Earticle

궁궐에 새겨진 전통 문양은 무한한 표현 가능성과 재현 및 재구성이 매우 쉬운 대표적인 한국의 전통문화 콘텐츠이다. 그러나 원천 자료에 대한 이해나 소재 불확실성이 크다면 단순한 형태 모방과 왜곡에 빠질 수 있다. 이러한 인식 아래 본 연구는 국내 대표적 꽃담 문양으로 알려진 경복궁 자경전 십장생굴뚝 문양을 대상으로 문헌고찰과 현장사진 고찰 그리고 실측설계를 바탕으로 작도된 상세 이미지와의 비교분석 그리고 식물전문가의 자문을 통해 문양 도상(圖像)의 정체성과 그 구성상의 특성을 밝히고자 한 것이다. 본 연구의 결론은 다음과 같다. 십장생굴뚝 문양은 분명한 ‘십장생부’와 ‘비십장생부’의 2개 영역으로 구분되며 그중 비십장생부에서 관찰되는 조류은 물 위를 유영하는 오리와 연밥을 노리는 물총새 그리고 하늘을 비상하는 두견이로, 3종의 날짐승을 쌍(雙)으로 배치하여 음양합일(陰陽合一)을 강조하였다. 십장생부에 독립되어 표현된 식물 문양은 모란으로 추정되며 이 밖에 구름문으로 표현된 문양 또한 모란을 소재로 표현된 평면도안으로 판단된다. 한편 비십장생부에는 기존에 알려진 연과 포도 이외에 조뱅이·진달래·쇠뜨기 문양이 본 연구를 통해 처음으로 확인되었다. 이 문양들은 강한 생명력과 번식력을 갖는 식물로 ‘자손 번창’을 상징하는 연과 포도와 함께 배치되어 ‘장수 희구’를 상징화한 것으로 볼 수 있다. 한편 조뱅이와 쇠뜨기의 생식경(生殖莖)을 추가한 것은 근엄하고 여성 중심 공간에 도입된 해학적 요소가 아닐 수 없다. 자경전 십장생굴뚝에서는 해(日)·구름(雲)·돌(石)·학(鶴)·사슴(鹿)·거북(龜,)·소나무(松)·대나무(竹)·영지(靈芝, 不老草) 등 9종류의 십장생 이외에 국화, 모란, 연, 포도, 진달래, 조뱅이, 쇠뜨기 등의 식물계 문양과 오리, 물총새, 두견이 3종류의 동물계 문양이 추가로 확인됨에 따라 전체 문양의 소재 수는 총 19종으로 늘어났다. 경복궁 자경전 십장생굴뚝 문양은 띠처럼 연결되어 순환하는 구성을 보이는 민화적 성격이 강한 <장생화조도(長生花鳥圖)>의 일면이 드러나는바, 이 부분은 향후 연구과제로 돌리기로 한다.

The traditional patterns engraved in the palace are representative Korean traditional cultural contents that have infinite expressive potential and are very easy to reproduce and reconstruct. However, if there is an understanding of the source data or uncertainty about the material, it may fall into simple form imitation and distortion. Under this recognition, this study tried to reveal the identity of the pattern material through a comparative analysis of the chimney flower wall pattern of Gyeongbokgung Palace Jagyeongjeon chimney flower wall, which is a representative flower wall pattern in Korea, through literature review, field photo observation, comparative analysis with detailed images drawn based on actual survey design and advice from plant experts. Also, based on the results, an attempt was made to elucidate the compositional characteristics of this icon. The results of this study are as follows. The pattern of ‘Ten longevity symbols part’ is divided into two distinct areas, and among them, three species of birds observed in pairs in the ‘Non-ten longevity symbols part’ are a duck swimming on the water, a kingfisher aiming for a lotus rice, and a two little cuckoo flying in the sky to ‘unite yin and yang (陰阳合一)’ was emphasized. The plant patterns independently expressed in the ‘Ten longevity Symbols part’ are presumed to be Peony, and the other patterns expressed as cloud gates are also judged to be floor plans that are repeatedly expressed using the Peonies as a material. On the other hand, in addition to the previously known lotuses and grapes, the patterns of creeping thistle (Jobaengi), azalea, and horsetail were confirmed for the first time in this study. These patterns are plants with strong vitality and fertility, and they are placed together with lotuses and grapes, which symbolize ‘prosperity of offspring', and can be seen as symbolizing ‘longevity'. On the other hand, the addition of the genitalia of the creeping thistle and the horsetail is a humorous element introduced into the solemn and feminine space. In the Jagyeongjeon’s chimney pattern, there is the sun, clouds, stones, cranes, deer, turtles, pine trees, bamboo, and yeongji (herb of eternal youth). In addition to the nine longevity symbols, the number of patterns was confirmed to be 19. Plant-based patterns such as chrysanthemum, peony, lotus, grape, azalea, creeping thistle, and horsetails and three birds-type patterns such as ducks, little cuckoo and common kingfishers were additionally identified. Gyeongbokgung Palace Jagyeongjeon’s ten long-lived chimney pattern has a strong folklore character, showing nine long-lived chimneys and three pairs of birds of non-seven long-lived chrysanthemums, chrysanthemums and peonies, grapes, kites, and rhododendrons, horsetails, and azaleas. Similarities to <Jangsaenghwajodo> are also found.

한 국가의 민족문화의 정체성을 표현하는 문화적 가치는 현재 글로벌 경쟁시대 하나의 전략으로 부 각되고 있다. 최근 한류의 열풍으로 한국적 이미지를 활용한 산업체 영역이 확대되고 있고, 특히 디자 인 영역에서는 한국의 미를 알리기 위해 다방면에서 전통 문양이 활용되고 있다. 현재 한국인의 정서 속에 나타난 미의식을 표현한 전통문양은 뷰티디자인의 모티브로 활발히 진행되고 있으며 이를 위한 논의와 체계적인 연구가 필요한 실정이다. 이에 이 연구에서는 한국 전통 문양을 뷰티디자인의 모티 브로 현대적인 시각화 표현을 구체화 할 수 있도록 하고자 하였다. 연구의 방법으로는 실존 유물과 각종 문헌, 전문서적, 정기간행물, 연구 논문, 웹사이트 등을 참조하 여 한국전통 문양의 기원과 역사, 종류, 현재 사용되고 있는 기법 등에 대해 알아보고 뷰티디자인으로 활용될 수 있는 디자인요소 및 원리를 중심으로 전통 문양 구조에 대해 고찰하였다. 뷰티디자인 연구 를 위해 인체부위 중 얼굴에 한정하여 적용하였으며, 뷰티 디자인 활용적 접근을 위해 우리 민족 고유 의 미의식과 장식미를 잘 나타내 줄 수 있으며 인체의 곡선적 요소와 디자인 원리를 적용한 식물 문양 과 가면 문양을 중심으로 전통 문양 패턴을 추출하였다. 또한 한국 전통 색채 활용을 위해 단청의 색 상배열에서 색상을 추출하여 한국의 독창적인 이미지와 뷰티디자인을 접목하여 패턴을 제시하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 한국 전통 문양 중 뷰티디자인을 위한 식물문양은 반복, 단순화, 연속, 결합의 원리를 사용하여 표현이 가능했으며, 인체의 곡선을 통해 한국적 이미지를 나타내는 패턴으로 이용 가능함을 확인할 수 있었다. 식물문양은 곡선의 유기적인 특징을 활용, 간격, 위치, 두께에 따라 효과를 극대화, 인체의 곡선 활용이 가능한 문양이다. 이를 통해 율동감이나 리듬감을 표현할 수 있었다. 둘째, 전통문양 중 가면 문양은 단순화, 재배치, 결합, 확장 기법으로 표현이 가능하며 한국적 이미지 를 여러 가지 디자인으로 표현할 수 있었다. 가면의 특징적 요소를 얼굴에 그대로 혹은 부분적용 할 수 있으며, 형태의 크기와 배치, 각도, 명암, 색상 대비로 의미와 상징성 부여 및 뷰티 디자인으로써의 활용가능성을 알 수 있었다. 셋째, 한국 전통 색채 활용을 위해 단청의 색상배열에서 색상을 추출하여 한국의 독창적인 이미지와 뷰티디자인을 접목하여 패턴을 제시할 수 있었다. 이 연구의 결과는 한국의 전통미를 뷰티디자인을 통해 표현하고 부각시킴으로써 차별화된 디자인 영 역을 구축할 수 있을 것이다. 이 연구를 통해 한국적 문양을 이용하여 현대적인 뷰티 디자인으로 활용 이 가능함을 확인 할 수 있었으며 다양한 방법의 접근과 시도를 통해 다양한 한국적인 문양 패턴이 개 발되어지기를 기대한다. 우리나라 전통 문양에 대한 지속적인 연구를 통해 전통에 대한 현대의 재해 석을 통한 뷰티디자인이 개발될 것으로 기대한다.

