Earticle

본 연구는 다양한 매체 변화와 시대 흐름에 따른 디자인 용어의 사전적, 법률적, 학문적, 대중적 변천을 4가지 측면으 로 살펴보고, 현대 디자인 용어 사용의 기본 체계를 마련하는 데 목적이 있다. 이는 디자인 용어의 본질적 의미에 대한 이해 를 바탕으로 디자인 산업과 타 산업 간의 통용 가능한 디자인 용어 사용 및 기본 방향성 토대를 마련하기 위함이다. 연구방 법으로는 디자인 용어의 사전적 정의를 먼저 살펴본 후, 인터넷 검색엔진을 통해 디자인 용어의 현재 활용성 검토를 진행하 고, 전문가 인터뷰를 통해서 현대적 디자인 용어의 기준을 이해한 후 디자인 용어 정의 재정립 방향성을 도출하였다. 본 연구 결과는 디자인 용어의 시대적·개념적 변천에 대한 새로운 지표 기준을 제공했다는 데 의의가 있다. 향후에는 디자인 학계와 관련 있는 산업계로 연구 범위를 확대하여 디자인 공통 용어에 대한 지속적인 연구를 진행하고 또한 다양한 의견 수렴을 통해 전문적이면서도 대중적인 디자인 개념 정립에 힘써야 할 것이다.

The purpose of this study is to examine the four aspects of design terminology : dictionary, legal, academic, and popular according to the changes of various media and the stream of times and to establish a basic framework for design terms that can be refined in time. Based on an understanding of the essential meaning of design terms, it provides the basis for establishing the basic direction of the use of design terms that can be used between the design industry and other industries. The research methods are as follows: First, the preliminary meaning of design terms was examined through previous studies. Second, the present state of use of design terms was analyzed using the Internet and various network media. Third, through interviews with experts in each design field, the criteria of contemporary design terms was explored. Ultimately, the direction to establish design terms was derived through these research processes. The result of this study is meaningful to provide the new index of the time and conceptual change of design terms. In the future, it will be necessary to expand the research on design common terms continuously in design-related academia and related industries, and try to establish professional and popular design terms through diverse opinions.

본 연구에서는 제품의 디자인(product design)이 소비자에게 어떤 의미인지를 알아보기 위해 심층면접(in-depth interview)을 실시하였다. 그 결과 제품의 디자인이 소비자에게 단순히 미적 역할 뿐만 아니라 다양한 심리사회적 의미를 가진다는 것을 확인할 수 있었다. 디자인의 의미는 구매적 의미, 심미적 의미, 심리적 의미, 사회적 의미로 나누어 볼 수 있다. 첫째, 사람들은 제품의 디자인을 통해 제품에 주의를 기울이고, 디자인을 하나의 정보로 이용해 제품에 대한 첫인상을 형성하며, 제품의 내용과 질을 예상한다. 또한 실제로 디자인이 좋은 제품이 사용하기에도 편하다고 생각한다. 둘째, 사람들은 제품의 디자인을 보는 것 자체를 즐기고 그림을 감상하듯 소장하여 늘 감상하길 원한다. 셋째, 디자인은 자기 자신을 제품과 동일시하게 하고 자기표현의 수단이 되며, 마치 친구처럼 정서적 안정감을 주는 심리적 의미를 가진다. 마지막으로, 디자인은 사회적 자기 이미지를 표현하는 하나의 수단이 되고 한 시대를 살아가는 사람들 속에서 공감대를 형성하게 해주며, 사회적으로 자신을 좀 더 우월하게 만들어 주는 의미를 가진다는 것을 밝혀냈다. 본 연구는 소비자의 심층적인 심리를 끌어내어 소비자 관점에서 제품의 디자인을 이해하였다는 데에 그 의의가 있다. 이는 디자이너와 마케터들의 디자인 경영과 광고 전략에도 활용 가능할 것이다.

The purpose of this study is to examine the psychological meaning of product design. Consumers' subjective experiences were collected by qualitative methods such as in-depth interviews. Analyzing their verbal protocol and classifying them through interpretive analysis showed that the product design has an aesthetic meaning as well as various psychological and social meanings to consumers. The results show four aspects of the design: functional meaning, aesthetic meaning, psychological meaning, and social meaning. First, consumers focus on products depending on the design which forms the first impression. Using the information derived from the design of the product, consumers presume the contents and quality of the product. Second, they enjoy looking at the design itself and tend to possess and appreciate it like other artworks. Third, the design forms the identification of the consumer whom owns the product. Consuming product designs is a way to express one's thoughts. It also provides psychological stability similar to which generated by social intercourse. Last, the design is a way to express one's self image to the society. It helps form sympathy among the people who lives the same age. Owning a product with great design can make that person socially superior then others. This study has extended the domain of consumer psychology by examining the depth of consumer experience which concerns product designs. Also, designers and marketers will be able to apply the results of this study.

본고는 가야로 옹벽디자인의 공공성과 어떻게 연접되어 있는지, 표층과 심층의미는 무엇인지를 추출하는 연구였다. 연구결과 표현의 의미작용은 흥미로운/삭막한 대립으로, 형상의 의미작용은 여유/바쁨의 대립으로, 환경의 의미작용에서는 도시/자연의 대립이 이접과 비이접, 연접을 통해 대립이 해소되고 있다. 담화구조에서는‘높은 삶의 질과 낮은 삶의 질’의 대립으로 미시적 대립구조가 발현되며, ‘자연과 도시’이라는 심층구조의 집합으로 형성하고 있다. 또한 표층구조는 행위주체와 수령자인 통행인들이 옹벽디자인을 통해 높은 삶의 질을 획득하고 있으며, 심층구조를 파악해보면 ‘높은 삶의 질과 낮은 삶의 질’의 대립을 이 텍스트와 관련지었을 때‘자연과 도시’라는 의소를 유추할 수 있었다. 따라서 ‘자연/도시’의 대립구조를 이 옹벽디자인의 본질적인 심층수준의 가치체계로 규정할 수 있다. 가야로 옹벽디자인은 삭막하고 무표정한 도시공간에서 시각적 아름다움과 흥미를 제공하고 이 지역의 개성을 표현하고, 이를 통해 가야로의 이미지 제고와 통행인들에게 삶의 질을 높이며 공공성을 유지하고 있다. 옹벽공간에 비해 디자인된 형상들의 사이즈는 아쉬움을 남긴다.

