Earticle

20세기 초까지 중국현대미술에서 여성 이미지는 극좌 사회주의 운동인 문화대혁명(文化大革命) 시기를 거치면서 혁명 전선에 앞장서는 강인한 여성으로 재현되는 것이 일반적이었고 개혁개방 이후 대중문화의 유입은 여성의 섹슈얼한 이미지를 소비 의 대상으로 상품화하였다. 사회주의 이념과 소비 이데올로기 사이에서 여성의 몸 자 체는 직접적으로 소비가 이루어지는 장소가 되었고 남성 혹은 자본이라는 강력한 권력 앞에서 소유의 대상으로 부각되었으며 여성의 정형화된 ‘미(美)’에 대한 욕망을 표출하 는 결과를 가져왔다. 이러한 배경을 바탕으로 본 논문은 1990년대 이후 중국의 상업화된 대중문화의 테두리에서 여성 이미지를 고찰하고 기존의 남성 중심 사회에서 남성의 기대와 시선으 로 규정된 여성 이미지에 문제를 제기하고자 한다. 이는 아름다움에 대한 시대적 인식 전환이라는 것을 통해 여성 이미지에 대한 새로운 관점을 제시한다는 것에서 연구의 필요성이 있다. 중국현대미술에서 여성 이미지에 대한 시각의 전환은 기이함, 두려움, 공포, 불 안 등을 의미하는 지그문트 프로이트(Sigmund Freud, 1856-1939)의 두려운 낯설 음이라는 ‘언캐니(Uncanny)’의 개념으로 해석할 수 있다. 이 개념을 일본의 로봇공학 자 모리 마사히로(森政弘, 1927-2025)는 ‘언캐니 밸리(uncanny valley)’, 즉 ‘불쾌 한 골짜기’ 이론으로 발전시켜 인간의 형상을 하고 있지만 인간이 아닌 어설픈 인간의 외형에서 오는 불쾌한 감정을 설명한다. 특히 중국의 개혁개방 이후 만화, 애니메이션, SF소설에 익숙한 신세대들은 이 러한 언캐니한 작업에 몰두하였는데 이들은 여성 이미지를 ‘잔인한 아름다움’이나 ‘불쾌 한 아름다움’으로 해석하고 있어 향후 여성 이미지 형성에 중요한 참고 자료가 될 수 있다는 것에서 연구의 가치가 있다.

Until the early 20th century, women in Chinese Contemporary art were typically portrayed as strong leaders of the revolutionary movement during the Cultural Revolution, an extreme leftist socialist movement. Following reform and opening up, popular culture commodified sexual images of women as objects of consumption. Caught between socialist and consumer ideologies, women's bodies became objects of direct consumption, highlighted as possessions in the face of powerful forces such as men and capital. This resulted in the expression of desires for women's stereotypical “beauty.” Against this backdrop, the present study examines the relationship between popular culture and images of women in the context of China’s commercialized popular culture since the 1990s. It also raises questions about how men’s expectations and gazes define images of women in a traditional, male-centered society. This study is necessary because it offers a fresh perspective on female imagery by examining changes in beauty standards. The change in perspective on female images in Chinese Contemporary art can be interpreted as the concept of ‘uncanny’, a fearful unfamiliarity by Sigmund Freud(1856-1939), which means strangeness, fear, horror, and anxiety. Japanese roboticist Masahiro Mori(1927-2025) developed this concept into the theory of ‘uncanny valley’, to explain the unpleasant feelings that come from the clumsy appearance of a human being that has a human form but is not human. In particular, since China's reform and opening up, the new generation familiar with cartoon, animation, and science fiction novels have been absorbed in this work. They interpret female images as “cruel beauty” or “unpleasant beauty” and so the value of this study lies in the fact that it can serve as important reference material for the formation of the female image of the millennial generation in the future.

Lewis Carroll’s Alice in Wonderland is a fairy tale but readers are often at a loss to its uneasy feeling in the book. The feeling of unease and strange unfamiliarity from the fairy tale approaches us through the familiar objects and circumstances. This uncanny feeling is the most common feature readers find in the book. According to Freud, there is the uncanny when the desires oppressed or surmounted in the past return to the familiar context of the present. The grotesque and fantastic scenes such as the transforming body, automatism of the dead objects, ego-centric characters and their linguistic-logical irregularities in the book reflect the traces of the oppressed or surmounted. They become the uncanny when the protagonist contrasts them with the orderly reality of the present. This means the uncanny arises from the conflict between the desires oppressed or surmounted in the past and the present orderly reality which denies the past. The protagonist and the reader therefore experience the uncanny when they cannot escape from the simultaneous dual perspectives of the past and the present. Carroll’s book has many interesting characteristics including puns, logical problems, grotesque images among which the uncanny element is the most striking feature. The study of the uncanny, therefore, is a must step for the full understanding of fairy tales and fantastic literature as well as Carroll’s book.

이사야마 하지메(諫山創, 1986~ ) 원작의 <진격의 거인>은 인간과 거 인의 대결이라는 단순한 플롯 구조 안에서 ‘폭력 미학’의 정수를 보여준 다. 방벽 안에 거주하는 인류를 위협하는 거인의 무자비한 심리적·물리적 억압은 작품에 긴장감을 더하는데, 특히 극의 초반부는 의식과 무의식의 이분적 대립으로 발생하는 ‘공포’의 장치들을 통해서 작품의 세계관을 확 고히 설정한다. 작품의 극단적인 공포와 폭력성은 혐오의 원인이면서 ‘자 유를 갈망하는 인간’을 투사하고 있다는 점에서 특별한 숭고함의 원천이 될 수도 있다. 하지만 <진격의 거인>의 세계관은 무엇보다도 의식과 무의 식의 복잡한 투쟁사에 의존하고 있다. 이 투쟁사는 ‘인간 안의 괴물성’과 ‘괴물 안의 인간성’이 복잡하게 뒤섞인 정신분석학적 민감성 안에서 언캐 니를 증폭하면서 현실과 의식 세계의 몰락이라는 근원적 공포를 선사한 다. 본 연구는 프로이트 정신분석학의 도움을 주요하게 빌려 작품을 이끄 는 ‘공포’의 키워드를 ‘피포위(被包圍) 의식’, ‘거인’, ‘인육섭식(人肉攝食)’ 으로 분류한다. 그리고 이로부터 발생한 폐소공포, 언캐니, 오이디푸스 콤 플렉스, 거세공포 등을 고찰함으로써 <진격의 거인>이 보여주는 악취미 (bad taste)의 본질에 다가가고자 한다. 따라서 본 연구는 <진격의 거인> 의 작품 분석인 동시에, 공포와 폭력의 미학적 자질에 대한, 나아가 영원 한 존재론적 갈등 속에 사는 인간 현실에 대한 정신분석학적 접근이라는 점에서 그 확장된 의의가 있을 것이다.