Cultural value that represents an ethnic and cultural identity of a nation has become a strategy in the competitive global world. Recently, industrial areas have been expanded using Korean image along with the Korean Wave. In design, in particular, traditional Korean patterns have been used in various ways to promote the beauty of Korea. Traditional Korean patterns that present the aesthetic sense in Korean sentiment have been used as a motif in beauty design. Therefore, there is a need for discussion about it and systematic study. For this reason, this study aims to specify contemporary visualizing expression as a motif of traditional Korean patterns in beauty design. As study methods, origin and history of traditional Korean patterns, their kinds and current techniques were reviewed by referencing existing remains, various literature, professional books, periodical publications, study thesis and web sites. In addition, structures of traditional Korean patterns were analyzed based on design factors and principles that could be used in beauty design. The beauty design study was conducted on a face among human body parts. For the practical approach to beauty design, plant patterns and mask patterns were chosen among traditional design patterns, which represent Korean aesthetic sense and the beauty of decoration with curve element of human bodies and design principle. Moreover, colors were chosen from color arrangement of traditional multicolored paintwork on wooden buildings and stripes of many colors to suggest a pattern combined with creative Korean image and beauty design. Study results are as follows. First, a plant pattern for beauty design was expressed with the use of principles of repetition, simplification and rhythm. It was identified that the plant pattern can be used to represent Korean image with curves of human body. It is possible for the plant pattern to use organic characteristics of curves, maximizing effects depending on distance, location and width for the use in the curves of human body. Therefore, dynamic and rhythmical senses were able to be expressed. Second, a mask pattern can be expressed with simplification and rearranging technique. In addition, various designs can be created by changing an arrangement of Korean image. The study results showed that characteristic factors of masks can be applied on the face either entirely or partially. Moreover, size, arrangement, angle, brightness and color contrast made it possible to give meaning and symbolism, proving its possibility to be used in beauty design. Third, for the use of traditional Korean colors, it was possible to suggest a pattern combined with creative Korean image and beauty design by choosing colors from the color arrangement of traditional multicolored paintwork on wooden buildings and stripes of many colors. The study results would help to construct distinctive design areas by expressing and emphasizing traditional Korean beauty in beauty design. From this study, it was confirmed that traditional Korean patterns can be used in contemporary beauty design. It is expected for Korean design patterns to be developed more variously.

고대 이집트는 세계 4대 문명의 발상지로서 수많은 조각상, 벽화, 공예품, 장신구 등의 유물들이 그대로 보존되어 있어서 여러 장르의 예술문화에 영감을 주고 있다. 이집트 미술에는 균형과 단순함, 자연에 대한 섬세한 관찰과 기하학적 규칙성, 선명한 색상으로 순수미술과 디자인의 영역을 포함하고 있다. 또한 다양한 소재들을 활용하여 수준 높은 조형예술과 독특한 문양을 창조하여 현대 디자인에도 지대한 영향을 미치고 있다. 인간의 신체를 캔버스로 하여 예술적인 페인팅(painting)이나 타투(tattoo)를 행하는 바디아트(body art)는 인체를 시각적인 공간으로 지각하여 회화적으로 디자인하는 조형예술의 한 분야로 볼 수 있다. 바디아트 디자인은 점차 초기의 단순한 구상적인 구조에서 탈피하여 예술적 가치를 높일 수 있는 새롭고 상징적인 디자인에 대한 관심이 높아지고 있다. 본 연구는 고대 이집트의 예술에 나타난 전통문양의 특성과 디자인 사례들을 살펴보고, 상징적 모티브를 응용하여 바디아트 디자인을 연구하고자 하였다. 고대 이집트 문양이 가지고 있는 특성들을 회화적 방법으로 재해석하여 조형적이고 현대적인 이미지를 융합하여 창조적인 바디아트 디자인의 가능성을 제시하고, 새로운 메시지와 이미지 구현의 방향을 모색하는데 그 목적을 두고 있다. 이집트 전통문양과 바디아트에 관한 자료를 고찰하고 표현특성을 분석한 후 바디아트 일러스트레이션을 제작하였다. 연구결과 파라오, 사물의 형태나 특성, 상형문자, 기하학적 선 등의 특징적인 전통문양들이 바디아트의 창조적인 작품 가능성과 미적 가치를 높이고 상징적인 이미지를 전달하고 있음을 알 수 있었다.

Ancient Egypt is the cradle of the four world civilizations, preserves the relics of numerous sculptures, wall paintings, crafts and ornaments as they are and inspires several genres of arts and cultures. Egyptian arts include balance and simplicity, delicate observation and geometrical regularity of nature, fine arts and design in vivid colors. In addition, they created formative arts of high quality and unique patterns using various materials and have a great influence on modern design. Body art like artistic painting using human body as the canvas or tattoo can be thought as an area of formative art which perceives human body as visual space and designs it in pictorial ways. Body art design gradually breaks from earlier simple representational structure and shows high interest in new and symbolic design which can enhance an artistic value. This paper examines the characteristics and design cases of traditional patterns shown in the arts of ancient Egypt and studies body art design applying their symbolic motives. It also aims to reinterpret the characteristics of ancient Egypt patterns in pictorial ways, present a possibility of creative body art design by combining them with modern images and seek a way to embody a new message and image. It investigated the materials of Egypt's traditional patterns and body art, analyzed the characteristics of their expressions and then produced body illustration. As a result of the research, it was found that pharaoh, forms and characteristics of an object, and traditional patterns like hieroglyph and geometrical lines could enhance creative artwork potential and aesthetic value of body art and deliver symbolic images.

