Earticle

This study examined the effects of live music versus taped music on palliative care patients’ perceived degree of pain relief and physical comfort. Pain was assessed by the short-form McGill Pain Questionnaire, and physical comfort, the second dependent variable, was assessed by a VAS. The pain and physical comfort assessment instruments were administered in a pre- and post-test fashion. In total there were five scores yielded by the pre- and post-tests for each of the two sessions for each participant. Five regression analyses were run on the post scores as a function of pre score and session. Participants were inpatients of the Palliative Care unit of Baycrest Hospital, diagnosed with a terminal illness and were referred to the study by members of the interdisciplinary team. Participants had to be experiencing pain and taking a scheduled analgesic/pain medication as a result of their illness. Each subject was randomly assigned to the live or taped music group, and received treatment once on each of two days. Results indicated that both live and taped music were statistically significant in reducing pain perception and enhancing physical comfort, with the live music being more effective than taped.

In the last fifteen to twenty years, Korean musicians have interacted intensively with musicians from other countries, resulting in a diverse category of music often referred to broadly as “fusion music” (p’yujŏn ŭmak). A substantial number of Korean fusion music pieces in recent years have not employed Korean rhythms, instead relying solely on the timbre (sound quality) of Korean instruments to give them a “Korean feel.” Many members of the younger generation would identify any music that had a Korean instrumental timbre (e.g., a haegŭm playing with a synthesizer and electric guitar) as “Korean,” even if the rhythm bore no relationship to Korea’s rich rhythmic heritage of changdan. I propose in this paper that the most successful pieces of fusion music, those that represent a true blending of Korean and foreign elements, will reveal a basis in Korean rhythms and that rhythm, more so than timbre, represents a fundamental aspect of musical stylistic identity. Data from a small survey of Korean listeners, rating forty-one fusion examples, are discussed in the paper and lend support to this hypothesis.

아일랜드 독립을 추구하는 방법으로 민족주의자들과는 달리 예이츠는 비폭력적이고 문화적인 방법을 취했다. 초기의 아르카디아와 인도를 소재로 한 작품에 서 벗어나 고대 켈트족의 영웅 전설을 작품화한 장시 『어쉰의 방랑』은 예이츠 문학 일생에서 중요한 전환점을 보여준다. 어쉰이라는 고대 켈트족 영웅 이미지를 완성하기 위해면서 예이츠는 세 가지 켈트적 요소를 도입하고 있다. 첫째로, 고대 아일랜드의 영웅의 일화를 다룸으로써 민족의 단합과 고대 켈트족의 가치 부활을 시도했다. 둘째 로, 아일랜드의 자연을 부각시키면서 자연과 민족성 및 종교를 연관시키고 있다. 셋째 로, 고대 아일랜드의 영광을 부활시키는 수단으로 음악성을 강조하고 있다. 요약하자 면 켈트족 영웅인 주인공 어쉰에게 시인 자신을 투영시켜 조국 독립을 위한 민족의식 을 고취시키려고 한 것이다. 예이츠는 사회적으로 중요한 역할을 했던 고대 켈트족 음 영시인(바드)의 전통을 이어받아 용사이자 시인인 어쉰의 묘사와 예를 통해 조국을 재 건설하고 민족적 자존심을 되살리려고 시도하고 있다.

William Butler Yeats maintained the non-violent stance and used Celtic elements as a good way to seek for Irish cultural independence. Influenced by his family and the environment of his childhood, as an Anglo-Irish poet, Yeats was not reluctant to identify his nationalism. He sought for his Irish identity, yet by birth was an aristocratic English protestant origin. So he gradually formed his unique features and made his great contribution to the Celtic revival in literature but not in the violent and obvious political way. The Wanderings of Oisin, Yeats's longest narrative poem, is regarded as the turning point of his subject matter. The three vital Celtic elements in the poem are ancient Celtic mythology, the landscape (nature) of Ireland, and music. He believed that music inspired Irishmen to create a special rhythm and metrical structure with a striking feature of Irish songs. Music as the typical and vital Celtic element is to quest for the glory of ancient Ireland. Hence, he has paved the way to combine the powerful social role of the bard with modern nationalist goal. And he calls for Irish people to rebuild their ideal homeland and summons up courage for Irish independence and national confidence.

