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본 연구는 프리드리히 니체의 예술생리학과 성서적 사건 ‘다윗의 춤’ 간의 상관관계를 탐구 한다. 니체의 예술은 자신을 찾아가는 과정이자 자신의 삶을 하나의 예술작품으로 만드는 창조적 예술과정으로 바라본다. 즉, 니체의 관점에서 예술은 인간의 본능적 에너지와 생명력 을 해방시키는 매개체로 기능한다. 이러한 맥락에서 다윗의 춤은 다윗의 내재된 신앙적 열 정이 외적으로 표출된 상징적 행위로 해석될 수 있다. 본 연구는 다윗의 춤을 니체의 예술생리학적 관점에서 분석하며, 다윗의 춤에서 나타나는 예술적 행위 요소와 그 의미를 니체의 도취(Ecstasy), 자아실현, 디오니소스적 예술 표현 등 의 측면에서 심층적으로 탐구하고, 재해석된 다윗의 춤에 ‘성경적 효’를 결합하여 통합적으 로 분석하고자 한다. 이를 통해 다윗의 춤이 종교적 행위의 범주를 초월하여 예술적 표현과 신앙적 실천의 깊은 연관성을 지닌 중요한 모델임을 밝힌다. 니체의 시각에서 모든 사람은 삶을 통해 고유한 가치를 창출하는 예술가로 간주될 수 있으 며 그들의 예술작품으로 형성된 세계는 에너지를 발산하는 장(場)이 된다. 이러한 맥락에서 ‘성경7효(HYO)’는 도덕적 규범의 차원을 넘어서, 현대 사회에서 삶의 균형을 이루는 예술적 표현의 본질적 영역으로 재정의된다.

This study explores the correlation between Friedrich Nietzsche's art physiology and the biblical event ‘David's Dance.’ Nietzsche's art is seen as a process of self-discovery and creating one's life as a work of art. It is viewed as a means of liberating human instinctual energy and vitality. From his perspective, David's dance is interpreted as a symbolic act in which his religious passion is expressed as an inner impulse. This study analyzes David's dance from Nietzsche's art physiological perspective and deeply explores the artistic elements and their significance in David's dance in terms of Nietzsche's ecstasy, self-realization, and Dionysian artistic expression. Additionally, it aims to integrate and analyze the reinterpreted David's dance by combining it with ‘Biblical HYO.’(filial piety) Through this, it reveals that David's dance is not merely a religious act but an important model with deep connections between artistic expression and religious practice. From Nietzsche's viewpoint, every person can be regarded as an artist who creates unique value through life, and the world formed by their artworks becomes a field of energy. In this context, 'Biblical HYO' positions itself as an important realm of artistic expression that achieves life's balance in modern society, beyond simple moral norms.

본 연구는 기하학적 구조 추상미술에서 선의 활용이 예술적 표현의 중요한 요소임을 확인하 였다. 선의 중첩을 통해 형성된 기하학적 패턴은 작품에 내재된 리듬과 조화, 감정과 철학, 공간과 시간, 문화적 융합, 사회적 메시지와 상징성을 시각적으로 표현하는 데 중요한 역할 을 한다. 이를 통해 본 연구는 선의 활용이 기하학적 추상미술에서 중요한 위치를 차지하며, 현대미술에 새로운 가능성과 깊이를 제공함을 입증하였다. 본 연구는 향후 기하학적 추상미 술에서 선의 활용에 대한 더욱 심도 있는 연구와 다양한 접근을 통해 예술적 표현의 지평을 넓히는데 기여 할 것이다.

This study confirmed that the use of lines in geometric structure abstract art is an important element of artistic expression. The geometric pattern formed through the overlap of lines plays an important role in visually expressing the rhythm and harmony, emotion and philosophy, space and time, cultural fusion, social message and symbolism inherent in the work. Through this, this study proved that the use of lines occupies an important position in geometric abstract art and provides new possibilities and depth to contemporary art. This study will contribute to expanding the horizon of artistic expression through more in-depth research and various approaches on the use of lines in geometric abstract art in the future.

베토벤의 난청과 청력 상실은 1789년부터 시작 돼서 1818년에는 청력 손실이 상당히 진행 되어 소통용 공책을 들고 다닐 정도로 일상 대화가 불가능해졌다. 하지만 그는 고통을 음악 적 혁신으로 승화시켰다. 본 연구는 중기 연대기에 작곡된 (1802~1814) 5개의 현악 사중주 를 음악적 변화를 다양한 각도로 분석할 것이다. 제한적인 가청 범위로 인하여 달라진 악기 의 역할을 살펴보고, 악기 음역대에서 나타난 극단적인 사용이 베토벤의 작곡 스타일에 어 떤 변화를 가져왔는지 설명하고자 한다.

Despite Beethoven’s conditions it did not stop him from composing major works that are still played to this day. In this middle era, he composed five string quartets. By analysizing the string quartets, we can see his conditions and mood swings are reflected through the extreme uses in dynamics, texture, and ambiguous keys. Beethoven expands the boundaries of the norm of traditional string quartet in roles, form of movements, and uses of highest pitch. Eventually we can see Beethoven accepting his fate by making connections to Bach, the father of harmony, by including gematria and fugues referencing Bach’s BWV 552, Trinity Fugue, to create his own Trinity.