This study subjected the roadside retaining wall design of Kayaro to analyze how the meaning is connected to publicness and what are the surface and in-depth meanings of it. As results, the contrastive structure, which is exciting/desolate contrast in expressional signification, relaxing/busy contrast in configuration signification and city/nature contrast in environmental signification, was being solved through disjunction, junction and connection. Contrasts of “high/low quality of life” in discourse structure were revealed through microscopically contrastive structure and formed aggregation of deep structure, “nature/city”. Also, the most important main body of an act is pedestrians, and the pursuing target is high quality of life. Analyzing the deep structure, we can infer the meaning of “nature/city” without the smallest strain when “high/low quality of life” is related to this context. Therefore, the contrastive structure of “nature/city” can be defined as a value system of the essential in-depth structure of the roadside retaining wall design. Kayaro retaining wall design provides the visual beauty and interest in the desolate and expressionless urban space and represents the characteristic of the region. This improves the image of Kayaro and the quality of pedestrians’ lives and maintains publicity. Considering the space for the roadside retaining wall, the size of the designed shapes was not satisfactory.

세계화를 표방하는 각 광역도시는 고속철 개통과 주 5일제 시대가 도래 하면서 광역시와 수도가 아주 가까워지고 있다는 것을 피부로 느끼기 시작했다. 또한 각 광역시(廣域市)는 세계화를 위한 크고 작 은 국제규모의 행사를 개최하거나 기획하는 등의 활발한 지역이미지 활동을 진행 중이다. 이와 관련된 행사로 고속도로로 이동하면 여지없이 지역의 경계를 알리는 사인물이나 이미지를 보여주는 캐릭터들 이 눈에 들어온다. 그러나 도가 넘을 정도의 경쟁적으로 많은 이미지물들이 오히려 방문객을 혼란스럽 게 하는 경우가 있다. 또한 지역이미지 재고를 위한 이미지 또는 캐릭터 디자인이 ‘더 크게, 더 많게, 더 튀게’라는 방향으로 개발되면서 오히려 부정적인 이미지를 심어주는 경향까지 나타나게 되었다. 이러한 점들을 고려하여 대전광역시는 첨단 과학, 경제, 문화적인 측면 캐릭터 디자인을 개발하였다. 지역이미 지와 캐릭터 의미관계를 살펴 보고자한다. 여기서 이미지가 어떤 것-항상 보이는 것을 가리 키지는 않으나, 보이는 것으로부터 몇몇 특징들을 빌려오는 ‘그 어떤 것’―을 지칭한다는 개념을 도입 한다면, 대전광역시 캐릭터의 이미지가 구체적이든 상상적이든 간에 그 이미지가 가지고 있으면서 차용 되어 지고 있는 특징들을 장 보드리야르의(jean Baudrilard) ‘시뮬라시옹’ 개념을 통해 살펴본 후, 이미지가 주체의 불가능성이 아닌 시뮬라크르 실재 로서 존재하게 됨을 밝히고자 한다. 본 논문에서는 대전광역도시가 추구하는 지역이미 지의 캐릭터디자인이 어떠한 관계를 가지고 있으며, 첨단과학도시, 행정, 문화, 경제에 알맞은 지역 이미지의 캐릭터디자인에 대한 방향을 모색하고자 한다.

Each metropolitan city adopting a motto as globalization get to feel the impact of the fact that getting closer in-between metropolis and capital city as the high speed railway and 5 days per week working system era approaches. Also each metropolitan city is on the progress of informing their regional image actively. for the regional image by holding many large and small scale of international fairs. Relevant to these events, when you enter into the high-way,you may see many signboards or characters which shows the border. However, sometimes too many signboards lead the visitors to confusion. And even there is a tendency to implant the negative image to them as the Character design and the images on the signboards are being developed as ' the bigger, the more, the more catchy way'.Considering it, Daejeon metropolitan city got to design more proper character which could revive the city's high technological, economic and it's cultural side. The character's image doesn't always indicate a 'visual'one, however if we seek out some characteristic concept from it, we will inspect carefully by the viewpoint of 'Simulation by Jean Baudrilard'and will reveal that the image exists as the reality of Simulracre not by the subject's impossibility. This thesis shows that what kind of relationships are in-between the regional image and its characteristic design that 'Daejeon metropolitan city as the high tech, administrative , cultural and economic city' pursuits, and seeks out the suitable regional images and characteristic design accordingly.

인간의 행복과 삶의 질 향상을 위한 시도를 디자이너가 하고 있다. 인류는 경제적 성장을 기반으로 개인이 행복을 느끼는 요소는 다양하다. 그러므로 절대적 디자인은 한계에 이른 것이다. 소비자와 해결 방법의 빠른 변화를 대변하는 도구가 필요하다. 현재는 조건이 변화하고, 변화에 반응하여 발전하는 도구는 존재하지 않는다. 이러한 필요성에 대한 해결의 방법으로 발전적으로 변화하는 곤충의 변태(變態)는 디자인적으로 의미가 있다. 벼가 일생에 환경의 변화와 조건을 5단계로 나 누어서 해결하여야 할 문제를 명확하게 하였다. 변태하는 곤충 디자인은 생명공학의 발전과 더욱 의미가 있다. 그러나 인간에게 행복을 주는 환경과 조건이 변화하고, 이에 맞도록 도구가 변화하는 디자인을 위한 학문적 연구이 기를 기원한다.

Designers are implementing the trial for enhancing human happiness and quality of life. As the happiness factor experienced by each individual is diverse based on human economic growth, absolute design has reached the limitations. A tool to represent the speedy development of change in consumption and problem shooting methods is necessary. Currently, no tool exists that develops in response to changing conditions and subsequent changes. As the solution to this necessity, worm’s metamorphosis would be meaningful in design whereby tools exist and necessity as well as solution methods are in advanced change. Rice continues growth following the season, and no single method exists to remove the germs and worms. This study clarified the problems to be resolved by staging the lifetime of rice in 5 stages in environmental changes and conditions. This worm in metamorphosis design is developing brilliantly in biotechnology. However, the environment and conditions that bring happiness to humans do evolve, and this study aims to be the academic research for the design which accordingly replaces the tools.