This article examines the origin of the sijo form based on the traditional Korean music scores such as mandaeyŏp (慢大葉, fifteenth to sixteenth century music) and chinjak 1 (眞勺一, twelfth to fifteenth century music) and estimates that sijo originated in the late fifteenth to sixteenth centuries. It is commonly believed that sijo originated in hyangga or Koryŏ kayo and has been sung and enjoyed since the late Koryŏ dynasty (高麗, 918–1392). However, this common perception lacks empirical evidence. Sijo is a sung form and its music originated from the mandaeyŏp (慢大葉) song, so an examination of its musical background is necessary to provide solid evidence to determine its origin. Some researchers have argued that the first sijo song, mandaeyŏp (慢大葉), originated from chinjak 3, but have not provided specific evidence of the relationship between the two compositions. This research investigates the derivation of mandaeyŏp from chinjak 1 (眞勺一) rather than chinjak 3 (眞勺三) on the basis of clear similarities in form and melody between the two types of composition. Because mandaeyŏp shows such concrete influences from chinjak 1 in Taeak hubo (大樂後譜), a collection of popular songs during King Sejo’s reign (世祖, r. 1455–1468), readers have inferred that the time of derivation of mandaeyŏp is close to that of chinjak 1. In fact, mandaeyŏp scores did not emerge before King Sejo’s reign, during the late fifteenth century, but appeared continuously after his reign. Looking at the problem from a literary perspective, sijo poems initially emerged in munjip (文集), or literati’s private collections, and their poetic form is intricately connected with the mandaeyŏp score. This consistent evidence clearly shows that the sijo form originated and developed under the influence of mandaeyŏp scores around the late fifteenth century.

다니엘 올브라트는 문학을 연구하고 가르친 시간이 아주 길다. 그는 많 은 글을 썼고, 그가 쓴 모든 책들은 독창적이고, 많은 후학과 학자들의 귀감이 되고 있다. 그의 최근의 관심을 이렇게 표현 한다: “예술작품이 절대적이라 여겨지고 그 텍 스트가 모든 맥락과 절단되면, 그것은 한 무더기의 모기떼로 흩어지게 될 것이다. 예 술작품이 그 작품의 고유의 문화의 대표적 표현으로 여기지면, 그 작품은 갑옷을 입은, 공처럼 둥글게 변하는 아마딜로가 될 것이다” (233). 이제 우리는 텍스트에서 눈 을 떼서 우리 주변의 것들에 돌려야 할 때이다. 이런 말에도 불구하고, 올브라트는 텍 스트 자체도 깊이 파고들었다.

Daniel Albright has studied and taught literature for a long time. He has written so much, all of the books he has written being original and becoming standards for many students and scholars. His main concern in recent years: “If I want the artwork [and the literary work] to be absolute, a text severed from all context, it diffuses into a swarm of mosquitoes; if I want the artwork to be a specimen and manifestation of its surrounding culture, it becomes an armadillo curling itself into a scaly ball” (223). Now it is time that we should turn our eye away from the text to the things around us. Despite this, Albright delves deep into the text itself, also.

본 연구는 현대무용 안무가 7명을 대상으로 심층 면담을 실시하여, 안무 창작과정에서 음악의 선택과 활용, 음 악과 신체의 상호작용, 음악에 대한 인식 형성 과정을 탐구하였다. 자료는 질적 사례연구 방법으로 분석되었으 며, 그 결과 세 가지 영역이 도출되었다. 첫째, 음악은 작품의 방향성과 창작 태도에 따라 선행적 또는 후행적 으로 선택·조정되며, 반복적인 편집과 재구성을 통해 안무 구조 형성에 활용되었다. 둘째, 음악과 신체의 관계 는 융합적 또는 병렬적으로 경험되었고, 일부 안무가들은 음악을 감정과 의미를 매개하는 조정의 대상으로 인 식하였다. 셋째, 음악에 대한 인식은 창작 경험과 음악 교육 배경 속에서 점진적으로 형성·변화하였으며, 반복 된 창작 실천은 음악을 보다 구조적으로 인식하도록 이끌었다. 본 연구는 안무 창작과정에서 음악의 과정적·관 계적 의미를 조명함으로써 현대무용 창작에서 음악 활용에 대한 이해를 확장하고자 한다.

This study conducted in-depth interviews with seven contemporary dance choreographers to explore the processes of music selection and use in choreographic creation, interactions between music and the body, and the formation of perceptions of music. The data were analyzed using a qualitative case study approach. The findings indicate that music functions as a core creative resource, selected and adjusted either prior to or following choreographic development and shaping choreographic structures through repeated editing and reconfiguration, while the relationship between music and the body is experienced in integrative or parallel ways, with music mediating emotion and meaning. Perceptions of music were shown to develop gradually through creative experience and musical education, with repeated choreographic practice leading to a more structural understanding of music. By highlighting the processual and relational significance of music in choreography, this study seeks to expand understanding of the use of music in contemporary dance creation.

This study aims to describe music-related request patterns observed in AI assistant platforms and formalize them by using the local grammar graph(LGG) methodology. These patterns, transformed into Finite-State Transducers in the Unitex platform, allow us to automatically classify and annotate various sentences used for request, which is crucial for diverse machine learning approaches. In this study, we examined a corpus of tweet texts crawled by Deco-T-Crawler as seed data and classified music-related requests into 3 categories: music on/off, volume up/down and music-play control. Then each category was divided into sub-categories which were represented by several LGGs. By applying these LGGs and the DECO Korean dictionary on test data, we obtained the information retrieval performance. In this regard, the linguistic resources proposed in this study are proved concrete and meaningful.