Hajime Isayama's <Attack on Titan> shows the essence of “aesthetics of violence” within a simple plot structure of human-giant confrontation. The ruthless psychological and physical oppression of a giant that threatens humanity living in the barrier adds tension to the work, and the beginning of the play especially firmly establishes the world view of the work through the devices of “fear” arising from the dichotomous confrontation between consciousness and unconsciousness. The extreme fear and violence of the work can also be a source of unique sublime in that it is a cause of disgust and projects a “human who yearns for freedom”. However, the worldview of <Attack on Titan> relies, above all, on the complex struggle history of consciousness and unconsciousness. This struggle history amplifies the uncanny in the psychoanalytic sensitivity of the complex mixture of ‘monstrosity in humans’ and ‘humanity in monsters’, giving the fundamental fear of the fall of the world of reality and consciousness. This study classifies the keywords of “fear” that lead the work with the help of Freud psychoanalysis as “siege mentality”, “giant”, and “cannibalism” In addition, by examining the claustrophobia, uncanny, Oedipus complex, and castration fear arising from this, we want to approach the nature of the ‘bad taste’ shown by <Attack on Titan>. Therefore, this study will be of extended significance in that it is an analysis of the work of <Attack on Titan>, as well as a psychoanalytic approach to the aesthetic qualities of fear and violence, and to the human reality living in eternal ontological conflicts.

본 논문에서는 18세기 한글본 연행록 가운데 정녀묘와 천주당 견문 기록을 검토하여 18세기 한글본 연행록에 나타난 글쓰기와 독서 방식의 특징을 읽어내고자 했다. 18세기 그리고 그 이전까지 열녀에 관한 기록과 독서는 일반적으로 전고에 등장하는 역사 속 인물의 삶에 근거하여 입전 대상인 열녀의 삶을 평가하고 기리는 방식으로 행해졌다. 하지만 본고에서 검토한 바에 따르면 18세기 한글본 연행록의 작자들은 자신의 관점을 토대로 열녀를 둘러싼 담론들을 읽고 평가했다. 이처럼 열녀에 대한 전통적인 해석이 정녀묘 견문기를 작성하는 데에 커다란 영향을 주지 않았다는 사실은 독자들 역시 이 텍스트를 읽기 위해 전고를 알아야 할 필요가 없었다는 것을 의미하므로, 연행록을 읽기 위해서는 대상에 대한 글쓴이의 개인적인 관점과 경험을 이해하는 것이 중요하다고 보았다. 18세기 한글본 연행록의 천주당 견문기 또한 이러한 맥락에서 검토가 가능했다. 천주당의 회화들은 어떠한 전고도 마련되지 않은 텍스트로 연행사들 앞에 놓였기 때문에 천주당 회화에 대한 기록은 연행사들을 압도한 그 충격일 수밖에 없었다. 따라서 18세기 한글본 연행록에 나타난 천주당 견문기를 대상에 대한 개인적인 미적 체험의 기록으로 정리했다. 또한 이러한 개인적인 미적 체험의 기록을 읽은 독자들이 이제 작자의 경험을 추체험하게 되었다고 보았다. 연행록의 독자들은 중세의 공통 문법에 근거하여 대상을 읽고 해석하는 것이 아니라, 개인적인 경험의 기록을 읽고 경험의 주체와 자신을 동일시하여 그 경험을 자신이 해보았음직한 것으로 미루어 짐작하는 데에서 독서의 의미와 흥미를 찾는다는 것이다. 한편 본고에서는 천주당 회화를 보고 연행사들이 느낀 충격을 ‘두려운 낯설음(uncanny)’으로 설명했다. 그리고 이를 통해 연행사들의 미적 체험은 서양인의 재현 능력에 대한 감탄보다는 재현이라는 관념 그 자체의 변화에 대한 충격에 가깝다고 보았다. 18세기는 이전 시기의 보편적 관념 혹은 이후의 새로운 세계관 어느 것으로도 설명할 수 없는 시선이 등장한 시기라는 것이다. 요컨대 본고에서는 18세기 한글본 연행록에서 글을 읽고 쓰는 것이 개인을 드러내고 개인을 읽는 작업으로 변화하는 양상과 조선 후기 재현 방식의 변화에 대한 당대인들의 ‘두려운 낯설음’이라는 반응을 읽어낼 수 있었다.

In this study, I tried to find out traits of writing and reading in Yeonhaengrok in Korean Version from 18th century. Until 18th century, people evaluated Yeolnyeo based on the life of Yeolnyeo, which was written in cannon. But the life of Yeolnyeo written in Yeonhaengrok in Korean Version was reviewed depending on the perspective of the writer. The writer of Yeonhaengrok read and evaluated discourses of Yeolnyeo depending on the perspective of themselves. Of course, this manner of writing would have affected even reading method. In other words, readers also, did not need to know the cannon in order to read this text. Therefore, it can be observed through the Yeonhaengrok in Korean Version that the work of reading and writing books changed the work of reading and writing the individual. The travelogue of the Catholic Church is also the same as it. In fact, paintings Catholic Church was very strange to Yeonhaengsa. They felt afraid or strange to see it and this feeling can be called 'uncanny'. And, this leads personal reading naturally. Readers identified themselves with the writer individuals. In short, 18th century Yeonhaengrok in Korean Version has a close relationship with the process of converting the writing and reading texts in a very personal thing.