중국 전통 문양은 독특한 예술적 특성과 실용적 가치를 지닌 특이하고 매력적인 시각적 기호로 활용될 수 있다. 모바일 게임 UI 디자인에서 중국 전통 문양은 인터페이스 디자인에 중요한 의미와 가치를 지닌다. 본 연구는 중국 전통 문양의 기본요소를 추출해 모바일 게임 UI의 디자인에 적용하고, 휴대전화 UI의 디자인에 전통 문양의 보다 편리한 활용 등을 목적으로 하고 있다.중국 전통문양에 대한 문헌 분석과 휴대전화 UI 사례를 분석해 모바일 게임 UI에서 중국 전통문양 원소의 디자인 원칙과 디자인 방법을 정리했다.모바일 게임 UI의 전통적인 문양요소를 디자인하기 위한 디자 인 참고와 방향성을 제공한다.

Traditional Chinese patterns are known for their unusual and attractive visual symbols with unique artistic characteristics and practical values.In mobile game UI design, traditional Chinese pattern has important meaning and value in interface design.The research aims to extract elements of traditional Chinese patterns and apply them to the design of mobile game UI, and better fuse traditional patterns into the design of mobile phone UI.Through literature analysis on traditional Chinese patterns and mobile UI interface case analysis, we learned the design principles and design methods of traditional Chinese pattern elements in mobile game UI.

현재 남성 패션 시장의 규모는 지속해서 커지고 있으며, 그중 넥타이는 대표적 남성 액세서리로 세계적으 로 시장의 규모가 크다. 또한, 문화·예술 분야에서 한류가 고조되면서 한국의 전통문화에 대한 관심도 증가하 고 있다. 하지만 한국 전통문화를 활용한 남성 액세서리의 시장은 미비하다. 따라서 본 연구는 세계적 트렌드 에 발맞추어 면세점, 미술관, 박물관 등에서 판매를 목적으로 한국 전통문을 활용한 넥타이 디자인을 제시하 여 패션 한류의 일익을 담당하고자 한다. 이를 위하여 먼저 한국의 전통 문양에 대한 사적 고찰과 자료를 수집하고, 넥타이의 역사에 대해 살펴본 후, 넥타이의 문양 중심으로 트렌드를 분석하였다. 세계적인 넥타이 의 트렌드를 이끄는 대표 브랜드인 에르메스와 살바토레 페라가모의 2020년도의 넥타이 트렌드를 살펴보았 을 때 넥타이의 문양은 인공물문을 활용하는 경우가 월등히 많았으며, 모티프의 배열은 올오버형과 사선형, 그물형, 가로선형으로 다양하게 나타났다. 따라서 수집된 250여 점의 전통 인공물문 자료 가운데 칠보문, 고 리금문, 꽃살문, 도자기의 이미지 최종 9점의 인공물문을 선별하고 활용하여 모티프의 상징성을 담아 모던한 넥타이 디자인을 진행하였다. 디자인마다 3배수 이상의 색상을 조합하여 샘플 제작을 하였으며, 3명의 전문 가가 상품성과 트렌드에 맞으며, 한국 전통문화의 우수성이 드러나는 제품을 선택하여 최종 6종, 21점의 넥 타이를 디자인의 특성에 따라 실크스크린과 자카드로 제작하였다. 이런 일련의 과정을 통해 한국의 전통무늬 에 대해 고찰하고 현대적이면서 고급화된 문화상품의 가능성을 알아보고 가치에 대해 재조명하고자 하였으 며, 한국의 우수한 문화유산을 좀 더 가까이에서 세계적으로 향유되어 한류의 패션이 글로벌 시장에서 큰 영향력을 발휘할 수 있는 발판을 다지고자 하였다.

Currently, the market size of the men’s fashion is steadily growing, among which neckties are the representative men’s accessories. Therefore, the tie market size is large worldwide. In addition, as the Korean Wave rises in the field of culture and arts, interest in Korean traditional culture is also increasing. However, the market for men’s accessories utilizing traditional Korean culture is not well developed. Therefore, this study aims to contribute to the activation of Korean Wave in the fashion industry by presenting a tie design using traditional Korean patterns so that they can be sold in duty-free shops and art galleries in line with global trends. To this end, historical consideration was made and data on Korean traditional patterns were collected. After examining the history of neckties, the trend was analyzed. When looking at the 2020 tie trends while focusing on famous brands such as Hermes and Ferragamo, the motifs of ties are usually artifact patterns. The arrangement of the motifs was various such as all-over, diagonal, mesh, and horizontal linear type. Among the collected 250 pieces of traditional artifact pattern data, 9 artifact patterns were selected. Modern tie designs were tried by including the symbolism of the motifs. Samples were made by combining more than 3 colors for each design, and 3 experts selected products that have the marketability and fit trend and show the excellence of Korean traditional culture. Finally, six types were selected and 21 ties were made with the design using silk screen and jacquard. Through such a series of processes, it intended to examine the traditional patterns of Korea, explore the possibilities of modern and high-end cultural products, and re-examine the values. It was also tried to lay the groundwork for Korean Wave fashion to exert great influence in the global market, as people in the world enjoy Korean traditional culture.

중국의 매듭문양은 유구한 역사와 문화가 집약되어 중화민족 특유의 순수한 문화의 정수가 되었다. 그로 인하여 밑바탕에 깔려있는 문화적 요소가 매우 풍부하고 다양하다. 이글은 매듭문양의 역사적 연혁(발달과정)과 매듭문양의 형태 구조와 종류부터 시작하여， 매듭문양이 가지고 있는 문화가 지니고 있는 생명에 관한 숭배와 길상(吉祥)-상서로움에 대한 동경 방면에 대해 초점을 맞추었다. 매듭문양은 고대와 근대를 불문하고 중국인에게 매우 깊은 영향과 의미를 갖고 있기 때문에, 현대에 이를 때까지 디자인의 응용적 측면에서 매우 큰 발전을 이루게 되었다. 이리하여 매듭문양은 중국의 전통적인 길상(吉祥)-상서스러운 문양 중에서 독립적으로 사용되는 장식문양의 하나가 되었다. 하지만 중국의 길상 문양의 전승과 창조의 과정 중 양적인 팽창에 의한 모방은 단지 일정한 정도의 고대문명을 보존할 뿐이다. 시대에 부응해 좋은 것은 취하고 나쁜 것은 버리는 행동양식은 무조건적으로 부정할 수는 없지만 중국 길상 문양의 예술적 진정한 생명력은 이런 시대적 유행의 간단한 모방에 담겨져 있다고 볼 수 없다. 이러한 경박함이 범람하는 중국 길상 문양의 모조품은 중국 길상 문양의 그 자체에 하나의 오점이 될 뿐이다. 매듭문양의 문화적 전승발전은 질적인 발전을 토대로 이루어져야 한다. 또한 현대 과학 디자인의 새로운 방식으로 문화의 기품이 명료하게 이어져야 할 것이다.

The Chinese Knot appeared in ancient time. Developed all through the chinese history. Especially in culture field it is well known as a characteristic decoration of chinese national art, also full of cultural deposits. This thesis is going to discuss the history, the structure and type about the pattern of Chinese Knot. Not only show the respect of life but also keep the hope for luck, which prove that whether ancient or modern Chinese Knot always produce a profound influence on Chinese people. Because of the influence, the pattern of Chinese Knot is widely used in art design nowadays. It is one of the traditional pattern which have been kept for so long time. Unfortunately many designers only know how to copy the form but the spirit. As all we know copies can continue the culture to a certain extent, but in the same time it will make the unique art unclean. So what we have to do is keep the spirit, and then use modern technology to make innovations. Only in that way wen can keep the intrinsic culture going to the future.

