive of the ballet master and dancers. Re-enactment in classical ballet is understood not as a passive repetition of the original text, but as an exploratory practice realized through the interpretation of documentation and the creative execution of embodied knowledge.

본 논문은 칼 융(Carl G. Jung)의 꿈분석 이론을 활용한 꿈의 분석이 현대인들의 종교적 경험 촉진에 있어 도움을 줄 수 있는지를 살펴보는 연구이다. 본 논문은 문헌 연구 방법론을 적용하였다. 인간의 경험 영역에는 종교적 경험이라는 것이 존재한다. 종교적 경험은 거룩한 속성을 지닌 궁극적 실재 혹은 무의식 속 궁극적 실재(심리적 실재)와의 만남을 기반으로 한 인간의 경험으로 정의되는데 이 경험은 경험자에게 실 존적으로 자신의 존재에 대하여 자각할 수 있도록 돕는 역할을 한다. 그리고 경험자 로 하여금 새로운 삶을 살아가게 할 새로운 삶의 원천으로서도 작용한다. 종교적 경 험은 인간, 특히 현대인들의 온전한 삶의 상태와 온전한 삶의 영위를 돕기 위해 요청 되는 매우 의미 있고도 중요한 경험이라고 볼 수 있는데 아이러니하게도 어떠한 방식 을 통해 종교적 경험을 이룰 수 있는지에 관한 연구는 아직까지 이루어지지 않고 있 다. 무엇보다 이 경험의 의미에 의식자아와 심리적 실재와의 심층적 심리경험이 내재 해 있고, 또한 무의식은 일상에서 어렵지 않게 접할 수 있는 요소임에도 불구하고 무 의식의 분석을 통한 종교적 경험 촉진 가능성 고찰 연구는 아직까지 이뤄지지 않고있다. 즉, 결론적으로 말해 연구자는 현대인들의 온전한 삶의 영위를 돕기 위해 무의 식의 분석을 통한 종교적 경험 촉진 가능성 고찰 연구가 필요하다고 본다. 특히, 무의 식은 꿈에 나타나고 꿈은 무의식 그 자체라는 점과 심적 실재는 집단적 무의식의 중 심에 위치하고 있다는 측면에서 볼 때 융의 꿈분석 이론의 성찰과 활용을 중심으로 한 꿈의 분석을 통한 종교적 경험 촉진 가능성 고찰 연구가 필요하다고 생각된다. 융 의 꿈분석 이론은 꿈속 개인적 무의식 요소들의 의식화 작업과 심리적 실재가 위치한 집단적 무의식 요소들의 의식화 작업을 통한 꿈꾼 사람의 전인적인 인격의 성장을 지 향하기 때문이다. 즉, 꿈속 집단적 무의식 원형의 탐색을 통한 의식화에 초점을 두기 에 융의 꿈분석 이론을 활용한 꿈의 분석을 통해 현대인들은 심리적 실재와의 접촉 경험인 심층적 심리경험의 세계로 가까이 다가갈 수 있다. 따라서 본 논문에서는 우 선, 융의 꿈분석 이론 성찰을 중심으로 꿈의 분석에 관하여 살펴보고자 한다. 다음으 로 종교적 경험의 의미에 대하여 살펴보고자 한다. 마지막으로 융의 꿈분석 이론의 활용을 중심으로 꿈의 분석을 통한 현대인들의 종교적 경험 촉진 가능성에 대하여 살 펴보고 본 논문을 마칠 것이다.

This study investigates whether dream analysis, based on Carl G. Jung's dream analysis theory, can facilitate religious experiences in modern individuals. A literature review methodology was employed. Religious experiences, defined as encounters with the ultimate reality—imbued with sacred attributes or psychological reality within the unconscious—play a crucial role in fostering existential awareness and inspiring individuals to lead renewed lives. These experiences are significant for supporting the holistic well-being of modern individuals. Paradoxically, however, little research has been conducted on the methods through which religious experiences can be facilitated. The profound psychological experience inherent in religious experiences, which involves engagement with psychological reality, underscores their significance. Although the unconscious is readily accessible in daily life, studies on promoting religious experiences through its analysis remain scarce. This study emphasizes the need to explore how analyzing the unconscious can support the holistic well-being of modern individuals. The unconscious manifests in dreams, which are regarded as its essence, while psychological reality lies at the core of the collective unconscious. These perspectives highlight the importance of examining the potential of Jung's dream analysis theory for promoting religious experiences. Jung's dream analysis theory aims to achieve the growth of personality by bringing the personal unconscious in dreams and the psychological reality within the collective unconscious into consciousness. By focusing on the consciousness of archetypes within the collective unconscious, dream analysis can contribute to facilitating religious experiences for modern individuals. This paper first reflects on Jung's dream analysis theory to explore dream analysis. Subsequently, it examines the concept of religious experiences and concludes by investigating the potential for promoting religious experiences through dream analysis, with a focus on the utilization of Jung's dream analysis theory.