『에머의 유일한 질투』에서 나타나는 고스트를 통해 예이츠가 만드는 분 위기는 귀괴하고 섬뜩한데, 이것은 르네상스시대 때에 고스트 이야기를 하는 방법으로 획기적으로 여겨졌던 셰익스피어의『햄릿』에서와 유사하다. 이 논문은 『에머의 유일한 질투』에서 예이츠의 고스트의 사용을 논하고 이제는 고전이 되어버린 『햄릿』의 기법 과 비교하고자 한다.

The mood Yeats creates through the ghost in The Only Jealousy of Emer is uncanny and eerie and is similar to what Shakespeare does in his play, Hamlet, which was considered to be an innovative way of telling a ghost story at the time of its composition in the Renaisance. In this paper, I will discuss Yeats’s use of ghost in The Only Jealousy of Emer and compare it with Shakespeare’s use of ghost in Hamlet, the technique of which has now become classical.

본 연구는 현대패션에서 창조적 실험정신으로 자신만의 독특한 작품을 전개하고 있는 가레스 퓨(Gareth Pugh)의 작품에 나타난 그로테스크의 표현 특성을 고찰하였다. 실험적이고 창조적 역동성을 표방하는 가레스 퓨가 작품에 표현하는 그로테스크의 특성을 통해 현대패션에 전개되고 있는 그로테스크의 가치를 재정립하고, 향후 창작디자인 전개와 연출에 활용할 수 있다는데 목적을 두었다. 연구방법은 관련문헌과 선행연구, 인터넷 자료를 통해 그로테스크의 개념과 특성, 가레스 퓨의 작품세계를 문헌 고찰하였고, 가레스 퓨의 작품에 나타난 그로테스크의 실증적 분석을 위해 그가 독자적인 브랜드로 컬렉션을 개최한 2006 F/W 컬렉션부터 최근 2012 S/S 컬렉션까지의 작품을 참고로 하였다. 연구결과 가레스 퓨의 작품에 나타난 그로테스크의 표현 특성은 과장된 비정상성, 이질적 부조화, 언 캐니적인 공포와 혐오, 부정적 유희로 나타났다. 첫째, 과장된 비정상성은 그의 트레이드마크인 부풀린 패션, 과장된 어깨의 강조, 과거 복식 형태의 역설적 과장 등 지나친 왜곡과 과장을 통해 나타냈다. 둘째, 이질적 부조화는 하이테크 기계의 이미지를 도입시킨 사이보그의 형태나 동물적 이미지와 결합된 반인반수의 형상, 비일상적 소재를 통해 나타났다. 셋째, 언 캐니적인 공포와 혐오는 신체의 가학적 훼손이나 파괴가 아닌 블랙으로 전개되는 색채감과 창백한 메이크업, 이질적인 소재의 사용, 일그러진 얼굴 형상, 그리고 의상에 표현되는 부가적인 혐오스러운 요소 등으로 나타냈다. 넷째, 부정적 유희의 감정은 우스꽝스러운 메이크업이나 인체의 왜곡, 무경계적인 성의 모호함, 비의미적인 하나의 퍼포먼스적인 연출 등을 통해 나타냈다. 이러한 그로테스크의 표현들은 현대사회가 당면한 여러 현안들과 불안을 반영하며 인간 본질에 대한 원초적인 질문과 소외된 인간 내면의 회복을 유도하게 하는 미적표현의 하나라 할 수 있다. 충격적인 자극효과와 경계초월의 의지를 반영하는 그로테스크는 앞으로의 패션에 있어서도 많은 디자이너들에게 혁신적인 창조성을 추구하게 하는 하나의 자극제로 작용하게 될 것으로 기대된다

This study examined the grotesque features expressed in Gareth Pugh's works. His pieces have the experimental and creative grotesque dynamics. This research intends to reestablish the value of grotesque features that can be found in modern fashion and provide a basis for application to creative design development and production in the future. The concept and features of grotesque works and Gareth Pugh's world were examined through related literature, and his collections from 2006 F/W to 2012 S/S were analyzed. His grotesque expressions could be categorized into the following. First, his trademarks, such as inflated fashion, exaggerated shoulder points, and paradoxes of previous costume styles, showed an unusual grotesqueness through distortion and exaggeration. Second, his art world expressed an inhomogeneous disharmony via cyborg shape applied with a high tech machinery image, therianthropic form integrated with animal image, and application of unordinary material. Third, uncanny horror and disgust were revealed with such elements as the black toned process in color and pale makeup instead of sadistic damage or destruction to the body, the use of inhomogeneous material, a distorted face, and disgusting items attached to clothing. Fourth, negatively entertaining emotions were expressed through various elements such as comical makeup, a distorted body shape, trans-boundary ambiguity in sex, or a nonsense performance.

