Earticle

본 연구는 서부경남권역의 대표적인 노동요인 ‘진주일소리’를 문화적⋅전승론적 관점에서 고찰하고, 향후 지속 가능한 전승과 보존을 위한 과제를 도출하는 데 목적을 둔다. 이를 위해 진주 지역의 역사⋅자연적 배경과 무형유산의 현황을 살피고, 진주일소리의 구성 양상(논농사소리, 아낙네 일소리, 토목일소리, 자장가 등)과 각 악곡의 사설이 지닌 문화사적 의미를 분석하였다. 연구 결과, 진주일소리는 지역 민요의 범주를 넘어 농경 생산, 공동체 생활, 여성의 일상 노동, 의례와 돌봄 등 지역민의 삶의 층위를 폭넓게 반영하는 생활문화 자료임이 다음과 같이 확인되었다. 첫째, 논농사소리는 집단 노동의 리듬과 호흡을 조율하고 공동체적 결속을 강화하는 기능적 성격을 지니며, 지역의 토착 어휘와 농경 사회의 세계관을 고스란히 담고 있으며, 둘째, 아낙네 일소리는 개인화된 정서와 사적 경험, 특히 여성의 삶을 둘러싼 사랑과 부부 갈등, 시집살이의 고단함을 해학과 자기 풍자로 풀어내는 서사 공간으로 기능하고, 셋째, 토목일소리와 자장가 등은 공동체의 안녕을 기원하는 의례적 언어와 노동⋅돌봄의 리듬이 교차하는 복합적 구비음악적 특징을 보여준다. 본 연구는 진주일소리의 전승을 위한 과제로 체계적인 기록화(음원, 채록, 영상 아카이브 구축)와 더불어, 일상적 향유 구조 회복 및 자발적 전승 기반 마련의 필요성을 제기하였다. 진주일소리는 특정 전문가의 전유물이 아니라 지역민의 삶 속에서 재기능화되어야 할 공공적 문화자산이며, 이를 통해 서부경남의 농경문화 정체성을 확립할 수 있다.

This study aims to examine Jinju Ilsori, a representative work song tradition of the western Gyeongsangnam-do region, from cultural and transmission perspectives, and to derive tasks for its sustainable transmission and preservation. To this end, the historical and natural backgrounds of the Jinju region as well as the current status of its intangible heritage were reviewed, and the compositional aspects of Jinju Ilsori (rice-farming songs, women's work songs, civil engineering work songs, and lullabies) along with the socio-cultural meanings embedded in the lyrics of each piece were analyzed. The research findings confirm that Jinju Ilsori goes beyond the category of local folk songs, serving as a comprehensive living culture material that broadly reflects the layers of local residents' lives, including agricultural production, communal life, women's daily labor, rituals, and caregiving. Specifically: First, rice-farming songs possess a functional character that coordinates the rhythm and breathing of collective labor while thoroughly embodying local indigenous vocabulary and the worldview of an agricultural society. Second, women's work songs function as a narrative space where individualized emotions and personal experiences—particularly the hardships of women's lives surrounding love, marital conflict, and strict in-law life—are unraveled through humor and self-satire. Third, civil engineering work songs and lullabies exhibit complex oral-musical characteristics where the ritualistic language praying for the community's well-being intersects with the rhythms of labor and care. This study raises the necessity of systematic documentation (such as building sound sources, transcriptions, and video archives) alongside the restoration of everyday enjoyment structures and the establishment of voluntary transmission foundations as key tasks for the transmission of Jinju Ilsori. Jinju Ilsori is not the exclusive property of a few experts, but a public cultural asset that must be refunctionalized within the lives of local residents, thereby enabling the establishment of the agricultural cultural identity of western Gyeongsangnam-do.

