Earticle

The 1920s were the time when the American engaged in testing the moral and social constraints until then complied with by the old norms of behavior. The black man was accepted as part, or an appropriate symbol of, nature rather than the ignoble or untouchable. Black writers took this situation to achieve their own ends, utilizing their own thoughts, attitudes, and ideas from the inside, that is, the black perspective. The poetic style of McKay was a very unusual one, different from that of contemporary black writers who at his time wrote with the commonly-shared view on literature: blackness. Parody was a way of addressing such a seemingly unbalanced style in his poetry as McKay was preparing to demonstrate that he would be acting like a non-black. His poetry was found very playful even though it looked very serious in socio-political issues. Blackness is thereby expressed in non-black form - the regular rhyming pattern just as seen in Shakespearean sonnets. Imitation of the Shakespearean sonnet characterizes some interactions, either derisive or serious, between the old and the new. His poetic style refers to “the cultural politics of parody” which helps contribute to the black parody of what McKay undoubtedly did hope for in different ways: traditional form and dictions with some interesting proletarian verse, and expressions of spiritual anguish in black beauty and white ugliness.

영국 역사상 정치, 사회적으로 급격한 전환기였던 17세기를 살았던 마아블의 시를 이해하기 위해서는 그 당시의 정치 문맥을 고찰함이 필요하다. 비록 “애플턴 저택”이 서정시로 쓰였을지라도 행간에는 당시의 정치상황이 상당히 풍자되어 있다. 즉 이 시는 “호라티우스 풍의 부”처럼 분열된 사회의 서정시인의 정치적 입장을 간접적으로 표현한다. 그 중 대표적인 것이 대상에 대한 아이러니컬한 애증이며, 이를 위해서 마아블은 당시에 유행한 시의 전통을 패러디하여 그 속에서 권장되는 기존의 사회질서를 함께 전복하려는 급진파들의 시도의 위험성을 조롱하지만 역사의 대세는 인정한다. 마아블은 존슨의 “펜써스트 저택”에서 시작된 “시골의 지주저택을 소재로 한 시”(Country-House Poem)의 전통을 대체적으로 이어받으면서도 세부적으로는 상당한 각색을 가미한다. 존슨 시의 양식의 저변에는 후원자와 그의 저택에 대한 직접적인 칭찬, 은퇴생활의 즐거움, 중용의 미덕, 전원의 소박한 안락함 등이 주조를 이루었는데, 엄청난 사회적 변혁에 직접 참여했던 마아블로서는 이런 가치들을 한편으로는 동경하면서도 또 한편으로는 그대로 받아들이기는 어려웠기 때문이다. 표면적으로 보면 “애플턴 저택”이 의회군의 지도자로 활약하다 스코틀랜드 침공에 반대하여 은퇴한 페어팩스 장군의 요오크셔 저택의 아름다움과 그의 딸 메어리의 미덕을 찬양하기 때문에 시골 지주의 저택을 소재로 한 시에 속한다고 볼 수 있다. 그러나 실제로 자세히 분석해 보면, 마아블은 혁명의 소용돌이를 틈타서 귀족의 농지 소유권을 모든 평민들에게 돌려주어야 한다고 주장하는 급진적 청교도들(True Levellers)과 극단으로 치우치는 혁명의 위험성을 경고하는 페어팩스 장군 사이에서 심정적으로는 후자 쪽에 치우치면서도 확고한 의지 표명은 행간에 숨기고 있다. 요컨대, 타락 이전의 이상적 전원의 복구를 희구하여 시골 저택을 노래한 시들을 위협하는 급진파들의 전통적 가치의 전도에 대해서는 또 다른 패러디로 조롱하여 문학의 전통을 지키는 한편, 돌이킬 수 없는 현실 역사의 흐름을 인정하고 타협할 수밖에 없는 시인의 내면 갈등을 페어팩스의 정치적 결단력 부족에 대한 은근한 패러디로 함께 보여준다.

In the academic realm, the title The Journey to the West is generally identified with the Shidetang edition of the 100-chapter novel allegedly written by Wu Cheng’en in the Ming Dynasty at the end of the sixteenth century. In Korea, though, the title is generally associated not with the 100-chapter novel but with various shorter retellings, which tend to highlight the fantastic and adventurous facets of the story. For this reason, many scholars have assumed that Ch’oe Inhun’s Sŏyugi, written between 1966 and 1971, is a parody of these overwhelmingly popular retellings, when in fact the author is parodying the complex 100-chapter novel. Much of the scholarly analysis of Sŏyugi focuses on reading Ch’oe Inhun’s novel against the politically charged background of 1960s Korea. By undertaking a close comparison of Sŏyugi and the 100-chapter novel, I argue that such a spatiotemporal frame is too narrow. Unlike other retellings of The Journey to the West, Sŏyugi does not merely share characters or artistic motivations with the original text, but also makes use of parallels on the structural and stylistic level, and these have generally been neglected in other studies. Sŏyugi demonstrates how ideological debates can be reduced to relative truths through its parody of the many voices and perspectives present in The Journey to the West.

A parody, in contemporary usage, is a work created to mock, comment on,or poke fun at an original work, its subject, author, style, or some other target, by means of humorous, satiric or ironic imitation. Parody gives us a new way to look at the original work and the world. We look at the many parodies in every day life. But there contains many copyright issues. Especially in Korean Copyright system there is no express exception for parody like French, Spanish, Belgian Law, and no general fair use clause like U.S. copyright law. This gives us many troubles to accept the parody within copyright system and to make it a legitimate work. And there are economic rights and moral rights in the Korean copyright system, so-called dual system unlike german copyright system. This also gives us trouble. In Korea many scholars consider that parody is a derivative work. But some consider it as a independent work, even though depending on the underlying work. This paper researches some copyright cases: Walt Disney Productions v. Air Pirates case, Campbell v. Acuff-Rose Music, Inc. case, Suntrust Bank v. Houghton Miffin Co. case, ‘Alcolix’ case, Photo-montage distortion case,etc. Until now in Korea we can manage the parody copyright isssue with the application of the citation clause(§28: It shall be permissible to make quotations from a work already being made public provided that they are within a reasonable limit for news reporting, criticism, education and research, etc. and compatible with fair practice). In a sense it has the same effect as the fair use clause of U.S.A. But it has a limitation. It restricts only the economic right and can't solve the moral right issue. And when cited the other's work, we must indicate the part of quotation. In parody it's nearly impossible to indicate the part of quotation. So this paper proposes that as a general clause we introduce the fair use clause into Copyright Act and the amendment of the Article 5 of Copyright Act. That's as follows: The parodic work is not regarded as the derivative work. The reason is as follows : A parody is almost always quasi-revolutionary in concept. So in the view of such a parodic nature, we regard the parodic work as a independent work even though parodist use the underlying work.