이 글은 분석심리학의 창시자인 칼 구스타프 융이 근대 자연과학의 토대가 되는 인과율 과 동등한 위치에 있다고 가정한 동시성 이론의 의미와 『주역』과의 관계를 밝히는 것이다. 융은 1920년대 초에 『역경』을 독일어로 번역한 리하르트 빌헬름을 만났을 때 이미 20년 이상 점술에 몰두해 있었다. 그는 『역경』의 점술 경험에서 ‘묻고자 하는 상황과 대응되는 괘 사이에 우연을 넘는 일치가 있음’을 알고 빌헬름의 추모제(1930)에서 처음으로 이 규 칙성에 ‘동시성적 원리’라고 이름을 붙였다. 융은 ｢역경 서문｣(1948)에서 동전점으로 『역경』의 동시성 사례를 보여준다. 그 결과, 융은 자신의 말로 표현하기 어려운 심리적 상태 와 미묘한 기분을 『역경』은 매우 깊은 통찰과 탁월한 직관력으로 자신이 처해있는 상황을 정확하게 보여주고 있다고 한다. 하지만 이 규칙성이 인과율에 대응되는 하나의 원리가 될 수 있는지 판단하기 위해서는 오랜 시간 깊은 사색이 필요하였다. 긴 숙고 끝에 그는 양자 물리학자 볼프강 파울리의 지지와 협력을 얻어 ｢동시성에 대하여｣(1951)와 ｢동시성: 무인 과적 연결원리｣(1952)를 발표하였다. 이 저서에서 “동시성은 지금까지의 과학적 지식으로 는 미진하여 공통 원리로 환원할 수 없는 심리적 사건과 심리-물리적 사건 사이의 시간과 의미의 병행론을 가리킨다.” 융에 따르면 동시성 현상이 일어나는 배경에는 정신과 물질 너머에 정신도 물질도 아닌 하나의 세계 ‘우누스 문두스(unus mundus)가 있으며 근대 자 연과학 이전 연금술, 점성술 등의 세계관인 상응 우주가 그 기반이 된다. 그리고 동시성 현상은 태고적부터 현대까지 수없이 반복되어갈 인류의 근원적 행동유형이며 두드러진 누 미노제적 성격을 지닌 원형(原型, Archetype)과 관계되며, 시간과 공간을 넘어선 무의식 의 선험적 앎인 절대지에 의해 앎이 일어날 수 있다. 이러한 연구 결과에도 불구하고 심리 적 상황의 주관성과 1회 성으로 끝나는 동시성 현상의 특성 때문에 동시성 이론을 보편적 학문의 영역으로 끌어들이려는 융의 시도는 그다지 성공한 것 같지 않다.

This thesis is explores the relationship between Synchronicity and I Ching in the work Carl Gustav jung, the founder of analytical psychology. Jung had already been engaged in fortune-telling for more than 20 years when he met Richard Wilhelm, who translated I Ching into German in the early 1920s. He first named this regularity the “synchronity principle” in Wilhelm’s memorial service (1930), knowing that “there is a coincidence between the situation to be asked and the corresponding rule” from his experience in fortune telling. Jung shows an example of the simultaneity of I Ching as a coin point in “foreword of I Ching”(1948). As a result, Jung is said to accurately show the situation he is in with very deep insight and excellent intuition about the psychological state and subtle mood that are difficult to express in his words. However, it took a long time of deep contemplation to determine whether this regularity could be a principle corresponding to the causality. After much consideration, he published “About Synchronicity” (1951) and “Synchronicity: Principles of Unmanned Connectivity” (1952) with the support and cooperation of the quantum physicist Wolfgang Pauli. Jung defines it here as “simultaneity refers to the parallelism of time and meaning between psychological and psychological events that cannot be reduced to common principles due to lack of scientific knowledge so far.” According to Jung, the background of the synchronicity phenomenon is the unus mundus, a world beyond the mind and matter, and the corresponding universe, a worldview of alchemy and astrology before modern natural science, is the basis. In addition, synchronicity is a fundamental behavior type of mankind that will be repeated countless times from ancient to modern times and is related to the archetype with a prominent numinous character, and knowledge can occur by absolute knowledge, a apriori knowledge of the unconscious beyond time and space. Despite these findings, Jung’s attempt to bring the theory of concurrency into the realm of universal disciplines does not seem to have been very successful due to the subjectivity of the psychological situation and the nature of the synchronicity phenomenon that ends with one-off.