본 연구는 경남 진주 지역을 중심으로 전승되어 온 대표적인 민속음악인 ‘진주일소리’의 음악적 특징을 개별 악곡 단위에서 체계적으로 분석하는 데 목적을 둔다. 이를 위해 진주일소리를 크게 논농사소리와 아낙네 일소리로 구분하고, 각 악곡의 사설과 음계, 가창구조, 종지형, 장단 및 템포를 종합적으로 검토하였다. 연구 결과, 진주일소리는 노동의 성격, 수행 주체, 그리고 전승 환경에 따라 서로 다른 음악적 조직 원리를 지니고 있음이 확인되었다. 첫째, 논농사소리(모찌는 소리, 모심는 소리, 김매는 소리, 칭칭이 소리 등)는 주로 4음음계(미-라-도-레 또는 미-라-시-도)를 기반으로 하여 경상·전라남도 민요권의 메나리조 감각과 긴밀히 연결된다. 가창구조는 모찌기 및 모심기 계열에서 음영형식이 중심을 이루며, 김매기와 칭칭이 소리에서는 메기는소리와 받는소리의 유절형식이 나타난다. 장단은 모찌기·모심기 계열에서 비대칭적 박자 구조(3+5+3+5박자 등)가 유동적으로 운용되는 반면, 김매기와 칭칭이 소리에서는 균등한 4/4박자가 사용되어 집단 노동의 리듬과 호흡을 조율하는 기능적 특성을 강하게 드러낸다. 둘째, 아낙네 일소리(밭매는 소리, 나물뜯는 소리, 삼삼는 소리, 실잣는 소리, 바느질 소리등)는 솔음계와 미음계를 중심으로 하여 상대적으로 안정되고 규칙적인 선율 진행을 보인다. 가창구조는 유절형식이 주를 이루나, 삼삼는 소리는 음영민요, 실잣는 소리는 노랫가락 형식이 나타나 형식적 다양성을 보여준다. 장단은 주로 6/8박자(12/8 굿거리장단)를 바탕으로 고정적으로 운용되어, 집단 노동의 동작 조율보다는 개인적 노동의 지속성과 일상 정서를 음악적으로 형상화하는 데 초점을 맞추고 있다. 특히 실잣는 소리에서 확인되는 노랫가락형식은 지역적 전통 양식뿐만 아니라 광역적으로 유통되던 통속민요 양상과 가창자의 개인적 경험이 반영된 결과로 해석된다. 요약하면, 진주일소리는 단일한 음악 양식이 아니라 노동의 성격과 전승 환경에 따라 유연하게 조직된 복합적 민요 체계이다. 본 연구는 진주일소리의 음악적 정체성과 지역적 특성을 개별 악곡 차원에서 구체적으로 규명함으로써, 향후 지역 민요의 연구, 전승, 보존 및 교육을 위한 학술적 기초 자료를 제공한다는 데 의의가 있다.

This study aims to systematically analyze the musical characteristics of Jinju Ilsori, a representative folk music tradition transmitted centering on the Jinju region in Gyeongsangnam-do, at the individual musical piece level. To this end, Jinju Ilsori was broadly categorized into rice-farming songs (nongnongsa sori) and women's work songs (anakne ilsori), comprehensively examining the lyrics, scales, singing structures, cadence types, rhythms, and tempos of each piece. The research findings confirm that Jinju Ilsori possesses distinct musical organizational principles depending on the nature of the labor, the performers, and the transmission environment. First, the rice-farming songs (such as rice seedling pulling songs, rice transplanting songs, weeding songs, and chingchingi songs) are primarily based on four-note scales (Mi-La-Do-Re or Mi-La-Si-Do), closely connecting with the Menari-jo sensibility typical of the Gyeongsang and Jeolla provincial folk music regions. In terms of singing structure, the pulling and transplanting songs center around a recitation-style folk song form (eumyeonghyeongshik), while weeding and chingchingi songs exhibit a strophic form with call-and-response structures. The rhythms for pulling and transplanting flexibly utilize asymmetric meter structures (such as 3+5+3+5 beats), whereas weeding and chingchingi employ a regular 4/4 meter, strongly manifesting functional characteristics that coordinate the rhythm and breathing of collective labor. Second, the women's work songs (such as field weeding, herb gathering, hemp spinning, thread reeling, and sewing songs) center around sol-scales and mi-scales, displaying relatively stable and regular melodic progressions. While strophic forms predominate, the hemp spinning song appears as a recitation-style folk song, and the thread reeling song manifests as a Noraetgarak style, demonstrating formal diversity. The rhythms are predominantly fixed around a 6/8 meter (12/8 Gutgeori rhythm), focusing on musically embodying the sustainability of individual labor and everyday emotions rather than coordinating collective work movements. Notably, the Noraetgarak style identified in the thread reeling song is interpreted as the result of reflecting both widely circulated popular folk song patterns and the individual musical experiences of the singer, alongside regional traditional styles. In summary, Jinju Ilsori is not a singular musical style, but rather a complex folk song system flexibly organized according to the nature of labor and the transmission environment. By concretely clarifying the musical identity and regional characteristics of Jinju Ilsori at the individual piece level, this study holds significance in providing foundational academic data for future research, transmission, preservation, and education concerning regional folk music.