이 논문에서는 <변강쇠가>의 미적 특질로 지적되어 온 ‘기괴미(奇怪美)’를 지그문트 프로이트의 ‘두려운 낯설음(Unheimlich)’의 개념으로 살펴보았다. ‘두려운 설음’은 ‘집과 같이 편안하고 따스한 것이 어느 순간 알 수 없는 비밀처럼 감추어져 있다가 느닷없이 되돌아옴으로써 두렵고 불길한 느낌을 받게 되는 것’, 즉 친숙하면서도 생경하며 매혹적이면서도 불쾌한 양가적(兩價的) 감정을 불러일으키는 것이다. 이는 대부분 옹녀, 강쇠, 장승과 유랑예인들의 몸을 통해서 발현되고 있다. 녀와 강쇠, 유랑예인들은 사회 공동체의 주변부에 위치하면서 공동체의 동일성을 교란시키는 ‘앱젝트(abject)’로 볼 수 있다. 이에 대한 매혹과 공포는 이들에게 성적(性的) 타락 및 오염의 섹슈얼리티를 부과하는 것으로 전이(轉移)된다. 또강쇠에게는 유랑민 및 무주고혼(無主孤魂)이라는 위치와 전염병이라는 기표가 중층적으로 결합되어 있다. 유랑민, 무주고혼, 전염병은 죽음을 환기시켜 금기시되는 것들이자, 주변부에 자리하면서 이 세계에 불확실성을 던지는 앱젝트들이라고 할수 있다. 공적(公的)인 성격을 지닌 장승 집단이 철저히 법(法) 집행을 하는 모습은 공동체의 법 또는 이데올로기에 대한 괴기스러운 환상을 나타낸다. 장승들의 무시무시한 모습은 공동체 혹은 법에 대한 무의식적인 적의(敵意)가 투사된 것이며, 이것은 정착을 받아주지 않는 공동체 질서의 완강함을 말해주기도 한다. 끝내 정상적인 방법으로는 해결되지 않는 강쇠의 시체는 불화(不和)하는 갈등구조의 핵심이다. 알 수 없다는 점에서, 이것은 세계의 불확실성에 대한 공포를 나타낸다. 불확실하고 이해되지 않는 세계에 대해서는 상징화하는 과정이 필요한데, 원혼(冤魂)을 달래주었는데도 해결되지 않는 것은 이러한 상징화의 과정에 문제가 있다는 것을 말해준다. 경계 또는 주변부에 있는 것들, 의미화할 수 없는 것들, 인식불가능한 것들은 기괴하고 섬뜩한 공포로 다가온다. <변강쇠가>에서는 표준화될 수 없는 것들을 악(惡) 또는 더러움으로 표현하여 그에 대한 적대를 은폐하지만, 불안과 공포의 심리적 현실까지 봉합되기는 어렵다. <변강쇠가>에 나타나는 떼죽음과 시체 부착(屍體 附着)은 역병(1821년의 콜레라)의 유행과 같은 조선 후기의 역사적 경험에서 재구성된 ‘심리적인 현실’을 반영하고 있는 것으로 보이는데, <변강쇠가>의 불균형한 구조와 기이(奇異)한 결말은 이를 잘 드러내고 있다.

This paper examined a 'The Grotesque' as pointed out to be an aesthetic characteristic of <Byeunkangsoiga(변강쇠가)> with an 'uncanny' concept by Sigmund Freud. This aims at evoking a friendly, crude, attractive and unpleasant emotion on bilateral values. This is developed through the bodies of Ong-nyeo(옹녀), Kang-soi(강쇠), Jang-seung(장승, guardian idol at the village entrance) and wanderers in <Byeunkangsoiga>. Ong-nyeo, Kang-soi and wanderers are the existence to disturb the identity of communities while being positioned around the surroundings in the social communities. The attraction and fear to them are transferred into imposing the sexuality of sexual degradation on them. Wanderers, forlorn wandering spirits and epidemics are similar with each other in that they are characterized with a 'vagabond' while reminding them of death. The appearance of a Jangseung group with official characters in enforcing laws represents a grotesque illusion on laws or ideologies in the community. The dreadful appearance of guardian idols is a projection of unconscious hostility to the communities or laws while symbolizing the violence of society which does not accept their settlement. The 'body of a dead person attached to the body of a live person' is a core of conflicting structure. 'Appeasing spirits in grief' is a process to symbolize an uncertain and unknown world. Being unable to solve this implies there might be problems in such a symbolizing process. Although those unable to be standardized are expressed with evil or filthiness to cover up the hostility to them, they can not hide the psychological realities in uneasiness and fear to such extent. The massive death and attachment to corpses described here reflect the psychological fear related to the historical experience in the late Chosun Dynasty such as the rage of epidemic diseases (cholera in 1821).

<최고운전>은 최치원의 일생을 허구적으로 다룬 조선시대 소설이다. <최고운전> 의 작가는 언캐니한 공간, 인물, 서사를 생산하여 문헌기록으로 익숙한 최치원의 이야 기를 낯설게 만들었다. 첫째는 ‘최치원은 금돼지의 자식이다’라는 점이다. 둘째는 우리 나라 유학의 종조(宗祖)로 칭송받는 그를 불효자로 비치게 했다는 점이다. 본 연구자는 <최고운전>의 이러한 언캐니 현상을 선행연구와 이본들의 도움을 얻 어 논의하였다. 이로써 최치원은 ‘금돼지의 자식이 아니다’라는 명백한 서사의 확증을 거쳤다. 먼저 본 연구자는 금돼지가 ‘괴수’임을 드러내었다. 금돼지는 최치원이 머무는 공동체의 질서를 깨뜨리는 존재로서 제거되어야 할 대상이었다. 최치원은 ‘금돼지가 부녀자들을 납치하는 사건’으로 말미암아 아버지로부터 버림을 받게 되었다. 이것은 서사의 긴장을 증폭시켜 최치원의 고난 서사와 그의 비범성을 더 돋보이게 하였다. 따라서 본 연구자는 <최고운전>의 작가가 최치원을 금돼지의 자식 이라고 말한 것이 아니라 하늘의 이치에 따라 탁월함을 갖춘 인물로 형상화하였다고 바라보았다. 최치원의 아버지에 대한 불손한 태도는 아버지의 자아가 확장되도록 기능하는 작가 의 문학적 장치였음을 살폈다. 이것 또한 ‘최치원은 금돼지의 자식이 아니다’라는 것에 필요한 서사였다. 따라서 본 연구자는 <최고운전>이 ‘최치원은 금돼지의 자식이 아니 다’라는 것을 명확하게 보여준 소설이라는 것과 ‘아버지에게 불효하는 서사적 형상화’가 아님을 알 수 있었다.