본고는 채만식의 <흥보씨>를 연구 대상으로 삼아 텍스트에 형상화된 세계의 특징을 분석하고, 도덕적 당위성과 의미가 중지됨으로써 발생하는 패러디의 의의를 규명하고자 하였다. <흥보씨>에는 작가의식과 직결되는 가치의 대립이나 당위적 가치가 존재하지 않는다는 점을 밝히고, 작가가 ‘어떤 문제의식을 가지고 있었느냐’ 혹은 ‘문제 제기에 성공했느냐’의 여부가 아닌 다른 지점으로부터 패러디의 의의를 도출하고자 한 것이다. 이를 위해 <흥보씨>의 제비박 화소의 활용과 아감벤이 말한 “새롭고 가능한 사용”으로서의 놀이를 환유적 관계로 해석하여 패러디로서의 <흥보씨>의 가치에 접근하였다. 흥부전의 제비박 화소가 <흥보씨>의 제비삽화로 변용되는 과정에서, 제비가 땅에 떨어지는 사건이 계기가 되고, 선량한 마음씨가 동기가 되어, 제비를 다시 둥지 위로 올려준다는 행동의 형식은 그대로 유지된다. 그러나 사람의 손길이 닿으면 제 새끼라도 둥지 밖으로 밀어내버리는 제비의 습성이 새롭게 설정됨에 따라 그러한 형식이 ‘제비의 보은’으로 표상되던, ‘착한 사람은 복을 받는다’ 혹은 ‘선에 대한 권면’이라는 의미와 맺고 있던 관계는 해체되어 새로운 맥락에 위치한다. 특정한 행위나 존재는 기존의 서사적 기능으로부터 해방되고, 고전소설 흥부전을 통해 계승되던 도덕적 가치의 교훈적·정치적 효용은 중지된다. 즉, 고전서사의 문법에서는 원인(善)으로부터 결과(福)에 해당하는 의미가 도출되는 과정 자체가 규범화되어 ‘착한 사람은 마땅히 복을 받아야 한다’는 의미 질서가 고정되어 있었다면, <흥보씨>는 그러한 문법의 효용을 중지시키고 새로운 의미의 가능성을 획득한 작품이다. 이에 <흥보씨>에서는 형식이 의미와 맺고 있던 관계가 해체됨에 따라 ‘~해야 한다’는 실천적 의미는 낯선 것으로 대상화되며, 고전의 교훈적이고 정치적인 의미 체계에 대한 비판적 거리가 발생한다. 이때 <흥보씨>는 다른 패러디 텍스트처럼 원본 텍스트에 대한 기존의 이해를 반전 또는 반대로 재확인시키거나 그에 대한 재성찰을 유도하는 것이 아니라, 전형적인 것이든 독자적인 것이든 기존 해석의 효용 자체를 무의미한 것으로 만듦으로써 원본 텍스트의 교훈성 및 정치성에 대한 비판적 거리를 발생시키는 데서 패러디의 의의를 흭득한다. 즉, <흥보씨>는 가치판단의 척도가 무화됨으로써 흥부전에 대한 반성적 성찰을 가능하게 하는 텍스트로, 텍스트 해석이 고전에 대한 단순한 ‘다시 읽기’나 ‘새롭게 보기’가 아닌, 기존의 독자적이거나 전형적인 해석에 대한 ‘비판적 거리 유지’에 기반할 때 패러디 텍스트로서의 의의는 보다 분명해질 것이다.

The purpose of this article is to finding out the aspects of parody in <Heungbossi> and the significance of the parody resulting from the suspension of its moral justification and meaning. There is no conflict of values or party value directly related to the author's consciousness in <Heungbossi>. Instead of eliminating economic conflicts in <Heungbu-jeon>, differences between ‘Mr. Hyun’ and ‘Mr. Kim’ is highlighted, but it does not imply another conflict that reflects the Japanese colonial era. Also, it is hard to say that there exists a social conflict in <Heungbossi>, given that the ‘Mr. Kim’ does not have representation as an offender who persecutes Koreans. ‘Mr. Hyun’ is also a person who, despite his negative aspects, is as human in his relationships with children and animals. But his warm nature is not the value of being established through retribution, as in <Heungbu-jeon>. Heungbu's virtue was shaped by values that overwhelmed other negative aspects, such as economic incompetence. In <Heungbossi>, however, the valuation on the virtue of ‘Mr. Hyun’ is held back by the swallow plot. This led us to believe that we need to derive the significance of the parody from a point other than ‘what kind of problem did the author have’ or ‘Did he succeed in raising the question?’. To this end, we sought to approach the value of <Heungbossi> as a parody by interpreting the use of the swallow motif and what Agamben called “new and possible use” as a metaphorical relationship. The swallow in <Heungbossi> has the habit of pushing even its own offspring out of the nest when touched. Thus, the relationship that the previous ‘virtue of main character’ had with the connotation of swallow’s repay-‘good will be blessed’ or ‘encouragement to virtue’-is placed in a new context. In other words, if the process of deriving meaning from the causes(virtue) was in order and the meaning ‘good people deserve good fortune’ was fixed in the grammar of classical literature, <Heungbossi> was able to escape from the grammar and acquire the possibility of a new meaning. The significance of this parody can be found in that moral imperativeness of virtue has not been fulfilled, suggesting a new level of use beyond the practical meaning of ‘should’.

