Earticle

본 연구의 목적은 데뷔 50년을 맞은 조용필 음악의 특징을 분석하고 한국 대중음악사적 의의를 평가하는 것이다. 조용필이 활동한 1960년대 후반부터 현재까지의 대중음악사는 세 시기로 구분된다. 1960년대 후반부터 1980년대 초반까지 는 기성세대의 트로트와 젊은이의 록이 유행했던 시기, 1980년대 중반부터 2000년대 초반까지는 소프트 록과 헤비메탈, 발라 드가 혼재했던 시기, 2000대 후반부터 현재까지는 후크 송 중심의 댄스음악이 음악시장을 석권한 시기이다. 음악사의 변곡점 마다 조용필은 다양한 음악 장르를 넘나들며 대한민국 대중음악의 발전에 기여하였다. 첫 번째 시기에는 트로트와 록을 접 목하여 한국 고유의 정서를 담은 록음악을 발표하였고, 두 번째 시기에는 록의 전성기와 발라드의 태동기에서 두 장르 모두 의 발전에 기여한다. 세 번째 시기에는 후크송을 발표해 논란을 일으키기도 하였으나 댄스 음악 장르에서도 보컬의 가창력 이 중시되는 분위기를 조성하는 데 기여하였다.

This study analyzes Cho, Yong- Pil’s contribution on K-Pop history as he celebrates the 50th anniversary of his debut. The history of K-Pop, when Cho has been active in, is divided into three periods. From the late 1960s to the early 1980s was a period when trots and rocks were popular. Soft rock, heavy metal, and ballads came in from the mid-1980s to the early 2000s. From the late 2000s to the present, dance music, mostly hook songs, has dominated. In every inflection point of K-Pop history, he contributed to the development throughout various musical genres. In the first period, he introduced rock music with the unique emotion of Korea by combining the trot and the rock genre. In the second period, he contributed to the development of both rock and ballad genres. In the third period, his hook songs were released to the controversy, but it contributed to creating an atmosphere in which the vocal ability of the vocalist in idol groups was emphasized in the K-pop scene.

스마트폰이 음악감상의 주요도구로 자리 잡으면서 개인에게 특화된 모바일 환경이 조성되었 고, 전통미디어를 넘어 모바일 SNS를 통해 유통되고 공유되는 음악영상콘텐츠가 각광을 받게 되었다. 음악 소비방식이 다운로드에서 스트리밍으로 옮겨간 것에서 더 나아가 소셜(social) 기 능을 갖춘 음악콘텐츠들이 선풍적인 인기를 끌기 시작한 것이다. ‘딩고뮤직’은 MCN기업인 메이 크어스의 음악전문채널로서 모바일에 최적화된 음악영상콘텐츠를 제작 발행하며 새로운 대중음 악 홍보마케팅을 선도하고 있다. 딩고뮤직의 성공 배경에는 개인에게 특화된 모바일미디어의 진 화와 이를 거리낌 없이 수용하는 밀레니얼 세대의 출현이 있다. 이러한 환경변화를 기회로 삼아 딩고뮤직은 모바일SNS에 최적화된 자체 영상콘텐츠포맷을 개발하고, 과학적인 데이터 분석을 통해 SNS에서의 바이럴 과정을 이해해 활용하며, 음악의 본질인 아티스트와 작품에 집중하는 음악콘텐츠 제작을 통해 개인의 취향과 밀착되어 음악을 듣는 계기를 제공했다. 본 연구는 딩고 뮤직에 대한 심층 분석을 통해 SNS 채널이 대중음악을 홍보하는 플랫폼으로 정착해 나가는 현 상을 파악하고 실효성 있는 전략을 세우는 데 기여하고자 하였다.

As smartphones became the main tool for listening to music, a mobile-media environment specialized for individuals was created, and music video contents distributed and shared through mobile SNS became more popular. Beyond the shift from music downloading to streaming, music content with social features is becoming more popular. 'Dingo Music' is the music channel of an MCN Company, MAKEUS, and excels in mobile marketing of popular music by producing and publishing music video contents optimized for the mobile media environment. Dingo Music's success lies in the environmental changes with the evolution of individualized mobile media and the emergence of millennials who naturally accept and utilize it. Taking advantage of these environmental changes, Dingo Music develops its own video content format optimized for mobile SNS, understands and utilizes the viral process in SNS through scientific data analysis, and concentrates on the artists and songs that are the essence of music. Such content creation provided consumers with an opportunity to listen to music in close contact with personal tastes. The purpose of this study is to identify the phenomenon that SNS channel is settled as a platform to promote popular music through in-depth analysis of Dingo music and to identify effective music marketing strategies for the mobile era.

본 연구는 국내 대중음악 시장에서 대중음악의 소비에 영향을 미치는 요인들을 구조화하여 연구 모델을 검증한 것이다. 연구 결과 국내 대학생들이 소비하는 대중음악의 장르는전통장르, 소프트 장르, 하드 장르의 3가지 유형으로 구분되는 것으로 나타난다. 이 중 음반구입이나 방송프로그램, 콘서트와 같은 전통적인 가요소비 창구를 통해 소비하는 음악장르는 전통장르와 하드장르이고, 준사회적 상호작용을 강화하는 장르는 소프트 장르로나타난다. 전통적인 소비창구는 준사회적 상호작용에 직접적으로 영향을 미치고 있었고소비창구와 준사회적 상호작용 모두 연예기획사에 대한 태도에도 긍정적으로 연결되었다. 이러한 연구 결과는 대중음악 마케팅에 대한 학문적인 시사점은 물론 대중의 음악 소비에 대한 위계 구조를 알려주고 대중음악 생산의 거점인 연예기획사의 장기적인 브랜드관리에 대한 시사점도 제공해 주고 있다.

This study explores relationships among marketing elements of popular music. First of all, through a factor analysis, genre of pop music is classified into three categories such as traditional genre, soft genre, and hard genre. The results of structural equation modeling analysis show that traditional genre and hard genre influenced consumption window, and soft genre affected para-social interaction. Window consumption also positively linked to para-social interaction. Both window consumption and para-social interaction influenced attitudes toward entertainment agencies. The results of this study could provide several academic and managerial implications about marketing of popular music and branding strategies of entertainment agencies.