아리랑은 구전과 재창작을 통해 전승되어 온 한국의 대표적인 전통민요로서, 지역과 시대에 따라 다양한 사설과 선율로 변주되어 왔다. 특히 경기지역의 아리랑은 일반적으로 <구아리랑>과 나운규의 영화 「아리랑」(1926)의 주제곡으로 널리 알려진 <본조아리랑>을 중심으로 논의되어 왔다. 그러나 기존 연구에서는 안성지역에서 전승되어 온 아리랑의 존재와 그 음악적·전승적 특성이 충분히 규명되지 않았다. 이에 본 연구는 안성지역에서 전승된 아리랑의 존재를 문헌자료와 구술자료를 통해 확인하고, 이를 <안성아리랑>으로 명명하여 그 사설과 선율의 특징을 분석하는 데 목적이 있다. 아울러 <구아리랑> 및 <본조아리랑>과의 비교를 통해 <안성아리랑>의 음악적 특징을 밝히고, 향후 전승 및 문화콘텐츠화의 방향을 제시하고자 하였다. 연구자료는 황현의 『매천야록』, 1911~1912년 조선총독부의 「이요·이언급 통속적 독물등 조사」, 1990년 『안성군지』 등의 문헌자료와 2012년 안성지역의 남사당 전승자 김기복(1929~2015)의 구술 및 가창자료를 중심으로 하였다. 특히 『매천야록』에 기록된 ‘오는 길 가는 길에 만난 정 즐거워라 죽으면 죽었지 헤어지기 어렵더라’라는 아리랑 사설과 조선총독부 자료 및 『안성군지』에 수록된 사설이 김기복이 가창한 아리랑의 사설과 상응한다는 점에 주목하였다. 이를 바탕으로 문헌자료와 구술자료를 상호 검토하여 안성지역에서 전승된 아리랑의 전승 양상을 살펴보고, 사설과 선율을 분석하였다. 분석 결과, <안성아리랑>은 <구아리랑> 및 <본조아리랑>과 달리 ‘오다가다 만난 임을 죽으면 죽었지 나 못 놓겠네’, ‘간다 간다 가다더니 오늘날은 정말 가네’, ‘가기는 갈지라도 정을랑은 두고 가네’와 같은 사설을 중심으로 구성되어 있으며, 유랑예인의 이동과 만남이라는 생활 경험을 반영하는 특징을 보인다. 선율은 <구아리랑>과 마찬가지로 미·솔·라·도·레의 음조직을 중심으로 하며, 라음을 중심음으로 하는 메나리조적 특징과 라음 종지형을 보인다. 반면 <본조아리랑>은 솔·라·도·레·미의 음조직과 도음 중심의 종지형, 세마치장단을 기반으로 한다는 점에서 차이가 나타난다. 또한 <안성아리랑>은 현재 전승자료에서 일정한 장단 패턴이 체계적으로 확립되어 있지 않고 불규칙한 장단 형태를 보인다. 이러한 점에서 <안성아리랑>은 경기지역 아리랑의 고형과 관련된 음악적 특징을 지니면서도 안성지역 남사당패의 가창 및 전승 과정에서 형성된 지역적 특성을 함께 보여주는 것으로 해석할 수 있다. 이상의 연구를 통해 안성지역에는 기존의 <구아리랑> 및 <본조아리랑>과 구별되는 아리랑의 전승 사례가 존재하였음을 확인하고, 이를 <안성아리랑>으로 명명하여 그 사설과 선율의 특징을 제시하였다. 다만 현재 확인되는 자료가 제한적이고 김기복의 가창자료 역시 전승 당시의 상태를 완전하게 재현한다고 보기 어려우므로, <안성아리랑>의 음악적 구조와 역사적 전승 관계에 대해서는 추가적인 자료 발굴과 검증이 필요하다. 향후에는 김기복의 가창자료를 중심으로 한 음악적 복원과 체계적인 채록·연구를 바탕으로 학습교재 및 영상자료 개발, 가창 및 교육 프로그램 운영, 전승교육자 양성, 지역축제와 문화행사에서의 활용 등을 추진할 필요가 있다. 이를 통해 <안성아리랑>을 안성지역의 전통문화자원으로 활용하고, 지역의 문화적 정체성을 형성하는 전승 기반을 마련할 수 있을 것이다.

