Earticle

예이츠는 정신자동현상과 자동기술을 사용하여 새로운 시 창작 모형의 시 세계를 연다. 정신자동현상은 시인이 의식이 아닌 무의식의 상태, 다시 말해서 대 립자아에서 전달자와 의사소통할 수 있는 의식의 상태이다. 자동기술은 대립자아 상태 에서 뮤즈 신과 의사소통한 것을 기록한 것이다. 그는 이러한 상태를 모든 영혼들의 밤 에서 죽은 사람의 영혼을 불러내어 그들과 대화하는 기법으로 새로운 시 창작의 기법을 제시한다. 요컨대 그는 시 창작에서 시인의 심리적 상태의 변화를 구체화하여 시 창작에 대한 그의 시학의 원리를 체계적으로 주장함으로써 현대시의 새로운 시 창작 원리를 제시하려고 시도한다.

Yeats opens a world for a new creative poetic model by using automatism and automatic writing. Automatism is a state of consciousness through which a poet can communicate unconsciously, that is, with the antithetical self. Automatic writing is conducted by a poet who communicates with his Muses in the state of antithetical self. He shows this new creative method in the poem “All Souls Night,” where he evokes souls of the deceased and talks with them. In short, he solidifies the poem’s creation through shifting between psychological states, suggesting systematically the principles of his poetics in poetry writing, and showing these creative principles in writing modern poetry.

본 연구는 로버트 마더웰의 ‘오토마티즘’ 조형성을 패션 일러스트레이션에 응용하고, 그 과정을 수작업과 생성형 AI를 활용한 창작물로 구현함으로써 예술성과 기술성이 결합된 새로운 창작의 가능성을 탐색하는 데 목적이 있다. 연구방법은 이론 및 작품연구로 전개된 다. ‘생성형 AI 패션’을 중심어로 학위논문, 학술지, 웹 사이트를 통해 ‘오토마티즘’의 조형적 특징과 생성형 AI에 관해 살펴보았고, 이를 토대로 수작업과 생성형 AI (미드저니)를 활용한 총 4세트의 작품연구를 진행했 다. 연구 결과, 오토마티즘의 조형성을 패션 일러스트 레이션에 응용함으로써 패션 표현의 수단을 넘어, 표현 방식 간 융합과 시각언어의 확장이 가능한 예술 매체임 을 확인했다. 또한, 수작업에 의한 창작은 직관적 해석 과 손맛, 감정이 반영되므로 창작자의 미감과 개성을 패션 이미지로 구현하는 데 효과적이었다. 한편 AI로 생성된 이미지는 창작자의 의도와 판단, 알고리즘의 조 합을 통해 원본 이미지를 재해석했고, 예상치 못한 결 과도 영감의 원천으로 제공돼 표현의 확장성과 다양성 을 나타냈다. 상반된 두 영역의 창작 방식은 각각 차이 를 지니지만, 창작자의 직관적 감성과 의도, AI의 생성 능력이 상호작용 될 때 더욱 완성도 있는 창작물 구현 이 가능함을 알 수 있었다. 본 연구는 수작업과 생성형 AI에 의한 창작물 구현을 시도해봄으로써 융복합 시대 의 창작 방법에 대한 새로운 인식 그리고 예술 창작의 주체로서 인간과 생성형 AI의 역할을 재조명했고, 그 상호작용 속에서 새롭게 구현되는 창작 지형을 탐색한 데에 학술적, 실천적 의의가 있다.

The purpose of this study is to explore the possibilities of new creation by using manual work and Generative AI to apply Robert Motherwell's ‘Automatism’ formability to fashion illustration. The research method was based on ‘Generative AI fashion’ and conducted a theoretical study on the formability and Generative AI of Automatism through dissertations, academic journals, and websites, and conducted four sets of work research using the two creative methods. As a result, it was confirmed that fashion illustration is an artistic medium that can converge and expand genres beyond the means of expression. In addition, manual work is effective in realizing the creator’s intuition and emotions as images, and Generative AI is provided as a source of inspiration through algorithms, showing the expandability and diversity of expressions. It was found that when the two creative methods interact with each other, it is possible to realize complete creations. This study is of academic and practical significance in re-examining the perception and role of creative methods in the era of convergence and exploring the newly realized creative topography in interaction

액션뮤직은 백남준이 독일 시기에 진행했던 퍼포먼스 음악으로, 그 특유의 광기는 다른 실험음악과 구별된다. 액션뮤직의 심리학적 배경과 구조를 추적하는 것이 본 연구의 목적이다. 본연구는 유년시절 백남준이 경험한 끔찍한 전쟁의 경험이 독일 시기 예술의 감성을 정립하는 데주요한 역할을 했다고 보고, 그의 미학이 외상적이라고 가설을 세웠다. 이러한 관점에서 아르놀트 쇤베르크라는 결절점을 중심으로 유년 시절의 외상이 어떻게 독일 시기의 음악적 활동으로전환되는지에 관해 추적하고 독일 시기 주요 작품에 관해 정신분석학적 분석을 시도했다. 하지만 전쟁의 외상 자체를 분석하는 것이 여기서의 목적은 아니다. 오히려 백남준이 외상적 감정을어떻게 아방가르드의 미학으로 전유하고 어떤 방식으로 예술에서 그것이 나타났는지가 주된 관심사다. 이를 통해 본 연구는 독일시기 액션뮤직을 접근할 수 있는 하나의 방법론적 틀을 모색하고자 했다.