이 연구는 대중음악이 사회 전반에 미치는 영향을 살펴보고, 그 효과를 분석하여 봄으로써, 대중음악 에 대한 의미와 이해의 폭을 넓히고자 하는 데 목적을 두었다. 연구방법은 질적연구로 이루어졌으며, 다음과 같은 결론을 제시하고자 한다. 첫째, 문화상품으로서의 대중음악은 상품성을 통한 강요보다는 자발성을 통한 공감대 형성과 긍지를 느낄 수 있도록 해야 한다. 둘째, 문화상품을 통해 소속감과 열성 팬을 유지할 수 있는 연결고리를 제공하는 것도 대중음악을 지속해서 유지하는 매개체 기능을 한다. 셋째, 대 중음악으로 출발하지만, 개인의 생활 속에 문화로 연결되어야 지속 가능한 한류를 유지할 수 있다. 넷째, 대중음악은 한 명의 개인이나 하나의 그룹이 노래를 통해 세계에 영향을 미치는 가장 큰 사회문화적 요 소로서 문화전파의 첨병 역할을 한다. 다섯째, 대중음악의 성공은 곧 산업으로 연결되어 경제와 일자리 를 창출하는 효과가 있다. 여섯째, 대중음악을 선두로 하여 한류문화를 지속해서 전파할 수 있는 체계적 인 지원 시스템 구축과 실천이 뒷받침되어야 한다. 대중음악은 소나기처럼 지나가는 유행으로 볼 것이 아니라 문화전파와 문화산업으로 바라보고, 그에 대한 철저한 준비와 체계적인 지원을 통해 지속해서 성 장할 수 있는 토대를 만들어 주어야 한다. 대중음악은 미래 한류 문화를 확산시키는 첨병으로서의 임무 를 수행하는데 가장 좋은 수단이 된다. 그뿐만 아니라 우리의 생활양식을 전달하게 됨으로써 세계에 한 국인과 한국문화를 이해시키는데도 크게 이바지하게 될 것이다. 이에, 이 연구는 대중음악의 의미와 확 산과정을 이해하고, 사회 전반에 이바지하는 중요성을 살펴보고, 대중음악에 대한 미래지향적 사고를 형 성시키는데 목적을 둔다. 대중들이 음악을 접하는 경로는 주로 대중매체를 통해서 이루어진다. 이러한 상황에서 대중음악이 어떤 경로를 통해 전달되고, 확산하는지에 대한 기본적인 이해가 필요하다. 대중음악은 대중의 관심을 먹고 성장하기 때문이다.

The purpose of this study is to broaden the meaning and understanding of popular music by examining the effects of popular music on society in general and analyzing its effects. The research method was a qualitative study, and I would like to present the following conclusions. First, popular music as a cultural product should be able to form a consensus and feel proud through spontaneity rather than coercion through commerciality. Second, providing a link to maintain a sense of belonging and passionate fans through cultural products also serves as a medium to sustain popular music. Third, although it starts with popular music, sustainable Hallyu can be maintained only when it is connected with culture in individual life. Fourth, popular music is the largest socio-cultural factor that one individual or group influences the world through song, and it plays a leading role in the spread of culture. Fifth, the success of popular music is linked to industry, which has the effect of creating economy and jobs. Sixth, the establishment and practice of a systematic support system that can continuously spread Hallyu culture with popular music at the forefront should be supported. Popular music should not be viewed as a passing fashion like a shower, but as a cultural propagation and cultural industry. Popular music is the best means to fulfill the mission as a spearhead to spread the future Hallyu culture. Not only that, but by conveying our lifestyle, it will greatly contribute to understanding Koreans and Korean culture to the world. Therefore, this study aims to understand the meaning and diffusion process of popular music, to examine the importance of contributing to society as a whole, and to form future-oriented thinking about popular music. The path for the public to access music is mainly through the media. In this situation, it is necessary to have a basic understanding of how popular music is transmitted and spread. Popular music catches the public's attention

2020년을 전후해 한일 정부는 첨예하게 대립하고 있지만 대중음악 교류는 활발하게 이루어지고 있다. 이와 같은 이율배반적인 상황을 분석하기 위해 본 논문에서는 아즈마 히로키의 이중 구조 모델을 참고했다. 아즈마는 ‘내셔널리즘-정치-의식’과 ‘글로벌리즘-경제-욕망’이 괴리되어 있다고 주장해 오늘날의 한일 대중음악의 교류 양상을 설명하는 데 필요한 이론적 틀을 제공하고 있다. 본론에서는 선행 연구를 검토해 K-POP과 J-POP가 탄생한 배경에는 세계 시장이 기능하고 있음을 밝혔다. 국가 정치로부터 상대적으로 자유로운 세계 시장의 네트워크가 있었기에 K-POP과 J-POP은 오늘날 교류를 지속할 수 있었다. 그러나 세계 시장에 편입된 K-POP과 J-POP은 획일화되고 규격화될 위험에도 처하게 된다. 아도르노의 관점에서 보면 세계 시장에서 상품화된 K-POP이나 J-POP은 ‘유사 개성화’의 문제를 극복할 만한 능력을 지니지 못하는 것이다. 이러한 세계화의 문제를 해결할 대안으로 본 논문은 밈에 주목했다. 밈은 자기 복제를 반복하면서도 돌연변이를 일으켜 다양한 문화를 탄생시킨다. 특히 인터넷에서 유행하는 밈은 세계화의 부산물이면서 동시에 세계화로 인한 획일화를 저지하는 버그의 역할을 담당하고 있다. K-POP과 J-POP의 밈도 이와 유사한 특징을 지니고 있어 돌발적으로 변이하며 새로운 문화를 창조한다. 구체적으로 본 논문은 K-POP의 ‘TT 포즈’와 ‘손가락 하트’, J-POP의 「사쿠란보」나 ‘제로투 댄스’와 같은 사례를 분석해 독자적으로 발전하는 밈이 어떤 커뮤니케이션을 활성화하는지 고찰했다. 이와 같은 밈은 과거에 없던 조합을 구축해 K-POP과 J-POP이 이질적인 문화와 접합하도록 이끌고 있다. 그 결과, 한일 대중음악은 더욱 다양한 문화와 네트워크를 구축할 수 있었다.

Although the Korean and Japanese governments were in sharp confrontation, popular music exchange between the two countries was active around 2020. To analyze this antinomic situation, the current study referred to Azuma Hiroki’s dual structure model. Arguing that ‘nationalism-politics-consciousness’ and ‘globalism-economy-desire’ are separate, Azuma provided a theoretical framework to explain the current aspects of the Korean-Japanese popular music exchange. The present work reviewed prior studies and revealed that the global market was deeply involved in establishing K-POP and J-POP. Since this segment of the world market is free from national politics, the K-POP and J-POP can maintain their cultural exchanges till today. However, the global market can put K-POP and J-POP in danger of becoming standardized. From Theodor Adorno’s point of view, K-POP and J-POP merchandised in the global market do not have the ability to overcome the problem of ‘pseudo-individuation.’ To solve the problem of globalization and standardization, this study focused on meme. Meme can create diverse cultures by self-replication and mutation. In particular, a popular meme on the Internet is both a byproduct of globalization and bug that prevents standardization caused by globalization. Having similar characteristics, the memes of K-pop and J-pop can mutate and create manifold cultures. This paper analyzed cases such as K-POP’s “TT pose”, “finger heart”, J-POP’s “Sakuranbo” and “Zero Two Dance” to examine how memes developed independently and stimulated various forms of communication. These memes effected unusual combinations of K-POP and J-POP with heterogeneous culture. Due to the memes, the Korean and Japanese popular musics are able to present wide diversity.