본고는 경상남도 연예농악의 사승(師承)관계를 고찰하여 전승계보를 정리함으로써 역사적 왜곡을 방지하고, 경상남도 농악의 지역성을 찾으며, 사회문화적 맥락을 찾는 것이 목적으로 경상남도 연예농악의 전승계보를 고찰한 것이다. 본고의 범위는 경상남도 진주의 솟대쟁이패와 의령의 대광대패에서 활동한 예인을 기점으 로 현재 경상남도에 거주하는 예인 중에서 상쇠(꽹과리)에 한정하였으며, 연구방법은 문헌, 보도자료, 기록과 증언, 구술 채록 등을 교차분석하였다.

This study examines the transmission genealogy of Gyungsangnam-do entertainment Nongak with the aim of preventing historical distortion, finding the locality of Gyungsangnam-do Nongak, and finding a sociocultural context by examining the relationship between masters and pupils of Gyungsangnam-do entertainment Nongak. The scope of this study was limited to leading gong-player among artists currently residing in Gyeonongsangnam-do, starting with Sotdaejaengipae in Gyeonongsangnam-do Jinju and Degwangdaepae in Uiryeong, and the research method was cross-analysis of literature, press releases, records and testimonies, and oral records.

예술은 개인의 감성 발현 및 창작이라는 고유한 특성 뿐만 아니라 직업으로서의 일반성도 갖고 있으므로, 이 두 요소가 조화를 이루게 될 때 예술의 사회적 기여를 더욱 제고할 수 있 다. 예술인은 작품 활동에 전념하며 창작의 보람을 느끼지만, 이로 인한 수입은 일반적인 직 업과 달리 작품의 가치에 비례하지 않은 경우가 많다. 또한 예술인의 창작 활동을 통해 금전 적 보상 이상의 만족을 얻고 이를 통해 사회의 문화 예술적 가치를 고양하는 기여를 하고 있지만, 직업의 생계유지라는 측면이 도외시될 때 이러한 사회적 기여가 지속 가능하지 않게 될 가능성이 있다. 예술의 개인 감성 발현 및 창작이라는 특수성과 더불어 직업으로서의 일반 성이 조화를 이루게 된다면 예술의 사회적 기여를 더욱 제고할 수 있을 것으로 기대된다. 이 러한 관점에서 현재 우리나라의 예술인 관련 직업 분류를 살펴보고 개선점을 모색해 보았다. 선행연구에서는 예술과 예술인 개념의 특수성, 예술인 정의에 관한 해외 사례 및 예술인에 대한 국내의 입법례를 살펴본 후 한국표준직업분류체계, 한국고용직업분류 체계, 한국표준 산업분류체계, 한국표준교육분류체계를 통한 예술인 직업 분류의 현황을 검토하였다. 특히 미술분야와 관련된 직업들에 대한 분류 체계를 중점적으로 살펴보았다. 검토 결과 우리나라에는 미술분야의 예술인과 관련한 다양한 직업분류 체계가 있지만 예술 활동의 다양성을 반영하지 못하고 있으며 용어 역시 정교하게 정의되어 있지 않았다. 또한 새로운 사회상을 반영한 예술 직업의 등장에 대응하기에도 미흡한 부분이 있는 것으로 드러 났다. 따라서 우선 기존 예술 직업분류 체계를 보다 정교화하고 새롭게 등장하는 다양한 예 술 분야와 직군을 더욱 현실적으로 반영해야 할 것이다. 그뿐만 아니라 예술인들의 실제 직 업 사례를 체계적으로 조사하여 현실적인 직업 분류 체계를 구축하는 것도 필요할 것으로 보인다. 나아가 예술 분야의 기획과 행정 전문가로 분야를 확대하고, 전문성을 높이기 위한 교육과 연구 강화에도 힘써야 할 것이다.

Art, while characterized by the unique attributes of personal emotional expression and creativity, also possesses the generality of being a profession. When these two elements are harmonized, the social contribution of art can be significantly enhanced. Artists dedicate themselves to their creative work and find fulfillment in the process; however, unlike typical professions, their income often does not correlate directly with the value of their works. Additionally, while artists contribute to the elevation of cultural and artistic values in society by gaining satisfaction beyond monetary rewards through their creative activities, there is a risk that such social contributions may become unsustainable if the aspect of livelihood maintenance is neglected. If the particularity of art as a medium for personal emotional expression and creativity can be balanced with its generality as a profession, it is anticipated that the social contribution of art can be further enhanced. In this context, we examined the current classification of art-related occupations in our country and explored areas for improvement. Previous studies have reviewed the particularity of the concepts of art and artists, international cases defining artists, and domestic legislative examples concerning artists. Subsequently, the current status of artist occupational classification through the Korean Standard Classification of Occupations, the Korean Employment Classification of Occupations, the Korean Standard Industrial Classification, and the Korean Standard Classification of Education was examined, with a particular focus on the classification system for occupations related to the visual arts. The review revealed that although there are various occupational classification systems related to artists in the visual arts field in Korea, they fail to fully reflect the diversity of artistic activities, and the terminology is not precisely defined. Moreover, it was found that these systems are inadequate in addressing the emergence of new art-related occupations that reflect contemporary societal changes. Therefore, it is necessary to refine the existing art occupational classification systems and to more realistically reflect the diverse emerging fields and job groups within the arts. Furthermore, it is also deemed necessary to systematically investigate the actual job cases of artists to establish a practical occupational classification system. Additionally, efforts should be made to expand the field to include art planning and administrative experts, and to strengthen education and research to enhance professional expertise in these areas.