Action-Music is a particular form of music that Nam June Paik composed and performed mainly during his German period. Since 1959, he emphasized the performative presentation of which characteristic frenzy is distinguished from other experimental music. This study aims to trace the psychological background and structure of this emotions embedded in the Action-Music. The hypothesis of this essay is that Paik’s aesthetics of trauma originated from his experience during the Korean War(1950-1953). In this respect, this study traces the transition of his childhood’s trauma to his artistic activities in Germany via his contact with Arnold Schoenberg by employing the psychoanalytic theory. I conclude that Paik’s traumatic emotion became the basis of his avant guard practices.

제 1차 세계대전 이후 사람들은 전쟁으로 인한 참상을 목격했으며 이에 미술도 지난 세기를 지탱해온 합리성과 이성이 아닌 비이성과 부조리의 다다이즘에서 출발해 인간 내면에 내재된 무의식의세계를 탐구하는 초현실주의로 나아갔다. 오스트리아의 정신분석학자인 프로이드(Sigmund Freud) 의 무의식과 잠재의식에 대한 연구는 많은 예술가들에게 영향을 미쳤고, 초현실주의 이론의 근간을이루게 된다. 프로이드는 히스테리 연구에서 정신병을 치료하기 위한 방법으로 자유기술법을 시도했는데, 프로이드의 자동기술법은 초현실주의에도 적용되었다. 예술가들은 억압되어진 내면세계를 시각적으로 자연스럽게 표출하는 실행의 방법론이자 원리로서 활용하였다. 이 논문은 초현실주의 대표적인 영화인 <안달루시아의 개>에 드러난 초현실주의적 도상을 프로이드의 정신분석학을 중심으로 연구해보고자 한다. <안달루시아의 개>는 자동기술법에 의거한 초현실주의 대표적 영화로 인간 심연의 무의식을 화면 안에 담아내고 있다. 영화는 스토리의 전개가 없이꿈을 꾸듯 이미지들이 두서없이 뒤죽박죽 연결되어 있다. 하지만 영화 속 장면들은 초현실주의 작품도상과 비슷한 맥락으로 무의식을 드러내는 장치로 작용한다는 점에서 일맥상통하다. 즉 프로이드가인간의 무의식에 주로 주장하는 이성과 검열에 대한 투쟁, 억압에 의한 불쾌와 불안 심리, 성적 에너지인 리비도의 분출과 죽음의 충동인 타나토스 등이 영화 안에서 도상으로 드러나며 이는 다른 초현실주의 작품 속에서도 등장하는 것으로 초현실주의적 논리를 창출하고 있다. 이 논문은 <안달루시아의 개>가 초현실주의 대표 영화를 넘어서서 20세기 최고의 걸작으로 평가받는 것과 관련해서 영상의 시대 새로운 아방가르드 영화가 나아갈 방향을 제시하기를 기대해본다.

After World War I, people witnessed the devastation caused by war, and art is better than surrealism, which explores the unconscious world inherent in human beings, starting from the rationality and rationality that has supported the last century, and from the dadaism of irrationality and irrationality went. The study of the unconscious and subconscious of the Austrian psychoanalyst, Sigmund Freud, has influenced many artists and forms the basis of surrealist theory. Freud tried liberal arts as a way to treat mental illness in hysterical research, and Freud 's automatic technique also applied to surrealism. Artists have used it as a methodology and principle of execution that expresses the inner world that is oppressed visually and naturally. This paper attempts to explore the surrealist image of Surrealism, a representative film of Andalusian dogs, focusing on Freud's psychoanalysis. The Dog of Andalucia is a surrealistic representative film based on the Automated Technology Law, and it captures the unconsciousness of human abyss on the screen. The movie is a dreamlike image without the development of the story. However, the scenes in the movie are similar in that they act as a device to reveal unconsciousness in a similar context to the surrealist paintings. In other words, Freud's struggle for reason and censorship, which he claims to be largely based on human unconsciousness, displeasure and anxiety due to oppression, and Tanathos, the impulse of sexual energy, the eruption and death of libido, It creates a surrealist logic. I hope that this paper will present a direction for the new avant-garde film in the age of video related to the <Andalusian dog> being evaluated as the best masterpiece of the 20th century beyond the surrealism representative movie.

The hair art is seriously affected by the art trends which changes its style in various ways according to the social and cultural circumstances, which reflect a certain spirit of the times. In this context, among plenty of art trends making a clear influence on the hair art, I have studied the inner world of people, or the realm of the subconscious and the unconscious in order to break out of those existing “trite” artwork. With studying the surrealism which pursues the liberation of the human spirit, I have examined how the surrealistic representation techniques have developed up until now. In order to do so, this study has been conducted on the basis that the surrealism could be divided into the abstract surrealism using the “Automatism” techniques of a surrealism artist, Werner Haftman and the concrete surrealism using the “Depaysement” techeniques. “Automatism” is a representation techniques of surrealism embodying the unconscious without intention, on the other hand, “Depaysement” is the one with a certain intention of the artist. I believe that creation activities derived from ideas of those representation techniques and researches for a source of art are the creatures of the combination of our lives, art and spirit to combine with each other, and, at the same time, have great significance to the contemporary art.