본 연구는 재활용 소재를 활용한 악기 디자인이 음 악과 공연예술의 시대정신을 담아내면서 인류가 당면 한 문제에 어떻게 기여할 수 있는지 그 의미와 활용 가능성을 찾아보는 데 목적이 있다. 연구는 이론적 고찰과 사례 연구를 통해 이루어졌다. 사례 분석 모 형은 쓰레기와 재활용악기를 각각 잠재적 단계와 창 조적 단계로 나누어 비교하면서 디자인의 개입을 통 해 새롭게 변화한 재활용악기의 의미와 활용 가능성 을 도출하였다. 이를 위하여 더이상 쓸모가 없어진 쓰레기와 폐기물에 새로운 예술적 감성과 표현의 가 능성을 확장한 정크아트의 의미와 들뢰즈의 잠재성의 명제들을 분석의 요소로 차용하였다. 연구 결과 다음 과 같은 내용이 도출되었다. 악기가 음악 및 기술 변 화의 역사와 더불어 진화하는 과정에서 재활용 소재 를 활용한 악기 디자인이 환경문제에 대한 인식을 높 이고, 산업 폐기물이 악기로 제작되면서 다양한 표현 방법의 확대와 오브제로서 정크아트의 영역을 확대· 심화시키고 있다. 지금도 거리예술 및 놀이와 결합한 역동적인 악기로 여전히 진화하고 있는 중이다. 또한, 개인과 공동체의 이야기와 정체성을 나타내면서 재활 용악기 디자인이 인류 문명의 새로운 꿈과 희망의 메 시지를 담아내고 있고, 전기·전자 기술과 접목된 재 활용악기의 친환경적 생태 산업디자인으로 발전 가능 성이 크다는 사실을 발견하였다.

The purpose of this study is to find out the meaning and application potential of how musical instrument design using recycled materials can contribute to the problems facing mankind while capturing the spirit of the times in music and performing arts. The study was conducted through theoretical considerations and case studies. The case analysis model divided and compared waste and recycled instruments into potential and creative stages, respectively, and derived the meaning and application potential of newly changed recycled instruments through design intervention. For this purpose, the meaning of Junk Art, which expands the possibility of new artistic sensibility and expression in garbage and waste that is no longer useful, and the proposition of potential mentioned in Deleuze's propositions of virtuality were borrowed as elements of analysis. As a result of the study, the following contents were derived. As musical instruments evolve along with the history of music and technological change, musical instrument designs using recycled materials raise awareness of environmental issues, and as industrial wastes are made into musical instruments, various expression methods are expanded and the area of Junk Art as an object. expanding and deepening. It is evolving into a dynamic instrument combined with play, including modern street art. In addition, while expressing the story and identity of individuals and communities, the design of recycled musical instruments captures the message of new dreams and hopes of human civilization, and discovers the fact that it has great potential for development as an eco-friendly ecological industrial design of recycled musical instruments combined with electric and electronic technology.

본 논문의 연구는 롤랑 바르트(Roland Barthes)의 기호학적 의미 분석을 통하여 안나 수이(Anna Sui)의 네 번째 시리즈 향수인 돌리걸에 나타난 패키지디자인의 의미를 분석해 보고 자 한다. 롤랑 바르트는 우리의 일상생활에서 무심코 지나쳐 버리는 현상들을 찾아내어 각 현상에 수반되는 공시의미가 어떻게 지금까지 정교하게 구축되어 재구성 되어 왔는지를 밝혀내고자 하였다. 물론 이 작업의 궁극적인 목표는 공시의미를 포함하는 각 현상의 신화를 해체시키는 데 있다고 볼 수 있다. 안나 수이는 모던한 패션의 도시 미국 뉴욕에서 사랑스러운 여성성이 배어있는 로맨티시즘이라는 또 하나의 패션 트렌드를 창출해 내었다. 장미 빛 가득한 히피 분위기의 로맨틱한 스타일이 브랜드 컨셉의 중심을 이루며, 서정적인 꽃무늬, 달콤한 파스텔톤의 색상, 레이스나 러플 등의 여성스러운 장식이 가득한 디자인으로 마법에 걸린 듯한 착각이 들만큼 환상적인 패션의 세계를 향수의 패키지를 통해서도 유감없이 발휘하여 보여주고 있다. 결국 그녀가 사용하는 신화(myth)란 여자는 몇 살을 먹었건, 여자가 늘 돌아가기를 꿈꾸는 그곳, 하지만 결코 돌아갈 수 없는 그곳, 즉 순백의 소녀시절에 대한 향수를 한껏 자극하며, 동양적 신비주의로 돌아가는데 있다고 할 수 있겠다.

This thesis study seeks to analyze the meaning of container package design displayed in <Dolly Girl>, which is the fourth series perfume by Anna Sui through the analysis of semiotic meaning of Roland Barthes. Roland Barthes sought to identify how the connotations that are accompanied in the phenomenons that we casually overlook in our everyday lives have been precisely established and reconstructed thus far by finding the phenomenons. Of course, it can be seen that the ultimate purpose of this work is in dismantling the myths of each phenomenon that contains connotations. In the city of modern fashion of New York, Anna Sui created another fashion brand of romanticism in which lovely femininity is ingrained. The core of the brand concept is its romantic style of hippy atmosphere full of rose glow, and the world of fantastic fashion as if spellbound is being shown in its fullness even through the container of the perfume through its designed full of feminine decorations such as lyrical flower pattern, sweet pastel tone color and lace or ruffle. Ultimately, it can be said that the woman called 'myth' that she uses is urging to return to the place to which women dream of returning regardless of the age but can't return by stimulating to the utmost the nostalgia of her youth of purity.

레이블은 상품에 관련된 많은 내용으로 구성된다. 그중에서도 일러스트레이션은 브랜드 네임과 슬로건 과 함께 생산자의 자발적 의지가 크게 작용하는 요소들로 우월적 입장에 놓인다. 이때 비언어기호인 일러스트레이션은 포괄적, 은유적으로 의미가 즉각적으로 생성되지 않는다. 무엇을 의미하는지 즉각적으로 확정되지 않는 확장적 성질의 기호이다. 연구의 목적은 자연스러움을 가장한 심층의미의 추출과 그 생성과정을 추적하는데 있다. 연구대상은 국내에서 생산 판매되는 대중적 소비품목, 6개의 희석식 소주 브랜드였다. 결론적으로 일러스트레이션은 사전적 정의와는 달리 자사의 브랜드는 경쟁 브랜드보다 긍정적 가치를 드러내고, 소비자에게는 그 가치가 부재하는 축에 위치되도록 하여 궁극적으로 자사 브랜드를 수용토록 하는 구조화된 이기적 웅변자였다. 그리고 표현적으로 상이하게 보였던 각각의 일러스트레이션들은 분석의 과정을 거치자 하나의 덩어리로 이름지울 만한 의미들이 생성되었다. 드러난 텍스트는 레비스트로쓰의 변형의 언어였다. 그리고 표면적으로 일러스트레이션이 브랜드 네임의 또 다른 명칭이거나 그림적 설명일 것이라고 해석하는 경향을 지지할 만한 근거는 존재치 않았으며 상품의 특성과도 직접적 관련이 없는 시대적 가치의 반영과 가정되는 소비자 욕구(의미)의 반영물이었다.