한방경의 『해상화열전』은 19세기 말 상하이 기녀들의 일상을 평담하면서도 사실적으로 담아난 소설로 평가받고 있다. 소설의 서술자는 객관적인 관찰자로서 시간의 흐름, 공간의 이동, 인물들의 한담, 마차타기와 같은 일상, 정면에 나서지 않는 숨은 인물들, 심지어 회목이나 후기(跋)까지 활용하여 ‘천삽장섬’법을 효율적으로 운용하여 서술하였던 것이다. 결과적으로 이 ‘천삽장섬’법에 힘입어 8개월이라는 시간과 상하이조계지라는 공간, 그리고 다양한 인물들의 독립된 이야기를 유기적으로 연결할 수 있었다. 다만그동안 『해상화열전』에 등장하는 음악은 단순히 기루의 일상을 보여주는 역할로만 볼뿐 ‘천삽장섬’법의 또 다른 장치로 보지 않았다. 이에 본고에서는 소설에 등장하는 음악이 인물의 이야기 전개에 있어서 ‘천삽장섬’의 장치로서 어떤 역할을 어떻게 하고 있는지 살펴보고자 하였다. 제2장에서는 소설에 등장하는 음악을 살펴보았다. 소설에 등장하는 약 스무 여 곡의 음악은 기본적으로 당시 기루의 풍경을 보여주는 역할, 즉 당시 기루의 일상을 담아내는 장치로서의 기능을 기본적으로 담당하고 있으면서도 ‘천삽장섬’ 법의 장치로서 인물의 이야기 전개를 돕고, 복선 역할을 하며, 서술되지 않는 인물의 심리를 대변하는 역할을 하고 있다는 것이다. 이에 제3장에서는 황취봉과 왕련생의 이야기를 중심으로 소설 속 음악들이 구체적으로 어떻게 운용되고 있는지를 살펴보았다. 황취봉의 이야기에는 세 곡의 음악이 등장하는데, 모두 나자부를 자신의 손님으로 만드는 과정에 집중되어 있다. 왕련생의 이야기는 대여섯 개의 음악이 등장하지만, 왕련생이 마음이 가는 대로 고른 ｢斷橋｣와 ｢尋夢｣을 중심으로 왕련생의 이야기 전개와 그의 심리를 살펴보았다.

Han Bangqing’s “Haishanghualiezhuan” is a novel that is known for its realistical portrayal of the ordinary life of Shanghai courtesans in the late 19th century. This novel effectively uses ‘Chuanchacangshan’ method to narrate time flow, movement of space, conversation between characters, daily life such as carriage rides, hidden characters who are not evident, and even with the title of a chapter and postscript as an objective observer. As a result, time lapse of 8 months, the world of Shanghai, and the independent stories of various characters were able to closely connect using the ‘Chuanchacangshan’ method. However, the music used in “Haishanghualiezhuan” was seen as only a mere role to show the life of courtesans and not a function of ‘Chuanchacangshan’. This study will show how the music that appears in the novel works as a part of ‘Chuanchacangshan’ on expressing the flow of the story. Main focus will be on the music that appears in Chapter 2. About twenty music that appears in the novel work to express the scenes of courtesans during that era as a function to portray the daily life of them, but also by using ‘Chuanchacangshan’ to help the storyline, work as a foreshadow, and represent the psychology of unspecified denizens. In Chapter 3, how the music is practiced in the novel is narrated more in detail along the stories of Huaung Cuifeng and Wang Liansheng. Three pieces of music appear in the story of Huaung Cuifeng which all focuses on making LuoZifu as her guest. Five to six pieces of music appear in the story of Wang Liansheng, but this study will mainly discuss on his natural picks “Broken Bridge” and “pursuing the dream” to analyze his story and mind state.

태교는 인간 교육의 시작이다. 자녀의 평생 성품이 태중에서 형성되므로 부모의 태교 에 따라 사랑을 받을 성품과 미움 받을 성품을 자녀에게 물려주는 것이다. 좋은 성품은 부모의 바른 마음에서 나오는 것이다. 현대는 험악한 세상을 탓하는 사람이 많다. 인성 교육의 목소리가 높아지고 있으나 누가 어떤 인성교육을 하는지 무엇을 가르쳐야 할 것 이지를 걱정한다. 태교의 핵심은 인성이기에 정답은 태교에 있다고 봐도 과언이 아니다. 인성교육은 가 족관계에서부터 시작하여 개인과 타인과의 관계로 지속적으로 이루어 져야한다. 가족 끼리 오랫동안 서로 부대끼며 서로에 대한 공감과 배려로 인격적인 만남이 이루어질 때 가장 효과적인 교육이 될 수 있다. 음악은 몸으로 받아들이는 언어이며 효는 몸으로 표현하는 언어이다. 음악 그 자체로 서 감수성을 키워주며 정서함양에 도움을 주는 중요한 요소이며 우리의 마음 깊은 곳에 서 바른 인성을 키우며 효심을 일깨워 효행을 실천하는 삶으로 이끌어 나간다. 음악이 불러일으키는 정서적 기능이 효인성에 영향을 미치는 것이다.

