Earticle

음악에서 주요 3요소는 선율, 리듬, 화성이다. 그 중 리듬에는 규칙과 불규칙이 존재한다. 그 리고 일정한 반복이 있어야 한다. 자연에도 리듬이 존재한다. 우리가 눈, 귀, 몸, 감각으로 체험할 수 있는 시간의 흐름이다. 생물, 날씨, 계절, 천체의 움직임 등 모든 곳에서 나타난다. 음악의 리듬과 자연의 리듬에서 공통요소로는 규칙과 불규칙을 통해 이루어지고 표현되는 것, 그리고 일정한 반복으로 연결된다. 본 연구의 목적은 자연의 요소를 활용하여 모티브로 작곡된 음악곡을 선정하여 리듬을 분석하고 음악과 예술융합 학문을 접근하여 이해할 수 있 도록 하는 것이다. 또한 음악리듬과 자연이라는 회화적 요소를 서로 주고 받으며 영감을 얻 고 ‘리듬’이라는 공통된 요소의 특징을 토대로 음악곡을 분석하고 해석한다.

The three main elements of music are melody, rhythm, and harmony. Among them, rules and irregularities exist in rhythm. And there should be a certain repetition. There is also a rhythm in nature. It is the passage of time that we can experience with our eyes, ears, body, and senses. It appears everywhere: living things, weather, seasons, celestial movements, and so on. The common elements of the rhythm of music and the rhythm of nature are what is made and expressed through rules and irregularities, and are connected by certain repetitions. The purpose of this study is to analyze the rhythm and approach and understand music and art convergence studies by selecting music composed as a motive using natural elements. In addition, they receive inspiration by exchanging pictorial elements of music rhythm and nature, and analyze and interpret music songs based on the characteristics of a common element called “rhythm.”

본 연구는 빌라 로보스(Heitor Villa-Lobos)의 《Bachianas Brasileiras No.5》에 나타난 바흐 스 타일과 브라질 음악 요소 간의 독특한 조화를 탐구하며, 이를 현대 음악 연구 및 교육에서 활용할 수 있는 기초자료로서의 가능성을 검토한다. 연구의 목적은 바흐의 바로크 음악적 특성과 브라질 음악 요소가 융합된 방식을 분석하고, 이 작품이 음악교육에서 가지는 의의 를 조명하는 것이다. 연구 결과, 《Bachianas Brasileiras No.5》는 바흐의 음악적 요소를 변형 하여 브라질 음악과 결합함으로써 독창적인 음악 언어를 형성하였으며, 이는 전통과 현대, 유럽과 라틴 아메리카 음악 간의 상호작용을 보여준다. 본 연구는 후속 연구를 위한 기초 자 료를 제공하며, 음악교육 및 연주 실습에서의 적용 가능성을 제안한다.

This study explores the unique harmony between Bach’s style and elements of Brazilian music as manifested in Heitor Villa-Lobos’s Bachianas Brasileiras No. 5, examining its potential as foundational material for contemporary music research and education. The purpose of the study is to analyze the ways in which the Baroque musical characteristics of Bach are fused with Brazilian musical elements, highlighting the significance of this work in music education. The findings reveal that Bachianas Brasileiras No. 5 forms an original musical language by transforming Bach’s musical elements and combining them with Brazilian music, demonstrating the interaction between traditional and modern, as well as European and Latin American music. This study provides foundational material for future research and suggests applications in music education and performance practice.

본 논문은 인공지능의 기본 개념을 바탕으로 성악 교육 분야에서의 적용 현황 및 한계를 분 석하고, 인공지능 기술 발전이 가져오는 기회와 도전을 탐색한다. 나아가 급변하는 기술 환 경 속에서 예술의 본질을 어떻게 수호할 것인가에 대한 심층적인 고찰을 더한다. 인공지능 과 성악 교육 간의 상호작용 관계를 체계적으로 고찰함으로써, 교육자, 학습자, 기술 개발자 모두에게 기술과 인문학의 조화로운 균형을 이루는 실현 가능한 접근 방안을 제시하고자 한 다. 궁극적으로 본 연구는 인공지능 시대에 성악 예술의 지속 가능한 발전을 도모하는 데 기 여하고자 한다.

This paper analyzes the current state and limitations of the application of artificial intelligence (AI) in the field of vocal education, based on the fundamental concepts of AI. It explores the opportunities and challenges brought about by the advancement of AI technologies. Furthermore, it delves into the in-depth consideration of how to preserve the essence of art in a rapidly changing technological environment. By systematically examining the interactive relationship between AI and vocal education, this paper aims to propose feasible approaches that achieve a harmonious balance between technology and the humanities for educators, learners, and technology developers alike. Ultimately, this study seeks to contribute to the sustainable development of vocal arts in the age of artificial intelligence.