The purpose of this study is to investigate the effects of popular music festival experiential factors on subjective well being and festival satisfaction, and analyze the effect of popular music festival satisfaction on subjective well being. In order to achieve the purpose of the study, previous studies that applied the experience economy theory of Pine and Gilmore(1998) were reviewed and questionnaire surveys were conducted with participants of the Incheon Pentaport Rock Festival. From the surveys, 237 valid samples were secured and an empirical analysis was conducted with the samples. The results of this study are as follows. First, the entertainment experiential factors, educational experiential factors, escapist experiential factors, and esthetic experiential factors of popular music festivals had statistically significant effects on festival satisfaction. Second, the educational experiential factors and esthetic experiential factors of popular music festivals had significant effects on subjective well being. However, the entertainment experiential factors and escapist experiential factors did not significantly affect subjective well being. Third, the popular music festival satisfaction had significant effects on subjective well being. Therefore, the importance of experiential factors as a strategy to enhance the feeling of welling being and satisfaction of participants in the popular music festivals could be identified. In addition, the application optimal experiential factors (the optimal experience) to the planning, operating and marketing of the popular music festivals will contribute to strengthening the competitiveness of the festivals.

잡가와 신민요는 민요와 관련된 대중음악으로 이해된다. 양자는 같은 문화적 범주에 속했음에 도 불구하고 같이 거론되는 일은 없었다. 본고에서는 양자를 상업민요라는 개념 하에서 아우름으 로써 사회문화사적 배경을 검토해보고, 한편으로는 각 갈래가 표명하는 의미가 무엇인지 검토해 보았다. 이를 위해 잡가와 신민요의 양식과 향유 양상을 검토하고, 노래의 실천과 담론을 분석해 보았다. 상업민요는 전통 민요와 양식적 특징을 공유했지만 한편으로는 별개의 음악적 수사와 형식 혹 은 새로운 노랫말로써 노래의 다양성을 확장시켰다. 노래의 다양성은 잡가민요나 신민요가 오랫동 안 성장하고 지속하게 했다. 그러나 당시 민요 담론은 상업민요의 성장과 역할을 인정하는데 소극 적이었다. 엘리트 민족주의 민요론 및 일제의 식민 민요론은 상업민요를 정당하게 평가하지 못하 게 했다. 그럼에도 불구하고 잡가민요는 근대 도시인의 일상을 기반으로 기존의 계급 질서에 저항 하고 새로운 역사의 주체를 드러내는 역할을 했고, 신민요는 일제하 국가의 부재 시에 민족국가의 성립 가능성을 노래로 제시하는 한편, 소리를 통해 제국권력에 저항하는 기능을 수행했다. 상업민 요의 이러한 표명들은 잡가민요와 신민요 갈래의 근대에의 기여에 대해 재고하게 할 것이다.

Japga-folksong and Neofolksong are well known popular musical genres related to the musical style of traditional folksong. Although both are in the same cultural background in modern era, there is no case to mention them in the same category. In this paper I categorized them under the industrial folksong which is commercially produced and received on the popular culture. Then I discussed its’ changes of social and cultural background on the one hand, and the articulation of Japga-folksong and Neofolksong as the products of popular culture on the other hand in the course of analysing the song-styles, musical rhetoric, forms, and performance(timber, vocal sonority, vibrato and etc.) of both genres and comparing practice to the discourse about those songs. The industrial folksong shared the styles and many other features with traditional music, which was merged together with another musical rhetoric that was based on other cultural background, and new lyrics. Their diversity in the styles made them develop and continue during the fist half of 20th century. However, at that time, it was not acknowledged the cultural and social growth of industrial folksong in folksong discourse. Especially dominant discourse produced by elite nationalist and Japanese colonialists is a limit to assess industrial folksong. Nonetheless, Japga-folksong had a role to reveal the ordinary life in the modern era and resistance to the class hierarchy from the pre-modern era with the styles of traditional folk musics. And Neofolksong played a role to indicate the possibility to construct nation-state under the Japanese colonial power and to resist the imperial power with folksong sonority. In this point it is necessary to reassess the contribution of industrial folksong to construct modern society and culture.

Popular music reflects, in Korea, the process of modernization, the contemporary society, and the psychology of the public. Therefore popular music plays a certain role for us: It allows us to look back over the past years into life in a specific era. Since lifestyles change as times change, lyrics of popular music have gone through various changes. This process of changes is mainly represented by times of suffering, induced by oppression in the Japanese colonization era, the division of Korea and industrialization. In this paper, lyrics, theme and content of popular music which prevailed from Japanese colonization era through the 1970s are examined to explore Koreans′ sense of home and its changes. As subject matter, starting from the first popular music “A Psalm of Death”, songs with sentiments of missing home were selected from among popular music of Japanese colonization era. post-liberation era, Korean war era and industrialization era. Home in popular music of Japanese colonization era was somewhere you had to leave against your will; thus it is an object of ardent wish. After liberation and under the United States Army Millitary Government, home is a place which you left on your own to lead a better life. You left for the city but life in the city was not that easy and you miss home. You wanted to go back home but it was practically difficult. In the popular music of 1950s, home missed by displaced people is presented most often. You stayed in South Korea as a refugee, missed your homeland in North Korea, but soon you came to reality and decided to adapt to South Korean life. As situations don‘t turn our as you wish, homecoming is put off. In the 1960s, popular music was mostly about people who came to stay in the city after leaving home due to industrialization and urbanization. Rather than missing your original home, you were satisfied with your second home in the city. Thus, in this era, songs oriented towards the city (a place away from your home) were prevalent. However, the city life turned out to be hard edged, and in 1970s songs oriented towards countryside (home) were much loved by the public. Powerful sentiments of longing and sincere wish occurred simultaneously as you left home. Also, as geographical or psychological distance between the speaker and the speaker‘s home increases, the ardent wish to go back home becomes stronger. The level of ardentness towards home in the songs differed according to whether the possibility of going home was open or not. Thus, it could be said that different looks are cast upon home according to social and historical situations. This paper attempted to read popular sentiment toward the subject of home in popular music. It also confirmed that our life and the songs were in a close, inseparable relationship.