현대패션에서는 전통의 요소를 응용한 디자인 연구가 활발히 이루어지고 있으나, 현대패션의 한 분야로서 웨딩드레스 영역에서는 이러한 시도가 이루어지지 않고 있다. 따라서 본 연구의 목적은 현대 웨딩드레스의 경향을 분석하고 이를 반영하는 가운데 전통 목재 떡살문양을 응용하여 국제적 감각과 한국적 미를 지니는 웨딩드레스 디자인을 개발하는데 있다. 전통 떡살문양은 전통의 모티브로서 한국적 조형미를 지니고 토착화된 우리나라 문양의 집합체이다. 특히 목재 떡살은 식물문, 동물문, 기하문, 문자문 등이 복합적으로 결합되어 통일감, 공간적 비례, 대칭적 조화, 반복에 의한 율동감 등의 조형미가 내재한다. 뿐만 아니라 역사 이래로 때마다 우리 조상들의 기원하는 마음을 담아 표현함으로써, 혼례와 같은 중요의식을 위한 의복을 표현하기에 적절한 전통적 모티브이다. 이러한 전통 목재 떡살을 이용한 현대 웨딩드레스 디자인을 개발함으로써, 한국적이면서도 국제적 감각을 지닌 전통적 모티브가 웨딩드레스 디자인에 부합될 수 있다는 가능성을 제시하였다.

Design using traditional elements has been actively studied in modern fashion. However, such attempts have not been made in the field of wedding dresses. Therefore, the objective of this study is to analyze and reflect the trends of modern wedding dresses and develop a wedding dress design with a Korean aesthetic that can be accepted internationally using Tteoksal Patterns (traditional Korean wooden rice cake patterns). Traditional Tteoksal Patterns are natural Korean patterns with a Korean as aesthetic in the form of traditional Korean motifs. Wooden Tteoksal Patterns are particularly combined with plants, animals, geometric shapes and letter patterns. Therefore, they include the beauty of unity, proportion of space, symmetric balance and a sense of rhythm by repetition. Furthermore, Tteoksal Patterns are traditional motifs appropriate for clothing for important ceremonies such as weddings because it symbolizes expression of good wishes to Korean ancestors from the beginning of time. By developing a wedding dress design with the use of these Tteoksal Patterns, this study suggested that it is possible for traditional Korean motifs to be used in wedding dresses to create internationally pleasing designs.

한국 차의 세계 시장 진출 초석이 될 수 있는 전통차 제다와 제다인에 관련한 체계적인 데이터 축적이 제대로 이뤄지지 못하고 있다. 특히, 원로 제다 명인들이 속속 생을 마감하고 있는데도 이들의 제다법과 철학을 전수하기 위한 전승체계는 요원하며, 이에 대한 정부의 정책적 대안 모색도 이뤄지지 않고 있다. 거기다가 문화재청은 ‘제다’를 제130호 무형문화재로 지정하면서, 아리랑에 이 어 두 번째로 보유자나 보유단체를 인정하지 않았다. 제다가 ‘다양한 방식과 형태 로 일반적으로 공유․전승되고 있다’라는 이유를 대고 있다. 하지만, 이 주장은 한 국 차의 역사적 전통성을 제대로 인식하지 못한 협의적인 해석이라고 볼 수 있다. 이에 따라 본 연구에서는 한국의 차 역사를 제다사(製茶史)의 관점에서 고찰해 보고, 한․중․일의 전통 제다 관련 무형문화재 정책 비교해 본다. 또한, 한국 전통 제다법 전승 양상을 도식화(圖式化)해 제다가 ‘일반적인 형태로 공유․전승’되는 것이 아니라 불가와 유가, 민가의 여러 경로를 통해 특징적으로 전승되고 있음을 밝히고자 한다.

In the global tea market, Korea is performing extremely poorly. In the market led by China, India, Sri Lanka, and Kenya, Korea is at the lowest recognition as a producer, and it does not offer any representative traditional tea that the global market recognizes. Despite these poor performances, Boseong and Hadong are competing for bleeding, and Jeju further pursues its fierce challenge to take the position of leader in the domestic tea industry. Rather than gathering wisdom for the growth of the Korean tea industry, Jangheung, Gangjin, Haenam, Sacheon, and Gimhae are also focusing on developing their own interests. Systematic data accumulation on traditional Jeda (tea making) and Jedain (tea makers), which can serve as the cornerstone of Korean teas' entry into the global market, has not been properly carried out. In particular, even though senior Jeda masters are successively dying, it seems difficult to establish a transmission system to pass on their recipes and philosophical thoughts. Moreover, the government has not sought policy alternatives to this. Furthermore, when the Cultural Heritage Administration designated "Jeda" as the 130th intangible cultural property, it did not recognize the holder or the holding organization for the second time after Arirang. The reason is that “Jeda is generally shared and passed down in various ways and forms." However, this argument can be seen as a consultative interpretation that does not properly recognize the historical tradition of Korean tea. Accordingly, this study intends to examine the history of Korean tea from the perspective of Jeda and compare the policies of intangible cultural properties related to traditional Jeda in Korea, China, and Japan. Additionally, by schematically illustrating the transmission pattern of the traditional Korean Jeda, it tries to clarify that Jeda is not "shared and transmitted in a general form" but characteristically transmitted through various channels of Buddhism, Confucianism, and private to individuals.

한국의 전통춤은 장단을 기화로 하여 표현되는 예술이므로 장단에 대한 철저한 이해와 학습이 이루어졌을 때 비 로소 올바른 춤사위의 표현이 가능하다. 그러므로 전통예인들은 춤을 추기 전에 춤을 구성하고 있는 장단을 자 신이 칠 줄 알아야 정확한 동작을 할 수 있다고 언급하면서 장단 학습을 중시하였다. 하지만 지금의 현실은 춤사 위의 학습에 치중하여 장단과 함께 하는 전통적인 학습 방법이 사라지고 있으며 장단에 내재된 호흡을 간과하고 있다. 춤은 음악을 바탕으로 하여 추어지는 행위이고, 한국의 전통춤은 음악과 표리일체의 관계로 형성․정착되어 왔기 에 전통춤을 총체적으로 이해하고 표현하기 위해서는 음악과 장단에 관한 이해가 선행되어야 한다. 중요무형문화재로 지정된 한국의 전통춤(｢승무｣, ｢살풀이춤｣, ｢진주검무｣, ｢승전무｣, ｢태평무｣, ｢처용무｣, ｢학연 화대합설무｣)에 사용된 음악과 장단은 다음과 같이 나타난다. 첫째, 전통춤에 사용된 음악은 삼현육각 계열, 시나위 계열, 영산회상 계열, 궁중음악 계열로 분류된다. 삼현육 각 계열의 음악을 사용하는 춤인 ｢승무｣, ｢진주검무｣, ｢승전무｣의 장단은 염불, 타령, 굿거리 등으로 동일하게 나 타나지만 선율은 향제 삼현육각으로 다르게 나타난다. 시나위 계열의 음악과 장단을 사용하는 춤은 ｢도살풀이춤 ｣과 ｢태평무｣, ｢살풀이춤｣으로 ｢도살풀이춤｣과 ｢태평무｣는 경기도당굿의 선율과 장단을 사용하고, ｢살풀이춤｣은 전라도 굿에 사용되는 선율과 장단을 사용한다. 궁중무용인 ｢학연화대합설무｣와 ｢처용무｣에는 현악 영상회상과 관악 영산회상의 선율과 장단을 주로 사용하고 수제천 음악, 향당교주 음악 등도 사용한다. 둘째, 전통춤에 사용되는 장단은 한국 장단의 네 가지 유형 중 한 장단의 박자수가 일정하게 정해져 있는 유패턴 불균등형과 유패턴 균등형으로 나타난다. 셋째, 전통춤에 사용되는 장단은 10박 장단과 8박 장단, 6박 장단, 4박 장단(혹은 12박 장단, 3분박 4박 장단은 ♪ 을 박의 단위로 했을 때는 12박으로 인식된다.) 등을 주로 사용한다. 넷째, 전통춤에 사용되는 장단은 한 박의 속도가 매우 느린 장단(󰁜=25)부터 매우 빠른 장단(♪=208)으로 다채롭 게 구성되어 있다. 느린 속도의 장단으로 시작하여 빠른 속도로 몰아가는 만․중․삭의 구조로 장단 변화가 진행되 며, 같은 장단이라도 각 지역에 따라 혹은 춤의 특성에 따라 타법을 달리하여 연주한다. 중요무형문화재로 지정된 전통춤의 장단은 삼현육각 계열에서 사용되는 장단과 시나위 계열, 영산회상 계열, 궁 중음악 계열에서 사용되는 장단으로 구성되어 있다. 하지만 이외에도 각 지역의 무속 장단에는 춤과 관련된 다 양한 장단들이 존재한다. 태평무와 살풀이춤 등이 무속에 사용되는 장단을 바탕으로 형성되었듯이, 앞으로는 무 속에 사용되는 다양한 춤 장단을 활용한 춤사위의 발굴과 재구성 등이 이루어져 춤과 함께 음악, 장단 등의 문화 유산이 널리 보급되어야 한다.