본 연구는 18세기 이탈리아 작곡가 푸치니의 오페라 소프라노 아리아의 음악적 특징을 심도 있게 분석하는 것을 목적으로 하였다. 특히 『라 보엠(La Boheme)』과 『투란도트(Turandot)』를 중심으로 각각의 작품에서 드러나는 구조적 및 감정적 표현을 탐구하였다. 푸치니는 독창적 인 음악 언어를 통해 인물의 복잡한 심리를 효과적으로 전달할 뿐 아니라, 감정의 미세한 변 화와 서사의 전개를 음악으로 형상화하는 뛰어난 예술성을 보여주었다. 본 연구에서는 푸치 니 오페라의 역사적 배경과 창작 스타일을 고찰하고, 두 대표작의 소프라노 아리아를 세부적 으로 비교하였다. 특히, 『라 보엠』의 미미 아리아와 『투란도트』의 류 아리아는 각각 사랑의 아픔과 극복할 수 없는 고난을 강렬하게 표현하며, 이들 아리아에서 나타나는 음악적 기법을 분석하였다. 또한 푸치니의 음악이 어떻게 캐릭터의 심리와 서사를 강화하는지를 밝혔으며, 그의 음악적 기법이 현대 오페라에 미친 영향을 재조명하였다. 본 연구의 결과는 푸치니의 작품이 단순한 감정 전달을 넘어 인물의 내면 세계를 표현하는 중요한 매개체임을 확인하며, 향후 푸치니 오페라에 대한 깊이 있는 연구를 위한 기초 자료로 활용될 것으로 기대된다.

This study aims to conduct an in-depth analysis of the musical characteristics of soprano arias in the operas of 18th-century Italian composer Puccini. Focusing on La Bohème and Turandot, the research explores the structural and emotional expressions present in each work. Puccini effectively conveys complex psychological states of characters through his unique musical language, showcasing remarkable artistry in capturing subtle emotional shifts and narrative developments. The study examines the historical context and compositional style of Puccini's operas while providing a detailed comparison of the soprano arias from the two representative works. Notably, the Mimi aria from La Bohème and the Liu aria from Turandot powerfully express the themes of love's pain and insurmountable hardships, respectively, with an analysis of the musical techniques employed in these arias. Furthermore, the research reveals how Puccini's music enhances character psychology and narrative, highlighting the influence of his musical techniques on contemporary opera. The findings confirm that Puccini's works serve as vital mediums for expressing the inner worlds of characters, suggesting that this study will serve as a foundational resource for future in-depth research on Puccini's operas.

본 연구는 독일 징슈필(Singspiel)과 중국 경극(京劇) 간의 음악 극적인 요소를 비교하는 것 을 목적으로 하며, 특히 모차르트의 <마술피리>와 중국의 <백사전>에 초점을 맞추고 있다. 두 작품은 각기 다른 문화적 배경과 예술 전통 속에서 발전하였으며, 본 연구를 통해 이들의 음악적, 극적 특성을 분석하여 서로의 예술적 차별성을 드러낼 것이다. 연구 방법으로는 문 헌 연구, 분석 연구, 비교 연구를 포함한다. 문헌 연구를 통하여 징슈필과 경극의 개념 및 발 전 역사를 정리하였으며, 분석 연구를 통해 각 작품의 대본과 음악 구조를 분석하여 인물 심 리와 극적 갈등을 조명하였다. 또한, 비교 연구를 통해 두 작품의 음악적 및 시각적 표현을 면밀히 비교하여 각 장르의 주요 특징을 도출하였다. 연구의 결과는 두 장르 간의 유사성과 차별성을 뚜렷하게 보여주며, 각 작품이 전달하고자 하는 메시지와 음악적 형태의 차이를 명확히 하였다. 이 연구는 징슈필과 경극이라는 서로 다른 문화적 전통의 교차점을 통해, 음 악적 미적 가치에 대한 깊이 있는 이해를 제공할 것으로 기대된다.