Many label contents are closely related to products. Especially the manufacturer’s desire can highly affect the illustrations, brand name, and the slogan, which means the illustrations are a priority composition. At this time, illustration which is a non-language can’t create the comprehensive and metaphorical meaning instantly. It is an extensive code which makes it difficult to set a certain meaning immediately. The purpose of this study is to extract the deepest natural meaning and to track the creation process. The objects of this study were the popular consumption items of Korea, 6 brands of diluted sojou. In the results, the illustrations generated positive values for the company, which is different from the dictionary meaning; also it is the selfish eloquent speaker who is structured to put consumers in the axis in which there is no value, and it finally forces consumers to accept the company's brand. Moreover, after the analysis process, each illustration which all seemed to express differently generated meanings that can be named in a lump. The text was Claude Lévi-Strauss’s language of transformation. There were no grounds to support the tendency to interpret the illustrations as another brand name or a picture of a company, and it was the reflection of the value of the era that is not directly related to the characteristics of the product, and a reflection of the consumer’s desire (meaning)

현대인의 라이프스타일이 점차 다양화·개성화됨에 따라, 장갑은 패션 코디네이션을 위한 액세서리 아이템의 위치에서 상승하여 복식의 일부로 신체와 밀접하게 관련된다는 인식이 증대되고 있다. 또한 토털 패션의 의미가 강조되는 현대에 장갑은 패션의 부수적인 위치에서 벗어나 중요한 아이템이 되었으며, 동시에 인간의 미의식 표현의 수단으로 자리 잡으면서 관심의 고조와 함께 패션 트렌드의 변화에 있어서도 그 위치가 확고해졌다. 본 연구는 서양 장갑의 발달 과정을 역사적으로 고찰하고 다양한 종류의 장갑을 통하여 인간들이 표현하고자 했던 상징적인 의미가 무엇인지를 규명하여, 이를 기초로 실제 작품을 제작함으로써 장갑 디자인 연구에 기초 자료를 제공하는데 목적을 두었다. 연구 방법은 문헌연구와 작품제작 두 부분으로 구성되었다. 이론적 연구의 결과 장갑의 상징적 의미는 장식성, 에로티시즘, 유희성, 신체확장성으로 구분되었다. 분석된 각각의 상징적 의미에 의거하여 연구자의 창의적 장갑 디자인 개발을 진행하고 4점의 작품을 실제 제작하였다. 본 연구의 의의는 복식연구에 있어 의상에만 치중하는 시각에서 벗어나 장갑까지를 포함하는 확대된 시각을 제시하였으며 전문적인 장갑디자인 개발의 필요성을 이론과 작품을 통해 밝힐 수 있다는 데 있다.

With diversification and individualization of modern people’s lifestyles, there is growing recognition that gloves are closely related to the human body, not just as an accessory for fashion coordination. Gloves are no longer a subsidiary item of fashion but an important item in modern times emphasizing the meaning of total fashion. Gloves are a way to express aesthetic consciousness of humans and simultaneously, their position in fashion trends becomes more secure with the growing spotlight. This study aims to clarify the symbolic meaning that people want to express through various kinds of gloves by looking into the historical progress of western gloves and present basic data for studies on glove design by making actual pieces based on the symbolic meanings. The study methods include literary research and glove production. As a result of theoretical research, the symbolic meanings were divided into decoration, eroticism, enjoyment and body extension. Based on each symbolic meaning examined, the researcher developed creative designs of gloves and produced four works. This study is meaningful because it presented a wider view of gloves beyond a perspective focusing on clothes in terms of clothing studies and found the need of development of professional glove design through theory and production.

보너스카드 디자인은 그 정유사가 추구하는 고객과의 교감의 의미와 상징적 요소들이 결합되어 수신자인 고객들에게 작용되어지고 있다. 보너스카드 디자인을 보면 여러 요소들이 구성 표현되어지는데 이는 자의적 개념에 의해 주로 표현되어진다. 일러스트레이션은 자의적인 표현으로 인한 비유적 성향이 강하여 고객에게 즉시 의미생성이 되지 않는 경향을 보이고 있다. 따라서 이 대상은 의미작용 분석과정에 의해 이해되어져야할 대상으로 여겨진다. 이를 효과적으로 의미 분석할 수 있는 도구로서는 이미 디자인계나 여러 타 학문분야에서도 잘 알려져 있는 그레마스(A.J. Greimas)의 기호사각형을 들 수 있겠다. 이를 이용해 국내 4대 정유사 보너스카드 디자인의 의미 분석을 하여 심층적 본질을 파악한 결과는 다음과 같다. 정유사별로 각각 긍정적 우위가치는 ‘통합보너스’, ‘거대 정유사’, ‘귀(貴)’, ‘순(純)’을 배태하고 있었으며, 그에 반한 부정적 반대가치를 보면 ‘지정보너스’, ‘소규모 정유사’, ‘천(賤)’, ‘비순(非純)’의 부정적 의미가 생성되어짐을 파악하였다. 이를 통해 각 정유사마다 서로 차별화된 강점의 의미를 전달하고 있음을 확인할 수 있었다. 이는 각 정유사가 서로 경쟁하면서 각자가 갖고 있는 상대적 현실상황과 그리고 나름의 운신의 폭 등이 함께 작용되어진 콘셉트 차별화 결과라고 볼 수 있겠다. 앞으로는 확실한 콘셉트를 밑바탕으로 한 구성요소들을 조화시켜 기업이 의도한 내용을 좀 더 구체화, 차별화한 의미생성 구조화시킴으로써 고객에게 분명한 기업이미지를 심어주는 방향으로의 모색을 기대해본다.

Bonus card design applies to the receivers, in this case customers, as the combination of the meaning that oil companies want to commune with customers and their representative factors. Bonus card design is the total representation of various factors. This is usually done by self concept. Illustration display strong self concept characteristic, so the meaning doesn't appeal to customers right away. Therefore, illustration is considered as the subject that should be understood by signification process. We can think of A.J. Greimas' semiotic square as a tool to use for effective signification process. Using this method, we analyzed Bonus card designs of four major domestic oil companies through signification. And the result of underlying meanings are shown in follow. The positive and important values of each oil company includes combination bonus, company's reliable size, preciousness, and purity. In contrast, the negative values include reserved bonus (only apply to oil), small company, cheap, and impurity. Through these values, each firm tries to display different advantages that they can strongly appeal to the customers. This can be viewed as the result of differentiated concept that was gained through competition of different companies, different situations, and the movement. From now, we are expecting oil companies to grow more defined company image through more defined concept. These concepts should be the combination of what meanings company wants to appeal the most and more detailed and differentiated values.