As the Korean traditional dance has been built up on the basis of jangdan(rhythmic pattern), it is possible to show its authentic dance vocabularies after fully mastering various jangdans. Therefore, according to the traditional dance masters, who emphasize on learning jangdan, dancers need to be well-versed into the rhythmic patterns of the dance they want to perform in order to have a perfect command of its movements. However, dancers today give mostly focus on training dance, overlooking the patterns within jangdan. As dance is normally performed to the background music and Korean traditional dance has been closely related to music, the understanding of music and jangdan is necessarily preceded in order to reach to the total mastery of Korean traditional dance. The music and jangdan used for major Korean traditional dances designated as important intangible cultural properties such as Seungmu(monk dance), Jinju-geommu(sword dance of the Jinju region), Seungjeonmu (victory dance), Salpuri chum(spiritual-cleansing dance), Taepyeongmu(peace dance), Hakyeonwhadaehapseolmu(Muhak crane dance), Cheoyongmu (Cheoyong shaman dance) are follows:Firstly, the music used for traditional dances are classified as several subgenres: Samhyeonyukgak (meaning “three strings and six horns”) series; Sinawi(musical improvisation based on various rhythmic and melodic devices) series; Yeongsanhoesang(a Korean court music repertoire originated from Buddhist music) series; Court music series. The jangdan of Seungmu and Jinju-geommu using Samhyeonyukgak series is called yumbul, taryeong, gutgeori etc, but their melodies adopt from other different series such as Hyangje-samhyeonyukgak(hyangje means “to spread out into the provinces”). The dances using the music and jangdan of Sinawi series are found to be Do-salpuri chum(one of salpuri chums using suburban shamanic ritual music), Taepyeongmu, and Salpuri chum, among which Do-sapluri chum and Taepyeongmu use the melody and jangdan from the ritual music developed in Gyeonggi province, suburban area of Seoul, and Salpuri chum use the ones from the ritual music originated in Jeolla province, southwestern area of Korea. The court dances such as Hakyeonwhadaehapseolmu and Cheoyongmu mostly use the melody and jangdan of Yeongsanhoesang or court music repertories including Sujecheon(an ancient Korean court music composition, usually performed by ensemble of wind instruments, meaning “Long Life, Immeasurable as the Heavens”). Secondly, the jangdan used for Korean traditional dance is proved to take the types of regular and irregular pattern including fixed number of tempo within a jangdan, among four types of jangdans. Thirdly, the jangdan has mostly ten beats, eight beats, six beats, and four beats (or twelve beats, in case of using an eight note for a unit). Fourthly, the jangdan encompasses from very slow one(󰁜=25) to very fast one(♪=208). The change of jangdan has the structure called Man-jung-sak, starting with slow jangdan to drive with fast one. The jangdan of Korean traditional dance designated as important intangible cultural properties is composed of the one used for Samhyeonyukgak series, Sinawi series, Yeongsanhoesang series and court music series. However, there are various jangdans related to dance in other shamanic ritual musics from each province. As in the case of Taepyeongmu and Salpuri chum that have been formed on the basis of jangdan used for shamanic ritual, it needs to find and recompose dance vocabularies by making the most use of various jangdans in order to make the traditional cultural assets including music, jangdan and dance be commonly recognized.

W i t h t h e t u r n i n t o t h e 2 1 s t c e n t u r y , p e o p l e ' s i n t e r e s t i n K o r e an culture and Korean traditional costume(Han Bok) is geting highlighted and new term of 'Han Ryu' has ben begoten. (Han Ryu Ryu is now on the move with the national interest and support. Analysis and modernization works on Han Bok especially traditional royal costume should be taken urgently when we consider its symbolic meaning, representativeness and diversity. To respond on this need, as a process of research, we explored and find the essentcharacteristics of Korean traditional royal costume, attempted to aply those elements to the costume of modern style by making it as following. As a result of our analysis of the characteristic of Korean traditional royal costume, it might be sumarized as reverence-implying loftiness, stylish and pure We observed closely the elements of its' design such as patern, color, and formation. In this paper design, motives were sought for out of traditional royal costume and hereby a few design works wearable in modern living were made. The work chose King's formal dress that is relatively open for color. Genderless characteristics of modern costume and suitableness of formal wear were also taken into consideration.Aesthetic characteristics of loftines and dignity in King's formal dres might be observed in its patern. Most prominent patern is dragon which has top position among mysterious animals. And lor in compliance with the principle of yin and yang, and in its grand fold-on-fold formation.The work produced two suits of lady's day time formal suit and an evening coat which are good in any ocasion of official or cultural event.International designers including Asian adopt traditional elements and transfer them in the fast end of cross over using between the

우리사회가 서구화되는 과정에서 전통 문화들이 축소, 퇴색되고 있으나 최근 문화적 코드는 자국의 정체성과 트렌드를 혼합한 상품들이 각광을 받고 있다. 따라서 전통문양을 현대화시키는 것이 중요하다고 사료 된다. 본 연구의 목적은 전통문양 중 구전되면서 발전, 변모하며 독자적인 캐릭터를 형성한 도깨비 문양을 연구함에 있다. 도깨비 문양은 전통성을 갖고 있으면서 21세기 미학 중 하나인 유희성과도 연결되는 측면이 있다. 이러한 감성은 새롭게 다가오는 미래적 융합 트렌드에 적합하며 이를 이용한 퓨처리즘 디자인 연구는 패션의 폭을 넓혀줄 수 있을 것이라 본다. 따라서 도깨비 문양에서 영감을 받아 현대 감성인 퓨처리즘 패션과 접목하여 디자인적 모티브로 개발하고자 함에 있다. 한국 전통 도깨비 문양과 퓨처리즘에 관한 연구를 진행하여 도깨비 문양에서 해학적, 상징적, 민예적 특징을 얻었고, 퓨처리즘에서는 기능미, 역동미, 변형 미적 특성을 볼 수 있었다. 이러한 미적 특성을 디자인 모티브로 하여 도깨비 문양을 응용한 퓨처리즘 패션디자인을 6점 디자인 하였다. 또한 작품을 진행하는 방법은 디지털 패턴사용, 문양의 모티브의 변형, 신소재의 활용이었다. 이를 통해 전통적 캐릭터를 사용한 독창적인 퓨처리즘 패션디자인을 개발 연구의 의의가 있다.