This paper aims at exploring possibilities of using parody texts in the English poetry course, focusing on three poems that revise or comment on Andrew Marvell’s “To His Coy Mistress.” As parody activates a re-evaluation of the original text and functions as double- voiced discourse, using parody in the classroom is an effective method to engage the students in discussions that compare and contrast a parody text to the original text. Richard Wilbur’s “A Late Aubade,” Diane Ackerman’s “A Fine, A Private Place,” and Peter DeVeries’ “To His Importunate Mistress” address important issues such as time, gender roles, sexual experience, and materialism. Through in-depth class discussions of these three poems in relation to Marvell’s original text, the students are expected to develop critical thinking ability as well as accurate reading habits. The students get to approach Marvell’s poem from a variety of perspectives and analyze 20th- century society based on the comparison between 17th-century poem and modern poems reinventing it. Moreover, the teaching method utilizing various parody texts can encourage the students to produce their own parody texts and re-create dialogues between the text of the past and the current society.

우리는 사회적으로 권위 있게 여겨져 왔거나 숭배의 대상이 되어왔던 작품들이나 너무나 쉽게 접하면서 세뇌되는 대중문화 속 이미지들을 우리는 무비판적으로 받아들이고 있는 현실을 깨닫게 하려는 작가의 의도를 읽을 수 있어야 한다. 패러디, 패스티쉬는 회화, 시각예술에 있어서 대중의 다양한 문화적 콘텐츠의 요구를 해결하기 위한 표현수단으로서 각광받고 있으며, 광고에 있어서는 내용은 익숙하되 표현에서 새롭게 보여 지기 때문에 보다 적극적으로 받아들여 질 수 있을 것이다. 과거의 이미지를 사용하여 모더니즘 미술이 단절시켰던 역사성을 회복하였고, 대중문화 속에 유통되는 이미지를 이용함으로 예술과 삶을 결합할 수 있다. 또한 패러디와 패스티쉬는 과거문화와 현재의 문화를 모두 활성화시키는 역할을 하며, 다원성을 지향하는 사회적 요구에 적절하다. 패러디와 패스티시는 기본의 것에 담겨지는 사고의 변화를 새로움의 일환으로 제시함으로써 하나의 이미지가 기존의 한계를 벗고 새롭게 거듭날 수 있는 가능성을 보여준다. 그러므로, 기존 작품들을 이루는 기준을 깨고 새로움에 대한 의미를 확장 수많은 복제물들과 작품 가치를 가늠할 수 있는 명확한 기준이 없는 이 시대의 미술이 당면한 현실에 대해 하나의 대안으로써 기능한다고 하겠다.

They insist that there is no more new stuff in modern art to change every circumstance rapidly. According to this situation, they recreate the works which are made with the existed idea or materials, and also transform creative concept which cites the existing functions with modern meaning. Furthermore they can look into any data everywhere from their daily routine using the internet. And thismust become one of the general forms which they imitate others` works which are referred or chosen in modern art. These social complextion is called a parody and pastich is technique of the Post Modernism which is the existence of past. Using the new construction, the parody and pastich which can accomplish some better value and bring other meanings makes original recreation with the concept of copying and repeating. It keeps changing and is shaping up to be different aspect so far. Every field has a little different term using its own expression but it keeps empathizing each other a same essential meaning. Although it is like universal mode of expression, It is fact that the public cannot distinguish what is creation, imitation, or piracy. This thesis shows the concept of it and files for terms which is using like that. At last it selects some artist who worked with parody and pastich analyses and compares them and their works.

Industrial society of today is rapidly changing. Hence, values and personalities of the people are being apparent. And, the fashion in the society of today is tending toward valuing personality and diversity of each, distinction than standardized beauty in the past. New attempts unbound to style or matter, color, coordination etc. of the past are being done at the recent fashion. This could be seen as the good reflection of the want of the modern people today. Since the impression changes as how and where the accent is given according to situation and intention as face, figure, character, impression of each person with the same dress varies, modern people take much interest in the accessory. Of those, the role of the belt, not just practical purpose or part of fashion, is growing as the important accessory showing the fashion trend and perfecting fashion. Accordingly, the study, reflecting the want of modern people valuing individual personality and diversity, distinction according to the rapid change of the industrial society of today, will play the part in the fashion coordination not just the practical use but as the original accessory through the creative belt design. Various figures of the belt will be embossed by applying the parody expression technique based on function of fastening of the belt, and the aim is to present the new fashion trend through the belt design applying the parody expression technique.

A Study on the Practice and Tasks of Creativity Education through Parody of Classical Poetry Choi, Hong-won This study was planned to examine the education contents and activities with the goal of boosting creativity. I attempted educational reconceptualization about creativity in order to search for the best way to realize it in Korean language education. In addition, I adopted parody and made use of it as a way to do it. Above all things, I suggested that creativity has appropriacy as well as novelty in essence and the concept in Korean language education should be focussed on psychological creativity rather than historical creativity. Based on the reconceptualization of creativity, parody has something in common with creativity in that it transforms an original thing and makes a new one. Therefore, by analysing the real parody works aimed at Hyang-ga ｢Cheoyong-ga｣, I could verify the possibility and tasks about it. Furthermore, I proposed the adoption of works of well-known writers for expansion of transformation and creativity, depending on the understanding of works based on the experience of the student and the tendencies of parody outputs. This study has significance in that it establishes the possibility of creativity education using the contents of Korean language education and at the same time, it brings up the limits and tasks by clarifying the realized figure and the possible one of creativity education through analysing the real parody activities.