최근 오래전에 유행했던 현상들이 재조명 되고 있 다. 1952년 대한제분이 만든 밀가루 브랜드 곰표, 우 리에게 매우 익숙한 이 브랜드는 레트로(retro) 콘셉 트로 탈바꿈되어 소비자에게 다가오고 있다. 본 논문은 레트로 디자인 유행 전반에 대한 동향 분석 등을 통해 ‘레트로 굿즈 디자인’ 상품개발에 활용되는 이론적·체계적 학술 자료를 제공하고자 한 다. 연구방법으로서 이론적 고찰과 퍼스의 기호학 이론 으로 시각의미 분석을 중심으로 국내외 정보 D/B 활 용 및 검색, 논문과 단행본을 포함한 도서⋅출판물 등 문헌 조사를 수행했다. 연구내용 및 결과는 다음 과 같다. 과거에 대한 사람들의 기억이 ‘그리운 감성’의 정서로 나타나고, 레트로 굿즈를 통해 재현된 과거 이미지가 사람들의 기억 속에서 특정 상품을 표상하 는 기호로서 재각인 된다는 개념을 도출하였다. 또한 레트로 디자인에 나타나는 비주얼 이미지는 오래된 것에 대한 진정성이다. 기호화 과정에서 정직, 신뢰, 진실, 희망으로 나타난다. ‘진정성(眞情性)’으로 나타나는 이미지는 상표의 '오리지널(original)'을 잘 대 변해준다. 오래된 친숙한 것들이 다양한 시각디자인 분야에서 복고의 형태로 재탄생되고 활용되기를 기대한다.

Recently past trends are being re-illuminated. The 1952 flour brand "Gom Pyo", which was created by Daehan Flour, is reaching out to consumers with a retro concept. Through the overall trend analysis of retro design, this paper provides theoretical and systematic academic materials to help product development of "retro goods design". The research methods are analysis on visual meaning based on theoretical study and semiotic theory of Peirce by online search on Korean and foreign information D/B and the literature surveys, such as books and publications, including papers and short-editions. The contents and results of the study are as follows. People's memories of the past appear as a sentiment of "nostalgia", and the image of the past, reproduced through retro goods, is re-engraved as a symbol of a particular product in people's memories. In addition, the visual image that appears in the retro design is the authenticity of the old. In the process of semiotics, it appears as honesty, trust, truth, and hope. The image which appears as "authenticity" represents the trademark's "original". The paper expects that old and familiar things can be utilized continuously in various visual design fields.

화장품 브랜드들이 친환경 산업의 중심으로 부상하 고 있다. 화장품 브랜드는 자연주의 기능뿐 만 아니 라 형태나 컬러에 있어서도 통일성을 강조하는 이미 지통합을 통하여 자사 브랜드를 판촉하고 있다. 이 브랜드들은 재료의 순수성이나 화장품의 기능성을 강 조하여 다양한 시장 진출 전략을 추진하고 있다. 자 연주의 열풍으로 친환경 화장품 브랜드를 찾는 소비 자들이 늘면서 관련 기업들이 경쟁적으로 새로운 제 품을 선보이고 있고 몇몇 제품은 국제 디자인 어워드 에서 수상하기도 하였다. 본 연구는 친환경 화장품 브랜드 중 국제 디자인 어워드 본상을 수상한 상품을 중심으로 캐릭터 포장디자인에 내재되어 있는 상징적 의미를 분석한다. 캐릭터의 이미지와 브랜드간의 관 계를 퍼스(Peirce)의 삼원론적 관점에서 분석하고 그 것에 내포된 의미를 도출하고자한다. 연구방법으로 퍼스의 기호학 이론을 중심으로 삼분 법인 대상체, 기호체, 해석체를 통해서 유형별로 규명 하고 캐릭터가 지니고 있는 상징적 의미를 삼원적 관 계에 적용하여 표상체와 해석체간의 관계를 분석 해 본다. 연구결과 캐릭터 포장디자인에서 보여 지는 귀여운 아기 동물의 이미지는 본래의 특징과 내용물에 대한 이미지를 포장재의 단순한 외형적 요소만으로 표현한 다. 또한, 이 단순하고 친근한 겉모습과 색상 등의 시 각적인 부분으로만 인식된 캐릭터 포장디자인이 이제 는 브랜드의 이미지를 대변할 정도로 소비자에게 강 인한 인상을 남기고 있다.

Cosmetics brands are in the spotlight as a main industry with the increasing popularity of green industry. Cosmetics brands promote sales through nature-oriented functions and image integration which emphasize on unity of shape and color. These brands focus on purity of materials or functionality of cosmetics and promotes various market expansion strategies. With the increasing number of consumers for eco-friendly cosmetics brands, relevant brands competitively launch new items. Several items of them were awarded at the International Design Award. This paper analyzes the symbolic meanings which are inherent in character package design, focusing on prize winners of the Main Prize at the International Design Award among eco-friendly cosmetics brands. Based on Peirce’s Triadic Model, this paper analyzes images of characters and relations among brands and draws implicit meanings. As the research method, this paper utilizes Peirce’s semiotics. Through the three-part triadic model, which is consisted with an object, interpretant, and representation, the paper investigates the implicit meanings of characters by types. In addition, the study examines the relation between representation and interpretant. The study concludes that images of lovely baby animal characters show the original features and the image of the contents only with external factors of packaging. In the past, character package designs were recognized as a visual part such as simple and familiar appearance, and color. At present, character package designs represent brand images and have powerful effects on consumers.

The associated design system was introduced with the revision of the industrial design protection act in 2013. At the same time, The similar design system was abolished with the introduction of the associated design system. However, the purpose of the associated design system is different with that of the similar design system. The purpose of the similar design system is to clarify the similar range of principal design. But the associated design system is to protect designs having the same design concept with the principal design. The associated design system is contrary to the purpose of clarifying the similar scope of principal design. The purpose of the associated design system is to reinforce the protection of a design owner. In other words, the associated design system is introduced to protect thoroughly the specific form of multiful, which is developed under one design concept. This study commented on what the meaning of its introduction is. It reviewed that if there are any changes according to the introduction of this system, what it is. Futhermore, it mentioned on merits and demerits of the associated design system in detail. Although this system was adopted for enlarging protection of a design owner, this also have many problems. So this study suggested several ways to solve these problems.

연구 목적은 20대 금융 애플리케이션 사용자의 비대면 글말 용언으로부터 사용자 경험 디자인(UX)의 확장 의미 를 추출하는 데 있다. 연구 범위는 20대 남녀 20명의 비대면 글말 일상 언어이며, 연구 방법은 사용자의 용언을 중심으 로 사용 속성을 범주화(Categories)하여 20대 사용자 중심의 의미를 도출하는 것이다. 연구 결과 20대 금융 플랫폼 애플리케이션 사용자의 사용 의미는 통합의 의미, 신뢰의 의미, 지속의 의미, 정보 인지와 정보 접근의 의미로 요약되었 다. 또한, 사용자의 사용 속성은 보안성, 친숙성, 접근성, 작동 편이성, 시인성으로 집약되었다. 각각의 속성은 보안, 정 보, 브랜드, 디자인과 융합된 의미 범주에서 나타났다. 종합하면, 용언 중심의 사용자 의미 분석은 기존의 객관적 의미 분별 측정에서 파악할 수 없었던 사용성 평가 문제를 보완하는데 효과적임을 알 수 있었다.