A parental care is the beginning of human education. Children’s lifelong personality is formed in the period of maternity, so according to a parental care, parents will pass on their children the loved personality or hated personality. A good personality comes from the parental right mind. In modern times, there are many people to blame the abrupt world about that. In these days, people are emphasising a personality education and they are worried about what to teach, who to teach a personality education, which personality education to be taught. The core of parental care is personality, therefore it is no exaggeration to say that the answer is in the parental care. A personality education should begin from family relationship and continue to be the interaction with individuals and others. It will be the most effective education when the family faces with each other for a long time and a personality education is formed by the compassion and consideration. Music is the language that is accepted by way of body, and filial piety is the language that is expressed by way of body. Music is the important factor that raises sensitivity and helps the emotional cultivation. In addition, it awakens filial affection and raises the right personality and leads the life that practices the filial behavior. The emotional function that music brings has an influence on the very filial piety personality

본 연구는 가상현실(virtual reality, VR) 기반 음악중재가 불안장애에 미치는 효과에 대한 연구를 대상으로 주제 범위 문헌고찰을 실시하여, 현재 연구 동향을 파악하고 향후 연구에 대한 제안을 도출하고자 하였다. 이를 위해 주제범위 문헌고찰 프로토콜에 근거한 방법론을 적용하여 2015년부터 2025년까지 발표된 해외 연구를 대상으 로 PubMed와 Scopus 데이터베이스에서 ‘virtual’, ‘music’, ‘anxiety’, ‘therapy’, ‘rehabilitation’ 등을 핵심 어로 검색하였다. 총 407편의 문헌이 검색되었으며, 이 중 선정 기준에 부합하는 최종 14편을 선정하였다. 분석 내용은 중재의 일반적 특성, 음악의 유형과 활동 방식, 중재에 사용된 VR 기기와 시스템, 각 연구에서 활용된 측정 도구, 그리고 음악과 VR의 효과 및 작용 메커니즘으로 구성되었다. 분석 결과, 일반적 특성 측면에서 참여자 의 연령대는 다양하였으며, 이 중 가장 높은 비율을 차지한 연령층은 20대 대학생으로 나타났다. 음악 활동 유형에서는 음악 감상이 가장 보편적으로 사용되었고, 시스템 측면에서 독립형 헤드마운트 디스플레이(head mounted display)가 Unity 소프트웨어를 기반으로 운영되는 것으로 나타났다. 효과의 측면에서 VR 기반 음악 중재는 불안장애 환자의 정서기능 개선에 긍정적 영향을 미친 것으로 나타났는데, 이러한 효과는 음악이 주의 분산(distraction)과 생리적 동조화 기제를 통하여 불안의 전반적 경험과 불안 관련 생리 반응을 완화시킨 것으로 분석되었다. 또한, VR이 제공하는 몰입감과 사용자 맞춤형 설정은 불안 완화에 기여한 것으로 나타났다.

This study conducted a scoping review to examine the effects of virtual reality (VR)-based music interventions on anxiety disorders, with the dual purpose of mapping existing research trends and identifying directions for future inquiry. Following a scoping review protocol, international studies published between 2015 and 2025 were systematically searched in the PubMed and Scopus databases using the keywords virtual, music, anxiety, therapy, and rehabilitation. The search initially yielded 407 records, of which 14 studies met the predefined eligibility criteria and were included in the final analysis. The review synthesized findings across several domains: the general characteristics of interventions, the types and modalities of musical activities, the VR devices and systems employed, the measurement tools utilized, and the reported effects and underlying mechanisms of VR and music. With respect to participant characteristics, studies involved diverse age groups, though the largest proportion comprised university students in their twenties and patients in medical contexts. Regarding musical activity, passive music listening was the most prevalent modality. In terms of technology, standalone head-mounted displays (HMDs) emerged as the most commonly used VR hardware, and Unity was the predominant software platform, reflecting a steadily increasing adoption trend. In terms of therapeutic outcomes, VR-based music interventions demonstrated positive effects on the emotional functioning of individuals with anxiety disorders. Music contributed to anxiety reduction through attentional distraction and physiological entrainment, thereby alleviating anxiety-related physiological responses. Moreover, the immersive nature of VR, combined with customizable features, was shown to further enhance the efficacy of interventions by promoting greater emotional relief and psychological comfort.