본고에서는 일기문학들 간의 상호텍스트성을 근거로, 2장에서 헤이안조(平安朝)와 조선조의 일기문학 속에 나타난 반복과 변형의 패러디의 특징을 고찰하고, 3장에서 『가게로닛키』와 『한중록』의 작품 속에 나타난 패러디의 변화 과정을 추적하여 일기문학의 한 특징을 파악해 보고자 했다. 『가게로닛키』하권의 양녀 맞이 기사의 모노가타리적 요소는 당연히 불필요한 부분이다. 그럼에도 불구하고 하권의 모노가타리적 성격은, 작자가 이 작품을 단순한 체험의 기록으로 쓰지 않고 의도적으로 넣었다고 해석할 수 있다. 이는 일종의 모노가타리, 즉 읽을거리로 양녀 맞이 기사를 삽입하여, 양녀뿐만 아니라 예상 독자들로부터도 흥미와 관심을 끌기 위한 전략이었을 것이다. 『도사닛키(土佐日記)』가 이를 증명하며, 작자는 자신의 경험과 처지를 일기화 하여, 모노가타리처럼 구성한 텍스트들이 ‘옛 모노가타리 (古物語)’와도 필적하는 재미있는 읽을거리로서 존재할 수 있음을 당시의 독자들에게 보여준 것이다. 『한중록』에서 임오화변을 회상하는 헤경궁은 기1에서 서술하지 않았던 비극의 정황 을 4편에서는 구체적으로 기록하고 있다. 그러나 임오화변의 진위를 객관적으로 서술하 기보다도, 제3자들의 대화체를 도입하여 비극적인 여주인공으로 자신을 등장시키고 있 다. 고소설에 필적하는 흥미로운 읽을거리의 존재감을 당시의 독자들에게 내보이려는 ‘세초하지 않을 마누라의 수적’이며, 이는 중독된 패러디에 의한 것이다. 『한중록』과 『가게로닛키』의 서발문에서 보인 글쓰기 의식과 자아성찰의 생산적인 패러디는 새로운 일기문학을 제시함으로써, 진정한 패러디의 역할을 했다고 할 수 있다. 그러나 패러디를 통해 얻은 순간적 욕망이 창조적 힘으로 상승되지 못하고, 더 강한 패러디를 쫓다 보면 중독된 패러디가 되어 환상으로 변질되게 마련이다. 하권 양녀 맞이 와 기4의 임오화변의 서술은 패러디의 중독이며, ‘진귀함(めづらしきさま)’과 ‘마누라 수적의 미사(美事)’를 추구한 끝에 온 패러디의 패러디이다. 삶의 반복강박이 불러온 과도한 집착과 욕망이 일기문학의 한계이다.

This paper is based on the intertextuality between diary literature. In Chapter 2, the characteristics of the parody of repetition and transformation that appeared in the diary literature of Heianjo and Joseonjo were examined. In Chapter 3, I tried to identify a characteristic of diary literature by tracking the process of parody changes in the works of Kageronikki and Hanjungrok. The description of accepting adopted daughters at Part 3 of “Kageronikki” is certainly unnecessary. Nevertheless, the novel nature of Part 3 can be said to have been deliberately inserted by the author without writing this work as a record of experience. This would have been a strategy to attract interest and attention not only from the adopted daughter but also from expected readers by inserting a narrative that accepts the adopted daughter as a reading. Needless to say, the significance of the literary history of Kageronikki is the achievement of self-help literature, but it can be inferred that it was a form following the trend of autobiographical works, a new trend at the time. Tosanikki proved this, and the author wrote a diary of his experience and situation, and showed readers at the time that texts composed like Monogatari could exist as interesting reading materials comparable to the old Monogatari. The author, who recalls ImoHwabyeon in Hanjungrok, specifically records the situation of the tragedy that was not described in Part 1. However, rather than logically describing the core of the event, the author introduces a dialogue of third parties to make himself appear as a tragic heroine. Hanjungrok’s Part 4 is more of an autobiographical novel written with awareness of the reader than an essay, because the intention of a consistent author who is conscious of the reader is behind the realistic record. Hanjungrok is a work that attempts to show readers the presence of interesting reading materials comparable to old novels, and this is due to an addictive parody. We have no choice but to accept it as another charm of Hanjungrok, a work that was predicted to be ‘a beautiful thing (美事)’. The productive parody of writing consciousness and self-reflection at the preface and end of Hanjungrok and Kageronikki can be said to have served as a true parody by presenting new diary literature. The true parody of the two writers was to awaken the reality of the time and their lives through criticism of the male Chinese diary and old novels. However, if the author does not raise the momentary desire gained through the parody to creative power, and if he pursues a stronger parody, the diary literature will become an addicted parody and turn into an illusion. The description of welcoming the adopted daughter in Part 3 and the description of imohwabyeon in Part 4 are parody addiction, parody that came after pursuing ‘uniqueness (めづらしきさま)’ and ‘a beautiful thing (美事)’. The limitations of diary literature are caused by the excessive obsession and desire brought about by repetition compulsion (Wiederholungszwang) in life.

There are songs which we sing to ourselves unintentionally. There are songs which we still love but whose origin we don't know well. On the contrary, there are songs which we used to sing so many times but which we no longer sing. There are countless popular songs which used to hold sway over our minds but which nobody sings now as time goes by. One typical example of latter kind of songs is the well-known Korean popular song “Himangga(希望歌).” It is known as a song adapted from the Japanese song, “Mashiroki Fuji-no-ne.” Almost all Korean people know the song, although they don't sing it as often as before. “Himangga” was very popular not only in Japan in the age of dark and bitter Korean history but also in Korea. This “Himangga” might remind Japanese people who knows well old Monbusho shoka (songs of Ministry of Education) of “Mashiroki Fuji-no-ne(真白き富士の根).” Both “Himangga” and “Mashiroki Fuji-no-ne” contain a story which is deeply connected to hope, desire and despair of Japanese and Korean people. The Japanese popular song “Mashiroki Fuji-no-ne” is a variation of “Yume-no-hoka(夢の外)” which is an adaptation from a hymn “When We Arrive at Home” composed in the United States. Korean people added new lyrics to the same song as this after 1920's during the era of Japanese colony and began to sing it as “Himangga.” The objective and significance of this study is to examine the process how the variation of the song came to be accepted as a Korean nation-wide popular song.