최근 국내외의 음악시장에서 현격하게 눈에 띄는 것은 음반산업이 부 진해지고 공연산업의 저변이 확대된 점이다. 이전에는 공연이 음반판매 의 보조적인 역할을 했다면 지금은 공연이 주요한 수입원이 되었다. 특 히 2011년 이후 방송을 통한 〈슈퍼스타K〉, 〈나는 가수다〉, 〈불후의 명 곡〉,〈 탑 밴드〉 등의 오디션 서바이벌 프로그램이 인기를 끌면서 대중음 악이 엔터테인먼트의 중심에 서게 되었고 산업적 관점에서 이를 면밀하 게 살펴볼 필요가 생기게 되었다. 다양한 대중음악과 대중음악 콘서트 에 대한 관심과 인기는 대중음악 공연 판매수의 증가와 티켓 매출액의 성장으로 연결되었다. 본 연구의 목적은 산업적 측면에서 우리나라 대 중음악 공연산업의 현황, 문제점 및 발전방안을 살펴보는 것이다. 우리나라 대중음악 공연산업의 현황과 관련하여 본 연구는 다음과 같 은 발전방안을 제안하였다. 첫째, 우리나라 대중음악 공연시장은 특정연령대 또는 특정 장르나 가수에 한정되어 있어 시장규모의 확대를 가 로막고 있다. 따라서 다양한 연령대의 공연 소비자층의 수요개발이 필 요하다. 둘째, 대중음악의 발전과 공연산업의 활성화를 위해서는 대중 음악 전용공연장의 확충과 시설개선이 반드시 이루어져야 한다. 셋째, 대관료 정책을 개선해야 한다. 넷째, 대중음악 공연기획 및 공연장 운영 에 필요한 전문인력을 양성해야 한다. 다섯째, 공연제작 환경을 개선해 야 한다. 마지막으로, 공연기획사나 공연제작사에게 비과세 혜택을 통 한 세제혜택이나 공연티켓 비용에 대한 부가세폐지 등과 같은 정부의 직·간접적인 지원정책과 제도개선이 필요하다.

What is noticeable in the music industry home and abroad in recent years is that whereas the music industry is declining, the performance industry is expanding its base. Before that phenomenon, it could be said that performance played a subsidiary role, but now it is the major source of revenue. In particular, the audition survival programs on TV-〈Superstar K〉, 〈I am a Singer〉, 〈Long-lasting Songs〉, 〈Top Band〉, etc.-have come to attract great popularity since 2011 and in that regard popular music came to take the central stage of entertainment. So, there arose a need to look into the trend from an industrial viewpoint. A variety of popular music repertoire and the interest and popularity of popular music concerts contributed to the increase of ticket sales and revenue. This study is designed to look into the current state of the performance industry in terms of its industrial aspects and to point out issues and ideas for improvement. In connection with the current state of the popular music performance industry in Korea, the following ideas for improvement are suggested. First, the popular music performance industry in Korea is confined to specific age groups or limited genres and singers, which works as a hurdle to expanding the market size. Therefore, it is necessary to create performance demands for a wide range of age groups. Second, in order that the development of popular music and the brisk activation of the performance industry may be achieved, it is indispensable that dedicated performance halls need to be increased and that facility renovations should be made. Third, some improvement regarding fees for leasing performance halls should be made. Fourth, professional workers who will organize popular music performances and take charge of operating performance halls should be trained and the conditions for performance production should be ameliorated. Finally, direct or indirect support policies from the government-for example, taxation policies like making performance planning companies or performance producers tax-exempt, or doing away with levying VATs on performance tickets-should be initiated and other institutional regimes should be established.

최근 교육환경의 빠른 변화 속에서 대학교 교사의 전문성은 단순한 지식 전달을 넘어 학습자 중심 설계, 창의적 교수 전략, 디지털 기술 활용 능력, 지속적 자기 성찰을 포함한 복합적 역량으로 확대되고 있다. 본 연구는 중국 대학교 대중음악 전공 교사를 대상으로 수업 전문성 향상에 영향을 미치는 주요 요인으로서 자기효 능감, 기술 수용도, 자기 성찰의 역할을 실증적으로 분석하고, 이러한 변인들이 교수 내용 지식을 매개로 수업 전문성에 어떤 방식으로 영향을 미치는지를 체계적 으로 검토하였다. 연구 결과, 자기효능감은 교사가 자신의 교육 능력에 대한 확신을 바탕으로 창의적이고 능동적인 수업 전략을 개발하고 실행하는 데 기여함을 확 인하였다. 기술 수용도는 디지털 도구와 기술의 수용 및 활용 능력이 수업의 질과 다양성을 향상시키는 데 핵심적 역할을 하며, 특히 온라인 플랫폼과 디지털 콘텐 츠가 수업의 새로운 표준으로 자리 잡는 상황에서 더욱 중요하게 작용하는 것으로 나타났다. 자기 성찰은 교사가 자신의 교수 행위를 지속적으로 성찰하고 개선하 려는 태도가 수업 전문성 향상에 긍정적으로 기여함을 보여주었다. 이러한 세 가지 요인은 모두 수업 내용 구성, 전략 개발, 운영 실행 등 수업 전문성의 세 가지 하 위 요소에 유의미한 영향을 미치는 것으로 밝혀졌다. 특히 본 연구는 세 변수와 수업 전문성 간의 관계에서 교수 내용 지식이 중요한 매개 역할을 수행하고 있음을 실증적으로 입증하였다. 이는 교사의 내적 역량이 단순히 인지적 혹은 정서적 차원에서 머무는 것이 아니라, 교수 내용 지식과 결합됨으로써 실제적인 수업 실행 능력으로 구체화되고 강화된다는 것을 의미한다.

Amid the rapid changes in today’s educational environment, university teachers’ professionalism has expanded beyond simple knowledge delivery to encompass complex competencies such as learner-centered instructional design, creative teaching strategies, digital technology utilization, and continuous self-reflection. This study empirically examines the roles of self-efficacy, technology acceptance, and self-reflection in enhancing the teaching professionalism of popular music majors at Chinese universities, and investigates how these variables influence professionalism through the mediating role of pedagogical content knowledge. The findings show that self-efficacy contributes to the development and implementation of creative and proactive teaching strategies, while technology acceptance plays a key role in improving the quality and diversity of instruction particularly as online platforms and digital content become standard in education. Self-reflection was also found to positively influence teaching professionalism by encouraging ongoing evaluation and improvement of instructional practices. All three factors had significant effects on the subdomains of teaching professionalism content organization, strategy development, and instructional implementation. Notably, the study demonstrates that pedagogical content knowledge serves as an important mediator, indicating that teachers’ internal capacities are strengthened and translated into actual instructional competence when combined with pedagogical content knowledge.