<ChoiGoWooncheon> is a novel of the Joseon Dynasty that deals with the life of Choi Chi-won in a fictional way. The author of <ChoiGoWooncheon> produced uncanny spaces, characters, and narratives, making the story of Choi Chi-won, familiar with the literature record, unfamiliar. The first is that ‘Choi Chi-won is the child of a golden pig’. The second is that he was regarded as an undutiful son who was praised as the ancestor of Korean Confucianism. This researcher discussed this uncanny phenomenon of <ChoiGoWooncheon> with the help of previous studies and copies of different editions. Choi Chi-won has undergone a clear narrative that he is not the child of a golden pig. First, this researcher revealed that the golden pig is a ‘monster’. The golden pig was an object to be eliminated as a being that breaks the order of the community where Choi Chi-won stays. Choi Chi-won was abandoned by his father because of the incident in which the golden pig kidnapped women. This amplified the tension of the narrative, further making the narrative of Choi Chi-won’s hardship and his extraordinary character more prominent. Therefore, this researcher viewed that the author of <ChoiGoWooncheon> embodied Choi Chi-won not as the child of a golden pig, but as an extraordinary person according to the principle of heaven. It was examined that the disrespectful attitude of Choi Chi-won toward the father was the author's literary device that functions to expand the father's self. This was a necessary narrative to say that ‘Choi Chi-won is not the child of a golden pig’. Therefore, this researcher found out that <ChoiGoWooncheon> is a novel that clearly shows that ‘Choi Chi-won is not the child of a golden pig’ and it is not ‘a narrative formation of being undutiful to the father’.

<최고운전>은 최치원의 일생을 허구적으로 다룬 조선시대 소설이다. <최고운전> 의 작가는 언캐니한 공간, 인물, 서사를 생산하여 문헌기록으로 익숙한 최치원의 이야 기를 낯설게 만들었다. 첫째는 ‘최치원은 금돼지의 자식이다’라는 점이다. 둘째는 우리 나라 유학의 종조(宗祖)로 칭송받는 그를 불효자로 비치게 했다는 점이다. 본 연구자는 <최고운전>의 이러한 언캐니 현상을 선행연구와 이본들의 도움을 얻 어 논의하였다. 이로써 최치원은 ‘금돼지의 자식이 아니다’라는 명백한 서사의 확증을 거쳤다. 먼저 본 연구자는 금돼지가 ‘괴수’임을 드러내었다. 금돼지는 최치원이 머무는 공동체의 질서를 깨뜨리는 존재로서 제거되어야 할 대상이었다. 최치원은 ‘금돼지가 부녀자들을 납치하는 사건’으로 말미암아 아버지로부터 버림을 받게 되었다. 이것은 서사의 긴장을 증폭시켜 최치원의 고난 서사와 그의 비범성을 더 돋보이게 하였다. 따라서 본 연구자는 <최고운전>의 작가가 최치원을 금돼지의 자식 이라고 말한 것이 아니라 하늘의 이치에 따라 탁월함을 갖춘 인물로 형상화하였다고 바라보았다. 최치원의 아버지에 대한 불손한 태도는 아버지의 자아가 확장되도록 기능하는 작가 의 문학적 장치였음을 살폈다. 이것 또한 ‘최치원은 금돼지의 자식이 아니다’라는 것에 필요한 서사였다. 따라서 본 연구자는 <최고운전>이 ‘최치원은 금돼지의 자식이 아니 다’라는 것을 명확하게 보여준 소설이라는 것과 ‘아버지에게 불효하는 서사적 형상화’가 아님을 알 수 있었다.

<ChoiGoWooncheon> is a novel of the Joseon Dynasty that deals with the life of Choi Chi-won in a fictional way. The author of <ChoiGoWooncheon> produced uncanny spaces, characters, and narratives, making the story of Choi Chi-won, familiar with the literature record, unfamiliar. The first is that ‘Choi Chi-won is the child of a golden pig’. The second is that he was regarded as an undutiful son who was praised as the ancestor of Korean Confucianism. This researcher discussed this uncanny phenomenon of <ChoiGoWooncheon> with the help of previous studies and copies of different editions. Choi Chi-won has undergone a clear narrative that he is not the child of a golden pig. First, this researcher revealed that the golden pig is a ‘monster’. The golden pig was an object to be eliminated as a being that breaks the order of the community where Choi Chi-won stays. Choi Chi-won was abandoned by his father because of the incident in which the golden pig kidnapped women. This amplified the tension of the narrative, further making the narrative of Choi Chi-won’s hardship and his extraordinary character more prominent. Therefore, this researcher viewed that the author of <ChoiGoWooncheon> embodied Choi Chi-won not as the child of a golden pig, but as an extraordinary person according to the principle of heaven. It was examined that the disrespectful attitude of Choi Chi-won toward the father was the author's literary device that functions to expand the father's self. This was a necessary narrative to say that ‘Choi Chi-won is not the child of a golden pig’. Therefore, this researcher found out that <ChoiGoWooncheon> is a novel that clearly shows that ‘Choi Chi-won is not the child of a golden pig’ and it is not ‘a narrative formation of being undutiful to the father’.

프로이드의 무의식에 대한 설명 중 유년기에 존재하는 기괴함의 원인들 과 공포와 관련된 무의식이 나중에 성장해서 나타나는 방법들에 대한 설명은 기괴함의 효과가 나타나는 작품들의 장치들을 밝혀준다. 본 논문은 예이츠의 『연옥』과 『꿈꾸는 뼈들』을 프로이드의 기괴함에 대한 이론을 적용하여 프로이드적 관점에서 해석한다.

Freud’s account of the unconscious especially of the causes of uncanniness existing in one’s earlier stages of life and of the ways in which the unconscious linked to terror emerges itself later in life illuminates the mechanisms involved in literary works that create uncanny effects. This paper discusses Yeats’s Purgatory and The Dreaming of the Bones from a Freudian perspective using his theory on the uncanny.

Recent advances in AI-based video synthesis and character generation technologies have opened new possibilities for content production. However, as AI-generated humanlike characters become increasingly realistic, they often evoke discomfort and rejection—a phenomenon known as the "uncanny valley." While technical realism has progressed rapidly, it alone does not guarantee emotional engagement or viewer acceptance. This study explores how emotional design, particularly as conceptualized by Donald Norman in visceral, behavioral, and reflective dimensions, serves as a strategic response to the uncanny valley in AI-generated content. Through case analyses—such as anthropomorphized animal shorts, interactive AI chatbots, and the reanimation of historical figures—this paper demonstrates how emotional design fosters trust, immersion, and affective resonance. Furthermore, it discusses the ethical implications of emotional manipulation and authenticity in AI-human interactions. By examining how emotional design restructures user perception beyond visual fidelity, this study offers a reinterpretation of the uncanny valley from an affective and aesthetic perspective.