익숙해진 대상은 더 이상 새롭지 않으므로, 별다른 감흥을 주지 못하 고 식상하게 느껴지게 되고, 더 이상 우리의 인식을 자극하지 못한다. 이런 현상을 인식(Perception)에서의“자동화(Automatism)”혹은“습 관화(Habitualization)”라고 부른다. 인식의 자동화, 습관화는 어떤 대 상에 대한 인식을 방해하고 왜곡시키는 문제를 가져온다. 설교도 인식 의 자동화, 습관화의 문제에서 예외일 수 없다. 설교자가 성경 본문을 대할 때, 설교할 때, 청중을 대할 때 그리고 청중이 설교를 들을 때, 인 식의 자동화 습관화는 발생한다. 신설교학은 청중이 설교를 들을 때 발 생하는 인식의 자동화 습관화를 설교를 새롭게 하려는 노력들로 극복 하고자 했다. 신설교학에서 설교를 새롭게 하고 설교의 지루함의 문제 를 해결하기 위해서 다양한 방법들이 제안되어왔지만 이런 노력들은 지나치게 설교 형식과 방법에 집중해 왔다는 한계를 가진다. 본 글에서 필자는 설교의 내용도 인식의 자동화, 습관화를 극복할 수 있는 좋은 대안임을 제안한다. 설교의 원천으로서의 성경 그리고 복음 은 늘 새롭고 신비로운 특징을 가진다. 설교가 이런 복음의 신비를 제 대로 담아낼 때 설교에서 나타날 수 있는 인식의 자동화, 습관화는 극복될 수 있다. 이를 위해서 필자는 설교자는 올바른 해석과 성령의 임 재를 추구를 제언한다.

Since the familiar object is no longer fresh, it does not give much inspiration and feels bored. The object is becoming too familiar to have a perception of it. This phenomenon is called “Automatism” or “Habitualization” of Perception. Automatisim and habitualization of perception disturb the ability to recognize objects, and preaching is no exception. When a preacher reads and interprets the Bible Text, delivers a sermon, meets congregation for preaching and congregation listens to preaching, automatisim and habitualization of perception occur. Especially, through refreshing preaching, New Homiletics has tried to overcome automatisim and habitualization of perception when congregation hear a sermon. Although various ideas have been suggested for refreshing preaching and overcoming boring preaching in New Homiletics, these have limitation to have only focused on preaching forms and methods. Here, the writer suggests that the content of the preaching can help to overcome the automatisim and habitualization of perception. The Gospel and the Bible, the sources of preaching, are strange and mysterious, and not in line with normal human perception. When preaching reveals the true meaning of the Word of God, automatisim and habitualization of perception can be overcome. For this, the writer suggests that preacher seeks legitimate ad faithful interpreting of the Bible and the working the Holy Spirit.

본 연구의 목적은 현대 패션 일러스트레이션에 나타난 오토마티즘 특성을 분석하여 무의식적·우연적 효과의 창의적인 표현양식을 기반으로 한 패션 일러스트레이션 작품을 제작하여 패션 이미지 전달의 새로운 가능성과 가치를 제안하고자 한다. 연구의 내용 및 방법은 문헌연구와 실증적 연구를 병행하여 오토마티즘과 패션 일러스트레이션의 이론적 고찰을 바탕으로 현대 패션 일러스트레이션에 나타난 오토마티즘의 표현 특성을 분석한 후 패션 일러스트레이션 작품을 제작하였다. 첫째, 오토마티즘의 이론적 고찰과 함께 조형예술 분야의 다양한 선행 연구를 분석하여 오토마티즘의 표현 특성을 도출한 후 현대의 패션 일러스트레이션 작품을 살펴보았다. 둘째, 본 연구의 실증적 연구로는 패션 일러스트레이션 작품에 나타난 오토마티즘의 표현 특성을 파악하기 위해 9인의 패션디자인 전공 전문가들에게 설문조사를 실시하여 작품 사진을 검증하였다. 셋째, 실증적 연구의 범위는 2010년부터 2016년까지 발표된 국내외 패션 일러스트레이션 작가들의 작품들을 패션잡지, 작가홈페이지, 인터넷 웹사이트 등에서 1129점을 1차 수집하였다. 넷째, 2차 과정에서는 작품선정의 객관성과 타당성을 높이기 위해 설문조사를 실시하여 오토마티즘과 관련된 패션 일러스트레이션 작품을 검증한 후 총 287점을 선별하였다. 이에 나타난 현대 패션 일러스트레이션에 나타난 오토마티즘의 표현 특성에 따른 분포 결과는 액션 페인팅의 즉흥성(28%), 콜라주의 환상성(27.7%), 자유뎃생의 무의식성(27%), 데칼코마니의 다중성(9.6%), 앗상블라주의 공간성(4.7%), 프로타주의 우연성(3%) 순으로 나타났다. 다섯째, 실증적 연구를 토대로 오토마티즘의 6가지의 표현 특성을 반영한 패션 일러스트레이션 작품을 6점 제작하였다. 이와 같이 오토마티즘의 무의식적 정신과 이에 따른 표현 특성이 반영된 실험적인 패션 일러스트레이션 작품을 제작함으로써 패션 일러스트레이션 분야의 기초자료제공과 실험적이고 다양한 표현 기법 개발연구에 도움이 되기를 기대하는 바이다.