이 글의 목적은 1960년대 우리나라에서 진행된 토착화 신학 논 쟁을 재고찰하고 괴테의 식물학 이론과 비교함으로써 메타모포시스 문화 이론을 정교화하는 것이다. 토착화(土着化)는 복음이라는 씨앗 이 다른 문화의 토양에서 움터 뿌리내림으로써 새로운 형태의 기독 교를 형성하는 과정이다. 토착화 신학자들은 기독교가 복음과 문화 로 구성되어 있고, 복음의 본질이라는 씨앗이 다른 문화적 토양에 서 뿌리 내리는 양상에 따라 다양한 모습의 기독교를 형성한다고 주장하였다. 그러나 복음과 문화, 씨앗과 토양은 그렇게 간단히 나누어지지 않기에 논쟁은 격렬했다. 토착화 신학자들은 토착화가 무 분별한 혼합이 아니라고 주장하였다. 그러나 문화의 변동을 주장하 면서 문화접변을 거부하는 논리는 신앙의 본질을 강조하는 신학적 주장으로 귀결되었다. 후기 토착화 신학에서는 토착화가 혼합을 필 연적으로 수반한다는 방법론적 혼합주의를 제안하여 논의가 한 단 계 진전되었다. 독일의 시인 괴테는 식물의 생장을 원형 식물이 뿌리, 줄기, 잎 으로 변형하는 과정, 즉 메타모포시스로 설명하는 독자적인 식물학 을 제안한 바 있다. 그는 메타모포시스를 통해 식물 개체의 성장, 나아가 식물 종의 형성을 설명하였다. 토착화 신학과 괴테 식물학 은 변화를 설명하면서 변화의 모태를 설정한다는 공통점이 있다. 토착화 신학에서 씨앗 개념이 그것이고, 괴테 식물학에서는 원형 잎, 원형 식물이 그것이다. 괴테의 원형 식물은 씨앗에 내재한 구조 라는 점에서 토착화 신학과 비슷해 보이기도 하지만, 형태적 변화 가 자유롭다는 점에서 씨앗 비유의 단단한 정체성보다 유연한 개념 이다. 토착화 신학이 기독교의 변화를 설명하고자 했을 때 부딪혔 던 논쟁의 지점들을 재점검하고, 괴테의 식물학 이론에서 원형 개 념과 변형의 유형을 참고하는 것은 우리가 문화의 메타모포시스를 체계화하는 데 긴요한 이론적 자원이 될 것이다.

The purpose of this article is to reflect on the Indigenization theology’s debates in the 1960s and develop the metamorphosis cultural theory by comparing them with Goethe’s botanical theory. Indigenization theologians argued that Christianity is composed of the gospel and culture, and that the seeds of the gospel take root in different cultural soils, forming various forms of Christianity. But the gospel and culture, the seed and the soil are not so easily divided, and the debate has raged. However, the logic of rejecting acculturation while insisting on cultural change resulted in theological argument emphasizing the essence of faith. In the later Indigenization theology, the discussion went one step further by proposing methodological syncretism that the inculturation inevitably entails syncretism. The German poet Goethe has proposed a unique botany that explains plant growth through metamorphosis, a process in which an archetypal plant transforms into its roots, stems, and leaves. He explained the growth of plant individuals and the formation of plant species through metamorphosis. Indigenization theology and Goethe’s botany have in common that they establish the matrix of change while explaining it. In Indigenization theology, it is the concept of the seed, and in Goethe’s botany, it is the archetypal plant. Goethe’s archetypal plant is a more flexible concept than the seed metaphor. Through reexamining the points of contention encountered when Indigenization theology tried to explain changes in Christianity, and referring to the concept of archetype and types of transformation in Goethe’s botanical theory, we can systematize the metamorphosis theory of culture.

본 연구는 무형문화재법에 명시된 전형의 방향성을 어디에 두어야 할지 국가무형문 화재 춤 종목 사례를 중심으로 탐구하는데 목적을 둔다. 춤은 표준 기보가 부재하고, 무수한 축적 훈련을 통해 일정한 스타일을 몸에 새긴다. 이런 자연적 표현성 때문에 춤이란 기본적으로 유동적이고 전형 또한 외연적으로 고정되기 어렵다. 특히 개인 민 속무인 승무, 태평무, 살풀이춤은 인물을 중심으로 유파가 형성되고 태생적으로 즉흥 성을 가지므로 궁중정재나 의식무에 비해 유동성이 강조된다. 반면 무형문화재 제도 는 고정성을 바탕으로 만들어졌다. 외연적 동작은 개인의 자연적 표현성에 따라 다르 게 부호화될 수 있지만, 살풀이춤의 한, 승무의 내적 희열, 태평무의 품격 있는 흥취 와 같은 그 춤의 지향적 속성은 세대를 뛰어넘어 공유되고 있으므로 전형 구성하는 고 정적 측면이라 할 수 있다. 따라서 전형 규범을 세우기 위해 다음과 같은 절차를 제안 한다. 첫째, 문화재청은 심사위원들에게 종목 지정과 보유자 인정 당시의 조사보고서 및 필요 자료를 심사위원들에게 제공한다. 둘째, 개별적으로 위의 전형 요소에 대한 답 변을 수합한다. 셋째, 심사위원들을 한 자리에 모아 이견이 있는 사항들을 협의한다.

This paper aims to explore issue the archetype(jeonhyeong, 典型), a key element of the Intangible Cultural Heritage Act based on dances protected as Korea’s national cultural heritage. Dance does not have standard notation system and dancer’s countless practices get specific style to inscribe he or her body. This natural expressiveness allows dance to have flexibility, and archetype does likewise denotatively. Especially the solo folk dances—seungmu, taepyeongmu, and salpurichum— have a character-driven style and improvisatory by nature, so flexibility is doomed to be emphasized compared to that of court or ritual dances. By contrast the intangible cultural heritage system was made based on the fixedness. While denotative movements can be encoded differently depending on and individual’s natural expressiveness, an intentional property of the dance—like internal bliss of seungmu, elegant relish of taepyeongmu and han of salpurichum—encapsulates the archetype. Therefore, in order to establish archetype norm, I suggest the following steps. First, the Cultural Heritage Administration provides the judges with the survey report and the necessary data at the time of the event recognition and holder recognition. Second, individual answers to the elements of archetype mentioned above should be gathered. Third, the judges should convene to discuss matters on which opinions clash in order to resolve differences.