In the latter part of the 18th century, two distinct forms of opera emerged: Singspiel in Germany and Peking Opera in China. Despite their origins in vastly different cultural contexts, both forms serve as comprehensive artistic expressions primarily through music. German Singspiel drew inspiration from Italian operas while also being shaped by British ballad operas and French opera buffa. Its arias incorporated elements of lied and featured extensive dialogues rather than a traditional narrative structure, evolving into a music drama with unique local characteristics. Conversely, Chinese Peking Opera, rooted in various folk traditions, has been refined into China's "national opera" through the sustained efforts of numerous artists. This genre has established a standardized framework encompassing literature, performance, music, singing, instrumental techniques, and facial makeup, integrating the elements of "singing, reading, acting, and playing." This paper examines two significant works representing these genres—Mozart's The Magic Flute and Tian Han's The Legend of the White Snake—and employs comparative musicology to explore their musical elements across four dimensions: script, music, dialogue, and performance. The study aims to highlight both the similarities and differences in artistic expression between German Singspiel and Chinese Peking Opera, thereby enhancing cultural appreciation of these two diverse forms of musical drama.

본 연구는 중국의 전통 경극인 <백사전>을 중심으로 경극 예술의 보존과 발전에 관한 연구 이다. 경극은 성악, 무용, 연기, 무술을 결합한 종합 예술로 현대화 속에서 젊은 세대의 관심 이 감소하고 있다. 이에 따라 본 연구는 경극 보존을 위한 교육 기관의 역할을 강조하고자 한다. 이와 같은 목적을 달성하기 위해 본 연구는 한국과 중국의 학술지, 관련 논문, 도서, 악보 등 각종 문헌 자료를 수집하고 분석 연구를 통해 경극의 역사적 배경, 주요 특징, 교육 적 가치를 탐구하고자 한다. 연구 결과는 전통 예술 보호와 계승에 대한 실천적 방안을 제시 하며, 문화적 다양성 증진에 기여할 것이다.

This study focuses on the preservation and development of Peking Opera, specifically The White Snake (Bai She Zhuan), a traditional Chinese opera. Peking Opera is a comprehensive art form combining vocal music, dance, acting, and martial arts, but it has seen a decline in interest among younger generations in the face of modernization. Consequently, this study emphasizes the role of educational institutions in the preservation of Peking Opera. To achieve this goal, the research will collect and analyze various literature sources, including academic journals, related papers, books, and musical scores from both Korea and China. Through this analysis, the study aims to explore the historical background, key characteristics, and educational value of Peking Opera. The findings will propose practical measures for the protection and inheritance of traditional arts and contribute to the promotion of cultural diversity.

본고는 한국 전통 줄타기의 특징을 규명하기 위하여 유라시아 여러 나라의 줄타기를 비교· 고찰하였다. 줄타기는 세계 각지에서 전승되어 온 보편적 연희 양식이지만, 그동안 한국 줄 타기의 특징으로 지목된 요소들이 실제로는 타국에도 존재하는지에 대한 학술적 검토는 미 비하였다. 이에 본 연구는 캄보디아, 영국·아일랜드, 방글라데시, 베트남, 태국, 중국, 일본 등 7개국의 줄타기를 한국 줄타기와 비교하여 줄의 장력, 도구 사용, 체기(體技) 여부, 반주 음악, 어릿광대, 가창, 악기연주 등 세부 요소를 분석하였다. 연구 결과, 첫째, 줄광대가 부채를 들고 연희하는 방식은 캄보디아와 베트남에도 존재하였 다. 둘째, 줄 위에서 다양한 체기를 발휘하는 곡예 역시 방글라데시, 베트남, 중국, 일본에서 확인되었다. 셋째, 어릿광대의 존재는 방글라데시 줄타기에서 나타나 한국과 유사한 연행 구 조를 보여주었다. 넷째, 줄 위에서 악기를 연주하는 기예는 영국·아일랜드 줄타기에서 확인 되어, 감로탱 도상에 나타난 한국 줄타기의 옛 모습과도 연결된다. 다섯째, 줄의 장력은 과 거에는 느슨한 형태가 많았으나 근대 이후 과학기술 발달로 점차 높아지는 경향을 보였다. 이상의 비교를 통해 도출된 한국 줄타기의 독창적 특징은 체기와 밀접히 결합된 반주음악, 줄광대의 재담, 그리고 노래가 존재한다는 점이다. 한국 줄타기는 단순한 곡예를 넘어 음악· 언어·연희가 종합적으로 어우러진 공연예술적 성격을 지니며, 이는 세계 줄타기 문화사 속 에서 한국 줄타기의 위상을 새롭게 규정짓는 단서가 된다.