Arirang is one of Korea’s representative traditional folk songs, transmitted through oral tradition and continuous processes of recreation. It has developed into diverse forms of lyrics and melodies according to different regions and historical periods. In particular, Arirang in the Gyeonggi region has generally been discussed in terms of Gu-Arirang and Bonjo-Arirang, the latter being widely known as the theme song of Na Un-gyu’s 1926 film Arirang. However, previous studies have not sufficiently examined the existence of Arirang transmitted in the Anseong area or its musical and transmission-related characteristics. Therefore, this study aims to identify the existence of an Arirang tradition in Anseong through documentary and oral sources, designate it as Anseong-Arirang, and analyze its lyrical and melodic characteristics. It also compares Anseong-Arirang with Gu-Arirang and Bonjo-Arirang to clarify its musical characteristics and to suggest directions for its future transmission and development as cultural content. The sources examined in this study include Hwang Hyeon’s Maecheonyarok, the Survey of Folk Songs, Folk Expressions, Popular Readings, and Other Materials conducted by the Government-General of Korea in 1911–1912, and the 1990 Anseong County Gazetteer, together with oral and vocal materials recorded in 2012 from Kim Gi-bok (1929–2015), a traditional Namsadang performer from Anseong. Particular attention was paid to the correspondence between the Arirang lyrics recorded in Maecheonyarok—“The affection we encountered along the way, delightful; even if I must die, it is difficult to part”—and the lyrics contained in the Government-General’s survey materials and the Anseong County Gazetteer, which correspond to the Arirang sung by Kim Gi-bok. On this basis, documentary and oral sources were examined in conjunction with one another to investigate the transmission of Arirang in Anseong and to analyze its lyrical and melodic characteristics. The analysis shows that Anseong-Arirang differs from Gu-Arirang and Bonjo-Arirang in its characteristic lyrics, including “The one I met along the way, even if I die, I cannot let you go,” “You said you were leaving, and now you are truly going,” and “Even if you must go, leave your affection behind.” These lyrics reflect experiences of movement, encounters, and separation associated with itinerant performing artists. In terms of melody, Anseong-Arirang, like Gu-Arirang, is based on the pitch organization of Mi–Sol–La–Do–Re and exhibits characteristics of Menari-jo, with La functioning as the tonal center and as the cadential pitch. In contrast, Bonjo-Arirang is based on Sol–La–Do–Re–Mi, with Do functioning as the tonal center, and is performed in Semachi rhythmic pattern. In addition, the currently available transmission materials of Anseong-Arirang do not reveal a systematically established rhythmic pattern but instead show an irregular rhythmic structure. These characteristics suggest that Anseong-Arirang shares certain musical features associated with the older form of Arirang in the Gyeonggi region while simultaneously reflecting regional characteristics formed through the singing and transmission practices of Namsadang performers in Anseong. This study confirms the existence of an Arirang transmission tradition in Anseong that is distinguishable from Gu-Arirang and Bonjo-Arirang, designates it as Anseong-Arirang, and identifies its lyrical and melodic characteristics. Nevertheless, the currently available sources are limited, and Kim Gi-bok’s recorded performance cannot be regarded as a complete reproduction of the form in which the song was transmitted in the past. Therefore, further investigation and verification are required to establish the musical structure and historical transmission relationships of Anseong-Arirang. Future research should focus on the musical reconstruction of Kim Gi-bok’s vocal material, together with systematic documentation and analysis, and should pursue the development of educational materials and audiovisual resources, singing and educational programs, training of transmission instructors, and utilization in local festivals and cultural events. Such efforts can contribute to establishing Anseong-Arirang as a traditional cultural resource of Anseong and to creating a sustainable foundation for its transmission as part of the region’s cultural identity.