본 연구는 AI 기반 대중음악의 소비가치가 소비자 몰입과 재청취의도에 미치는 영향을 실증적으로 분석하고, 소비자 몰입의 매개효과를 검증하는 데 목적을 두 었다. 이를 위해 기능적, 감정적, 사회적, 상황적, 탐험적 가치로 구성된 소비가치를 독립변수로 설정하고, 소비자 몰입을 매개변수로, 재청취의도를 종속변수로 설 정한 구조방정식 모형을 설계하였다. 총 411명의 설문자료를 바탕으로 구조방정식 및 부트스트래핑 기법을 활용한 분석을 수행한 결과, AI 음악의 모든 소비가치 가 소비자 몰입에 유의한 정(+)의 영향을 미치며, 소비자 몰입은 재청취의도에도 유의미한 영향을 미치는 것으로 나타났다. 또한 소비자 몰입은 각 소비가치와 재 청취의도 간 관계에서 부분 매개효과를 갖는 것으로 확인되었다. 이러한 결과는 AI 음악이 단순한 기술적 산물이 아니라, 감정적·사회적·탐험적 만족을 유도하는 문화 콘텐츠로서 소비자 몰입과 행동을 이끄는 잠재력을 지니고 있음을 시사한다. 본 연구는 AI 음악의 소비가치를 다차원적으로 조망하고, 몰입을 매개로 한 소비 메커니즘을 구조화함으로써, 디지털 음악 소비 이론의 확장 가능성을 제시하였다는 점에서 이론적·실무적으로 의미 있는 시사점을 제공한다.

This study aims to empirically examine the effects of consumption values of AI-based popular music on consumer immersion and the intention to re-listen, as well as to verify the mediating role of consumer immersion. To this end, a structural equation model was developed in which functional, emotional, social, situational, and exploratory values were set as independent variables, consumer immersion as the mediating variable, and re-listening intention as the dependent variable. Based on survey data from 411 participants, structural equation modeling and bootstrapping analysis revealed that all consumption values of AI music had a significant positive effect on consumer immersion. Furthermore, consumer immersion significantly influenced re-listening intention and partially mediated the relationship between each consumption value and re-listening behavior. These results suggest that AI music is not merely a technological product but a cultural content with the potential to elicit emotional, social, and exploratory satisfaction, thereby enhancing immersion and encouraging repeat listening behaviors. By structurally identifying the consumption mechanism mediated by immersion and offering a multidimensional perspective on AI music’s consumption values, this study provides meaningful theoretical and practical implications for understanding digital music consumption in the era of AI.

이 글의 목적은 ‘미국계 대중음악’의 발전 과정과 발전 요인에 대해 전반적으로 알아보고, 미국이 대중음악을 주도할 수 있게 한 요인들을 고찰하는 것이다. 먼저, 현대 대중음악을 선도하는 미국에서 대중음악이 진화해 온 과정을 주요 장르별 – 블루스, 재즈, 리듬 앤 블루스, 컨추리 앤 웨스턴, 로큰롤, 힙합 - 로 간략하게 소개한다. 다음으로, 미국 대중음악의 발전 과정에서 생산요소의 이동, 제도 및 수요·공급 조건이 미친 영향 등에 대해 논의한다. 이러한 논의를 통해 미국의 대중음악 발전에서 자유주의와 사유재산권 보호제도가 중요한 역할을 수행했으며, 생산요소의 이동도 미국 대중음악의 빠른 발전에 기여하였음을 보인다. 미국 대중음악의 발전 역사는 우리나라 ‘케이팝’(K-Pop)의 발전에 대해서도 중요한 시사점을 제공할 수 있다.

This note reviews the evolution of selective genres of popular music in the USA: Blues, Jazz, Rhythm and Blues, Country & Western, Rock’N Roll, and Hip-hop. The note also assesses the causes for success of American popular music. The note identifies the international movement of factors for music, institutions and demand-supply conditions as the causes for such success of American popular music. This study shows that liberalism, private property rights and movement of factors together have played an important role in the development of American popular music. This result provides some implications for the development of ‘K-Pop’.

이 글의 목적은 ‘미국계 대중음악’의 발전 과정과 발전 요인에 대해 전반적으로 알아보고, 미국이 대중음악을 주도할 수 있게 한 요인들을 고찰하는 것이다. 먼저, 현대 대중음악을 선도하는 미국에서 대중음악이 진화해 온 과정을 주요 장르별 – 블루스, 재즈, 리듬 앤 블루스, 컨추리 앤 웨스턴, 로큰롤, 힙합 - 로 간략하게 소개한다. 다음으로, 미국 대중음악의 발전 과정에서 생산요소의 이동, 제도 및 수요·공급 조건이 미친 영향 등에 대해 논의한다. 이러한 논의를 통해 미국의 대중음악 발전에서 자유주의와 사유재산권 보호제도가 중요한 역할을 수행했으며, 생산요소의 이동도 미국 대중음악의 빠른 발전에 기여하였음을 보인다. 미국 대중음악의 발전 역사는 우리나라 ‘케이팝’(K-Pop)의 발전에 대해서도 중요한 시사점을 제공할 수 있다.

This note reviews the evolution of selective genres of popular music in the USA: Blues, Jazz, Rhythm and Blues, Country & Western, Rock’N Roll, and Hip-hop. The note also assesses the causes for success of American popular music. The note identifies the international movement of factors for music, institutions and demand-supply conditions as the causes for such success of American popular music. This study shows that liberalism, private property rights and movement of factors together have played an important role in the development of American popular music. This result provides some implications for the development of ‘K-Pop’.

대중음악은 구술사 연구의 필요성이 매우 높은 분야이지만, 대중음악에 대한 학문적 연구의 역사가 그리 길지 않은 탓에, 그 성과가 아직은 미미한 수준이다. 이제 대략 10년 정도 전개되어 온 대중음악 구술사 연구는 공공 연구와 개인 연구 두 가지 형태로 나누어 볼 수 있다. 공공 연구는 국립예술자료원 등 몇몇 기관이 주체가 되어 진행해 왔으며, 연 구 결과물의 품질이나 활용도 면에서 상대적으로 나은 편이다. 그러나 전적으로 대중음악 만을 대상으로 하는 기관이 없다는 한계를 안고 있기도 하다. 대중음악 관련 연구자들이 진행해 온 개인 연구는 다른 논저에 자료로 활용되는 경우는 있으나 독자적인 구술사 연 구 결과물로 나온 예는 아직 없다. 공공 연구이든 개인 연구이든, 지금까지 진행되어 온 구술사 연구들을 보면, 구술자들이 그에 대해 느끼고 있는 ‘등용문’ 이미지가 상당하고, 그것이 연구 과정이나 결과에도 적지 않은 영향을 미치고 있음을 알 수 있다. 구술자들의 그러한 태도는 구술사의 자연스러운 일부이기는 하나, 앞으로 보다 효과적인 대중음악 구 술사 연구를 수행하기 위해서는 어느 정도 조절이 필요하기도 하다. 또한 형식적 미비함 이 있는 개인 연구를 공공 연구가 보다 적극적으로 수용하는 것도 대중음악 구술사 연구 의 발전을 위해 고려해 볼 만한 점이다.