This study intends to look into the expressive characteristics of automatism in fashion through modern fashion illustration, which has been studied only in the field of painting or sculpture until now. It needs to offer the value as new visual art and carry out research on the works of artistic fashion illustration using automatism. Next, it is to seek the possibility and value of delivering more effective and persuasive fashion images to modern artists and modern people. First I had to look into the core of automatism. Then I looked into what automatism was like in modern fashion illustration, using several steps. First, Looking at the trend of fashion illustration by analyzing previous studies of automatism. Second, A survey was given out to experts to identify the characteristics of automatism. Third, Once the first 1,129 works were collected from domestic and foreign artists, the second survey was carried out to a group of experts. Forth, The 287 photos selected by more than half of the group were used for analysis. The distribution in each expressive characteristic showed that the improvisation of action painting(28%) was the highest, followed by the fantasy of collage(27.7%), the unconsciousness of free dessin(27%), the multiplicity of decalcomanie(9.6%), the space of assemblage(4.7%), and the contingency of frottage(3%). Fifth, The survey resulted in combining and analyzing 287 photos involving the usage of automatism.

초현실주의는 20세기 예술운동 중에서 잘 조직된 운동이었으며, 예술과 문학뿐만 아니라 생활 방 식이나 철학적 전망의 표현까지 그 영역을 발전시켰다. 다다이즘에 뿌리를 둔 초현실주의는 인간의 상상력 확장과 사고의 자유를 근본으로 하면서 사회 현실을 변혁시키겠다는 혁명적 이념으로 인간 정신 해방을 목표로 삼으면서 인간을 억압하고 있는 의식으로부터 벗어나고자 했다. 초현실주의는 문학에서 출발한 예술사조로서 주창자는 앙드레 브르통이었다. 앙드레 브르통은 1924년 제 1차 초현실주의 선언에서 초현실주의를 ‘심리적 자동기술’ 즉 이성의 어떤 통제도 없는 상태에서 무의식적 충동을 자유롭게 기입하는 것으로 묘사했다. 인간 내면의 세계를 표현하는 초현 실주의는 프로이드의 자동기술법의 이론에 의거해서 다양한 시각적 양상을 띠면서 전개되어 왔다. 꿈과 환상을 자양분으로 심연의 무의식을 펼쳐내는 자동기술법은 이성적 사고를 배제하는 초현실주 의에게 적합한 표현 기법으로 작용한 것이다. 자동기술법을 구현한 앙드레 마송(Andre Aime Rene Masson)의 자동 기술적 드로잉과 호안 미(Joan Miro)와 이브 탕기(Yves Tanguy)의 자동주의에 의 거하면서도 기호와 상징들을 통한 은유와 환상성, 막스 에른스트(Max Ernst)와 오스카 도밍게스 (Oscar Dominguez)의 자동기술법에서 확장된 표현기법을 보여줌으로써 현대 미술에 있어서 인간 개인의 창의성과 자유의지를 시각화하면서 현대미술의 발전에 기여했다. 이처럼 꿈⋅잠⋅무의식을 인간 정신의 자유로운 발로로 보는 혁신의지와 이성과 합리를 거부하는 초현실주의의 논리를 시각적으로 표출하는데 자동기술법은 주요한 원리로 작동되었다. 개인적인 시 각의 강조가 초현실주의를 기법적인 면에서 이러한 초현실주의의 자동기술법은 예술가의 의식적인 활동이 아닌 적극적인 표현의지로서의 무의식 자체에 집중하면서 현대예술의 창조적․예술적 진보의 장의 개척했다는 데 의미가 있다. 이 연구는 초현실주의의 자동기술법의 미학적 원리와 경향 분석을 통해 현대미술의 표현적 확장성에 미친 영향을 발견하는데 의미가 있다.

Surrealism was the best organized movement in the 20th century art movement and developed not only art and literature, but also the expression of lifestyles and philosophical prospects. Surrealism, rooted in Dadaism, was a revolutionary ideology that would transform the social reality based on human imagination and freedom of thought. Surrealism was Andre Breton who advocated art as a starting point in literature. Andre Breton described surrealism in the first Surrealism Declaration of 1924 as "psychological automatic technology", a free description of unconscious impulses in the absence of any control of reason. Through this, we tried to escape the consciousness which suppresses human being while aiming at the liberation of human mind. Surrealism, which expresses the inner world of human beings, has been developed with various visual aspects according to Sigmund Freud's theory of automatic technology. The automatic technological law that unfolds the unconsciousness deeply with nourishment of dreams and fantasies serves as a suitable expression technique for surrealism that excludes rational thinking. Based on the automatic technical drawing of Andre Aime Rene Masson who implements the automatic technique and the automatic attention of Joan Miro and Yves Tanguy while showing metaphors and fantasies through symbols and symbols and extended expression techniques in Max Ernst and Oscar Dominguez's automatic techniques He has contributed to the development of modern art by visualizing human creativity and free will in contemporary art. In this way, modern technology is able to open up the possibilities of creative and progressive expression world with its innovative will to view dream, sleep, and unconscious as the free footsteps of human mind, and automatic technology law to visually express the logic of surrealism that rejects reason and rationality. I was able to. The surrealist automation technique is meaningful not only for the conscious activity of the artist but also for the expansion of the mental and visual expression of contemporary art, concentrating on the unconscious itself as an active expressive will.