본 연구는 조선 후기부터 서울과 경기 지역의 전문 소리꾼들에 의해 전승된 서울잡가를 대상으로, 그 속에 녹아 있는 서울 토박이말의 언어적 특징과 문화적 가치를 고찰하여 서울잡가가 ‘서울말의 보고(寶庫)’임을 밝히는 데 목적이 있다. 이를 위해 긴잡가 중 통절형식으로 전승되는 5개 작품인 「유산가」, 「적벽가」, 「제비가」, 「소춘향가」, 「출인가」의 사설과 음원을 분석 대상으로 삼았다. 분석결과, 서울잡가에는 오늘날 표준어 및 현대 서울말에서 점차 사라져가는 다수의 토박이 어휘와 구어적 표현들이 비교적 원형에 가깝게 보존되어 있음을 확인하였다. 첫째, 부름말(호칭어)에서는 ‘벗님네야’, ‘낭군’, ‘내 사랑아’, ‘계집아희’ 등 친밀감과 애정, 존중을 담은 표현이 나타났으며, 둘째, 종결어미에서는 ‘-꼬’, ‘-노’, ‘-오료’, ‘-오소’, ‘-너라’, ‘-가세’ 등 화자의 탄식과 의문, 부드러운 권유와 명령을 드러내는 다양한 말끝이 확인되었다. 셋째, ‘아하’, ‘어화둥게’, ‘어헤야’ 등의 감탄과 추임은 서울 사람들의 감정 표현과 음악적 운율의 결합 양상을 보여주었고, 넷째, ‘콸콸’, ‘수루루루룩’, ‘우줄우줄’, ‘펄펄펄’, ‘훨훨’, ‘쩔레쩔레’ 등의 의성어와 의태어는 노랫말에 생동감과 입체적 묘사력을 부여하고 있었다. 이러한 언어적 분석을 바탕으로 도출한 서울잡가의 학술적 가치는 다음과 같다. 첫째, 서울 잡가는 표준어 확산 속에서 사라져가는 서울 토박이말의 보존자료이다. 둘째, 유람과 풍류, 사랑과 이별, 인간관계 등 서울 사람들의 일상과 정서를 담고 있는 서울 생활문화의 기록자료이다. 셋째, 문자로 기록된 사설뿐 아니라 실제 창법과 음원이 함께 전승되어 발음, 억양, 운율까지 연구할 수 있는 서울 음성언어의 연구자료이다. 본 연구는 서울잡가를 단순한 전통 성악곡이나 문학적 대상이 아닌, 서울말의 역사와 실체를 복원하는 언어문화적 유산으로 재조명하였다는 점에서 의의가 있다. 향후 유절형식의 긴잡가 및 휘몰이잡가 등으로 연구 범위를 확장한다면 서울말의 역사적 변천 과정과 언어적 특성을 더욱 체계적으로 밝힐 수 있을 것이다.

This study aims to examine the linguistic characteristics and cultural value of Seoul native words embedded in Seoul Japga (traditional Seoul folk/professional songs) and to illuminate how these songs serve as a “treasure trove of the Seoul dialect.” To this end, the study analyzes the lyrics (saseol) and audio sources of five through-composed (tongjeol-hyeongshik) pieces among the long Japga (Gyeonggi 12-Japga) repertoire: Yusanga (遊山歌), Jeokbyeokga (赤壁歌), Jebiga (燕子歌), Sochunhyangga (小春香歌), and Churinga (出引歌). The analysis reveals that Seoul Japga preserves numerous native Seoul vocabulary words and colloquial expressions that have gradually disappeared from modern standard Korean and contemporary Seoul speech. First, the vocatives and terms of address (e.g., beonimneya, nanggung, nae saranga, gyejibahi) reflect intimacy, affection, and respect. Second, the sentence-ending suffixes (e.g., -kko, -no, -oryo, -oso, -neora, -gase) vividly demonstrate the traditional speech styles, expressing the speaker's lament, inquiry, soft solicitation, or command. Third, interjections and chwimsae (e.g., aha, eohwadungge, eheya) show the integration of emotional expression and musical rhythm. Fourth, vivid onomatopoeia and mimesis (e.g., kwalkwal, sururururuk, ujulujul, peolpeolpeol, hwolhwol, jjeollejjeolle) impart vitality and three-dimensional descriptive power to the lyrics. Based on these linguistic findings, the academic value of Seoul Japga can be categorized into three main aspects: 1. Preservation Data for Seoul Native Words: They serve as vital materials capturing authentic Seoul dialects that are vanishing due to the spread of standard language. 2. Historical Records of Seoul's Daily Culture: They encapsulate the lifestyle, emotional sentiments, scenic appreciation, and interpersonal relationships of Seoul residents. 3. Phonetic and Spoken Language Research Data: Because both the lyrics and the actual singing techniques/audio sources have been transmitted together, they allow researchers to analyze pronunciation, intonation, rhythm, and vocal coloring (sigimsae), which text alone cannot provide. This study re-evaluates Seoul Japga not merely as traditional vocal music or literature, but as a comprehensive ethno-linguistic heritage that restores the history and reality of the Seoul dialect. Expanding the research scope to strophic long Japga and hwimori-japga in future studies will further elucidate the historical evolution and linguistic features of the Seoul speech community.