In the 1980s, responding to the "root-seeking" literary trend in the field of literature, a wave of "cultural root-seeking" in the fieldof film art also set off. The fifth-generation and the sixth-generation directors who were deeply influenced by Chinese traditional culture expressed and displayed the deep psychology of the national culture to the audience through the film intentionally or unintentionally. These Chinese films also met the cultural aesthetic psychology of the Chinese audience. These directors had strong cultural awareness. From the perspective of archetype theory, the "root-seeking"culture is essentially the inheritance and pursuit of the traditional patriarchal culture of the modern sub-culture, which is accompanied by cultural criticism and reflection. This paper attempts to use the method of archetypal criticism to broaden the narrow channel of film criticism, collect and analyze the problems that may have been left behind, and make the seemingly random film works in an orderly state. Through the analysis of the archetype of the father and son in the "cultural root-seeking"film since the new era in China, the author believes that the father and son archetype mainly manifests in two aspects in the film. One aspect is father-searching and Electra complex of "cultural root-seeking", the other aspect is patricide and filicide of contradictory confrontation. These father-son archetypes come from ancient myths and are presented in contemporary film art, reflecting the confusion that ancient Chinese traditional culture faced in the process of modernization in the context of globalization. In the impact of the patriarchal traditional culture and the modern subculture, the kids of culture have different cultural choices such as worship and surrender, contradiction and confrontation.

비잔틴 정교회에서 이콘 화가들은 개인의 상상력과 창조에 의해 표현하는 것을 금지하고 있다. 이 콘은 규범에 따라 그려졌으며, 시대적 이데올로기와 예술적 창작 요소는 반영하지 않는다. 비잔틴 이 콘은 원형을 유지해야한다고 규정하고 있다. 그러나 이콘은 시대와 지역에 따라 차이를 드러낸다. 역 사와 신학의 변화 속에서 새로운 조형언어를 형성한다. 본고는 비잔틴 미술에서 그리스도의 변모를 주 제로 한 이콘의 표준 도상을 살펴본 후, 러시아의 노브고로트 화파와 이탈리아 르네상스 시기의 라파 엘로의 그리스도의 변모 도상의 시대적 배경, 신학적 내용, 그리고 도상학적 표현을 통해 이콘의 전승과 해석을 고찰하였다.

In the Byzantine Orthodox Church, iconographers were often seen as the fervent defenders of the original tradition of Christian symbols and images, opposed to the notion of individual imagination and creativity in visual arts. In order to preserve what the artists saw as the timeless archetype of sacred tradition, their art would have no place for personal reflection on their time or artistic consciousness. However, it is now proven that the timelessness of iconography shifts across different regions and ages, whose stylistic variations are informed by an interplay between history and theology. In adherence to this historical approach, this paper looks at the archetype of transfiguration iconography of Christ in Byzantine art and examines how this model triggers two varying trajectories of iconography in terms of theological meanings, social background, and style; namely the Novgorod school in Russia and Raphael in the Italian Renaissance.

길 떠남은 인간의 원형적이며 집단 무의식적인 표상이다. 왜냐하면 인간은 누구나 한 평생 동안 순례자의 길을 걸어가다가 본향으로 돌아가는 존재이기 때문이다. 여행 한다는 것은 인간 안에 내재되어 있는 기본적인 갈망을 추구하는 행위이다. 한 개인 은 무의식적으로 자신을 달래주고 의존할 수 있는 존재, 즉 이상화된 존재와 하나 되 는 갈망을 지니고 있다. 그 그리움의 대상은 사람일수도 있고, 어떤 나라, 어떤 장소, 문화, 예술일 수도 있다. 궁극적 그리움의 대상은 피조물인 자신을 창조하신 창조주이 다. 그러므로 여행은 단순히 낯선 곳으로 길 떠남이 아니라 궁극적 존재인 창조주와 의 합일을 열망하는 인간의 영성 지향적인 의례행위라고 할 수 있다. 박인정, 이영관은 여행의 치유양상과 치유과정을 5단계로 정리하였다. 김홍근, 원수 현은 영성 지향적 여행치료의 5단계를 제시했다. 본 연구에서는 프로이트가 분석한 ‘빌헬름 엔젠의 <그라디바>에 나타난 망상과 꿈’, 그리고 한국에 거주하는 프랑스 여 성 B의 사례를 여행치료의 5단계와 영성 지향적 여행치료의 5단계에 적용한다. B씨 는 프랑스에 생활할 때 심각한 우울증으로 극심한 어려움을 겪다가 자살까지 시도한적이 있다. 하지만 한국어에 대한 관심과 한국으로의 여행과 한국 사람을 통해서 자 신의 병리적 증상들을 극복하였다. 여행은 공간의 이동을 통해서 과거와 현재를 동시 에 경험하는 기회를 제공한다. 또한 여행은 장소 이동에 의하여 무의식의 의식화 작 업을 안전한 상태에서 드러내는 데 매우 훌륭한 촉매적인 역할을 한다. 그러므로 본 논문은 여행치료의 5단계와 영성 지향적 여행치료의 5단계에 프로이 트가 ‘빌헬름 엔젠의 <그라디바>에 나타난 망상과 꿈’을 분석한 것과 B씨 상담사례 를 적용한 것이다. 그리고 <그라디바> 소설에서 주인공 하놀트의 여행과 서울에 거 주하는 프랑스 여성 B씨가 한국 여행으로 인해 심각한 우울증이 치료되는 과정을 통 하여 이 두 사례를 영성 지향적인 여행이라는 관점으로 연구를 한 것이다.