Fanon’s black slave is the uncanny and phobic object (a problematized double) belonging to Lacan’s the real. However, in Fanon’s Black Skin, White Masks, subversive political aspects of the uncanny are absent. Fanon constantly describes the black slave as merely a victim/fetish, who always suffers an inferiority complex and a sense of alienation. Yet the black skin, unable to be completely covered with white masks, can be reappropriated as a strategy of political subversion to contaminate purity and authenticity in colonial discourses and white authority. Fanon does not seem to consider the possibility that black skin in white masks, remaining outside the signifying chain, has the revolutionary potentials to destabilize the master’s authority and colonialist discourses, and bringing about political transformation in society. In the politics of identification based on psychoanalysis, the impact that a return of the gaze of the uncanny/ambivalent Other has on the colonizer cannot be ignored, which might not be Fanon’s concern. Assuming the colonized as entirely knowable and visible, Fanon does not seem to calculate the traumatic impact of the return of the repressed. Badiou’s event, which refers to the incalculable, irreducible, surplus element (i.e., void), reveals a gap or a rupture with the symbolic order, or more specifically, exposes undemocratic political systems within a democracy. In this respect, Badiou’s void or event recalls Lacan’s “the real.” Badiou claims that a true event can bring about a dramatic and unforeseeable political change in the situation. Yet, like Fanon, in spite of the indebtedness to Lacan’s the real, the visible presence of subversive power embedded in the uncanny is also absent in Badiou’s philosophy. The uncanniness, whose political meanings are significantly dealt with in psychoanalysis, evaporates in Badiou’s political project of theorizing political revolutions and transformations. This paper raises the question about whether it is truly appropriate to refer to either the radical in Badiou’s radical reconceptualization of politics, or Fanon’s radical concept of psychological decolonization, as radical at all.

This article explores the trajectory of Song Kang-ho’s on-screen performances from the release of his fourth film, Number 3 (1997), to one of his most recent films, Thirst (2009). As a case study, it reveals new insights about this popular and representative actor’s numerous screen personae and how they have enabled audiences to peer into a cinematic surface that reflects back a mixture of anti-heroism and pantomime. Beneath the many costumes and performance styles he adopts, audiences have come to see a human being with everyday problems and concerns. In a way reminiscent of the French pantomime clown Pierrot, Song’s characters reflect a depth of human feeling and compassion modulated by a comic undercurrent—the tension between these overlapping layers is precisely what holds his various personae together.

이 연구는 일본 안드로이드의 감각과 감성의 개발 과정에 대한 기술을 통해서 인간과 인공지능 간상호 감응에 필요한 감성지능의 존재방식을 탐구한다. 특히 안드로이드 개발의 지향점이 되어왔던 ‘섬뜩한 계곡’이란 그래프가 로봇공학, 인공지능, 인지과학의 융합연구에 주요한 문제로 자리잡는 과정을 추적함으로써 인간과 안드로이드가 상호 감응하는 과정에서 생산되는 느낌의 미학적 국면을 조망한다. 그럼으로써 섬뜩한 계곡은 미적 매개가 과학기술의 진보와 혁신의 출발선상에 있으 면서 느낌, 감응, 체화, 감성을 통해서 기존의 과학적 기준에 종속될 수 없는 독특한 미적 판단을 내리게 한다는 점을 강조할 수 있게 한다.

This study explores technologies involved in the development process of the Japanese androids’ sense and sensibility, which function to determine the ways in which emotional intelligence exists as a required piece for mutual sympathy between man and artificial intelligence. In particular, by tracing the process of “uncanny valley graph,” which has been presented as the goal of android development and thus, has become established as a central question in robotics, artificial intelligence, and cognitive science, this paper analyzes aesthetic aspects of feelings that arise from mutual response between men and androids. Thus, the uncanny valley emphasizes that aesthetic mediation lies at the forefront of progress and innovation, because it allows unique aesthetic judgments, which cannot be subordinated to existing scientific standards, to be made through feelings, affections, embodiments and sensibilities.

이 글은 예이츠와 디킨슨의 집을 프로이트의 언캐니의 관점에서 논의한다. 프로이트는 어떤 사건이나 개인의 심리적 경험인 언캐니의 개념을 단순히 신비한 것이 아니라 기묘하고 친숙하게 느껴지는 방식으로 구체화한다. 예이츠와 디킨슨에서 익숙한 집은 불안하고 섬뜩한 맥락에서 자주 마주쳐져 자아에 환원될 수 없는 불안감을 낳는다. 구체적으로 본고는 예이츠가 『연옥』에서 현실의 불안과 혼란, 절망의 상징으로서 집을 노인이 표상하는 방식, 그리고 디킨슨이 여성의 역할이 강요되고 억압되는 공간으로 제시하는 방식을 살펴본다. 그녀의 시에서 집을 매개로 자신의 과거를 은폐하고 억누르는 상황은 분열된 자아, 낯선 또 다른 나를 마주치게 한다. 예이츠와 디킨슨에게 언캐니 집은 억압되어 실현되지 못한 자아의 파편들이 잠복하여 출몰하고 의식의 경계가 모호해지는 공간이다.

This paper endeavors to elucidate the portrayal of the house in the works of Yeats and Dickinson through the lens of Freud’s concept of “the uncanny.” Freud’s explication of the uncanny pertains to the psychological encounter with occurrences or entities that are not only enigmatic but also evoke a disquieting sense of dread due to their uncanny familiarity. In Yeats and Dickinson, the ostensibly familiar house emerges within disconcerting and eerie narratives, thereby inducing an inescapable psychological perturbation. This paper explores Yeats’s utilization of the house in Purgatory as a symbol to encapsulate the prevailing disarray, bewilderment, and despondency intrinsic to the old man. Similarly, it delves into Dickinson’s presentation of the house as a confining locus wherein conventional female roles are imposed and stifled. In her poems, concealing and suppressing one’s past through the medium of the house leads her to encounter another divided self, another unfamiliar me. The uncanny house in Yeats and Dickinson metamorphoses into a realm where fractured selfhood is besieged by an overwhelming sense of terror, consequently blurring the demarcations of consciousness.