유교는 예절과 음악의 중용적 조화를 중시한다. 예악은 다음과 같은 의미로 나누어 볼 수 있다. 첫째, 예악(禮樂)은 한마음이 된 사람에게 서 우러나오는 자연스러운 형식이다, 행복한 사람의 몸놀림이 예(禮)이 고, 행복한 사람의 흥얼거림이 악(樂)이 되었다. 둘째, 예악은 인간이 인위적으로 만든 동작과 음악이다. 세상의 조화와 안정을 위해 예(禮) 와 악(樂)이 필요하다. 셋째, 예악은 한마음의 상태에서 우러난 행동이 면서 인위적으로 만든 예악과 일치될 수 있다. 예악(禮樂)의 기능으로 첫째, 인간다운 삶을 확립할 수 있다. 예악을 지키며 사는 사람은 인간답고, 정신적으로 풍요롭다. 둘째. 예악은 사 회다운 사회를 확립하는 기능을 한다. 인간 사회는 예악을 지키는 사 람들이 가득할 때 아름답고 넉넉한 사회가 된다. 셋째, 국제 질서와 평 화의 정착에 도움을 줄 수 있다. 온 세계가 예악을 지켜 서로 화목하 고 양보하는 모습이 될 때 세상은 평화로워진다. 예악이 꽃피는 이상 사회가 되면 첫째, 개인적인 측면에서는 형식과 내용이 잘 어우러져 조화를 이루는 이상적인 삶을 살 수 있다. 둘째, 개인의 삶이 예악의 조화에 의해 이상적인 삶이 되고, 인간 사회가 예 악이 지켜지는 아름답고 넉넉한 사회가 될 때 전 세계는 조화롭고 풍 요로운 이상 사회가 될 수 있다. 셋째, 자연과 인간이 하나 되는 이상 향이 이루어진다. 본 연구는 유교 예악론(禮樂論)의 본질과 현대적 의 의를 추출하는 데 의미를 두었다.

Confucianism emphasizes the moderate harmony between etiquette (rite) and music. Rite and music (禮樂) can be divided into the following meanings. First, rite and music is a natural form that comes from people who are of one mind. The movement of a happy person is rite (禮), and the humming of a happy person becomes music (樂). Second, rite and music are movements and music that are artificially created by humans. For harmony and stability in the world, rite (禮) and music (樂) are necessary. Third, rite and music can be matched with the artificially created rite and music, while it is also an action that comes from a state of one mind. As a function of rite and music (禮樂), first, it is possible to establish a human‐worthy life. People who live by observing rite and music are human‐worthy and spiritually rich. Second, rite and music function to establish a socially decent society. Human society becomes a beautiful and generous society when it is full of people who observe rite and music. Third, it can help establish international order and peace. The world becomes peaceful when the whole world observes rite and music to become reconciled and yield to each other. When it becomes an ideal society where rite and music bloom, first, from a personal perspective, it is possible to live an ideal life in which form and content harmonize well. Second, personal life becomes an ideal life by the harmony of rite and music, and when human society becomes a beautiful and generous society where rite and music are respected, the whole world can become a harmonious and prosperous ideal society. Third, a utopia where nature and humans become one is achieved. This study is meaningful in that it extracts the essence and modern significance of the Confucianism theory of rite and music (LiYuelun; 禮樂論).

이 연구는 음악이 정서에 미치는 조절 효과에 대한 신경화학적 측면의 문헌들을 체계적 문헌고찰을 통해 통합적으로 살펴보고자 하였다. 데이터베이스 검색을 통해 확인된 총 355편 중에서 논문 선정 및 배제 기준에 따라 최종적으로 20편을 선정하였다. 신경화학적 변인과 음악 변인을 중심으로 자료를 추출하였으며 QATQS를 사용하여 선정된 연구의 질 평가를 수행하였다. 정성적 합성 수행을 통한 자료 분석에 있어서는 사용된 음악의 특성 및 대상자의 특성에 대해 종합적으로 분석하였다. 연구 결과, 신경화학적 변인에 있어 도파민 4편, 엔도르핀 4편, 옥시토신-바소프레신 6편, 노르아드레날린(노르에피네프린) 11편, 세로토닌 1편으로 노르아드레날린 관련 연구가 가장 많았으며 콜린 관련 연구는 없었다. 신경화학적 변인과 관련하여 언급된 정서적 주제에 있어서는 모든 변인에서 스트레스가 언급되었는데 이를 통해 스트레스가 정서와 밀접하게 관련된 주요 관심사임을 확인할 수 있었다. 음악적용의 형태에 있어서는 음악 감상의 적용이 대부분을 차지하였는데, 음악중재에 있어 긍정적 정서를 유발하는 음악의 조절 효과에 주로 초점이 맞추어졌음을 알 수 있었다. 연구의 질 평가에 있어서는 선택 비뚤림과 눈가림에 대한 고려가 더욱 필요하다는 점을 확인할 수 있었다. 음악이 정서에 미치는 조절 효과에 영향을 주는 것으로 고려되는 변인들로 음악 특성과 대상자 특성에 대한 내용을 종합적으로 분석한 결과에서는 정서가와 각성에 따른 반응 차이가 신경화학적 측면에서 확인되었다. 이를 통해 근거 중심의 음악치료 중재를 위한 이론적 토대로서 기초연구의 가치를 실제적으로 확인할 수 있었다. 이 연구는 체계적 문헌고찰을 통해 음악이 정서에 미치는 조절 효과에 대한 신경화학적 측면의 객관적 근거를 확인하고 임상적 함의에 대해 살펴보았다는데 의의가 있다.