The purpose of the study was to induce meaning of the UX design from users’ interview. The study covers interviews from 20 untact finance application users in their twenties in written form. It aims to examine previous studies on UX design and to overcome their shortcomings by categorizing usability qualities focusing on verbs used in the interview. The followings are the result: Usability of UX design can be summarized into Unity, Trust, Persistency, Recognition and Approachability of the information to the 20 users in their twenties. As for the data earned from interviews focusing on verbs, usability included Security, Familiarity, Accessibility, Convenience of Operation and Visibility. Each of the qualities fell into related categories such as Security, Information, Brand and Design. In conclusion, analysis based on verb choices led to better understanding of the user-based experience compared to using objective means in previous studies and can be a suggestion to make up for errors in the former evaluation process.

본 연구는 에드워드 호퍼(Edward Hopper)의 사례를 통해 아트 인퓨전이 확산되는 과정을 살펴보았다. 이어서 특허를 통한 기술, 예술, 그리고 광고 등이 말하는 독창성을 통해 아 트 인퓨전 전략의 독창성에 대해 알아보았다. 먼저, 세계적으로 확산된 호퍼의 인퓨전은 국내에 도 전이되었는데 국외의 현상과의 차이는 호퍼가 두드러지게 나타나지 못했다는 것이다. 그것은 호퍼의 세계적인 명성보다 국내의 대중적인 인지도가 다소 낮거나, 혹은 광고의 다른 흥미 요소 에 가려졌던 것으로 볼 수 있다. 그럼에도 불구하고 사례 내에서 최초로 호퍼를 인퓨전한 ssg닷 컴의 광고는 다수 다른 광고의 전 텍스트(Präatexte)로 작용하여 이차적인 호퍼 인퓨전의 원작이 되었다. 그러한 결과는 기본적으로 소재 선택이 유효했다고 볼 수 있지만, 추가적으로 기존 아트 의 인지도 외에 적절한 메시지를 비롯한 다른 크리에이티브 요소들이 광고에 대한 호응에 영향 을 미쳤다고 볼 수 있다. 이어서 아트 인퓨전 전략에서 나타나는 독창성의 의미를 집합적 산물이 라는 해석과 상호텍스트성(Intertextuality)을 중심으로 알아보았다. 결과적으로 아트 인퓨전의 독창 성 판단에는 사전적 의미와는 다소 차이가 있는 기준과 과정을 고려해야 할 것으로 보였다. 그러 한 것들을 고려할 때 기존 요소의 존재를 전제로 하는 아트 인퓨전의 독창성은 기존 요소를 차 용하는 최초 발상의 시점이 아닌, 보다 통합적으로 창작과정을 넓게 살펴 볼 때 드러나는 제한적 의미의 독창성이라 할 수 있다.

This study examines the diffusion of art infusion through the case of Edward Hopper. In addition, the originality of art infusion strategy was explored through the originality of technology, art, and advertising. Hopper's infusion, which has spread worldwide, has also been introduced into Korea. The difference with the global phenomenon is that the Hopper did not stand out. It seems to be due to the fact that domestic public recognition is somewhat lower than Hopper's global reputation. Nevertheless, ssg.com's first infusion of hoppers in the case became the Präatexte of many other commercials. Such a result can be understood that the selection of materials was valid, and the picture of the Hopper itself was easy to use as an advertisement. Next, the meaning of originality in the art infusion strategy was examined focusing on the interpretation of the collective product and the intertextuality. As a result, it was necessary to consider criteria and processes that were different from the prior meaning in determining the originality of Art Infusion. After all, the ingenuity of Art Infusion can be said to be the originality of the limited meaning that appears in the wider process of creation.

본 연구는 동시대적 가치와 문화에 따라 변화하고 있는 해체주의 패션디자인의 단계적 표현 양식과 함축 적인 의미를 기호학적 관점에서 분석하고자 하였다. 연구 방법은 해체주의에 대한 문헌 연구와 해체주의 디 자이너와 브랜드 사례 수집을 바탕으로 해체주의 디자인 유형을 ‘차연’, ‘탈경계’, ‘업사이클’로 분류하였다. 또한 단계별 대표 디자이너와 브랜드 비비안 웨스트우드, 베트멍, 메종 마르지엘라의 컬렉션을 중심으로 동 위성 분석과 그레마스 기호 사각형 프레임을 사용하여 패션디자인의 조형적 특징과 내포된 기의를 분석하였 다. 기호학적 관점을 바탕으로 진행된 해체주의 패션디자인의 단계적 변화와 의미 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 90년대 말 디자이너 비비안 웨스트우드를 통해 살펴본 초기 해체주의 패션의 표현 양식인 차연은 단편 적인 것에 대한 부정으로 이질적으로 서로 다른 패션 스타일의 차이 속에서 대상의 인식을 확장하며 포스트 모더니즘 기반의 다양성을 표출하였다. 둘째, 신해체주의의 특징인 탈경계는 SNS와 같은 미디어의 발달로 인해 소수의 다양한 표현에 대한 관용이 증가함에 따라, 패션디자인 표현은 확장적이고 가변적인 특징을 가 졌으며, 패션 전파와 수용 대상 간의 수평적인 평등한 관계를 제안했다. 셋째, 환경 보호 인식의 확장과 함께 발달한 업사이클 해체주의는 한정적 재료 사용의 희소성과 재료가 가진 역사성을 특징으로 현재의 디자인 감성과 연속적으로 연결되며 복합적인 패션 시스템을 표현하는 것으로 나타났다. 본 연구는 현대 패션의 해 체주의의 핵심 개념의 흐름을 세분화하고, 당대의 디자이너와 브랜드의 패션디자인의 특징과 내재한 시대적 가치와 문화의 의미를 기호학적 관점에서 분석 및 제시함에 따라 해체주의 패션디자인의 흐름을 종합적으로 이해하기 위한 연구의 기반자료를 제시하였다는 데 의미가 있다.