Even though traditional culture has faded in the process of westernization, the recent cultural code has turned to focus on products that mix national identity with current trends. The purpose of this study is to develop a design motif linked to modern futurism by studying the traditional dokaebi pattern. Therefore, this study tried to modernize the traditional pattern by applying the traditional Korean dokaebi pattern to futurism fashion. This study started with the witty, symbolic and folksy characteristics of the traditional dokaebi pattern and observed the functional, dynamic and transformational artistic aspects of futurism. By applying motifs with artistic characteristics from the dokaebi patterns, six fashion designs were developed. In addition, through application of the digital pattern, motif transformation and new materials, future-oriented creative and original futurism fashion designs were developed.

한국 전통음악인들은 박자라는 개념이 아닌 장단이라는 개념에 익숙해 있어 전통악보 기보법에 장단보(長短譜)는 있어도 박자표는 없었다. 그래서 그런지 근래에 한국 전통음악을 서양음악 기보법으로 채보하여 기록한 악보에는 서양음악의 박자를 주기로 하는 박자표로 기보한 경우도 있지만, 그보다도 장단을 주기로 하는 박자표로 기보한 경우가 많다. 이런 경우에 장단을 주기로 하는 박자표가 지시하는 박자의 개념은 무엇이며 이것이 또 서양음악에서 말하는 박자와 어떻게 다른가를 규명해야 하는 문제가 생긴다. 필자는 우선 양자를 변별하는 용어가 필요다고 생각하여, 장단을 주기로 하는 박자표가 지시하는 박자를 ‘장단주기박자’라 일렀고, 장단주기박자를 지시하는 박자표는 ‘장단주기박자표’라 일렀다. 그 상대 개념으로 서양음악에서 말하는 박자를 ‘최소 강약주기박자’라 하고 이를 줄여서 ‘강약주기박자’라 일렀고, 강약주기박자를 지시하는 박자표는 ‘강약주기박자표’라 일렀다. 그 동안 장단주기박자표와 강약주기박자표를 변별하지 않고 그냥 써왔던 이유는 양자의 차이를 규명하는 이론이 없었기 때문이라고 본다. 그래서 필자는 이미 다른 논문에서 장단주기박자를 규명하는 이론을 만든 바 있었다. 이 이론은 장단의 리듬 통사적 구성성분의 계층적 집합구조로 규명하고 이것이 장단주기박자를 생성하는 원리를 규명한 것이다. 이에 의하면, 장단 리듬 통사적 구성성분의 계층적 집합구조는 세 층위를 이룬다. 즉 자연태 음악에서는 음들이 2~3개가 집합하여 하 층위 구성성분을 이루는데 이를 ‘최소 리듬 구성성분 요소’(줄여서 ‘리듬소’라 함)라 일렀다. 리듬소들이 2~3개가 집합하여 중간 층위 구성성분을 이루는데 이를 ‘장단 주기보다 작은 리듬 구성성분 유형’(줄여서 ‘소리듬형’이라 함)이라 일렀다. 소리듬형이 2~3개가 집합하여 상 층위 구성성분을 이루는데 이를 ‘보편적인 장단 주기의 리듬 구성성분 유형’(줄여서 ‘여느리듬형’이라 함)이라 일렀다. 이 여느리듬형이 장단주기박자를 생성하는 것이다. 이 이론에 의하여 장단주기박자를 규명되었고 지금까지 잘못 기보된 장단주기박자표를 바르게 적는 방법을 제시하였다. 본 논문에서는 이 이론을 서양음악문법으로 된 노래의 박자, 즉 강약주기박자에 적용하여 봤더니 자연태에 가까운 노래에서는 리듬 구성성분이 두 층위를 이르는 경우가 압도적으로 많다는 것을 알았다. 즉 음들이 2~3개가 집합하여 하 층위 구성성분인 ‘리듬소’를 이루고, 리듬소들이 2~3개가 집합하여 상 층위 구성성분인 ‘소리듬형’을 이르는 경우가 압도적으로 많았다. 즉 소리듬형이 강약주기박자를 생성한다는 것을 알 수 있었다. 이로 봐서 강약주기박자는 장단주기박자의 절반 시가를 이루는 일이 보편적이라는 것을 알았다. 이를 적용하여 한국전통음악의 여러 장단 유형에 나타나는 장단주기박자표와 강약주기박자표로 적는 방법을 제시하였고 지금까지 잘못 기보된 한국전통음악의 강약주기박자를 정리할 수 있게 되었다. 다시 말해서 한국 전통음악에 나타나는 여느장단(보편적인 장단)에 나타나는 장단주기를 강약주기박자로 적게 되면 흔히 두 개의 강약주기박자표로 적게 되는데 앞뒤가 대칭 구조로 된 장단에서는 장단주기의 절반이 되는 강약주기박자표 두 소절을 적으면 되고, 앞뒤가 비대칭 구조로 된 장단의 경우에는 두 가지 서로 다른 강약주기박자로 된 변박자 두 소절로 적게 된다. 이 이론을 적용하여 앞으로 한국 전통음악을 박자표로 적을 때 반드시 이것이 장단주기박자표인지 강약주기박자표인지 표기해야 박자를 바르게 해석할 수 있을 것이다. 그리고 한국전음악을 적은 악보에 박자표를 적을 때 장단주기박자로 적을 것인지 강약주기박로 적을 것인지 정하고 그것들은 장단 리듬 통사론에 의하여 어떤 박자표로 적을 것인지 검증하고 이를 바르게 적는 것이 바람직할 것이다.