본 연구는 경기도 안양지역을 중심으로 전승된 ‘안양날뫼농악’의 형성과 전승 과정을 고찰하고, 그 음악적·연희적 특징과 공동체적 기능을 분석하여 경기 남부 웃다리농악 문화권 속에서 지니는 지역적 특성과 문화사적 의미를 규명하고자 하였다. 조선 후기 경복궁 중건 부역과 순종 황제로부터 하사받은 농기 전승 등 역사적 배경을 지닌 안양날뫼농악은 화려한 기교 중심의 연예농악과 달리, 마을 공동체의 협동과 질서를 중시하는 ‘두레농악’ 및 ‘생활농악’의 성격을 강하게 유지하고 있다. 원인사굿, 다드미쇠, 오방진, 사통백이 등 대형의 질서와 협동을 강조하는 다양한 판제와 단순하고 직선적인 장단 구조는 이러한 공동체적 문화 속에서 형성되었다. 그러나 일제강점기의 탄압과 급격한 도시화·산업화 과정에서 전통적 전승 기반이 약화되는 위기를 겪었으나, 지역 원로들과 전승자들의 구술 채록 및 복원 노력을 통해 현재 안양날뫼농악보존회를 중심으로 명맥을 이어오고 있다. 본고는 안양날뫼농악이 단순한 공연예술을 넘어 지역 주민의 역사와 삶의 정서가 축적된 소중한 문화유산임을 강조하며, 향후 체계적인 보존과 교육 프로그램 활성화, 행정적 지원 및 학술적 연구를 통한 지속 가능한 전승 방향을 모색하였다.

This study aims to examine the formation and transmission process of ‘Anyang Nalmoe Nongak,’ which has been passed down primarily in the Anyang region of Gyeonggi-do, and to identify its local characteristics and cultural significance within the Gyeonggi southern Utdari (upper bridge) Nongak cultural sphere by analyzing its musical and performance features, as well as its communal functions. Anyang Nalmoe Nongak, which holds historical significance—including its participation in the reconstruction of Gyeongbokgung Palace during the late Joseon Dynasty and the possession of a Nonggi (farming flag) bestowed by Emperor Sunjong—strongly maintains the characteristics of Dure (communal labor) Nongak and Saenghwal (living) Nongak, which emphasize cooperation and order within village communities, unlike Yeonye (entertainment) Nongak centered on flamboyant techniques. The diverse Panje (performance structures), such as Woninsagut, Dadeumisoe, Obangjin, and Satongbaegi, which emphasize the order and cooperation of the formation, along with its simple and linear rhythmic structure, were all shaped within this communal culture. However, Anyang Nalmoe Nongak faced a crisis as its traditional transmission foundation weakened due to oppression during the Japanese colonial period and rapid urbanization and industrialization. Despite these challenges, it has managed to maintain its lineage through the recording of oral testimonies and restoration efforts by local elders and inheritors, currently centering around the Anyang Nalmoe Nongak Preservation Society. This study emphasizes that Anyang Nalmoe Nongak is not merely a performing art but a precious cultural heritage that embodies the history and life sentiments of local residents. Furthermore, it seeks directions for sustainable transmission through systematic preservation, the revitalization of educational programs, administrative support, and continued academic research.

본 연구는 19세기 후반 유럽 전역에 확산된 사실주의 사조의 맥락 속에서, 주세페 베르디(Giuseppe Verdi)의 대표작인 오페라 《리골레토》, 《라 트라비아타》, 《아이다》에 나타난 사실주의적 성향과 특성을 분석하였다. 19세기 중엽 실증주의와 과학의 발달을 배경으로 대두된 사실주의는 이상주의적 낭만주의에 대한 반작용으로 현실 세계를 진실하고 객관적으로 묘사하고자 하였다. 이러한 흐름은 종합예술인 오페라 장르에도 큰 영향을 미쳤으며, 베르디는 이탈리아 전통 오페라의 양식을 계승하면서도 극적 진실성과 인간 내면의 심리를 사실적으로 투영하는 독창적인 음악세계를 구축하였다. 본 연구의 분석 결과, 베르디 오페라에서 나타난 사실주의적 성향은 크게 세 가지로 요약된다. 첫째, 아리아와 레치타티보의 경계를 허물고 음악과 대사를 유기적으로 일치시켜 인물의 심리 상태와 극적 긴장감을 사실적으로 묘사하였다. 둘째, 인간의 본원적인 부정적 감정과 갈등을 여과 없이 드러내며 비극적 결말로 이어지는 플롯을 구성하였다. 셋째, 전통적인 성악 배역의 관습에서 벗어나 바리톤을 중심 배역에 배치하거나 철저한 역사적 고증 및 지방색(Local Color)을 활용하여 시·청각적 사실성을 높였다. 결론적으로 베르디의 작품들은 전통적인 이탈리아 오페라와 19세기 후반의 사실주의 오페라를 교량하는 중요한 예술사적 의의를 지닌다.