Going on a journey is the representation of humans' prototype and collective unconsciousness because every human is the being who takes the path of pilgrim for his/her lifetime and then goes back to the original home. Travel is the basic longing inherent in humans. Each individual has a desire for being united with a being that could be unconsciously relied on and an idealized being into one. The object of the longing could be a human, country, place, culture, or art. Therefore, the travel is not simply leaving for somewhere strange, but a spirituality-oriented ritual of humans longing for the unity with a ultimate being. This study researches the psychoanalytic psychotherapy with travel, based on the "delusion and dream shown in W. Jensens <Gradiva>" by Freud. We cans summarize the five stages of travel therapy such as travel decision stage, travel initial stage, real travel stage, travel last stage, and post-travel stage. The five stages of travel therapy are very similar to the process of psychoanalytic psychotherapy. Based on it, this paper analyzes a case of French woman B residing in Korea in the perspective of spirituality-oriented travel therapy. When living in France, she even attempted to suicide because of serious depression. However, owing to her interest in Korean language, travel to Korea, and Korean people, she overcame her pathological symptom. Travel provides a chance to experience the past and the present simultaneously through the spatial movement. Also, as a catalyst for illusion by the spatial movement, the travel could reveal the consciousness of unconsciousness in the safe condition. As the travel is a catalyst for the revelation of unconsciousness that could bring about distortion and transformation, the images seen in the travel could be the materials of transformation. Starting from a hope for getting out of a symptom, the travel has a kind of self-therapeutic function, and also a function of taking back to the reality after enjoying the illusion as a part of effort to cognize the reality. This study conducts a research in the combination of the five stages of travel therapy and the spirituality-oriented meanings of each stage based on W. Jensens <Gradiva> by Freud, and the counseling case of a French woman B.

현재 인문학 및 사회학의 활용 분야에 있어 가장 뜨거운 연구주제 중의 하나는 ‘도시재생’이다. 흔히 ‘지역재생’, ‘창조도시’, ‘소프트시티’, ‘역사문화 거리조성’, ‘마을만들기’ 등으로 표현되는 것들은 비록 대상 지역의 차이는 있지만, 크게 보면 같은 방향을 추구하는 것이라고 할 수 있다. 그러나 본 학술대회의 기획의도에서 제시되었듯이, 이러한 사업들이 지나치게 都市․工學的인 입장에서 진행되고 있다는 문제점을 지적할 수 있다. 따라서 이러한 시도들이 성공할 수 있으려면, 무엇보다 인문학과의 연계가 각 단계마다 지속적으로 관철되어야 한다. 이러한 과제는 인문학자의 역할을 요청하는 것이면서, 또한 인문학자의 책임을 수반하는 것이기도 하다. 본 글에서는 도시재생사업에 있어 인문학의 역할을 제시하여 지속 가능한 도시재생의 방향의 일단을 모색해 보고자 하였다. 기존 선행 연구업적을 참고하면서, 필자는 도시재생사업에 있어 인문학의 역할과 방향을 ①팩트(Fact)의 힘, ②원형(Archetype)과 맥락(Context)의 힘, ③재해석(Reinterpretation)과 융합(Convergence)의 힘의 3가지로 제시해 보았다.

Currently, one of the hottest study subjects in the use of liberal arts and sociology is 'urban regeneration'. There may be a difference in what are expressed as ‘regional regeneration’, ‘creative city’, ‘soft city’, ‘making of the historical and cultural street’, ‘village making’ and the like according to competent regions. But it can be said that they pursue the same direction in a broad sense. But as well presented in the intention of planning the academic conference, it can be pointed out that there is a problem that these projects are implemented from an excessively urban․engineering position. Accordingly, for these attempts to be successful, their linkage with liberal arts, among other things, should continually be kept at each stage. In this sense, this task requires the role of liberal-arts academicians and their responsibility as well. This study attempted to present the role of liberal arts to extend them to the urban regeneration project and ultimately to pursue the direction of sustainable urban regeneration that can keep the quality of life. And it attempted to present the role and direction of liberal arts in the urban regeneration project as three forces such as ① the force of facts, ② the force of the archetype and context and ③ the force of reinterpretation and convergence by reference to existing previous studies.