Korean popular music has needed oral history study very much, but its results are still insignificant because the history of academic study on Korean popular music is not so long. Oral history study on Korean popular music started about 10 years ago and can be divided into two types, the public and private. Study of public institutes such as KNAA has made relatively better result in quality and utilization. However, they don’t have focused on popular music. Study of Individual researchers has provided some data for their papers, but not released as whole work. In public or private studies too, many interviewees have regarded oral history as gateway of honor, and their attitude has influenced studies on them. Although it is an expected aspect of oral history, also must be controled for effective study. And it must be considered for abundance of oral history study on Korean popular music that public study actively accept result of the private.

본 연구는 대중음악 전공자를 대상으로 정서적 기억, 상상력, 행동의 사실성과 같은 심리적 요인이 무대 위 표현능력 및 연기 몰입에 미치는 영향을 실증적으로 분석하는 것을 목적으로 한다. 대중음악 공연은 단순한 기술적 연주를 넘어 감정의 전달과 관객과의 정서적 교감이 핵심인 예술 행위로, 공연자의 내면적 자원과 심리적 역량이 표현성과 몰입에 어떤 역할을 수행하는지에 대한 체계적인 탐구가 요구된다. 이에 본 연구는 국내 대중음악 전공자 398명을 대상으로 설문조사를 실시하고, 수집된 자료를 바탕으로 변수 간의 관계를 분석하였다. 연구 결과, 정서적 기억, 상상력, 행동의 사실성은 모두 무대 위 표현능력과 연기 몰입에 유의미 한 정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 특히 행동의 사실성은 두 종속변수에 가장 큰 영향을 미쳐, 무대 위에서의 자연스럽고 진정성 있는 신체 표현이 대중음악 공연자의 예술적 몰입과 표현력 증진에 핵심 요소임을 확인하였다. 정서적 기억은 과거의 감정을 회상하여 무대 상황에 효과적으로 적용함으로써 진정성 있는 감 정 표현을 가능하게 했으며, 상상력은 음악적 장면과 감정을 창의적으로 구성하고 연출하는 데 중요한 역할을 하였다.이러한 결과는 대중음악 전공자 교육에 있어 심리적·내면적 자원의 중요성을 강조하며, 감정 회상 훈련, 상상력 자극 활동, 행동의 사실성을 높이는 신체 훈련 등 통합적 교육 전략의 필요성을 시사한다. 본 연 구는 대중음악 전공자들이 예술가로서의 정체성을 형성하고, 무대 위에서 진정성 있는 표현과 몰입을 실현할 수 있도록 돕는 교육적 방향성 설정에 학술적 근거를 제공하며, 향후 관련 분야의 후속 연구와 교육 프로그램 개발에 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다.

This study aims to empirically examine the effects of psychological factors(emotional memory, imagination, and behavioral authenticity)on stage performance ability and acting immersion among popular music majors. Popular music performance extends beyond mere technical execution to encompass the transmission of emotions and the establishment of emotional rapport with the audience, making it a fundamentally artistic activity. This underscores the need for a systematic investigation into how performers’ internal resources and psychological capacities contribute to expressive performance and immersive engagement. To this end, a survey was conducted with 398 domestic popular music majors, and the collected data were analyzed to explore the relationships among the variables. The results indicated that emotional memory, imagination, and behavioral authenticity all had significant positive effects on both stage performance ability and acting immersion. In particular, behavioral authenticity exerted the strongest influence on both dependent variables, highlighting that natural and genuine physical expression on stage is a key factor in enhancing artistic immersion and expressivity among popular music performers. Emotional memory facilitated authentic emotional expression by allowing performers to recall past emotions and effectively apply them to on-stage situations, while imagination played a crucial role in creatively constructing and interpreting musical scenes and emotional experiences. These findings emphasize the importance of psychological and internal resources in the education of popular music majors and suggest the need for integrated pedagogical strategies, including emotional recall training, activities that stimulate imagination, and physical training to enhance behavioral authenticity. This study provides evidence for educational approaches that help popular music majors develop their artistic identity and achieve authentic expression and immersion on stage. Moreover, the results can serve as foundational data for future research and the development of educational programs in related fields.

20세기 초, 한국과 일본의 대중음악은 식민지와 본토라는 지정학적 특수성 속에서 문화적으로는 일본의 우위 속에서 상호간 영향을 주고받았다. 일제 강점기는 일본으로부터 유입된 ‘트로트 음악’이 국내에 뿌리를 내리게 되었고 상업 음반의 유통이 시작되는 대중음악의 맹아기였다. 해방 이후 1965년 한･일 국교정상화를 거쳐 2000년 제3차 일본대중문화 개방 이전까지 일본의 대중음악은 국내에 음성적으로 유입되면서 알게 모르게 한국의 대중가요에 적지 않은 영향을 미쳐왔다. 이따금씩 불거지는 일본가요 표절시비는 문화개방 이전 시기 우리 가요계의 그림자이기도 하다. 특정한 몇몇 아티스트의 일본 진출이나 민간 차원의 교류가 있었을 뿐이었던 양국은 김대중 정부의 일본 대중문화 개방이후 본격적인 교류의 물고를 트게 된다. 본 논문은 한･일 대중가요 교류의 역사와 함께 2000년대 이후 활발해진 양국 대중가요의 번안 사례를 살펴봄으로써 대중가요를 통한 쌍방적 문화교류의 가능성과 한계에 대해 점검하고자 하였다. 또한 일반적으로 노래 가사의 중심적 메시지가 담긴 ‘주제 문장’이나 ‘주제어’의 배치는 주선율과의 유기적 관계 속에서 파악되므로, 가사와 더불어 악곡 분석을 통해 번역 또는 번안 과정에서 언어의 차이로 인한 선율 변화와 액센트의 재배열에 주목하여 그 변화 양상을 고찰해 보고자하였다. 특히 활발했던 한국가수들의 일본노래 번안사례에 한정하여 한국음악저작권협회에 등록된 96곡을 기준으로 분류와 분석을 진행하였다. 그 결과 모사적 재구성, 전폭적 재구성, 선율의 재구성의 3가지 항목으로 분류할 수 있었고, 이를 통해 일본노래를 번안하는 성향을 정리할 수 있었다. 또한 국내 작사가들의 원곡 해석 및 변형이 어떤 방식으로 이루어 졌는지 분석할 수 있었다. 다만 양국의 번안곡의 수치에 있어 일본곡을 번안한 사례가 많아 양국 문화 교류의 한계도 확인할 수 있었다. 이에 범위를 한층 넓혀 번안곡 전반에 대한 연구, 일본음악이 한국음악에 끼친 영향에 대한 연구에 대한 필요성이 인지되었고 이는 차후의 연구과제로 하겠다.