This study aims to analyze the realistic tendencies and characteristics embedded in Giuseppe Verdi's representative operas, Rigoletto, La Traviata, and Aida, within the broader context of the Realist movement that spread across Europe in the late 19th century. Emerging against the backdrop of mid-19th-century positivism and scientific advancement, Realism served as a reaction against idealistic Romanticism, seeking to depict the real world truthfully and objectively. This artistic current profoundly influenced the genre of opera. While inheriting traditional Italian opera styles, Verdi established a unique musical world by incorporating dramatic truth and realistic portrayals of human psychology. The findings of this study highlight three major realistic tendencies in Verdi's operas. First, by blurring the lines between aria and recitative, he organically integrated music and text to realistically convey characters' psychological states and dramatic tension. Second, he candidly exposed fundamental human negative emotions and internal conflicts, constructing plots that inevitably led to tragic resolutions. Third, breaking away from conventional vocal casting practices, he prominently featured the baritone role and enhanced audiovisual realism through thorough historical research and local color. In conclusion, Verdi's works hold significant music-historical importance as a crucial bridge between traditional Italian opera and late 19th-century verismo opera.

본 연구는 한국 대중음악에서 나타나는 유럽 예술음악(이하 클래식)의 수용과 변용 양상을 살펴보는 것을 목적으로 한다. 오늘날 한국 대중음악은 세계적 문화 현상으로 자리 잡으며, 그 과정에서 클래식 음악의 선율과 구조가 다양한 방식으로 차용되고 재해석되어 왔다. 본 연구는 이러한 현상을 루트비히 판 베토벤(Ludwig van Beethoven, 1770-1827)의 작품 중《엘리제를 위하여》를 중심으로 분석한다. 1991년부터 2024년까지 한국 대중음악에서 나타난 클래식 샘플링 사례를 검토한 결과, 베토벤의 작품이 가장 빈번하게 활용된 것으로 나타났으며, 특히 《엘리제를 위하여》는 일상적 사운드와 대중음악 모두에서 폭넓게 활용되고 있었다. 이 곡의 반복적인 재해석은 베토벤 음악이 지속적으로 활용되고 있으며, 그의 음악이 한국 사회에서 예술음악의 영역을 넘어 일상적인 문화 환경에서도 수용되고 있음을 보여준다. 나아가 한국 대중음악에서 클래식을 활용하는 방식이 단순한 차용을 넘어 전통과 현대, 예술성과 대중성의 경계를 매개하는 음악적 현상으로 나타나고 있음을 밝히고자 한다.

This study examines the reception and transformation of European art music in Korean popular music. As Korean popular music has become a global cultural phenomenon, melodies and structures from European art music (hereafter referred to as classical music) have been borrowed and reinterpreted in various ways. Focusing on Ludwig van Beethoven’s (1770–1827) Für Elise, this study analyzes this phenomenon through cases of classical music sampling in Korean popular music between 1991 and 2024. The findings indicate that Beethoven was the composer whose works were most frequently used, with Für Elise in particular being widely employed both in everyday sounds and in popular music. The repeated reinterpretation of this piece reflects the continued use of Beethoven’s music and suggests that his music has been received not only within the realm of art music but also in the everyday cultural life of Korean society. Furthermore, this study argues that the use of classical music in Korean popular music extends beyond simple borrowing and constitutes a cultural phenomenon that mediates between tradition and modernity, as well as between art and popular culture.

본 연구는 작곡가 김수철의 음악을 중심으로 한국 전통음악이 현대적 맥락 속에서 어떻게 재해석되고 대중화되는지를 고찰하고, 특히 그의 영화음악에서 대금이 수행하는 역할에 주목하였다. 연구 대상은 영화 서편제(1993)와 태백산맥(1994)으로, 이 작품들에서 대금이 서사적 흐름과 정서적 분위기 형성, 그리고 전체적인 음향 세계를 어떻게 구성하는지를 분석하였다. 이를 통해 김수철의 음악에서 전통 악기가 단순한 배경음이 아니라 서사와 감정을 매개하는 핵심적 표현 수단으로 기능함을 규명하고자 하였다. 분석 결과, 김수철은 한국 전통음악의 핵심 요소인 선법적 구조, 장단의 리듬 체계, 시김새와 같은 장식적 기법을 현대적 작곡 어법과 결합함으로써 전통적 정체성과 동시대적 미감을 아우르는 혼합적 음악 언어를 구축하고 있음을 확인하였다. 이 과정에서 대금은 미묘한 음정 변화와 호흡에 기반한 음향적 유연성을 통해 영화의 서사 전개와 정서 표현을 효과적으로 이끄는 중심 악기로 활용된다. 특히 대금의 호흡 중심적 음향과 자연스러운 음색 변화는 영상 매체의 감정선과 긴밀하게 결합되며, 전통 악기가 현대 영화 사운드 환경에 자연스럽게 적응할 수 있음을 보여준다. 본 연구는 한국 전통음악의 현대화가 단순한 재현이나 모방이 아니라, 전통 미학에 대한 적극적인 재해석과 창조적 변용의 과정임을 제시한다. 김수철의 음악은 현대 매체 환경 속에서 전통 악기가 지닌 지속적인 창조 가능성을 보여주는 사례로서, 전통과 현대를 연결하는 음악적 실천의 의미를 갖는다.