The aim of this study was to systematically review the literature on the neurochemical aspects of the modulating effects of music on emotion. Of a total 355 identified through a database search, 20 studies that met the selection criteria were finally selected. Data were extracted with a focus on neurochemical and musical variables, and the quality assessment for the selected studies was conducted using QATQS. The characteristics of the music used and of the research participants were comprehensively analyzed. As for the results of the study regarding neurochemical variables, there were 4 dopamine studies, 4 endorphin studies, 6 oxytocin- vasopressin studies, 11 noradrenalin studies, and 1 serotonin study. The noradrenalin studies were the largest in number and there were no choline studies. In all the selected studies, stress as a key emotion-related subject was discussed in relation to the examined neurochemical variables. Regarding music application, music listening was made in most studies, and the music interventions were mainly used to trigger positive emotions in participants with the intent to examine the modulating effect of music. The comprehensive analysis of the characteristics of the music used and of the research participants showed that there were differences in response based on emotional valence and arousal. The results of this study form a theoretical basis for the evidence-based music therapy practice particularly related to emotional modulation. The quality assessment of the selected studies suggests the considerations necessary to deal with selection bias and blinding in future research. The significance of the current study is that it collected the objective evidence of the modulating effects of music on emotion and discussed its clinical implications through a systematic review of the related literature.

본 연구는 대학에서 예술 전공 학생을 대상으로 한 학기 동안 캡스톤디자인 수업을 운영 하고, 그 결과를 바탕으로 교육적 시사점과 교과목 개선의 방향을 모색하는 데 목적이 있다. 예술과 같 은 실기 전공의 교과목에서 캡스톤디자인 형태로 수업을 운영하는 것은 실제적인 문제해결 능력과 창 의성뿐만 아니라, 협업 역량을 기를 수 있는 실질적인 학습 기회가 될 수 있다. 연구 내용은 예술교과와 캡스톤디자인의 국제적 동향과 사례를 검토하고, 특히 음악교과에서의 실 제 적용을 중심으로 고찰하였다. 음악분야의 캡스톤디자인에서는 개인 및 팀별 프로젝트로 AI기반의 예술교육 활동과 지역연계 공연예술을 기획함으로써, 예술교육에서 다양한 문제해결 방식과 실무 적용 의 가능성을 제시하고자 하였다. 또한 학생들이 전공 교과의 현장 경험을 통해 예술교육에 대한 진로 인식과 전문성을 강화하며, 나아가 지역 문화정책과 예술 기반 사업에 필요한 전문 인력 양성에 기여하 는데 그 의의가 있다.

This study conducted research on capstone design with a focus on students majoring in art and discussed its educational value and potential curriculum improvement. Capstone design is a project-based educational program that synthesizes specialized knowledge from university curricula to propose solutions to problems in the industrial field. Implementing capstone design in practice-oriented majors like art can not only improve students' practical problem-solving skills and creativity but also provide hands-on opportunities that foster collaborative capabilities. Based on international trends and case studies in art and capstone design, this study specifically examined the practical application of capstone design in music education. This study planned individual and team projects involving AI-based art education activities and community-linked performing arts. The purpose was to provide a foundation for the use of diverse problem-solving methods and practical applications of capstone design in arts education. Furthermore, it aimed to enhance students' career paths and expertise in arts education through hands-on experience in their major, ultimately contributing to professional development needed to advance regional cultural policies and arts-based projects.

Music on social media is a relatively new area of research. After examining the concept of engagement (Mayol, 2023), the concept of virality seems to be directly related. This research article aims to explore and analyze the role of music in social networks, with a focus on connections in virality and engagement. By thoroughly reviewing the existing literature, we hope to understand the characteristics of viral music tracks and how they are shared and spread.

La musique sur les réseaux sociaux est un domaine de recherche relativement nouveau. Après avoir examiné le concept d'engagement (Mayol, 2023), le concept de viralité semble être directement lié. Cet article de recherche vise à explorer et analyser le rôle de la musique dans les réseaux sociaux, en mettant l'accent sur les connexions dans la viralité et l'engagement. En examinant en profondeur la littérature existante, nous espérons comprendre les caractéristiques des morceaux de musique virale et comment ils sont partagés et diffusés.

The author examines the problems of proletarian (Soviet) culture, its inception, and activities of the creative intelligentsia of the Soviet Koreans. In the USSR, the leaders paid great attention to the liquidation of illiteracy, youth education, and the formation of the Soviet Korean Culture in the 1920-1930. During this period, Soviet authorities opened two pedagogical colleges and teachers training institutes, newspapers and magazines were published in the Korean language, and selected works of Korean Proletarian writers were published. Soviet cultural policy contributed to the development of Korean Culture. In 1932, Soviet Koreans created the Korean theater; artists, musicians, painters, and poets appeared among Korean youth.