This study aimed to conduct semantic analysis on deconstructive fashion design changing according to the contemporary values from a semiotic perspective. As for research methodology, literature research and case analysis were used. Accordingly, the types of deconstructed designs were classified as ‘differance’, ‘de-boundary’ and ‘upcycle’. Using isotopy and Greimas’ semiotic square frames, we analyzed formative characteristics of fashion design and connotations of fashion design in the collection of leading designers such as Vivian Westwood, Vetements, and Maison Margiela. The major results of our analysis were as follows. First, ‘differance’, an expression of early deconstructive fashion that we looked at in the late 90s through Vivian Westwood, was expressed as diversity based on postmodernism in conflicting fashion style differences and expanding the perception of the object in denial of a single thing. Second, ‘de-boundary’ proposed a horizontal and equal relationship to fashion leader and adopters in a SNS environment where minority opinions are respected. Furthermore, the fashion design expression was found to be flexible and expandable, and variable features were expandable. Third, upcycle deconstruction developed with the expansion of environmental awareness was found to be characterized by the scarcity and limited use of materials and the historical nature of the materials. It was also found to express a complex fashion system, continuously connected with current design sensibilities. The results of the present study contribute to providing a better understanding of the trends of deconstructive fashion design by subdividing the flow of deconstructionism in modern fashion and by analyzing and presenting inherent meanings from a semiotic perspective.

개신교의 로고 디자인은 성경의 다양한 의미를 포 함한 형태와 컬러를 활용하여 만들어지게 된다. 특히, 성경의 의미를 활용하여 만들어지는 것이 대부분이며, 이렇게 만들어진 로고 디자인은 기독교인들에게 신앙 생활을 하는 데 도움을 주고, 비기독교인에게는 기독 교의 정체성을 전달하는 데 도움이 된다. 본 연구는 국내 개신교 교단 126개의 교단 중 비교적 교세가 큰 11개의 교단을 선정하여, 로고 디자인에 활용된 형태와 컬러를 분석하고, 성경적 의미의 유무를 확인 하여 형태와 컬러의 의미를 고찰하였다. 본 연구에서 각 교단의 로고 디자인 분석 방법을 정리하였다. 첫째, 11개 교단 로고 디자인 형태를 분 석하였다. 둘째, 로고 디자인에 활용된 형태와 컬러를 분석하였다. 마지막으로 형태와 컬러의 성경적 의미 와 비성경적 의미의 관계를 고찰하였다. 연구를 통해 교단 로고 디자인 형태는 비성경적 의 미의 형태를, 컬러는 성경적인 의미의 컬러를 주로 사용한 것을 확인하였다. 이를 통해 개신교 교단의 로고 디자인을 할 때 성경적인 의미의 형태와 컬러를 사용한다면 기독교인과 비기독교인이 기독교의 정체 성을 받아들일 수 있을 것이다. 앞으로도 기독교 상징은 교회와 사람 간의 소통과 정보를 전달하는 역할 을 할 것이며, 신앙적인 면에서도 성경의 의미를 쉽 게 이해하도록 도움이 될 것이다.

Logo Designs of Protestant Denominations are made using forms and colors reflecting the various meanings of the Bible. Most of them are, in particular, created based on the meanings of the Bible. Once created this way, Logo Designs help Christians live a religious life and help to convey the identity of Christianity to non-Christians. This study set out to select 11 Protestant denominations with relatively big religious influence of 126 ones in the nation, analyze the forms and colors used in their logo designs, and investigate the meanings of their forms and colors by checking whether they reflected the biblical meanings or not. The study sorted out the methods of analyzing logo designs for each of the denominations: first, the logo designs of the 11 denominations were analyzed in forms; secondly, the forms and colors used in their logo designs were analyzed; and finally, relations were examined between the biblical and non-biblical meanings of forms and colors. The findings show that the 11 denominations usually used forms of non-biblical meanings for the forms of their logo designs and colors of biblical meanings. These findings suggest that if a Protestant denomination uses forms and colors of biblical meanings to design its logo, they will help both Christians and non-Christians accept the identity of Christianity. In the future, Christian symbols will continue to promote communication and information delivery between churches and people and help with the easy understanding of the Bible's meanings in the religious aspect.

훈민정음의 유네스코 등재, 한글날의 공휴일 지정, 다양한 한글 문화 행사의 개최 그리고 한류의 영향 등으로 인해 현대 패션디자인에서의 한글의 활용 사례가 점차 증가하고 있다. 이에 현대 패션디자인에서 한글활용 사례들의 조형적 특성 및 내적 의미를 유형화하여 분석하는 것이 본 연구의 목적이다. 연구 방법으로는문헌연구와 사례연구를 병행하였다. 사례연구의 범위는 패션디자인 부문에서 한글의 활용이 주목을 받기 시작한 2006년 이후로 설정하였다. 연구 결과, 조형적 특성은 표현 특성과 배치 특성으로 분류되었다. 표현 특성의 사례로는, 첫째, 한글 글자 활용 디자인은 활자를 디자인하는 타이포그래피의 사례가 두드러졌고, 둘째, 한글 낱자 활용 디자인은 한글의 자음과 모음을 다양한 방식으로 활용한 디자이너들의 아이디어가 돋보였으며, 셋째, 믹스 앤드 매치한 디자인은 한글을 그림 혹은 영어의 알파벳이나 프랑스어와 혼용하는 사례가 있었다. 배치 특성의 사례로는, 첫째, 한글의 낱자 혹은 글자를 반전 혹은 회전 배치한 디자인이 있었고, 둘째, 한글의 텍스트를 세로쓰기 혹은 가로쓰기로 배치한 사례가 있었으며, 셋째, 한글을 디자인의 전체 모티브로활용 혹은 부분적으로 활용하는 배치가 있었다. 디자인에 사용된 한글의 내적 의미를 유형화하여 분석해 본결과, 첫째, 감정 표현의 문구를 넣어 정서적 공감을 일으키는 사례, 둘째, 한국의 유행어나 기발한 아이디어의 문구로 즐거움과 웃음을 유발하는 사례, 셋째, 사회적 상황을 대변하는 문구를 통한 사회적 메시지의 전달사례가 있었다. 본 연구는 현대 패션디자인에 활용된 한글의 조형적 특성 및 내적 의미를 살펴봄으로써 현대패션디자인에서의 한글의 활용 가치를 확인할 수 있었다는 데에 그 의의가 있다.