誰しもが何気なく口ずさんでいる歌がある。その歌を誰が、いつ、どのように作っ たのかも分からないまま今でも愛されている歌がある。また、あれほどう歌われたに もかかわらず誰も口ずさまなくなった歌もある。あんなに一世を風靡した歌であった としても、時代の流れと共に今は誰も歌わない曲が星の数ほど存在している。 　韓国に｢希望歌｣という有名な大衆歌謡歌である。この曲は、日本の｢真白き富士の 根｣の翻案曲である。今はそれほど歌われることがない曲にはなったけど、韓国のほ とんどの人々が知っている古い歌謡曲である。この｢希望歌｣という曲は、日本の韓 国の暗い歴史が綴られている時代の日本でも韓国でも非常に流行した歌である。も し、古い文部省唱歌をよく知っている日本人が、この｢希望歌｣を聞くと｢真白き富士 の根｣という曲を思い出すかもしれない。 　この二つの｢真白き富士の根｣と｢希望歌｣には、日本人と韓国人の希望･欲望･絶望と 切り離すことの出来ない深い物語を含んでいる。日本の歌謡曲｢真白き富士の根｣は、 アメリカで作曲された賛美歌｢When We Arrive at Home｣の翻案曲｢夢の外｣という文 部省唱歌の替え歌である。これと同じ曲が、1920年代以後、日本の植民地下におか れていた韓国で新たな歌詞がつけられ｢希望歌｣と歌われでいた。その替え歌が韓国 の国民的な大衆歌謡としてどのように受容されるようになったかその過程を考察す ることに本研究の意義である。

Anne Sexton’s Transformations attempts to re-write Grimm Brothers’ fairy tales from the perspective of a “middle-aged witch,” who sustains a critical view of patriarchal society. In poems deconstructing the binary oppositions between two types of women and revealing the impossible fantasy of the idealized married life, Sexton uses similes in order to link the past and the present. Similes are effective weapons in Sexton’s writing, in that they bridge the gap between the idealized world of fairy tales and the real American society of the 1960s. Unlike metaphors, which tend to emphasize the organic nature of figures, similes display the artificial nature inherent in figurative language and lead the readers to realize the tensions between two entities connected through them. In addition to showing a critical view of patriarchy in general, Sexton also foregrounds forms of sexuality that are usually marginalized as abnormal in patriarchal society. For example, in “Rapunzel,” the relationship between the witch and Rapunzel is portrayed as that between mother and child, almost bordering on lesbianism. In “Briar Rose (Sleeping Beauty),” the sleeping princess is under the control of her father, who appears to have incestuous desire toward her own daughter. Also, Sexton emphasizes that women are often circulated as commercial goods in the patriarchal system and that this tendency is reinforced in modern American society. Through her brilliant parody of fairy tales inherited from the past, Sexton engages the readers to recognize problems both in the original texts and in their own society.

윌리엄 트레버(William Trevor)의 ｢또 다른 두 건달들(Two More Galants)｣은 제임스 조이스(James Joyce)의 ｢두 건달들(Two Galants)｣의 패러디이자 동시에 주제의 상호텍스트적 연속성을 보여준다. 조이스가 제국과 민족의 교차점에 놓인 더블린에서 발견한 정신적 마비는, 트레버의 작품세계에서 인간의 치졸한 복수, 도구화와 양심의 부재로 인한 도덕적 마비로 연계된다. 트레버에게 패러디의 궁극적 대상은 “조이스 연구자와 독자”들이다. 조이스의 하녀와 두 건달의 ‘사실성’이 ‘사실’로 전이되는 과정을 그려냄으로써 트레버는 리얼리즘과 모더니즘의 배타적이면서 동시에 중첩적인 상호관계에 대한 복잡한 질문을 끄집어낸다. 이 논문은 두 텍스트의 비교분석을 통해 조이스문학이 갖고 있는 리얼리즘과 모더니즘의 관계를 논의해 본다.

William Trevor’s “Two More Gallants” is not only a parody of Joyce’s “Two Gallants” but a serious intertextual response to the problems of realism and modernism acutely felt in Joyce’s work. Drawing on recent theoretical discussions that focus on the unsettled borderline between realism and modernism, this paper explores the nature of the intertextual and historical relationships between Joyce and Trevor.

본 논문은 년에 1605 출간된 세르반테스의 소설 돈키호테 의 주인공들 이 시대의 변천에 따라서 어떻게 도상학적인 힘을 획득해 나가는지를 실 증적으로 고찰해 본 글이다. 2012년 프랑크푸르트 알게마인 지에 수록 된 만화 <돈키호테>는 자전거를 타고 있는 미친 노인과 베트맨 복장을 한 그의 조카가 자기 마을에 설치하려는 풍력발전소 건설에 반대하는 평 화적인 투쟁을 전개하고 있는 장면을 보여주고 있는데, 이는 세르반테스 의 창작인물들이 성취한 문화적 보편성을 잘 보여주는 예시이다. 1614년 라이프치히의 판화에서 보듯 소설이 출간된 당대에서 부터 이 미 시각적으로 표현되기 시작한 두 허구의 인물은 17세기와 18세기를 거 치면서 유럽대륙은 물론 중국 도자기에까지 그림으로 표현될 만큼 보편성 을 획득하면서 “왕성한 이미지 발전소”의 역할을 맡는다. 19세기에 프랑 스 화가 귀스타브 도레에 의해 구체적인 이미지로 굳어지게 된 돈키호테 는 이후 고야, 피카소, 달리를 거쳐 현대 작가들에 이르기까지 다양한 도 상적 힘을 획득하게 되고 오늘날 우리의 현대인의 문화 속에서 하나의 보 편적 신화로서의 위상을 얻게 된다.