This article is a part of my Doctoral dissertation, named “A study of the development, characteristics, and knowledge of Thai popular singing”, which was conducted using qualitative Ethnomusicology research methodologies. The data was collected by documents, songs, and interviewing the appropriate people who have knowledge and ability of Thai popular singing. Then, the data was examined, analyzed, synthesized, and compiled according to the objectives. The characteristics of Thai popular singing during 1925 - 1967 were divided into 8 items, which consisted of (1) Concerning the singing in Thai popular songs, (2) The vocal registers, (3) vibration, (5) dynamics, (6) The last word of a phrase, (7) Ad-lib singing, and (8) Interpretation and emotional expression. Thai popular singing was developed continuously to singing skill in Western style and completely around 1967 and it was accepted widely by Thai people and became the models of how to sing until now.

음악은 우리 삶이 시작하던 때부터 늘 우리와 함께 해왔다. 때문에 음악적 메타포에 대한 해석의 가능성은 매우 다양하며, 도덕교육에 있어서도 오래 전부터 활용되어 왔다. 본 논문의 문제의식은 학생들의 일상에 음악이 깊이 있게 결부되어 있다는 점에 착안하여 교육현장에서 음악적 메타포가 지닌 도덕 교육적 적용 가능성을 탐색하는 데 있다. 이를 위해 먼저 동서양의 교육철학적 담론에서 음악적 메타포와 도덕교육의 상호연관성에 대해 살펴본다. 다음으로 현대 음악적 메타포로서 재즈가 지닌 즉흥성의 요소로서 자발성, 불완전성, 책임 및 전통에 대한 예의를 논구하고, 이러한 재즈 즉흥성의 교육적 구현 가능 배경과 도덕교육적 적용 방안 및 사례를 제시하고자 한다.

Music has always been with us since the beginning of our lives. Therefore, musical metaphor can be interpreted in various ways and it has been used for a long time in moral education. The purpose of this paper is to explore the applicability of musical metaphors to moral education in the field of education by drawing attention to the fact that music is deeply attached to students' daily lives. First, we will examine the interrelationship of musical metaphor and moral education in the educational philosophical discourse of East and West. Secondly, we will discuss elements of improvisation of jazz which is related with contemporary musical metaphor: spontaneity, incompleteness, responsibility and respect on tradition. And then, we will present the possible background of the jazz improvisation, applicable method and cases to moral education.

The ancient Chinese philosophy of ye-ak(courtesy and music)held an important position in the ancient musical theory of China. It was established as a musical theoretical system in the “Musical Records” section of Records of Courtesy and as a musical philosophy of East Asia. The philosophy of ye-ak is also a political ideology based on national government. “Ye” means order and “ak” signifies harmony. A noble man was supposed to have these virtues of order and harmony, and these virtues functioned as means to govern the nation.　The book titled Summary of Musical Books, brought into Japan by Kibiomakibi, a Japanese envoy to the Tang Dynasty, served as a conduit in Japan’s acceptance of Ｙe-ak philosophy. On the other hand, the scope of ancient music as a ruling ideology included poetry, songs, and dance. These three things are the basis of virtue, and act as a link in the form of arts. The preface of Kokin-wakasyu expressed the theory of praising virtues by Waka as the concept of music and established the Waka-centered views of the era of peace based on the Confucian musical theory. In addition, Confucius’ “philosophy of playing with arts” emphasizes the ethical role of arts in building character but the aesthetic function of arts, or the concept of “Asobi (having fun)” in Japanese. The relations between Asobi and arts in Japanese cultural history is based on the “philosophy of playing with arts” of ancient China. In particular, the musical viewpoint reflected in Monogatari of the Heian Dynasty was centered on the philosophy of courtesy and music and elegant and refined enjoyment. The phase of elegant and refined Asobi is a starting point of arts for amusement for ancient Japanese people. Therefore, the ancient Japanese history of arts for amusement is a part of the history of Asobi of Japanese people, and the culture of arts for amusement was being shaped anew while people were enjoying arts.

礼楽思想は単なる音楽思想ではなく、律令制を根幹に据え、需教を基点にして築かれた日本古代制度や政治思想の中で大きな位置を占めている。そのなかで需教的な礼楽論を集大成したのは『礼記』の｢楽記｣であり、政治思想として経典化され、音楽思想の主流を占めていた。 それで、本考察では『礼記』の｢楽記｣を中心に‘礼’と‘楽’の概念、日本における礼楽思想の受容と政治的なイデオロギーとしての古代日本の‘楽’の様相、そして礼楽思想を受容し実行した為政者の政治·文化活動が文学のなかで、どのように反映されていたのかを考察してみた。 遣唐使の吉備真備により持たされた『楽書要録』は日本の礼楽思想に大きな影響を与えた。礼楽思想は秩序を意味する‘禮’と和合を意味する‘樂’を基に、君子が備えるべき徳として、治世の手段として機能をした。そして、その代表的な宮廷芸能の行事が五節舞であり、それは国家統治と皇室の莊嚴化のために天武天皇によって制作されたものである。 一方、理想の統治イデオロギーとして機能した古代‘楽’の範囲は、｢詩、歌、舞｣で、これらは心の徳の根本であり、いわゆる‘藝’の形として一つの継ぎ目に作用している。その中で,『古今和歌集』の序文の歌德論は、礼楽思想を背景にした楽論に基づいており、和歌中心の聖代観を構築した。 また、孔子の‘遊於藝’の思想は、単に‘藝’の倫理的な人格の完成だけではなく、‘藝’を楽しむという‘遊’の概念、すなわち‘藝’の心美的な機能を強調している。すなわち、‘遊’と‘藝’との相互関係は、古代中国の〈遊於芸〉思想を基にしている。特に、平安物語にみる一般的な音楽観は、礼楽思想の側面と遊楽的な側面があり、その風雅の遊びの段階が古代人にとっての〈遊芸〉の出発であると考えられる。したがって、日本の古代の〈遊芸〉は日本人の遊びの歴史の一部であり、‘藝’を楽しむ中で遊芸文化は新たに生成していった。