In the beginning of the 20th century, Korea and Japan were interconnected in a geographical relationship that defined a colony and its mainland, with Japan solely controlling and leading the direction in culture for both countries. While Korea was liberated in 1965 and limitations were set on the distribution of Japanese pop culture in the peninsula until finally undergoing the third Japan-Korea open-door policy in 2000, Japanese pop music has always remained a powerful influence in the Korean music scene. This study has examined the possibilities and limitations of bilateral cultural exchange between Korea and Japan through popular music by looking at the history of their exchanges and instances of song adaptations made for each country since the year 2000. In addition, as the main ‘topic sentence’ for song lyrics and the arrangement of the ‘topic keywords’ is seen as being in an organic relationship with the melody of a song, focus has been put on the change of melodies and rearrangement of accents due to differences in language in the translation process in analysis of the lyrics and melody to better consider the transformations. As a result, this study divided the main elements into the three categories of copied rearrangement, full rearrangement and melodic rearrangement. Based on these findings, the propensities in adapting Japanese songs could be identified and analysis was made into the methods in which Korean composers interpreted and changed the original songs. This study has recognized a need to conduct further research on the influences of Japanese music on Korean music and will base future studies on its findings.

20世紀の始めに、韓国と日本の大衆音楽は、植民地と本土という地政学的な特殊性のもとで、文化的には日本の一方的なリードの中におかれていた。また日本から流入された‘トロット音楽’が韓国に根を下ろし、商業的な流通がはじまった時期でもある。終戦後、1965年韓国と日本の国交正常化をへて、2000年、日本の大衆文化を開放するまで、日本の大衆音楽は、韓国の国内では陰性的に流入され、韓国の大衆音楽界に少なからず影響を及ぼしてきた。その中で日本の歌謡曲の剽窃の問題は、日本文化の開放以前、韓国の大衆音楽界に暗いかげをおとした。 韓国のアチーストのうち、何人かは日本に進出し、私的な交流があったが、本格的な両国の文化交流は1998年以後のことである。 この論文は、韓国と日本における大衆音楽の交流の歴史を顧み、特に2000年以後盛んになってきた両国の翻案歌謡を検討して、日本の歌謡曲を韓国語で翻案するときどういう類型がみられるかを考察したものである。分析の対象にした曲は、韓国音楽著作権協会に登録された96曲である。分析の結果、翻案曲は，模写的再構成、全幅的再構成、旋律の再構成など、三つの類型で分類できるとし、韓国の翻案曲がどういう方法を講じ、傾向にあるかを検討した。これからの課題としては、韓日両国の音楽の交流の歴史と影響に関する諸問題である。

이 논문은 한국 대중가요사에서 번역 번안가요가 차지하는 비중과 역 할이 적지 않다는데 주목하고, 번역 번안가요가 가장 활발하게 향유되었던 70년대 번안가요의 한 양상을 분석 하고자 하였다. 70년대는 이른바 포 크의 열풍이 몰아쳤던 시기로, 순수 창작곡이 활성화되기 전에는 다양한 노래들이 수입되고 번역 번안되었다. 한국 포크송의 기원이 영미의 모던 포크나 발라드에 있는 만큼 당시의 번역 번안 가요에서는 이들의 영향 력을 쉽게 발견할 수 있는데, 이 논문에는 이 가운데 특정한 경향을 보이 고 있다고 판단되는 조영남의 노래 세 곡을 대상으로 번안의 양상을 파악 해보고자 하였다. 대상으로 삼은 노래 세 곡은 원곡이 번안되는 과정에서 내용적, 정서적 변화의 폭이 상대적으로 크기 때문에 무엇이 사라지고 무 엇이 부각되는지, 변화되는 것은 무엇인지를 분석함으로써 그로부터 파악 될 수 있는 정서와 문화의 차이를 규명할 수 있다고 보았다. 그 결과 연구 의 대상이 되었던 세 노래는 원곡에 있는 죽음과 살인이라는 주요 소재를 지워버리고 그 안에 고향과 사랑이라는 관습적 내용을 넣었다는 사실을 발견할 수 있었다. 하필 고향과 사랑이라는 친숙하고 관습적인 내용을 선 택해서 담은 까닭은 70년대 당시의 포크 중심 노래들이 순수와 건강을 지 향하는 경향에 치우쳐 있어, 동시대의 지배적인 경향을 따른 것으로 보인 다. 그러다 보니 노래 속에 좀 더 많은 이야기를 담고자 하는 경향이 생겨 났고, 모던 포크의 음악적 특성에 적합한 정도의 서사성을 지향하게 되었 다고 보았다. 번안을 포함한 번역 행위란 사실상 해석적 행위이며 새롭게 의미를 만들어가는 행위라고 할 때, 원전과 번역본이라는 두 문화적 텍스 트 간의 상호텍스트성은 번역자가 두 개의 상징체계를 조정하고 조작하 면서 정서와 효과가 창출되는 것이다. 조영남의 번안곡 속에서 노래의 내 용은 완전히 달라졌지만, 살인과 죽음이라는 모던 포크의 보편적 정서를 고향과 사랑이라는 당시 우리 노래의 보편적 정서로 교체함으로써 호소 력 있는 노래를 만들어냈고 결과적으로 문화번역의 탁월한 예가 되었다 고 할 수 있을 것이다.

This thesis is about the characteristics of the adapted songs of 1970’s in Korean popular music. There has been so many adapted songs in Korean popular music from 1920’s to 2000’s, but in 1970’s almost 70% of popular songs which released were adapted songs. So this thesis’s studied on the characteristics of the adapted songs of 1970’s: the reason why they made the adapted songs, the features which those songs changed from the original songs. This thesis focused on three particular adapted songs of Cho Youngnam, because his songs had changed a lot from the original songs so they’ll be meaningful examples of adapted songs of 1970’s. They’ll also be good sample which can be seen as not only translation of language but also that of culture. Finding on the research, the particular adapted songs of Cho Youngnam have three characteristics. First, their songs had changed the main theme of songs from ‘murder’ or ‘death’ to ‘love’ and ‘memory’ because the motive like death and murder was not popular in Korea popular music and they were enthusiastic to express pureness in 1970’s. Actually the motive like death and murder had been received in Korea even in traditional songs. On other hands the motive like love and memory had been welcomed to most people and in 1970’s, the folksongs, the most popular songs of their ages, sticked to ‘the purity of youth’. Second, their songs had the narrative in them. They represented not their lyric feelings but the designed stories. Through this thesis, I tried to find the characteristics of the adapted songs of 1970’s in Korean popular music. And so far, I want to manifest how the adapted songs in 1970’s results in the exploration of varying genre in Korean popular music and the development of Korean Modern Folk.