Le roman de Cervantès constitue un fascinant carrefour de modalités sémiotiques et de supports communicatifs. La puissante dimension visuelle et iconique du premier roman moderne est inscrite dans la texture même d’un récit qui décrit minutieusement la physionomie et le caractère de don Quichotte et Sancho, les seuls personnages romanesques reconnaissables immédiatement par la plupart des lecteurs. Dès les premiers moments de la parution de ce roman, les lecteurs donnent forme visible à l’image plastique du couple errant aujourd’hui partie essentielle de l’iconosphère totale. Des premières estampes connus, imprimées à Dresde en 1613 jusqu’à la bande dessinée de l’artiste Flix, en 2012, l’universalité du roman cervantin, sa visualité multiforme et sa versatilité iconique se démontrent de plus en plus, en rejoignant les plus diverses traditions géographiques, culturelles et artistiques. Les héros cervantins dépassent largement la condition de personnages littéraires pour devenir bientôt des mythes universels. Ce processus sémiotique et historique est fondé sur sa puissance iconique et son fort symbolisme, de sorte que don Quichotte de la Manche et Sancho Panza sont transformés en mythologèmes fondateurs d’une culture de plus en plus mondialisée.

본고는 이노우에 히사시의 『신석 도노 모노가타리』가 야나기타 구니오가 편찬한 『도노 모노가타리』를 어떻게 어떤 방식으로 참고하였는지, 그 수용 양상을 분석한 논문이다. 현재 일본사회에서 『도노 모노가타리』는 거의 성전(聖典)처럼 인식되고 있다. 이노우에의 『신석 도노 모노가타리』는 『도노 모노가타리』를 패러디하여 탄생했지만, 다른 작가의 패러디 작품과 비교할 때에 매우 이색적인 문학작품이다. 이노우에가 거의 성전처럼 인식되는 야나기타의 『도노 모노가타리』에 반발하여, 의도적으로 ‘설화적 웃음’의 세계를 복원하고자 시도하였기 때문이다. 본고에서는 무엇보다도 이 점을 염두에 두고 『도노 모노가타리』에서 『신석 도노 모노가타리』로의 패러디 과정을 분석하였다. 말하자면 『신석 도노 모노가타리』의 중요한 특징을 『도노 모노가타리』에 대한 저항 패러디에서 찾고자 하였다. 우선 『도노 모노가타리』와 『신석 도노 모노가타리』의 내용을 대조하여 분석한 결과, 『도노 모노가타리』에 수록된 총 119편의 이야기 중에서 어떤 이야기가 어떤 방식으로 『신석 도노 모노가타리』에 수용되었는지를 밝히고 표로 정리하여 제시하였다. 이어서 이노우에가 의도했던 ‘설화적 웃음’의 복원에 관해서 그 구체적인 양상을 고찰하였다. 그 과정에서 야나기타가 성 담론을 의도적으로 회피한 데 대해서, 이노우에는 외설적이고 해학적인 성적 표현을 대담하게 구사하는 수법으로 ‘설화적 웃음’의 세계를 복원하고자 하였다는 점을 주목하였다.

This paper aimed at analyzing the receptive analysis regarding how Hisashi Inoue’s <Sinsyaku Tonomonogatari> referred to <Tonomonogatari> complied by Gunio Yanagita . Inoue’s <Sinsyaku Tonomonogatari> was created by parodying <Tonomonogatari>, however it is very unusual work compared to other writers’ parody works. Because Inoue tried to restore the world of ‘tale laugh’ intentionally, by resisting to Yanagita' <Tonomonogatari>, recognized almost as the bible. This research analyzed the parody process of <Tonomonogatari> into <Sinsyaku TonoMonogatari> by keeping this point in mind above all things. First of all, as the result of analyzing the content of <Tonomonogatari> and <Sinsyaku Tonomonogatari> closely in contrast, the researcher investigated which stories among the total 119 stories in <Tonomonogatari> were included in <Sinsyaku Tono monogatari> in which way, and suggested by arranging with the table. Also, this research considered the concrete aspect of the restoration of ‘tale laugh’ which Inoue intended. In this process, this research paid attention to the point that Yanagita intentionally evaded sexual discussion, compared to Inoue, who tried to restore the world of ‘tale laugh’ with the technique of boldly making use of naughty and humorous sexual expression.

本稿は、柳田国男の『遠野物語』がどのように井上ひさしの『新釈遠野物語』に受け入れられたのか、その具体的な様相を細部にわたって分析したものである。井上ひさしの『新釈遠野物語』は、もっぱら柳田国男の『遠野物語』に述べられた話を基にして成り立った。しかしながら『新釈遠野物語』は、決して『遠野物語』からのたんなる模作でも、パロディでもない。井上ひさしは、柳田国男の『遠野物語』にかなり不満を感じていたようである。その不満とは、彼自身東北出身の作家として、｢遠野｣という｢周辺｣の事情に詳しくない(と思われた)柳田国男への不満でもあり、また柳田国男が『遠野物語』をかきとめる過程において、あまりにも綺麗な文学作品に仕上げてしまったことへの不満でもある。特に井上ひさしは、柳田国男が『遠野物語』のなかから｢説話的な笑い｣を欠落させてしまったことに抵抗を感じていたと見られる。ここで言う｢説話的な笑い｣とは、昔話が語られる場において語り手と聞き手が共に作り上げていく諧謔的な笑いである。井上ひさしは『新釈遠野物語』を著わすことによって、柳田国男が欠落させてしまった｢説話的な笑い｣を取り戻し、それらを再構築しようと試みたのである。これは柳田国男への一種の挑戦とも言えるであろう。本稿では、『遠野物語』と『新釈遠野物語』の文章を丹念に読み比べてみることによって、井上ひさしが再構築しようとつとめた｢説話的な笑い｣を細かに確認することができた。特に井上ひさしは、話に登場する男と女のあいだの性愛の場面をエロチックかつ大胆に描くことによって、｢説話的な笑い｣を再構築しようとしたことを明らかにした。例えば、合せて９話の短編で構成された『新釈遠野物語』の中でも、｢冷し馬｣、｢狐つきおよね｣、｢狐穴｣などの話にこのような特徴が目立つ。