As many of other traditional music shares similar quality in this particular matter, traditional music of Korea is not written in such way where they notify detailed articulations and dynamics. Rather, they simply show types of ‘jangdan’(rhythmic pattern) that the music supposed to be perform with. Recently, many musicians have tried to write out traditional music that is being transmitted orally with the use of western notation. But even when these western notational method is being used, many musicians intentionally write out a type of ‘jangdan’ when designating the rhythmic pattern of the piece prior to the ‘time signature’. In this paper, I have attempted to find out what the major difference between the two systems, ‘jangdan’ and ‘time signature’ is and how these two represent differentiated meaning within the score. First, I felt the need of treating these two different terms - ‘jangdan’ and ‘time signature’ - separately from each other. In order to separate these two concepts, I have used two terms ; ‘rhythmic cyclic pattern’ for designating the beat that is being made due to the cyclic patterns of grouped rhythm which is being used throughout the piece, and ‘rhythmic pattern signature’ for the time signature that is being used to refer the signature for the grouped rhythmic cyclic pattern. On the other hand, there are comparative two terms, related with western notational system which are; ‘dynamic cyclic pattern’ for designating the ‘time signature’ that is being used throughout the score in the western notational system and ‘dynamic pattern signature’ for the signature indicating such pattern. So far, these terms have been used without any distinction due to the lack of particular theory that supports the difference in the usage of these terms. I have written the ‘jangdan’ theory for many years, which specifically deals with the ‘synthetic constitution of the rhythmic hierarchy structure’ in relation to the ‘rhythmic cyclic pattern’ that is composed by the former. The key point of the ‘jangdan’ theory is that, there are three major groups consisting the music. The first, and the smallest unit is ‘small rhythm’ that is composed with two to three small notes. This is the lower level rhythm, the ‘basic rhythmic unit’ of music. When two to three of these ‘small rhythm’ are being combined, it makes ‘small rhythmic pattern’, the medium level rhythm. Finally, when two to three of these ‘small rhythmic pattern’ are combined, it produces the ‘grouped rhythmic cyclic pattern’, which is the last and the upper level of the rhythm of the rhythmic hierarchy structure. In this paper, I have tried to specify these rhythmic structure and its synthetic constitution, and its adaptation in scoring the traditional music in the western notational system. In this paper, I have concluded that the rhythmic structure of traditional music and western style music differ in the composition of its rhythmic cyclic pattern. While the traditional music is consisted with three layers of rhythmic structures which are ‘small rhythm’, ‘small rhythmic pattern’ and ‘common rhythmic pattern’, the western style music only have two layers that are ‘small rhythm’ and ‘small rhythmic pattern’. In the western style music, the ‘small rhythmic pattern’ is the key unit that produces the ‘dynamic cyclic pattern’, which in other words, is represented as ‘time signature’ in the score. In this view, we can say the western ‘time signature(dynamic cyclic pattern)’ has half the length of ‘grouped rhythmic cyclic pattern’, that is found in the traditional musical score. I hope this could be used when clarifying the rhythmic pattern and related matters found in the traditional Korean music compared to that of western music. In the actual scores, I would like to suggest two ways in its adaptation; In case of the ‘jangdan’ which is composed with symmetrical structure, two grouped ‘dynamic cyclic pattern(time signature)’ can be put together and regarded as one ‘jangdan’. When the ‘jangdan’ is consisted asymmetrically, it can be interpreted by putting two different time signature together as one passage. When writing down the Korean traditional music in the western notational system, I would like to suggest to clarify whether the score is written using the ‘rhythmic cyclic pattern’ or the ‘dynamic cyclic pattern’(western time signature). I also would like to address that these matters need to be dealt more prudently.

본 논문에서는 한국의 귀형 문양의 흐름을 바탕으로 현대에 맞는 한국적 귀형을 만들어 보고 이를 티셔츠에 적용하도록 하였다. 텍스타일 디자인과 티셔츠 문신기법을 기본으로 대중적인 사랑을 받고 있는 일본의 전통문양과 한국 전통문양의 고찰을 통하여 현대화 시킨 실제 사례들을 분석하였고, 한국귀형을 보다 대중화시키기 위한 과제가 무엇인지 고찰하여 귀형을 창작하였다. 귀형만이 가지고 있는 독특한 특징들은 새로운 캐릭터로써의 충분한 잠재력을 가지고 있었으며 개성이 넘치고 재미있는 패턴들을 이용해 앞서 강조한 ‘대중화’라는 키워드에 접목 할수 있도록 연구의 방향을 설정하였다. 이러한 귀형문형에 관한 디자인 등록을 조사하였다.

The object of this study focused on korean ghost and the history of ghost style pattern whose things have been adapted for modernistic and printed on T-shirts. It was creative work to analyse the pattern of Korean ghost not only by textile design and tattoo but also by Japanese traditional pattern and Korean traditional pattern. The unique traits of the pattern had been a great of potential capacities that are useful to make it more 'popularization' in making many funny and idiosyncrasy characters. it was helped to fix a rule of study and concentrated on this traits.

이 연구는 김수악류 전통춤의 전승 양상과 그 정형화 과정을 살피는데 목적을 둔다. 진주 교방춤은 진주지역의 독특한 문화와 교방을 중심으로 전승되어 온 춤이다. 이를 전승한 김수악의 진주 교방춤중 진주교방굿거리춤, 구음검무, 논개살풀이춤을 토대로 오늘날까지 변용되어진 춤을 연구하고자 한다. 이 연구는 김수악류 전통춤의 전승 양상을 살피며, 특히 서울교방에 의해 무대공연으로 정제된 세 가지 춤을 정리하고, 김수악의 전수조교였던 김경란의 인터뷰를 통해 그 확장 과정을 살펴보았다. 진주 교방춤에 원류를 둔 김수악류 전통춤은 전통에만 머무는 것이 아니라 무대공연예술에 맞게 다듬어지며 대중과 호흡하고 있다. 이는 문화원형을 간직하지만 극장 및 공간에 대한 인식을 통해 서사구조를 만들어내고 새롭게 다듬어지며 예술적 가치를 높이는데 원인이 있을 것이다. 김수악류 전통춤의 가치는 원전의 미학과 의미를 충실히 지켜가면서 현실과 적극적으로 소통하는 장르로의 변용과 다양한 방법론을 모색하고 구축하는 작업을 통해 생성되고 있었음을 알 수 있다. 이러한 점은 현장성을 지닌 공연을 통해 원전이 구체화되고 다양한 주제로의 확장이라는 의미로 설명할 수 있다. 이러한 공연예술로의 변용은 대중들에게 삶의 방향을 제시하는 한편 작품의 의미를 설명해주는 중요한 기회라 할 수 있다.

This study aimed to examine the transmission pattern of Kim Su-ak’s Traditional Dance and its artistic significance. Jinju Gyobang Dance refers to the dance handed down mainly through unique culture and Gyobang of the Jinju region. Representative Jinju Gyobang Dances include the Gutgeori Dance of Jinju Gyobang, Gueum Geommu, and Nongae Salpuri Dance. These dances were compiled by Kim Su-ak and then handed down mainly through Gyobang of Jinju and Seoul. This study examined the transmission pattern of Kim Su-ak’s Traditional Dance. In particular, it summarized three dance notations based on Seoul gyobang and looked into its expanding process through interviews with Kim Gyeong-ran, the assistant instructor of Kim Su-ak's dances. Jinju Gyobang Dance has not remained traditional. It has expanded from its traditional form, constantly giving pleasure to the public. This has been possible because it has increased its artistic value by creating a narrative structure through the perception of theater and space while retaining its original cultural form. This study showed that the value of Kim Su-ak’s Traditional Dance has been created by the transformation into the genre, which actively communicates with reality while faithfully keeping its original aesthetics and significance, and by the work to seek and build various methodologies. This can be explained by the specification of the original form and expansion into various themes through on the spot performances. This transformation into performing arts constitutes an important opportunity to explain works while presenting the direction of life to the public.