본 논문은 마크 로마넥의 <네버 렛 미 고>(2010)와 고레에다 히로카즈의 <공기인형>(2009) 을 대상으로 하여, 선행연구에서 간과하고 있는 ‘클론’과 ‘인형’이 주체를 욕망해가는 과정을 통해서 미디어가 SF라는 장르를 빌어서 전하고자 한 메시지가 무엇인지 고찰한다. 두 영화는 인간의 감정을 가지게 된 존재인 클론의 정체성에 대한 질문과 마음을 가져버린 인형이 바라 보는 인간사의 외로움에 집중한다는 점에서 접근 방식의 차이는 있다. 그러나 원작이 있다는 점, 인간의 마음이나 영혼과 연결되어 인간 존재방식에 대한 궁극의 천착과 관련이 있다는 점, 포스트휴먼을 다루지만 미래사회나 기계화된 문명을 제시하지 않는다는 점, 포스트휴먼류이지 만 지극히 인간적이라는 점, 디스토피아 문제를 반추해볼 소재라는 점, SF영화로 분류되기도 하고 성장영화의 얼개를 가지고는 있지만 흥미진진한 속도감도 영웅도 없다는 점 등을 공통분 모로 들 수 있다. 이들이 묘사하는 ‘아류인간’의 당면한 문제가 인종차별, 성차별, 문화적 정체 성, 소수자 문화 등에 대한 메타포임을 확인하고 그 분석과 비판을 종의 해체, 연의 해체, 낯 선 결측치로 고찰한다. 주체를 가지게 된 포스트휴먼으로 인해 우리는 진정한 인간의 모습에 대한 회의와, 예술과 휴머니티에 대한 궁극의 천착과 타인(異種)을 이해하기위한 수용범위에 대하여 고민해 볼 수 있다.

This thesis examines what message media is trying to convey through the genre of science fiction through the process of ‘clones' and 'dolls' lust for the subject which is overlooked in previous studies focusing on Kazuo Ishiguro's "Don't Let Me Go" (2005) and Koreida Hirokazu's "Air Doll" (2009). The two films have common characteristics although they differ in their approaches; one raises a question about the identity of the clone and the other focuses on the loneliness of human affairs seen by a doll with a heart. They also have common things: that they are based on original works and are related to Japan, that they deal with posthumans but do not present a future society or a mechanized civilization, that they are extremely humane although they belong to posthuman type, that they deal with the subject to reflect on the problem of dystopia, and that they are classified as sci-fi movies and have frameworks of growth novels without exciting sense of speed and heroes. We confirmed that the immediate problems of the “pseudo-human” they describe are a metaphor for racism, gender discrimination, cultural identity, and minority culture and examined the analysis and criticism through the dissolution of relationship, dissolution of species and unfamiliar missing values. Because of the posthuman who came to have subject, we were able to contemplate the skepticism of the true human form, the ultimate indulgence in art and humanity, and the scope of acceptance to understand others.

本論文はマーク·ロマネクの<ネバレット·ミーゴ>(2010)と是枝裕和の<空気人形>(2009)を対象とし て、先行研究で見過ごしている「クローン」と「人形」が主体を欲望していく過程を通じて、メディ アがSFというジャンルを借りて伝えようとしたメッセージは何なのかについて考察する。 両映画は、人間の感情を持つようになった存在であるクローンのアイデンティティに関する質問 と、心を持ってしまった人形が見つめる人事の孤独に集中するという点で、アプローチの違いはあ る。 しかし原作のあるという点、人間の心や魂とつながって人間存在方式に対する究極の天着と関連 のあるという点、ポストヒューマンを扱うが、未来社会や機械化された文明を提示しないという点、ポ ストヒューマン類であるが、極めて人間的であるという点、ディストピア問題を反芻してみる素材である という点、SF映画に分類され、成長映画の仕組みを持ってはいるものの興味深いスピード感も英雄も ないという点などを共通項として挙げることができる。 彼らの描く「亜流人間」の当面の問題が人種差別、性差別、文化的アイデンティティ、少数者 文化などに対するメタファーであることを確認し、その分析と批判を種の解体、縁の解体、不気味な 欠測値と考察する。 主体を持つようになったポストヒューマンのため、私たちは真の人間の姿に対する懐疑と、芸術と ヒューマニティに対する究極の穿着と他人を理解するための受容範囲について考えることができる。

영화나 TV 속에서 재현되는 휴머노이드(humanoid) 캐릭터는 왜 자주 두려운 존재로 묘사되는가? 이들의 모습은 어떠한 양식으로 재현되며 그들이 재현하는 두 려움의 의미는 과연 무엇인가? 이러한 의문의 답에 초석을 제공하는 데에 이 연구 의 목적이 있다. 이러한 의문과 그 해답에 접근하기 위해 옌취(Jentsch)와 프로이트 (Freud)의 ‘언캐니(the uncanny, 독일 원어 das unheimlich)’ 개념과 모리(Mori)의 ‘언캐니밸리(the uncanny valley)’ 개념에 의지하여 TV 드라마 <리얼 휴먼/Real Humans (KBS, 2013)>을 분석할 것이다. <리얼 휴먼>은 로봇과 인간의 대립을 주 제로 삼으면서 로봇이 인간에게 언캐니한 존재로 다가올 수밖에 없는 이유를 정면 으로 다루는 동시에 로봇의 외형적 특징이 지니는 언캐니한 모습 또한 적확하게 제시해 주는 좋을 예라 할 수 있다. <리얼 휴먼>은 로봇이 인력을 대체함으로써 발생하는 산업 현장에서의 인간 소외를 직접적으로 다루는 동시에 너무나도 인간 을 닮은 외형 덕분에 사랑의 대상으로까지 부상함으로써 발생하는 가정에서의 인 간 소외 또한 재현하면서 가까운 미래에 휴머노이드의 양산을 현실적으로 기대하 고 있는 현재 시점에서 인간에게 재앙으로 다가올 수 있는 로봇의 모습을 보여줌 으로써 로봇과 인간과의 관계 정립을 요구하고 기대하게 만드는 문화적 기능 또한 수행한다.