본 연구는 러시아 태생의 유대인 화가인 마르크 샤갈(Marc Chagall, 1887～1985)의 작품세계를 분석심리학의 논의에 의거하여 분석하였다. 분석심리학에서는 예술의 창조성이 예술가 개인의 정신을 넘어서는 인류 공동의 집단무의식에 기원하고 있으며, 예술은 이런 집단무의식의 내용을 의식이 지각할 수 있는 형태인 상징체계로 표현한 것이라고 본다. 분석심리학의 관점에서 볼 때 샤갈의 작품이 주목을 끄는 이유는 인간정신의 심층을 차지하고 있는 무의식의 언어를 풍부한 상징을 통해 전달하고 있기 때문이다. 샤갈의 작품에서는 개인의 경험을 초월하여 보편적으로 존재하는 집단무의식의 원형들을 발견할 수 있으며, 이를 형상화한 상징을 통해 무의식의 정신활동의 의미를 파악할 수 있다. 그의 예술은 아니마에 의해서 이끌어진 창조적 영감에 바탕을 두고 있으며, 무의식과 의식의 통합에 의해 얻어진 정신의 전체성과 대극적인 요소의 합일에 의한 정신의 초월적 기능을 나타내는 다양한 자기원형의 상징들을 포함하고 있다. 따라서 샤갈의 예술에서는 무의식과 의식의 협업을 통한 상징화과정이 가져다주는 치유적 효과를 경험할 수 있다. 이때 상징은 분열과 부조화를 벗어나 통합과 균형을 찾아가는 정신의 치유과정을 알려주는 가장 효과적인 매개체의 역할을 한다. 무의식의 창조성은 예술가만의 전유물이 아니라 모든 인간이 지닌 고유의 정신능력이므로 인간의 본성에서 유래하는 자기실현을 향한 힘과 예술이라는 창조적 행위가 지닌 치유력의 결합은 미술치료의 가장 기본적인 속성이자 이론적 근거가 된다.

In this study, the works of Marc Chagall(1887～1985), who was a Jewish Russian painter, were analyzed from the viewpoint of analytical psychology. Analytical psychology regards artistic creativity as being originated from the common collective unconsciousness of human beings beyond the personal spirit of an artist. And art was considered to be an expression of a symbolic system, in which the person could perceive the collective unconsciousness of human beings. From the perspective of analytical psychology, the reason of why Chagall's works attract our attention is that his abundant symbols may represent the language of unconsciousness in the depths of human psyche. In Chagall's works, the archetypes of collective unconsciousness were expressed in various symbols and these symbols revealed the dynamics of unconsciousness. His art was based on creative inspiration arisen by anima and included various symbols of Self-archetypes which reflected the transcendental functions and the wholeness of human psyche. Also, Chagall's art activates the healing power which results from the symbolization by the interaction between unconsciousness and consciousness. The symbol can play a role of the most effective medium that indicates the healing process of psyche which gets out of discord and unbalance to search for integration and balance. The creative unconscious is not only an exclusive property of artists but also the original mental capacity that all human beings possess. Therefore, the integration of the healing power of creative activity and the basic human instinct for self-realization is the most important element and the theoretical base of art therapy.

스피노자의 신론(神論)은 그의 윤리학으로부터 독립된 것이 아니라, 이 윤리학으로 나아가기 위한 예비적 고찰이다. 스피노자의 범신론이 함의하는 인간학적 의미를 탐문해볼 수 있는 근거가 여기에 있다. 논자는 품사론-구문론-의미론이라는 언어학의 구분을 차용하여 범신론의 세 가지 기본 테제의 내용, 이 테제들이 스피노자 체계 안에서 결합하는 방식, 그리고 그로부터 산출되는 철학적 의미를 순차적으로 살펴보았다. 범신론의 세 가지 기본 테제란 실체의 유일성, 신의 속성으로서 연장, 신에게 있어 자유의지 부정이다. 이 테제들의 종합이 효과를 발휘하는 곳은 신 존재 증명에서 이다. 스콜라 철학에 있어 하나의 독립된 문학 장르를 이루었던 신 존재 증명은 선험적(a priori) 증명과 경험적(a posteriori) 증명으로 나뉘는데, 후자는 경험적 세계와 초월적 세계의 구분을 전제로 한 것이다. 초월적 세계를 옹호하고자 했던 형이상학자들은 우선 유한자들의 우유성을 부각시킬 필요성을 느꼈고, 이를 위해 경험에 호소했었던 것이다. 반대로, 스피노자에 있어 범신론의 테제들은 신과 자연 사이의 존재론적 차이를 부정하는 데로 집중된다. 요컨대, 신은 곧 자연이다 (Deus sive Natura). 이 경우 오직 현실세계에 대한 부정적 평가만이 초월적 세계를 정당화하는 근거로 남을 뿐이다. 어떤 경험도 그것이 우연하고, 불완전한 것이라고 알려주지 않는다. 현실에 대한 부정적 평가는 오로지 ‘원형(archetype)과 인상(ectype)’이라는 이분법에 길들여진 사고방식에서 기인한다. 이러한 이분법적 사고를 타파하는 데 스피노자 범신론의 목적이 있다. 스피노자의 윤리학이 시급히 요청하는 바도 현실 부정적 태도를 강요하는 종교적, 신화적 세계관의 극복이다. 상실된 원형에 대한 집착은 정념적 인간의 특징적 징후일 뿐이다.