Background In the development of technology, the surface of the representation of the graphic design is by repeating the process of fundamental change. Contemporary graphic design, which developed into international typography style in the grid norms, which is a product of modernism, began to appear in the present. Thus, if to dream of a departure from the traditional norm called grid, the struggle has been exposed in a variety of representations. As a result, the collapse of the form by the deconstructive expression and de grid and post-modern remarkably appeared. Methods Fella, as one of the representative person who represents these forms well strived to the study of the establishment of design identity, which is based on a result creation and aesthetics of deconstructive expression. Therefore, the researcher, based on the French modern philosophy aesthetics, considers the graph algorithms of Fella, which are pulling the whole world of graphic design community and line of graphic design education, examining the impact of the modern graphic design. Fella's graphics forms have been the basis of the deconstructive aesthetics principle. And, the expression of his consciousness imagination has aroused a new homework to a lot of designers. Result More than to research freely and resist, this is to the designers, is a matrix to re-constructed for the future-oriented role of design. Drifting from the edge of the current era to the era of post-modernism and regulations flows into uncertain times, but looking at the aesthetic aspects of graphic design also shows the various aspects represented as one of the genre. Conclusion In this study, looking at the flow of the modern Graphism and the future of graphic design in the development of graphic design through the consciousness imagination of Fella, through more than the study of the presentation aspect, the primary objective is to link a comprehensive aspect.

이 글은 공안파의 시론을 상세히 독해함으로써 그 의의를 재조명했다. 흔히 성령론, 개성론, 자아표현론이라고 일컬어지는 공안파의 시론은 시의성과 혁신성을 인정받아왔다. 그들은 진정한 시는 마음에서 흘러나오는 것을 옮긴 것이라고 말하며 입에서 나오는 대로, 팔이 움직이는 대로 시를 써야 한다고 주장했다. 마음에서 흘러나온 것이 입과 팔을 거쳐 시로 이루어진다고는 것, 즉 마음의 시화(詩化)는 내면의 발현에 중점으로 둔 것이다. 그들의 시는 비록 중국고전시의 형식적 제약과 구체적 방법론의 부재로 그 시론을 온전히 구현하기 어려웠지만, 평이한 언사로 자연스럽게 쓰이고 입말 투가 삽입되는 등 파격을 보였다는 점에서 의의가 있다. 자구를 최대한 다듬지 않고 글자나 구절 수 가 일정하지 않은 것은 입과 팔에 내맡긴다는 말의 실천이었다. 그들은 자동적인 시 쓰기를 추구했다고 볼 수 있으나 당시(唐詩)로부터 멀어지기를 의도했다는 점에서 한계가 있었다. 공안파가 자신의 시론을 바탕으로 어떻게 시를 썼는지 살펴봄으로써 이론과 실천을 함께 조망할 수 있었다.

本文通过详细的解读重新審視了公安派詩論的意義。素以“性靈說”，“個性說”和“自我表現說”著稱的公安派詩論一直以來以詩論的適宜性和革新性受到認可。他們主張真正的詩要發自內心，即“從自己胸臆流岀”，“信口信腕”。由心而發，經由口和手臂而作成詩的行爲, 即心的诗化將重心放在了發現內在。他們的詩虽然受到中国古典诗歌形式的制约和缺少具体的方法论而在诗论方面很难完全实现，但是可以从使用平易的语句自然写成，插入口语语气等破格的表现中发现新的意义。最大限度地不修饰字句，不讲求字节的一致是寄托于口和胳膊的理念的实践。虽然可以看作是他们追求自然写成的诗句，但可以看出和唐诗保持一定距离的意图，所以有着局限性。公安派自己的诗论为基础将如何写诗进行的探讨是一次诗论和实践一起的展望。

움직임의 환영을 만들고자했던 다양한 역사적 실험들에서 드로잉이 사용되었다는 사실은 인간의 사고를 시각적으로 가장 직접적이고 창의적으로 나타낼 수 있는 본질적인 도구가 드로잉이 아닌지에 관해 재고해보도록 한다. 가상의 동물 드로잉을 통해 사냥이라는 현실적 소망을 이루려는 주술적 신앙의 결과인 원시시대 동굴벽화에서부터 현실을 복제하는 기술의 발명과 이를 통해 마술적 놀라움을 제공하려했던 초기 트릭영화의 프레임 바이 프레임 애니메이션, 신체의 움직임을 실시간으로 기록하며 동시에 그 위로 생성되는 화려한 그래픽 이미지와 같이 인간의 사고를 시각화하여 우리의 눈앞에 현실처럼 재현하는 초기의 시도들에서부터 현재의 뉴미디어 아트에 이르기까지의 결과물들은 그 매체는 변화했지만 기본적으로 드로잉 기법을 활용하고 있다. 본 논문에서는 종이와 펜이라는 아날로그적 매체와 디지털 기술을 활용하는 뉴미디어 아트 프로젝트를 통해 공동 드로잉 창작의 새로운 심미적 체험과 놀이로써의 예술활동의 교육적 효과에 관해 탐색하였다. “라이브 드로잉” 작품사례를 제시하여 뉴 미디어 예술이 ‘그리기’라는 사적인 표현행위를 다자간의 참여에 의한 작업방식으로 확장시키며 이에 따라 교육적 매체로 발전가능함을 확인하였고 결과적으로 산업분야의 R&D기술을 활용하는 문화콘텐츠 제작사례의 하나로 제시하고자 하였다.