21세기 현대사회 는 지속가능한 국가발전을 위한 매개로 전통문화의 위상을 부각하고 있으며, 패션산업의 영역에서도 전통문화에 대한 애정은 지속적인 트렌드로 제시되고 있다. 지난 세기 산업화와 공업화, 도시화에 따른 과학기술의 발달은 실용적인 생산품을 양산하는데 기여하였으나 점차 양질의 삶을 추구하는 경향이 높아짐에 따라 편안함을 느낄 수 있는 소재와 디자인에 대한 요구 또한 높아지고 있는 추세이다. 이에 본 연구는 전통적인 꽃문양을 응용한 패션문화상품 디자인 개발을 목적으로 이루어졌다. 꽃은 미를 대표하는 아름다움의 상징으로 인류의 역사와 함께 변함없이 미적 대상으로 인식되고 있으며, 조형예술에서 가장 많이 애용되는 모티브 중의 하나이다. 특히 모란은 꽃의 여왕으로 불리며 모양이 호화롭고 부귀의 상징으로 생각되어 일명 부귀문(富貴紋)이라고 부른다. 수집된 전통적 꽃문양 중 모란문양을 현대적인 감각으로 재해석하고 변형하였으며 모란문양 모티브를 이용하여 텍스타일 디자인을 개발하고 패션문화상품을 디자인하였다. 마지막으로 개발된 텍스타일 디자인을 디지털 프린터를 이용하여 직물에 프린트하고 패션문화상품을 실물로 제작하였다. 쿠션에 사용된 모란문양은 당초문양과 결합하여 생명을 의미하는 청색 계열로 디지털 프린트한 후 동그라미와 세모 형태, 각각 3가지의 크기 총 6개를 제작하였다. 앞치마에 사용된 모란문양은 수막새 형태로 디자인하고 크게 프린트하여 하나의 모티브가 전체적으로 보이게 하고, 작은 문양을 따로 프린트하여 주머니로 만들어 달았다. 에코백은 휴대하기 간편하게 접어서 매듭으로 묶는 방법으로 디자인하였다. 냄비 장갑은 단순한 기존 형태를 사용하였으나 손바닥 부분에 솜을 넣어 누빔 처리함으로써 기능성을 부여하였고, 손등 부분에는 모란무늬 수막새 문양을 표현하여 장식성을 강조하였다. 본 연구에서는 전통 꽃문양 중 모란문양을 응용하여 현대적 감각으로 재해석하고, 텍스타일 패턴으로 디자인하여 독창적인 생활소품을 개발하였다. 이는 전통문화에 대한 이해를 돕고 이를 계승·발전시키며, 세계적으로 우리 문화의 독창성과 우수성을 알리고 관광수입의 확대에도 기여할 것으로 여겨진다.

Recently, the status of traditional culture has been raised; it has become a medium to indicate the standing, expertise and heritage of a nation. One result of the affection for, and pride in, these traditions is that they have now begun to affect the fashion industry. In the last century, the development of technology, industrialization and urbanization all contributed to building products of practical use. However, it is now becoming the case that, as people want a higher quality of life, there are increased demands for materials and designs that not only are functional and comfortable to use but also make the user more aesthetically aware. The purpose of the current research is to develop the design for cultural products that make use of traditional flower patterns. The peony, called the queen of flowers, represents wealth and honor. I have collected floral designs and reinterpreted various patterns including peonies, arabesques and wadang in a modern way – that is, using floral motives to develop the design for cultural textile products suitable for the present time. In addition, I have printed the new designs on textiles using a digital printer for the creation of products such as cushions, aprons, eco-bags and oven gloves. The important and innovative idea is that the products developed in this research are not only fashionable and cultural, and have been made using the most modern techniques, but also they have the advantage of being useful daily items rather than just ornamental souvenirs. This research will help us understand and appreciate our traditional culture, as well as making use of it and developing it. Furthermore, it will also let others throughout the world know about and appreciate our cultural originality and expertise, and so will contribute to an expansion of tourism and the income it generates.

Chinese traditional patterns, which are part of our national precious heritage, have a long history. Tiger culture plays a very important role in folk art. In modern society, it is a symbol of human spirit and morality. The tiger pattern is also a unique traditional pattern in Chinese folklore. From the Spring and Autumn period to modern society, the tiger pattern has evolved in form through thousands of years of development. It is also a representative intangible cultural heritage in contemporary times. It plays a special role in the cultural exchange of different regions, resulting in the generation of the creation of folk art with great local characteristics. Therefore, traditional tiger patterns are an important part of traditional Chinese folk culture and art. In this study, by analyzing the development and evolution history of Chinese traditional tiger patterns, the application methods of Chinese traditional tiger patterns were summarized, the rich cultural connotation, artistic characteristics and application of traditional tiger pattern in modern fashion design were discussed. In contemporary design, the new and improved tiger pattern styles were explored, intangible cultural heritage was interpreted and inherited, and the cultural and artistic values contained therein were extracted. The author combined with modern fashion design, according to people's aesthetic taste and design principles, it is recreated,so that the traditional pattern has certain characteristics of The Times.But at the same time it retains its original character,and the traditional tiger pattern was inherited and the cultural connotation of clothing design was enriched.

현대 디자인의 흐름은 독창적인 문화와 전통이 결합되어 재해석 되는 다국적인 경향으로 발전하고 있다. 이러한 추세로 자신의 개성이나 감각을 시각적으로 표현하는 언어로 인식되는 바디페인팅(BodyPainting), 헤나 디자인(Henna Design), 문신(tattoo) 등의 신체 장식을 하는 경우가 늘고 있으며, 우리나라에서는 패션이라는 개념으로 헤나가 도입되고 있다. 본 연구에서는 한국 전통문양을 활용한 헤나 디자인을 제작하여 독특하고 창의적인 실생활에 접목할 수 있는 디자인 자료를 제공하고자 한다. 헤나 디자인의 이론적 배경으로서 문헌 고찰을 통해 그 의미와 역사를 알아보고, 인도의 대표 문양을 분석하고 사례를 살펴보았다. 한국 전통문양 분류 및 상징적 의의에 관한 문헌 고찰 후, 한국의 대표적인 전통문양으로 기하문양 중만자문, 뇌문, 태극문, 팔괘문과 자연문양 중 산문, 구름문, 해와 달문을 선정하였다. 각 문양은 인도에서 가장 많이 디자인하는 신체 부위이며 축복, 행복, 보호, 장수 등을 상징하는 손이 그려진 패턴지에 디자인 하였다. 본 연구를 통해 전통 문화의 이해를 돕기 위한 이론적인 근거를 제시하고 전통 문양을 헤나에 접목시켜 활용한 헤나 디자인 개발을 위한 시도와 접근법을 모색하였다.

These days, Modern design has been developed into a cosmopolitan tendency to reinterpret combines tradition and unique culture. It is recognized that language to visually express their individuality and sense, Body Painting, Henna Design, has increased is a case to body decoration, such as tattoo in South Korea hena has been introduced in the fashion. In this study, we fabricated a henna design utilizing the Korea traditional patterns and designs to provide data that can be incorporated into a unique and creative life. I was investigated meaning and history through theory. I examined the pattern analysis and case studies of representative of India. About Korea traditional pattern classification and symbolic significance was studied literature. Typical traditional patterns with geometric patterns in Korea Svastika, leiwen, Taegeuk Design and natural patterns in Toran, Gureummun, Eight Trigrams for divination Design were selected. Each pattern is most common body parts to design in India is a blessing, happiness, protection, long life design that was hand drawn on whether the pattern symbol and the like. Through this study presents a theoretical basis for understanding of traditional culture and sought to try and approach to take advantage of a henna design developed by combining the traditional pattern in Henna