Chez Spinoza, la doctrine de Dieu, telle qu’on la trouve dans la première partie de son Ethique, ne constitue pas une science indépendante de son projet de libération éthique : elle en constitue plutôt une étape préliminaire. Il y a lieu de s'interroger sur les significations anthropologiques du panthéisme spinoziste. Dans ce travail, nous avons tenté de l’examiner dans un plan morphologique, syntactique et sémantique ; il s'agit d’examiner successivement les trois thèses principales du panthéisme, leur façon de s’intégrer dans le système spinoziste et finalement l’effet de cette synthèse spinoziste. Les trois thèses capitales du panthéisme sont comme suit : l'unicitè de la substance, l'attribution de l'étendue à Dieu et la négation du libre arbitre divin. Ces trois thèses se trouvent mises en corrélation, mieux qu’ailleurs, dans la preuve de l’existence de Dieu. Certes, il s'agit d’une littérature philosophique qui est inventée par certains penseurs scolastiques. Ils ont éprouvé la nécessité de distinguer la preuve a priorie et la preuve a posteriori, en reconnaissant que celle-ci présuppose, à la différence de celle-là, une séparation préalable entre la réalité transcendantale et la réalité empirique. Afin de défendre la présence d’une réalité transcendantale, ils ont fait appel à l’expérience et ils sont finis par qualifier tous les étants finis de contingents. Par contre, Spinoza met en oeuvre les thèses panthéistes pour annuler toute différence éidétique entre l'infini et le fini, entre le substantiel et le modal. En un mot, Deus sive Natura! Vu de cela, il n’y a rien qui puisse justifier la notion de réalité transcendante, sinon la conception de la réalité actuelle comme contingente et imparfaite. Mais ce n’est pas l’expérience qui nous conduit à reconnaître la contingence de la réalité actuelle : plutôt, c’est la dichotomie ‘archétype-ectype’ qui conduit, en tant que mode de penser, à l’interprétation négative du monde empirique. Enfin gît là l’enjeu du panthéisme spinoziste, qui est aussi celui de son éthique : il s'agit de détruire toutes les formes de pensée liées à la dichotomie ‘archétype-ectype’, car elles représentent l’obséssion de l'esprit. La nostagie des origines perdues, qui est caractéristique de l’anthropologie religieuse et mythique, constitue en même temps le symptôme le plus cartéristique des hommes soumis au jeu de force des passions.

Perhaps one of the most remarkable characteristics of the work of Ch’ae Mansik is his capacity for satire within a deeply traumatic historical context. Although he is known as a satirist, academic studies have approached his categorization from different perspectives. Given the significance of satire in identifying Ch'ae's legacy, this article aims to provide a classification of his works in which satire plays a crucial role. In addition, through literary analysis, it proposes a theory concerning the archetypal character often found in his satirical novels. The article focuses on works that depict the "chameleon"–an opportunist archetype willing to do anything and disregard ethical considerations in order to attain material wealth and social acceptance. Furthermore, it explores the contrasting ways in which this archetype differs from the satirical portrayals of intellectuals found in some of his works from the 1930s. In so doing, this study seeks to elucidate how a focus on the chameleon archetype can contribute to a better understanding of literary legacy of Ch’ae Mansik.

In Doris Lessing’s The Diary of a Good Neighbor (1983), the protagonist, Jane Somers, attempts to be reconciled with her mother as well as to play a role as a good daughter opposite to the female characters who, in Lessing’s early novels, always struggle with their mothers. Such a change of Jane can be seen in her inner world, particularly described in her diary, related to the relationship of Maudie Fowler and herself. So it is possible to read this novel from an analytical psychology, especially with Neumann’s theory of the terrible mother. Neumann says that the terrible mother, who personifies the destructive and devouring aspect of the unconscious, sometimes helps the ego to achieve centroversion or sometimes prohibits the ego from trying to do it. The terrible mother in The Diary of a Good Neighbor is embodied as death, for the journey of Jane toward centroversion is mainly developed in overcoming the fear of death or, literally, death, such as, her husband’s and mother’s and Maudie’s deaths. Through the three deaths, Jane comes to accept the dark side of her life and is changed from ego-centrism to altruism, leading her to help her niece. As a result, it is believed that she can solve her problem that she has no affection for others resulting in being isolated from her family. Accordingly, Jane perceives life as more important, realizing how precious it is to love each other.

본 연구는『빨강머리 앤』을 분석심리학적 관점에서 고찰하여, 작품 속 주인공 앤을 영원한 소녀(Puella Aeterna) 원형의 상징으로 해석하고 그 심리적 의미를 탐구하는 것을 목적으로 한다. 융의 원형 이론에 따르면, 영원한 소녀 원형은 순수함, 자유로움, 상상력, 창조성을 상징하는 동시에 현실 회피와 미성숙이라는 양가적 특성을 지닌다. 앤은 고아라는 삶의 조건 속에서도 상상력과 언어, 창조적 태도를 통해 삶을 재구성하며 이러한 원형의 긍정적 측면을 구현한다. 동시에 그녀의 성장 과정은 부모 콤플렉스, 사회적 규범, 책임의 수용이라는 현실 과제를 통해 원형적 에너지가 어떻게 의식화되고 조율되는지를 보여준다. 본 논문은 앤의 삶을 통해 영원한 소녀 원형이 억압되거나 동일시의 대상이 아니라 개성화 과정 속에서 현실과 상상력의 균형을 이루며 자기(Self)와 통합되어야 할 심리적 자원임을 확인하였다.