This study aims to find out the influence of participation constraints of popular music festival participants on constraints negotiation and the influence of constraints and negotiation on participation intention. Based on previous studies, constraint factors and negotiation factors were deduced and an empirical research was conducted targeting S Rock Festival. The analysis of 226 valid samples deduced as constraint factors of popular music festival participants, intrapersonal constraint, structural constraint, and interpersonal constraint, and as negotiation factors, improving finance, time management, structural improvements, and changing interpersonal relations. The result of the study was as follows. First, among constraint factors of popular music festival participants, intrapersonal constraint had a negative effect on changing interpersonal relations and structural improvement among negotiation factors. On the other hand, structural constraint and interpersonal constraint had no significant effect on negotiation factors. Second, among negotiation factors, structural improvement and interpersonal relations had a positive influence on participation intention. improving finance and time management did not have significant effect on participation intention. Third, among constraint factors, intrapersonal constraint and interpersonal constraint had a negative influence on participation intention, while structural constraint had no significant influence on participation intention. These results will serve as base data to systematically understand the behaviors of popular music festival participants.

본 연구는 2023년 국민문화예술활동조사 데이터를 활용하여 65세 이상 노년층의 문화예술 소비 행태를 분석 하고, 그 결정 요인을 탐색하는 데 중점을 두었다. 특히, 영화 및 대중음악/연예 공연을 직접 관람과 매체 관람으 로 구분하여 경제자본, 환경자본, 문화자본, 건강자본이 미치는 영향을 실증적으로 분석하였다. 연구 결과, 문화자 본과 경제자본이 노년층의 문화예술 소비를 결정하는 주요 요인으로 작용하였으며, 신체적 건강 인식도 관람 여 부에 유의미한 영향을 미쳤다. 문화자본의 경우, 학력이 높고 문화예술 교육 경험이 있는 노인의 문화예술 소비 확률이 상대적으로 높게 나타났다. 특히, 유년기 및 청소년기 문화예술 교육 경험이 있는 노인은 성인이 되어서도 문화예술을 적극적으로 소비하는 경향을 보였다. 경제자본에서는 가구소득이 직접 관람 확률을 높이는 중요한 요 인으로 작용하였으며, 소득 수준이 높은 노인일수록 영화 및 대중음악/연예 공연을 직접 관람할 가능성이 컸다. 반면, 환경자본은 문화예술 소비에 유의미한 영향을 미치지 않는 것으로 나타났으며, 이는 노년층의 문화예술 소 비가 환경자본보다 개인적 요인에 의해 더 큰 영향을 받는다는 점을 시사한다. 건강자본의 경우, 신체적 건강 인 식이 높은 노인일수록 직접 관람과 매체 관람 확률이 모두 증가하였으며, 특히 직접 관람에서는 건강 상태가 중요 한 결정 요인으로 작용하였다. 연령대별 분석에서는 65~69세 노인이 문화예술을 가장 활발히 소비하는 것으로 나타났으며, 연령이 증가할수록 직접 관람보다는 매체 관람 비율이 높아지는 경향이 확인되었다. 70대 이상 노인 의 경우 이동성과 신체적 제약으로 인해 직접 관람보다는 TV, 인터넷 등 매체를 통한 관람을 선호하는 비율이 증가하였다. 또한, 성별 차이를 분석한 결과, 대중음악/연예 공연의 직접 관람에서 여성의 참여율이 남성보다 높은 것으로 나타났으나, 다른 유형의 문화예술 소비에서는 유의한 성별 차이가 나타나지 않았다. 본 연구는 노년층의 문화예술 소비가 경제적, 문화적 요인에 의해 결정된다는 점을 실증적으로 규명하였으며, 건강 상태와 디지털 기술 의 발전이 문화예술 소비 방식에 영향을 미치는 중요한 요인임을 확인하였다. 향후 노년층의 문화예술 소비를 촉 진하기 위해서는 디지털 기술을 활용한 문화 접근성을 높이고, 신체적 건강 증진과 연계한 문화예술 프로그램을 개발하는 것이 필요하다. 본 연구 결과는 노년층의 문화예술 소비 패턴을 이해하는 데 기여할 뿐만 아니라, 정책 수립 시 실질적인 기초자료로 활용될 수 있을 것이다.

This study analyzes the cultural and artistic consumption behaviors of individuals aged 65 and older using data from the 2023 National Culture and Arts Activities Survey. Specifically, it examines the factors influencing cultural participation by distinguishing between direct attendance and media-based viewing of films and popular music/entertainment performances. The study empirically investigates the effects of economic capital, environmental capital, cultural capital, and health capital on cultural consumption among the elderly. The results indicate that cultural capital and economic capital are the primary determinants of cultural and artistic consumption among older adults, with perceived physical health also playing a significant role. Regarding cultural capital, elderly individuals with higher educational attainment and previous cultural education experiences were more likely to engage in cultural consumption. In particular, those who received cultural and artistic education during childhood and adolescence showed a tendency to actively participate in cultural activities later in life. Economic capital, particularly household income, was a crucial factor in determining the likelihood of direct attendance at cultural events, with higher-income elderly individuals being more inclined to attend films and live performances. Conversely, environmental capital did not significantly impact cultural consumption, suggesting that personal factors exert a stronger influence than environment capital on elderly participation in cultural activities. Regarding health capital, older adults with a higher perception of their physical health were more likely to engage in both direct and media-based cultural consumption. Physical health was especially critical in determining direct attendance at cultural events. The analysis of age groups revealed that those aged 65–69 exhibited the highest levels of cultural consumption, while the preference for media-based consumption increased with age. Among individuals aged 70 and older, mobility limitations and physical constraints contributed to a greater reliance on television and online platforms for cultural engagement. Additionally, gender differences were observed in direct attendance at popular music and entertainment performances, with women participating at higher rates than men. However, no significant gender differences were found in other types of cultural consumption. This study empirically confirms that cultural and artistic consumption among older adults is predominantly influenced by economic and cultural factors, while physical health and digital technology play critical roles in shaping consumption patterns. To promote cultural participation among the elderly, it is essential to enhance digital accessibility and develop programs integrating cultural activities with health promotion. The findings of this study provide valuable insights for understanding the cultural consumption patterns of older adults and serve as a practical foundation for policy development.