The use of Hangul in design is increasing in line with the registration of Hunminjeongeum as a cultural heritage of UNESCO, the designation of Hangul Day as a national holiday, various cultural events related to Hangul, and also the influence of Korean Wave. The purpose of this study is to analyze cases of the contemporary fashion design using Hangul in terms of formative characteristics and internal meanings. A documentary research and a case study were conducted for this study. The target period for analysis ranges from 2006 to the present because since then, interest in Hangul design has begun to grow. As a result of the study, the formative characteristics of Hangul design could be classified into two categories, expressive characteristics and arrangement characteristics. The features of expressive characteristics are as follows. Firstly, the design using Hangul words is characterized by typography. Secondly, every designer has his/her own unique ideas in the way of using Hangul letters(the consonants and vowels) in fashion design. Thirdly, mixed and matched design of Hangul with pictures or other languages like English or French is very characteristic. The features of arrangement characteristics are as follows. Firstly, Hangul letters or words are reversed or rotated. Secondly, Hangul texts are arranged vertically or horizontally. Thirdly, Hangul is used as a whole motif of design or partially arranged. The analysis on internal meanings of Hangul words used in design is as follows. Firstly, to encourage emotional empathy by using emotional phrases. Secondly, to cause fun and laughter with Korean fad phrases and brilliant ideas. Thirdly, to convey social messages through phrases that represent social situations. This study has significance in that Hangul confirms its value in contemporary fashion design in various ways.

덩샤오핑의 개혁개방 이후 중국디자인에 활용된 길상문양에는 사회적 상황에 따라 새로운 의미들이 추가되었다. 길상문화는 문화대혁명 시기에 봉건적 유물로 생활에서 배제되다가 개혁개방 초기에 서구디자인의 영향 을 받은 디자이너들에 의해 길상의 의미와 기업의 목표와 철학이 결합된 로고들이 제작되며 현대적으로 수용되었다. 또한 중국은 2000년대에 하계 올림픽과 세계박람회와 같은 대규모 국제행사를 준비하며 길상문양의 전 통적 이미지에 주목하면서 포스터와 조형물 등에 길상문양을 응용하여 폐 쇄적인 사회주의 국가의 이미지에서 벗어나 문화적 전통을 중시하는 나라 의 이미지를 연출했다. 2010년대에는 세계경제에서 중국이 차지하는 비중 이 커지면서 중국인들은 국가에 자부심을 갖게 되었고, 길상문양과 같은 전통이미지가 들어간 중국디자인에 애착을 보이는 애국적 소비현상인 ‘궈 차오(國潮)’가 청년층에서 유행하며 길상문양에 문화민족주의의 상징성이 추가되고 있다. 이 연구에서는 이러한 길상문양의 사회문화적 의미를 바 르트의 기호분석 모델을 사용하여 길상문양의 외연적 의미에 추가적으로 전통문화의 이미지가 더해진 함축적 의미 그리고 중국의 경제성장을 바탕 으로 문화민족주의에 대한 이데올로기가 추가된 신화화 단계로 구분하여 민족적 동질감이 중국의 문화산업과 기업의 브랜드 강화에 미치는 영향을 살펴보았다.

After the Chinese economic reform, new meanings were added to auspicious(Ji Xiang) patterns used in Chinese designs according to social circumstances. Having been excluded from everyday life as a feudal relic during the Cultural Revolution, designer during the Chinese economic reform, who were influenced be Western design produced logos that combined the meaning of auspicious patterns with corporate goals and philosophy. China prepared for international events such as the Olympic Games and World Expo in the 2000s, paying attention to the traditional image of auspicious patterns, and applying them to posters and sculptures to break away from the image of a closed socialist country. In the 2010s, as China's share of the global economy grew, Chinese people became proud of the country. Guochao, a patriotic consumption phenomenon that shows attachment to Chinese design with traditional image, such as auspicious patterns, was popular among the youth. Thus, the meaning of cultural nationalism was added to it. In this study, the sociocultural meaning of auspicious pattern was combined with the denotative meaning, using Barthes's symbol analysis model, as well as the ideological meaning in the form of cultural nationalism as a result of the economic growth of China. By dividing into mythological stages, the effect of ethnic homogeneity on cultural industry and the enhancement of corporate brand was examined.

본 연구는 그림(Grimm) 동화 ｢백설 공주｣에 묘사된 색채의 상징적 의미를 스토리텔링의 모티브로 삼아, 걸그룹 앨범 재킷을 위한 패션에 접목하여 디자인 연구를 하였다. 아이돌은 전 세계의 전 세대가 공감하는 보편적인 대중성을 지니고 있어, 그림 동화의 특징과 상통한다. 의상 디자인을 통한 그림 동화 ｢백설 공주｣의 스토리와 아이돌 걸그룹의 결합이 서로 시너지 효과를 일으켜 우리나라 패션ㆍ문화 산업에 고부가가치를 창출할 수 있도록 하는 것이 본 연구의 목적이다. 이를 바탕으로 그림 동화에 묘사된 색채의 상징적 의미를 모티브로 한 패션 디자인을 제시하였다. 본 연구의 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 19세기 초 그림 형제에 의해 수집된 옛이야기인 그림 동화는 무한한 스토리텔링과 디자인이 가능한 소재임을 알 수 있었다. 둘째, ｢백설 공주｣에 묘사된 흰색, 붉은색, 검은색의 세 가지 색이 단순한 외적 묘사가 아닌 근원적 철학의 상징임을 통해, 스토리텔링 전개가 가능함을 알 수 있었다. 셋째, 그림 동화를 아이돌 그룹의 앨범 재킷 콘셉트에 스토리텔링으로 활용할 경우, 보편성과 환상성이라는 특징이 서로 상통하여 높은 시너지 효과를 기대할 수 있음을 알 수 있었다. 넷째, 문화를 선도하는 걸그룹을 통한 스토리텔링은 문화ㆍ산업적 영향력이 크기 때문에, 그림 동화와 걸그룹의 이미지가 일으키는 시너지 효과가 우리나라 패션ㆍ문화 산업에 고부가가치를 창출할 수 있다는 가능성을 알 수 있었다.

This study takes the symbolic meaning of the colors portrayed in Grimms' Snow White and applies it to fashion on the album cover of Korean pop girl bands. Korean pop bands have gained popularity worldwide and relate well with the characteristics of Grimms' fairy tales. The purpose of this study is to combine Grimms' fairytales with album covers for Korean pop stars to create maximum synergy, which can create high added value in Korea's fashion and culture industries. Fashion design that embodies the symbolic meaning of colors shown in Grimms' fairytales has been suggested. 1. Fairytales by the Grimm’s brothers that have been relayed by mouth since the early nineteenth century are a good inspiration for fashion design since it represents and symbolizes human nature. 2. The German fairy tale “Snow White,” illustrates its story by using the three primary colors, white, red and black. These colors are demonstrated both as psychological and symbolic indications of human nature as well as of visual aesthetics. 3. The symbolism of Grimm’s fairytale, “Snow White,” as a main concept of the fashion industry and costume design for female K-POP groups, can be a prominent factor for the public audience to interact with the media. 4. The interpretation of the symbolism of a fairytale through multimedia such as K-POP music and pop singers will produce profits for the cultural industry of South Korea.