This study examines Anne of Green Gablesfrom an analytical psychology perspective, interpreting the protagonist Anne as a symbol of the archetype of the eternal girl (puella aeterna) and exploring its psychological meaning. According to Jung’s theory of archetypes, the eternal girl archetype symbolizes purity, freedom, imagination, and creativity, while also possessing ambiguous attributes of escapism and immaturity. Despite the conditions of her life as an orphan, Anne reconstructs her life through imagination, language, and a creative attitude, thereby embodying the positive aspects of the eternal girl archetype. At the same time, her developmental process demonstrates how archetypal energy becomes conscious and regulated through real-life tasks such as the parent complex, social norms, and the acceptance of responsibility. Through Anne’s life, this study confirms that the archetype of the eternal girl is not something to be repressed or merely identified with, but rather a psychological resource that must be integrated with the Self through a balance between reality and imagination within the process of individuation.

본 연구는 ‘포스트 뮤지엄(post museum)’이라는 새롭게 인식될 공간에서 럭셔리 패션 브랜드를 문화콘텐츠로 향유하는 디지털미디어 세대 관객에 관한 논의이다. 포스트 뮤지엄은 ‘뮤지엄 이후의 뮤지엄’을 뜻하는 것으로 보는 측면에 따라서 다양한 의미로 해석된다. 럭셔리 패션 브랜드는 브랜드별로 역사와 정체성, 그리고 스토리텔링이 있는 콘텐츠로서 최근 들어 경제적이고 문화적인 가치를 높게 평가받으며 주목받고 있는 분야이다. 이에 따라 본 연구는 이 둘의 융합된 형태인 럭셔리 패션 브랜드 전시를 장소성에 기반한 문화콘텐츠의 관점으로 보고 디지털미디어 시대 관객성과 연관하여 고찰한다. 예술의 역사와 함께 진화한 관객들이 이제 예술 공간에서 단순히 관극하기 보다는 적극적으로 작품에 참여하고 소통하며 생산자의 관점에서 예술을 경험하기를 희구한다. 또한, 경험에 더해 예술을 자신과 동일시하기를 바라는 욕구도 생겨났다. 본 연구에서 이러한 관객의 특성을 적용하여 럭셔리 패션 브랜드 루이비통의 <레전더리 루이비통 트렁크 展>과 구찌의 <구찌 가든 아키타이프: 절대적 전형>의 관객성을 연구하였다. 기존의 럭셔리 브랜드 관련 연구가 브랜드 정체성과 그에 관련된 스토리나 역사에 주목하였다면 이 연구에서는 하나의 문화콘텐츠로서의 브랜드와 그 가치에 대하여 소비자와 소통을 하는 시도와 그 방식에 초점을 두었으며 급변한 소비자층의 면모를 관객성의 변화로 파악하고 고찰하였다. 이에 따라, 최근 들어 크게 증대된 럭셔리 패션 브랜드의 다양한 방식의 아트마케팅 활동을 하나의 사회문화적 현상으로 보고 그러한 활동에 적극적으로 참여하는 관객의 양상을 새로운 관객성의 등장으로 해석하는 연구를 하고자 한다.

This study is a discussion of the digital media generation spectators who enjoy luxury fashion brand as cultural contents in the ‘post museum’, a space to be newly recognized. Post museum means “museum after museum” and can be interpreted differently depending on one’s perspective. In recent years, luxury fashion brands have attracted a great deal of interest due to the fact that their contents, which include each brand's history, identity, and narrative, are highly valued for their economic and cultural significance. Consequently, this study examines luxury fashion brand exhibitions in the age of digital media through the lens of spatiality-based cultural contents in relation to spectatorship. In addition to experiencing the arts, a new generation desires to identify with them. This study examined the spectatorship of <Legendary Louis Vuitton Trunk Exhibition> and <Gucci Garden Archetype: An Absolute Archetype Exhibition> presenting the luxury fashion brands Louis Vuitton and Gucci, respectively, by applying such spectator characteristics. Existing luxury brand-related studies have focused on the identity of brands and their associated stories or histories, whereas this study focuses on brands as cultural content as well as the attempt at and format of communicating with consumers about their values. Moreover, aspects of the rapidly changing consumer classes are evaluated and considered in light of the alterations in spectatorship. In an era in which the line between the arts and daily life is blurring, it has become increasingly important to broaden the cultural contents from a variety of perspectives and to view society and humanity by advancing interdisciplinary convergence. Accordingly, the purpose of this study is to view the diversification of art marketing activities of luxury fashion brands as a sociocultural phenomenon and to interpret the aspects of spectators who assertively participate in such activities as the emergence of a new spectatorship.