This study aims to examine the characteristics of Korean traditional tightrope walking (Jultagi) by comparing it with similar performances across Eurasia. Although tightrope walking has been transmitted worldwide as a common form of folk performance, little academic attention has been given to whether the elements regarded as unique to Korean Jultagi also exist in other regions. For this purpose, performances from Cambodia, the United Kingdom/Ireland, Bangladesh, Vietnam, Thailand, China, and Japan were analyzed in comparison with Korean Jultagi, focusing on rope tension, use of props, acrobatic techniques, accompanying music, clown roles, singing, and instrumental performance. The analysis reveals several findings: first, the use of a fan as a balancing prop is also found in Cambodian and Vietnamese tightrope performances. Second, various acrobatic techniques on the rope appear in Bangladesh, Vietnam, China, and Japan. Third, the clown figure, which mediates between performer and audience, exists in Bangladeshi tightrope walking as well. Fourth, instrumental performance on the rope, such as violin playing, is observed in the British/Irish context, corresponding to depictions in Korean Buddhist paintings (Gamro-tang). Fifth, rope tension, which was traditionally loose, has become tighter in modern times with technological developments. These findings indicate that the distinctive features of Korean Jultagi lie in its systematic use of accompanying music, the comic dialogues (Jaedam), and the inclusion of singing integrated with acrobatic performance. Unlike other traditions, Korean Jultagi demonstrates a composite nature that combines physical skill, music, and verbal artistry, thereby highlighting its unique status in the history of Eurasian performance culture.

본 연구는 광주광역시 무형유산의 현황을 전통음악을 중심으로 검토하고, 그 보존 및 전승 을 위한 과제를 제시하는 데 목적을 둔다. 광주는 판소리, 가야금병창, 농악, 영산재 등 다양 한 무형유산을 보유하고 있으나, 전승자의 고령화와 보유자 공석, 전승 기반 약화로 인해 존 속 위기에 처해 있다. 특히 판소리 관련 종목은 명칭 체계가 혼란스러워 체계적 정비가 필요 하며, 산조와 같은 전통 기악 장르는 아직 무형유산으로 지정되지 않아 제도적 보장이 시급 하다. 또한 보유자 부재로 인한 전승 단절 위험, 단체종목의 불안정한 전승 구조는 현행 제 도의 한계를 보여준다. 이에 본 연구는 광주 무형유산의 지속가능한 발전을 위해 실감형·공 연형·교육형·산업형 등 다각도의 문화콘텐츠화 전략을 제시하였다. 디지털 기술을 활용한 VR·AR 체험관 구축, 창작공연과 축제화, 학교 및 시민교육 연계, 지역산업과의 융합을 통한 경제적 자생력 확보가 그 핵심이다. 아울러 서울, 전주, 부산, 안동 등의 선행 사례를 비교하 여 광주에 적합한 정책 방향을 모색하였다. 결론적으로 광주의 무형유산 정책은 단순한 보 존 차원을 넘어 전승·제작·활용·재투자로 이어지는 순환적 생태계를 지향해야 한다. 이는 광 주 고유의 문화정체성을 강화하고, 세계 무형유산 보존 및 활용의 모델로 확장될 수 있는 가 능성을 제시한다.

This study examines the current status of intangible cultural heritage in Gwangju Metropolitan City, with a particular focus on traditional music, and explores key challenges for its preservation and transmission. Gwangju is home to diverse intangible heritage such as Pansori, Gayageum Byeongchang, Nongak, and Yeongsanjae. However, the continuity of these traditions is threatened by the aging of performers, the vacancy of official holders, and the weakening of transmission systems. In particular, the classification of Pansori-related items reveals inconsistencies that require systematic reorganization, while representative instrumental genres such as Sanjo have not yet been designated as intangible heritage, underscoring the need for institutional recognition. To address these issues, this research proposes multi-dimensional strategies for cultural content development, categorized as immersive, performative, educational, and industrial models. These include VR/AR-based digital archives and experiences, creative adaptations into stage performances, integration into school and lifelong education, and economic sustainability through cultural branding and tourism. Comparative analysis with cases from Seoul, Jeonju, Busan, and Andong highlights the importance of establishing systematic heritage management, institutional flexibility in holder designation, and collaborative platforms between practitioners, planners, and cultural industries. In conclusion, the study emphasizes that Gwangju’s intangible heritage policy should move beyond preservation toward building a cyclical ecosystem that connects transmission, production, utilization, and reinvestment. Such an approach not only strengthens the cultural identity of Gwangju but also provides a model for the sustainable safeguarding and creative revitalization of intangible cultural heritage at the global level.