본 논문은 헤이안 시대의 유명한 가인들의 모습을 그린 ‘가센에(歌仙絵)’라는 일본의 전통적 회화주제에 대한 연구이다. 가센에는 가마쿠라 시대의 에마키(絵巻)에 그려진 ‘삼십육가센(三十六歌仙)’을 시초로 하고, 이후 병풍, 족자, 편각, 책 등의 다양한 미디어에서 도상을 확인할 수 있다. 각 미디어를 바라보는 감상자의 시선이 정형적인 가센에도상 안에서 군상(群像), 가합(歌合)의 표현 등의 변화를 이끌어냈다고 볼 수 있다. 필자는 일본에서 연구되었던 삼십육가센에의 선행연구를 바탕으로 근세대중문화, 특히 출판문화의 형성과 그 영향을 전통적인 가센에 도상의 변천를 중심으로 고찰하였다. 그 결과, 출판 이전에는 ‘벽의 그림’을 중심으로 가센들이 정형화 된 이미지로 표현되었다면, 출판 이후의 ‘책의 그림’에서 가센들은 유녀(遊女)의 모습으로 또는 가부키 배우의 모습으로 변화되기 시작한다. 히시카와 모로노부(菱川師宣)의 에혼(絵本)『스가타에햐쿠닌잇슈(姿絵百人一首)』에서 묘사된 가센들의 당세풍(当世風) 표현은 상류계층의 문화가 대중화 되는 과정에서 나타나는 패러디를 통해 누구든지 고전문학을 쉽고 재미있게 접할 수 있는 이해도를 높였다고 할 수 있다.

This paper is a study on a traditional Japanese painting theme called Kasen-e (歌仙絵), which is about the celebrated poets in Heian era. Kasen-e can be found in variety of media, such as folding screens, hanging scrolls, framed pictures and books starting from Thirty-six Immortals of Poets (三十六歌仙)- an Emaki (絵巻) drawn in the Kamakura era. To categorize the characteristics of Kasen-e in each media, the study on the change of the images was done with periodic division of before and after the publication. If each kasens were drawn in a specific posed images as 'pictures on the wall' before publication began, they were shown in the form of prostitutes or kabuki actors as 'pictures in the book' in the after period. To heighten the understanding of traditional Japanese literature, the study used the picture book (絵本 ehon) Portrait of One Hundred Poets (姿絵百人一首 Sugata-e hyakunin isshu) by Hishikaga Moronobu (菱川師宣) which adapted parody, the distinctive characteristic of Edo culture to describe touseihuu (当世風) - the modernization during the Edo era - as a reference.

本論文は平安時代における著名な歌人たちの姿を描いた「歌仙絵」という、日本の伝統的な絵画主題に関する研究を行ったものである。歌仙絵は鎌倉時代の絵巻（『佐竹本三十六歌仙絵巻』）に初出してから、屛風、掛軸、扁額、本など様々なメディアに図像をみることができる。本論分では、各メディアに現れた歌仙絵の特徴を分類するために、出版文化以前から出版文化以後にかけて起きた歌仙絵図像の変化に注目した。筆者は日本で研究された三十六歌仙の先行研究をもとに、近世大衆文化、なかでも出版文化の形成とその影響について考察するに当たって、伝統的な歌仙図像の変遷を中心に考えた。その結果、出版文化以前には「壁の絵」を中心として歌仙たちの定型化されたイメージが描かれたならば、出版文化以後の「本の絵」には歌仙たちが遊女の姿で、あるいは歌舞伎俳優の姿として表れていることがわかった。特に、菱川師宣の絵本『姿絵百人一首』に見られる歌仙たちの当世風表現は、上流階層の文化が大衆化される過程に現れる見立、やつし、もどきといったパロディを用いて、誰もが古典文学に容易に接して楽しめるよう、古典文学に関する理解度を高めることに貢献したといえる。

본고는 고전과 대학의 글쓰기와 연결 지어 교양교육에 한 방법을 제시하였다. 이러한 방법을 구명(究明)하기 위해서 고전의 조건이란 무엇인가라는 원론적인 물음에서 출발하였다. 고전 선정은 역사적으로 볼 때 늘 국가 권력과 밀접한 관계 속에서 진행되었다는 것이다. 이것은 비단 국가 시책뿐만 아니다. 고전을 만드는 기구로 는 학교(초, 중, 고, 대학), 출판사, 매스미디어, 문학사업 등이 있으며, 츨판 시장, 출판사, 유통여건, 저자의 인지도, 베스트셀러 순위, 광고, 문학상 수상 등의 조건에 따라 고전으로 진입할 수 있고 그렇지 못할 수도 있 는 경우가 발생한다. 따라서 본고에서는 재해석(re－interpretation)과 재매개(re－mediation)를 그 준거틀로서 제시하고 우리의 고전 <춘향전>이 어떻게 고전으로 인정받게 되었는가를 검토해 봄으로서 고전의 조건을 논 하였다. <춘향전>의 전통적 해석과 매체에 의한 전달은 새로운 시대, 사상, 조류에 의해서 패러디될 수 있는 여백을 갖고 있다. 전문적인 작가에 의해서 패러디 될 수도 있지만 현재 시대적 흐름과 맞물려 일반인들도 글쓰기에 참여할 수 있게 되었다. 글쓰기에서 가장 기본이 되는 것은 대상에 대한 새로운 인식과 그것을 바탕으로 한 창 조적인 사고이다. 대상을 새롭게 인식한다는 것은 이미 알고 있던 것에서 새로운 의미를 발견하는 것이다. 모 든 글쓰기는 대상에 대한 새로운 인식에서 출발한다. 대학 <글쓰기>에서 고전을 활용한 글쓰기도 마찬가지이 다. 패러디라는 양식을 가지고 원전에 대해 자유로운 사고와 재인식을 통해 대학생들의 창조적인 사고와 표현 을 이끌어낼 수 있다.