Why do the humanoid characters in (television) movies produce an atmosphere of terror? How are the figures represent and what is the meaning of the fear they express? The purpose of this study is to lay the foundation stone of the answers for these questions. In order to approach to the answers, I want to analyze Swedish television drama Real Humans in reliance on the concepts of ‘the uncanny (das unheimlich in the original German terminology)’ advocated by Jentsch and developed by Freud and ‘the uncanny valley’ suggested by Mori. Real Humans is a good example to examine the theme of conflicts between humans and robots, to deal with the reason why robots are uncanny figures for humans, and to show precisely the uncanny features of robots’ physical appearance. Real Humans deals with human alienation in the economic area caused by robots’ substitution for humans, and at the same time, represents that in the family area brought about from their strong resemblance to human appearance. As a result, it asks us to establish the relationship between humans and robots at the present time that mass production of humanoid robot is expected in the near future.

이 논문은 채프먼 형제의 작품에 나타난 언캐니 이미지를 정리하고, 이에 적용된 미학개념으로서의‘언캐니’가 어떠한 전략과 효과를 도출하는지 분석한 것이다. 언캐니 밸리 현상으로 우리에게 친숙한언캐니는 프로이트의 ｢두려운 낯설음｣(1919)에서 동시대 미학으로서의 가능성으로 발전되었다. 프로이트는 ‘언캐니’에 대해 공포감의 변종으로 이상하게 불안하게 하는 것으로 정의하며 인간이 지니는‘불안’이란 심리적인 경험과 언캐니를 구분 지었다. 이러한 언캐니 이미지를 이끌어내는 조형적인특징은 쉬클로프스키의 ‘낯설게 하기’ 이론을 차용하였다. 쉬클로프스키는 이 ‘낯설게 하기’의 방법적측면에서 지각의 과정 자체가 미적 목적이므로, 원래의 형식을 변형함으로써 지각에 소요되는 시간을연장시켜야 한다고 주장했다. 채프먼 형제의 작품은 신체의 절단과 접합을 통한 그로테스크한 신체이미지와 폭력적이고 적나라한 죽음의 이미지를 통해 시각적 충격을 전달한다. 이러한 관점에서 채프먼형제의 작품에서 드러나는 언캐니 이미지를 첫째 절단과 접합, 둘째 죽음의 표상 덧씌우기, 셋째상실된 지표성으로 정리하여 분석하였다. 채프만 형제의 예술세계에 드러나는 언캐니 이미지들은불편하지만 효과적으로 예술의 영역과 역할에 대해 고찰해보게 만든다. 채프먼 형제의 작품은 보는사람으로 하여금 언캐니 이미지를 통해 자신들의 의도를 효과적으로 전달하고 있음을 확인할 수있었다

This paper summarizes the uncanny images in the Chapman brothers' works and analyzes what effects ‘uncanny’ as an aesthetic concept applied to that. Uncanny, which is familiar to us due to the Uncanny Valley phenomenon, developed its potential as a contemporary aesthetics in Freud's “Das Unheimliche”(1919). Freud defined “Uncanny” as strangely disturbing as a variant of fear and distinguished it from the psychological experience of “anxiety” possessed by humans. The formative feature that make this uncanny image brought ‘Defamilarization’ by Shiklovsky. Schiklowski argued that the process of perception itself is an aesthetic purpose, so the time required for perception should be extended by transforming the original form. The Chapman brothers' works give visual shock through images of the body cut or bonded and images of violent and death. The based on this, the uncanny image revealed in the Chapman brothers’ works was summarized and analyzed as the first cutting and bonding, the second death representation, and the third indicator lost. The uncanny images revealed in the Chapman brothers' work are uncomfortable but make us think about the area and role of art. It was confirmed that the Chapman brothers' works effectively convey their intentions to the viewers through the Uncanny image.

이 연구는 아나 릴리 아미르푸어(Ana Lily Amirpour)의 영화 ‘버려진 자들의 땅(The Bed Batch, 2016)’을 중심으로 연구하였다. 논문의 핵심주제인 ‘언캐니 인간학(Uncanny anthropology)’은 프로이트(Sigmund Freud)의 ‘언캐니(Uncanny)’ 이론을 ‘인간의 관계성 (주체와 타자)’ 에서 바라보자는 의미에서 출발해서 이상적 인간학을 지향한 다는 의미에서 특별히 사용하였다. ‘언캐니 인간학’의 새로운 이론 논의를 위해서 키르케고르를 시작으로 니체(F. W. Nietzsche), 하이데거(Martin Heidegger), 레비나스(Emmanuel Levinas)의 인간학이 언캐니 인간학의 이론적 배경 에 해당된다. 하지만, 이 논문에서는 제한적인 지면 관계상 레비나스의 관계적 인간학에 집중해서 살펴보았다. 이 영화 에서 가장 중요한 점은 인간과의 악의적인 관계성을 사랑으로 승화시켰다는 점이다. 일상적이지 않은 주제를 선택했고, 네러티브에서 인과성을 단절시키면서 주제와 내용을 표현했으며, 레비나스의 언캐니 인간학이 오롯이 표현된 영화로 평가된다.

This study focused on Ana Lilly Amirpour's movie 'The Bad Batch, 2016'. The core topic of the paper, 'Uncanny anthropology', was specially used in the sense of aiming for ideal anthropology, starting with the meaning of looking at Sigmund Freud's 'Uncanny' theory from 'human relationship (subject and other). The anthropology of F. W. Nietzsche, Martin Heidegger, and Emmanuel Levinas is the theoretical background of 'Uncanny anthropology', starting with Kirkegor for the discussion of a new theory of 'Uncanny anthropology'. However, this paper focused on Emmanuel Levinas' relational anthropology due to limited paper relations. The most important thing in this film is that it sublimated the malicious relationship with humans into love. He chose topics that were not routine, expressed themes and contents by disconnecting causality in the narrative, and Emmanuel Levinas' 'Uncanny anthropology' is evaluated as a film that expresses only.