This study examines how Korean traditional music is reinterpreted and popularized within contemporary contexts through the music of composer Kim Soo-chul, with a particular focus on the role of the daegeum in his film scores. The analysis centers on Seopyeonje (1993) and The Taebaek Mountains (1994), exploring how the daegeum shapes narrative flow, emotional atmosphere, and the overall sound world of these works. The study aims to clarify that traditional instruments in Kim’s music function not merely as background sounds but as central expressive devices mediating narrative and emotion. The findings reveal that Kim Soo-chul integrates essential elements of Korean traditional music— such as modal structures, rhythmic patterns, and ornamental techniques—into modern compositional frameworks, thereby constructing a hybrid musical language that bridges traditional identity and contemporary aesthetics. In this process, the daegeum plays a pivotal role by employing nuanced pitch inflections and breath-based articulation, effectively conveying narrative development and emotional depth. The instrument’s breath-centered sound production and timbral flexibility allow it to adapt naturally to cinematic soundscapes. This study suggests that the modernization of Korean traditional music is not a matter of imitation or reproduction, but rather a process of aesthetic reinterpretation and creative transformation. Kim Soo-chul’s work demonstrates the continuing creative potential of traditional instruments within today’s media environment and highlights the significance of musical practices that connect tradition and modernity.

본 연구는 초저출산 및 학령인구 감소로 인한 지방소멸과 소규모학교 통폐합 위기에 대응하여, 도서 및 접경지역인 인천광역시 강화군의 지역적 특성을 반영한 ‘거점형 문화예술 교육과정 모델’을 구안하고 그 교육적 성과 및 발전 방향을 검증하는 데 목적이 있다. 강화군은 2024년 교육발전특구 1차 시범지역(1유형)으로 선정된 이래, 2026년까지 ‘캠퍼스형 작은 학교 클러스터’ 및 ‘결이음교육과정’을 활발히 추진해 왔다. 본 연구는 이러한 거시적 정책 기반과 2026년 현재 공모 및 추진 중인 교육혁신선도지역 모델을 통합하여, 도서지역 소규모학교 간 인적·물적 자원 한계를 극복하는 ‘2026 강화 결이음 예술캠프’ 모형을 도출하였다. 본 모형은 파라그 카나(Parag Khanna)의 커넥토그래피 (Connectography) 이론을 접목하여 단순한 오프라인 협력수업을 넘어 글로벌 다국적 전문가 멘토링 네트워크(GGS 플랫폼 연계) 및 에듀버스(Edu-Bus) 이동망을 시속화·연결화 하였다. 분석 결과, 본 거점형 문화예술 교육과정 모델은 소규모학교 학생들의 사회·정서적 역량 함양, 예술적 창의성 고양, 그리고 지역 정주 여건 개선에 유의미한 기여를 한 것으로 나타났다. 본 연구는 향후 교육혁신선도지역 정식 지정 및 타 도서·농어촌 지역의 지속가능한 교육생태계 구축을 위한 정책적·실천적 시사점을 제공한다.

This study explores a sustainable hub-network model for arts and cultural education tailored to small-scale schools located in geographically isolated island areas, with a specific focus on the 2026 Ganghwa Gyeol-ieum Art Camp. Small schools on islands frequently face pedagogical isolation, a chronic shortage of specialized arts instructors, and limited peer-to-peer collaborative interactions due to depopulation and regional constraints. To address these systemic disparities, this research proposes a hub-network curriculum model in which local schools collaborate to pool educational resources, share specialized instructors, and foster cross-school student communities. Analyzing the operational framework and outcomes of the 2026 Ganghwa Gyeol-ieum Art Camp, this study investigates how joint curriculum design, multidisciplinary art practices, and intensive collaborative camps impact students’ aesthetic sensibility, social competence, and regional identity. Furthermore, it examines administrative and logistical factors—including inter-school schedule coordination, transportation logistics, and municipal education office support—that are critical to the model's viability. The findings demonstrate that a hub-network model not only overcomes the physical and structural limitations of small island schools but also functions as an effective cultural anchor for regional educational revitalization. Based on these insights, this study offers policy implications and pedagogical strategies for establishing adaptable hub-based arts curricula in rural and island environments.