The fact that various historical experiments to create the illusion of movement utilize drawing techniques means that we must consider that drawing is a fundamental tool which can represent human thoughts in the most direct and creative way. From animal drawings in primitive caves as a result of shamanistic beliefs that cavemen will be able to hunt actual animals, to frame-by-frame animations in early 'trick films' enabled by the technological invention allowing replications of reality, providing a magical surprise with augmented computer graphics according to human body movements with real-time recordings, most attempts from early experiments to current new media explorations for visualizing the human mind to reproduce it in reality essentially took advantage of drawing techniques. In this paper, we explore the educational effects as a type of play and aesthetic characteristics realized by co-created drawings in new media art practices which utilize both analog media such as pens and paper and digital technology. As an example of an artwork, the concept of "live drawing" is presented to confirm the fact that new media art can expand private expressions of 'drawings' into multiple instances of participation in artworks, also showing that it is possible to develop this method into an educational medium. Therefore, we present this project as a result of cultural content production by utilizing R&D in the technology industry.

마레이(Marey)가 인체의 움직임을 찍은 영상으로 시작하는 <홀리 모터스(Holy Motors)>(2012)의 첫 시퀀스는 이 영화를 보는 몇 가지 틀을 제공해 준다. 움직임이 없는 관객들 앞에서 스스로 운동하고 있는 영화. 이것은 영화의 존재론적 특성인 자동 기술적 성격을 환기시킨다. 그러한 영화적 특성을 강조한 영화들은 카메라의 몸과 인간의 몸을 동조화(synchronization)시킴으로써 카메라에 보다 창조적 권한을 부여했다. 그때 카메라에 담기는 이미지는 오직 사실(facts)만을 기호화한 ‘세계 내의 이미지’였다. <홀리 모터스> 역시도 그러한 ‘세계 내의 이미지’를 보여주는데 그것은 움직이는 몸을 카메라처럼 만듦으로써, 몸이 움직이는 순간 세계가 영화를 만들어나가게끔 하는 것이었다. 그것은 영화를 만드는 것이 연출자가 아닌 카메라라는 관점과 유사하다. 그때 세계가 만들어내는 영화적 신체의 현현(incarnation)은 연극적인 의미에서 ‘상연(staging)’된다. 동시에 이 영화의 게임과 같은 내러티브 구조를 통해 볼 수 있는 것은 이 영화가 연극, 게임과 같은 다른 미디어와 관계에서 발생하는 간격(interval)을 매우 효과적으로 사용하고 있다는 것이다. 영화의 디스포지티프(dispositif)는 그러한 순간에 두드러지게 나타나는데, 그것은 앙드레 바쟁(Andre Bazin)의 리얼리즘을 새롭게 전유한 것이기도 하다. 하지만 무엇보다 중요한 것은 이 영화가 공백(void)을 전시하고 있다는 것이다. 그것은 여러 역할을 연기하는 드니 라방(Denis Lavant)의 육체를 통해 드러나는데, 단일한 존재를 보증하는 것으로서 그의 고정된 외양은 신과 신 사이의 공백을 통해 더 이상 단일성, 총체성으로 존재하지 못하게 되는 것이다. 내러티브 차원에서는 보이지 않는 그 공백은 잠재적인 차원에서 영화 전체의 내러티브를 소급적으로 재구성하고 질문하게 만든다. 들뢰즈에게서 볼 수 있듯이 그러한 무의미(non- sence)로서의 공백은 현실의 층위에서 동떨어져 실체화할 수 없는 비물질적인 것이지만, 그렇기 때문에 잠재적으로 관객에게 인식된다. 그것은 재현된 영역 내에 재현되지 않은 부분이 있다는 것을 폭로하면서 드러나는 것이다.

One thing we can see in Holy Motors, which begins with the image of moving body, is that at the moment when the body moves, the world creates a film. The body is synchronized with a camera, whereas the world is presented via the body. This is similar to such a viewpoint that creating a film is not a producer but camera’s automatism. In this regard, filmic physical incarnation, the world created at this moment, is the very staging in a theatrical sense. At the same time, one thing presented through the film’s game-like structure of narratives is that the film seems to utilize intervals generated from its relationship with other media, such as plays and games, very effectively. At this moment, dispositif stands out. In this vein, the film make the most of Andre Bazin’s realism from a new aspect. However, the most important thing is that the film displays void. This fact is presented via the body of Denis Lavant, who playing many roles. His fixed appearance, which guarantees a unitary existence, is not able to exist as unicity and totality, due to the internal void. From the aspect of potentials, the invisible void reconstructs the whole narrative of the film retroactively and raises questions about it. As shown by Gilles Deleuze, such non-sense void is an immaterial thing, which is far away from the strata of reality and cannot be materialized. But audience potentially perceives the film with this void. In other words, the void is presented through its exposure of the fact that a non-reproduced part exists within the reproduced image.