This paper is constructed in classic and university general education in connection with the writing of the proposed method. the classic method to prove these conditions, what is the principle of the questions were from. Historically, the classic selection of state power always has been and will continue in close relationship. This is a national policy, but not silk. Mechanism to create a the classic school (elementary, middle, high, college), publishers, media, literature, business and the like, and publishers, distributors circumstances, the author's reputation, ranking best-selling, advertising, and other conditions Prize according to the classic approach of may be the case that might otherwise occur. Thus, the interpretation of this paper reinterpretation and remediation as its present and our classic <Chunhyangjeon> been recognized as a classic of how to examine the condition of the spring the classic as discussed. Writing is the most fundamental new understanding of the subject, and it is based on creative thinking. It is already known that the target was a new awareness thing will find a new meaning. All writing is a new awareness from the target. Take advantage of the the classic in the University Writing Writing is no different. Nuclear power plants that form a parody for free thinking and have to relearn the expression of students' creative thinking and can lead to.

The purpose of this article is to find out a way in Korea Copyright Act(KCA) to prevent the possible abuse of the author’s right of integrity. There are two issues that this article tries to solve; first, whether the author’s right of integrity is being abused, and second, what legal solution the court or the legislature can provide. To give answers to the issues, this article first clarifies the legal interest that the right of integrity should protect. This article shows that the author’s right, as Immanuel Kant who first provided the underlying philosophical foundation for author’s right, is the right of an author to communicate his thought to the public, and therefore that it is only when the public is confused about, or misunderstand, the author’s thought that the right of integrity is infringed. This article also shows that the late 19th and early 20th French courts also required the ‘change of the author’s thought’ for the infringement of the right of integrity in the same vein with the theory of Kant. Current French courts also show the same attitude to the infringement of right of integrity, especially with regard to utilitarian works and parody works. This article argues that the KCA provides right of integrity far beyond the extent that is necessary for preventing the public from misunderstanding an author’s thought. This excessive protection raises the transaction costs of utilizing copyrighted works in an unjustifiable way, and turns the exercise of the right into an abuse of the right. To prevent the abuse of the right of integrity, this article argues that anti-trust regulation and the abuse of right theory under the Korea Civil Act have their own limitations. Finally, this article proposes an amendment to the KCA that requires the ‘misunderstanding of the author’s thought’ for the infringement of right of integrity.

杜甫의 <飮中八仙歌>와 이를 畵題로 삼아 繪畫化한 詩意圖 3편과, 원텍스트를 패러디한 <飮中八仙圖>를 다시 원텍스트로 삼아 패러디한 세 편의 序跋을 살펴보면서 시라는 양식의 원텍스트가 그림이라는 양식으로, 다시 산문이라는 양식으로 그 모습을 바꾸면서 패러디되는 모습을 보았다. 開元․天寶 연간에 醉中奇行로 유명했던 여덟 명의 奇人을 노래한 杜甫의 <飮中八仙歌>는 많은 화가들에 의해 사랑받는 畵題가 되어 宋․元․明․淸, 朝鮮, 日本 등지에서 <飮中八仙圖>로 다시 태어났다. 이처럼 화가가 시에 대한 해석을 회화적으로 재창조한 것을 詩意圖라고 하는데 詩意圖는 이미 존재하는 시를 전제로 하고 있으므로 이 둘 사이에는 원텍스트와 패러디 텍스트라는 관계가 성립한다. 두보의 마음에 공명한 화가들의 그림 3점, 明代 尤求의 <飮中八仙圖>, 朝鮮 金弘道의 <杜甫詩意神仙圖>, 일본 모모야마(桃山)시대의 가이호유쇼(海北友松)의 <飮中八仙圖>를 살펴보며 원텍스트를 반복하면서도 각 화가의 개성에 따른 차이를 고찰하였다. 언어로 표현된 <飮中八仙歌>를 원텍스트로 삼아 패러디한 詩意圖 <飮中八仙圖>는 문인들이 그림에 부친 序文 및 題跋文을 통해 다시 언어화된 텍스트로 패러디되었다. 화가의 마음에 공명한 조선의 세 문인 李德懋, 朴齊家, 李鳳煥의 序跋을 통해 <飮中八仙歌>가 어떻게 변주되는지 살펴보았다. 이를 통해 원텍스트와 연속적인 관계에 의한 반복과 각 작가의 독자적인 해석에 의한 차이를 알 수 있었는데, 李德懋는 집정자에 대한 경계로, 이봉환은 懷才不遇한 賢人으로, 박제가는 현세의 규율을 초월한 天然스러운 仙界를 꿈꾸게 하는 대자유인으로 飮中八仙을 이해하였음을 알 수 있었다.

The poem Song of Eight Drunken Celestials by Du Fu(杜甫) of the Tang Dynasty was one of the most favored theme by many painters through the Song, the Yuan, the Ming and the Qing Dynasty, as well as in Korea Chosun Dynasty and in Japan. This paper focuses on the paintings depicting Song of Eight Drunken Celestials by Wu Qiu(尤求) of the Ming Dynasty, Kim Hongdo(金弘道) of the Chosun Dynasty and Kaiho Yusho(海北友松) of Japan Momoyama Period, makes a comparative study of them. And also focuses on two preface and a postscript to the painting Eight Drunken Celestials by Yi Dukmu(李德懋), Park Jega(朴齊家) and Yi Bongwhuan(李鳳煥) of the Chosun Dynasty, makes a comparative study of them. This study helps us understand the repetition and the differences between the poem as an Ur-text and the paintings and the prose about the painting as the parody texts.