이 연구에서는 디지털 미디어의 사용이 관객들에게 특정한 방식으로 서사의 발견을 유도하는 형식적 실험들을 고찰해 보고자 한다. 특히 조형요소로 작용하는 색이라는 요소를 분리시켜 이것이 조형예술과 애니메이션 영역에서 전통적으로 작용해 온 방식과 디지털미디어를 통해 형상간의 구별과 인식을 위한 고유한 정보로 다루어지는 방식들을 살펴보고자 한다. 이미지 파편들 간의 결합에 의한 연상과 상징을 통해, 그리고 시간성이 첨가되어 연속된 이미지 간에 관계가 만들어지는 영상매체를 통해, 마지막으로 관객과의 상호작용에 의해 이야기가 발생되는 형식적 특성들을 고찰해 본다.

The Fundamental purpose of this study is to investigate formal experiments in digital media, which engage audiences in the discovery of narratives in a particular way. Not only by serving as a design element, the colors has been functioned traditional ways in the region of plastic arts and animation fields, but the colors also works as a intrinsic information to recognize the distinction between images in digital media nowadays. this kind of new ways will be investigated. In my drawing works, I tried to build narratives with the combination of associated images and through the symbolic meanings, and after with the aid of the time-based media, images become having a certain relationships by continuation. finally by the interaction with the audience, the experience of stories will show characteristics in form to be contemplated.

The surrealism art form comes from the world of unconsciousness. Based on its expression of the world of imaginary, it boldly demonstrates the arrangement and the forms of contradicted objects and the development of collage, montage, and protage techniques in the works which had a big influence on the growth of the modern art. The ideology and the modeling characteristics shown in the surrealism had various expressive forms and meanings in the modern compound expression and it grew out of the former standarlized forms and brought diversity and individuality based on the sensibility of the new avant-garde art form and showed great potential as it presented harmony in the multiple forms of art. The purpose of the research was to analyze the influences that were put on the surrealistic fashion art works and the works of the representative designer, Jean Paul Gotie. The characteristics of Jean Paul Gotie's surrealistic fashion comes from destruction, sexual image, and the mixture of heterogeneous. It is evident that the surrealistic fashion went beyond certain groups of avant-gardists' salvation of the world and were put to practice use, reaching out to the ordinary consumers. This was resulted from the revolutionary movement called, "anti-mode van fashion" led by Gotie. The surrealistic style will be led by various techniques and trends and developed through new characteristics in multiculture merged with various fashion styles.

The surrealism for the revelation of the unconscious realms shares the inner world of mentality with modern fashion display for the visual expression of sensation each other. The analysis of the influence which automatism technique of surrealism exerts on fashion display showed as follows : 1) The automatism technique elevated the dramatic effect of the sales room by scraping the perspective, or the principle of visual arts. 2) It maximized the effect of subject of the display by coinciding surrealism with realism. 3) The technique which distorts the things heralded the strong message to customers by letting them keep away from the fixed idea. 4) Humorous expression of display brought about the effect of sales stimulation by giving astonishment, shock and exaggeration. 5) Expression of surrealism and realism caused customers to feel shock, illusion, fantasy. 6) The automatism technique expressed the high-tech image, and free expression by revealing the diversity of subject. 7) Display hinted from nature satisfied the mental desire of the human beings to be assimilated with nature. The formative characteristic presented the new possibility of combination of display with arts through the avant-garde sensation. Sale's room, or the marketing space was to be sublimated to three dimensional art space, which enhanced the image of sale's room, furthermore meeting the demand of moderner's lifestyle.

Surrealism was originated from the influence of dadaism as one of the new movement in the 20th C. That movement denied the traditional art form, searched the man's inner consciousness and subconsciousness, and discovered automatism as a means to realize this. In this paper, 1 studied the relationship between fashion and art trend, investigating the influence which surrealistic idea and its expression made on modern fashion. Surrealism has expanded and developed the creation of fashion for the 20th century, by supplying a new and good idea th fashion design, and in the coming 21th C., it will greatly contribute to the development for future form of clothes, carrying out the essential function of clothes, which is called the expression of human nature in the harmonization with man.

이 글은 스탠리 카벨의 ‘오토마티즘’ 개념과 로절린드 크 라우스의 ‘기술적 지지체’ 개념을 비교 분석함으로써 두 대안적인 예술 매체 개념의 의미와 방향성을 탐색한다. 90년대 말 크라우스 는 카벨의 오토마티즘 개념을 전거로 물리적 환원주의를 벗어날 수 있는 새로운 매체 개념을 고안하고, 일련의 관습들의 복합적이고 중층적인 구조로서 ‘기술적 지지체’를 제시한다. 이 글은 물리적 매체 개념을 넘어서려는 ‘오토마티즘’과 ‘기술적 지지체’ 개념의 개 연성과차이를면밀히탐색함으로써,이두개념의철학적배경및 시대적 요구 안에서 제시되고 있는 예술 매체의 행위성, 자동성, 자율성을 조명한다. 요컨대, 카벨은 매체를 모더니즘의 잠재적이고 창발적인 예술의 존재 양식으로 규정했다면, 크라우스는 이를 포스 트구조주의 담론으로 변용시키면서, 모더니즘적 매체특정성의 불가 능성을 전제로 ‘기술적인 것’을 예술의 가능 조건으로 제시한다.

This paper addresses automatism and autonomy in artistic mediums as found in the parallel of Stanley Cavell’s and Rosalind E. Krauss’ thought. Their alternative concepts of medium, which they invented to stand against the vacuous generalization of the aesthetic in media dominance, have been significant in film and visual art. Based on the physical irreducibility of the medium implied by Cavell's automatism, Krauss’s "technical supports" delve into how contemporary artists’s practices are reinventing mediums. Through a more comparative investigation of two concepts, this paper aims to reveal their strategies and orientations of each alternative conception of medium regarding agency, automatism, and autonomy. In short, while Cavell implicated artistic mediums in a potential and generative mode of artistic existence in the moment of consciousness of modernism, Krauss, as a post-structuralist, brings it into a psychoanalytic and postmodern frame, presenting ‘the technical' as a possible condition for the autonomy of art over the impossibility of modernist medium specificity.

우리 사회는 민주화 이후에 인공지능이 주도하는 디지털 자동화가 지배하는 사회로 전환되었다. 지난 민주화 노력에도 불구하고 디지털 기술, 특히 인공지능이 자본주의 구조와 결합하면서 일자리는 불안정해지고 글로벌 기업의 정보 독점화는 강화되는 추세이지만 이에 대한 특별한 저항의 단초를 찾지 못하고 있다. 이런 상황에서 본 논문은 스티글러의 ‘자동화 사회’ 개념을 통해 일상생활과 사회적 관계를 구조화하는 알고리즘이 사회에 미치는 영향을 검토해보고자 한다. 특히 빅데이터는 개인별 성향에 기반하여 맞춤형으로 개인의 요구에 응답하고 있지만, 기실 디지털 연산에 따라서 개인의 성향을 더욱 편향되게 발전시키는 문제를 일으키고 있다. 이런 개인맞춤형 정보는다양한 개인을 통제하고 감시하는 새로운 형태의 ‘디지털 파놉티콘’으로 변하고 있다. 스티글러는 이런 알고리즘에 의해서 자동화되고 관리되는 사회를 알고리즘적 통치성이라는 개념으로 비판한다. 이런 관점에서 필자는 알고리즘적 사회를 넘어서는 하나의 대안으로 욕망의 문제를 검토해보고자 한다.

After democratization, our society has been transformed into a society dominated by radical automation led by artificial intelligence. Despite past democratization efforts, digital technology, especially artificialism, has been absorbed into the capitalist structure, and no method of resistance against unstable jobs and digital information monopolies by global companies has been found. From this situation, this paper aims to examine the impact of digital technologies and algorithms that structure daily life and social relationships on society through Stiegler's concept of an "automated society." The emergence of digital networks such as smart cities transforms the entire society into an integrated digital complex. Furthermore, although global companies manage and control enormous amounts of user data, individuals have limited access to this information. This information asymmetry has led to the monopoly of data, which poses a potential threat to democracy and personal autonomy. Big data, in particular, seems customized to respond to individual needs based on individual tendencies, but it is causing a problem of developing individual tendencies which are more biased according to digital calculations. In a sense, this personalized information is emerging as a new form of 'digital panopticon' that controls and monitors various individuals. Stiegler criticizes a society that is automated and managed by such an algorithm as the concept of algorithmic governance. From this point of view, I would like to examine the problem of desire as an alternative to algorithmic society.

This paper reconsiders the camera not as a passive technological medium that merely substitutes for human vision, but as a machine of automatism that produces images through its relations with things and environments. It proposes the concept of the “thing-image” to designate an object-oriented image that emerges through asymmetrical relations among the camera, lens, light, sensor, algorithm, data, environment, and filmed object without being reducible to those relations. The paper first reexamines theories and practices of camera automatism in the age of cinema as historical precedents for reconsidering the possibility of post-anthropocentric image production, and then introduces Object-Oriented Ontology as its principal theoretical framework. From this perspective, the thing-image is understood not simply as an image of things, but as an image that emerges through relations among heterogeneous objects while remaining irreducible to the sum of those relations. The paper analyzes Abbas Kiarostami’s Five and Ten, Pedro Costa’s In Vanda’s Room, Jean-Luc Godard’s Goodbye to Language, and Verena Paravel and Lucien Castaing-Taylor’s Leviathan to examine how the duration, mobility, prolonged dwelling, miniaturization, and nonhuman movement of the digital camera expand the conditions under which the thing-image can emerge. Building on these analyses, the paper finally considers the AI-operated camera as a further extension of camera automatism, in which continuous human control may be diminished and things and environments may participate more actively in image formation.