본 연구의 목적은 현대 교회 안에서 사용되고 있는 찬양의 개념적인 문제점과 오용되고 있는 문제점 을 고찰하였다. 그 결과 많은 문제점들이 발견되었다. 성경이 번역될 때마다 찬양용어들의 명칭이 바뀜으로 인하여 그 성경을 읽는 평신도들은 어느 것이 옳은지, 어느 것이 맞는지, 혹은 왜 바뀌었는지 혼동할 수 있다. 그리고 교회 지도자들이 예배에서나 연구 자료에서 찬양용어들을 개념 없이 잘못 사용하는 문제들 즉, 성경에서 언급된 노래를 찬양으로 인식하여 교회에서 사용되는 대부분의 노래들을 찬양으로 오해하는 것, 찬양이 곧 음악이라고 인식하 여 메시지 전달의 수단 또는 도구로 오해하는 것, 찬양은 기도와 같다고 인식하는 것, 그리고 찬양을 설교와 같다고 인식하여 찬양 속에 설교 내용을 넣는 것에 당연시 하는 것 등이 있다. 위와 같은 문제들이 교회 안에 있음에도 불구하고 이런 문제에 대하여 사람들은 무관심하거나 무시하 려는 경향이 있다. 그러므로 이러한 문제들이 계속 반복되며 답습되고 있는 현실에 본 연구자는 가능 한 한 성경을 근거하여 몇 가지 해결 방안을 제안하였다. 찬양의 본질은 삼위일체 하나님을 높이어 칭송하며 찬송함으로 그분께 영광을 돌리는 심령과 행위라 고 사려 된다. 찬양해야 할 내용은 하나님의 이름, 하나님의 속성과 성품, 하나님의 역사하심, 하나님 의 말씀 등이며 이것을 표현 혹은 선포하는 방법은 다양하다. 그 방법은 언어, 글, 노래, 악기 연주, 춤 등의 수단을 사용할 수 있으며, 표현 수단에 따라 각각의 용어 즉, 찬송, 찬미, 찬송시, 찬송가 등의 명 칭이 붙는다. 찬양은 음악으로 표현할 수도 있고 그렇지 않을 수도 있기 때문에 찬양을 음악과 동일시 할 수 없다. 음악은 찬양을 표현하는 수단(매개체)이 될 수 있으나 찬양은 사람을 위한 말씀 전달의 수 단으로 사용할 수 없다. 말씀 전달의 수단으로 사용하려면 일반 찬송가나 교회음악, 성가, 복음성가, CCM 등과 같은 노래를 사용하면 된다. 찬양은 그 자체가 하나님을 위한 찬양이기 때문에 기도나 설교 와 동일시 할 수 없다. 찬양은 하나님의 것이므로 삼위일체 하나님께만 돌려드려야 한다.

It might be said that worship and music is now more active and enthusiastic than ever before among protestant churches in Korea. Especially, the number of people interested in liturgical music has been increased recently in Korea. The core of the liturgical music in the service of worship is a hymn of praise to God. The purpose of this study was to investigate the concept about the ‘Praise’ of liturgical music and also the use of terminologies dealing with the ‘Praise’ used in current churches in Korea. There are many problems in the use of terminologies about the Praise as well as the incorrect use of the Praise in many fields of Christian activities including the service of worship and lots of research materials. Many of Church leaders do not understand precisely the meaning of concept ‘Praise’ and also they do not discriminate the name and the use of each concept dealing with the Praise related to 12 terminologies about the Praise. As a result, they misuse the concept and then make most of laymen confuse each concept. Many of Church leaders misuse the word ‘Praise’ in some aspects; first, they say that the Praise is the same as music, second, the Praise is a prayer set to music, and third, the Praise is a tool delivering messages to everyone. This researcher recommends some suggestions to solve problems described above. It is recommended that the Praise is to applaud and honor our God to be the highest. The song of praise to God is a hymn. Therefore Christians should praise him and sing for something specials such as his name, eternality, almighty, love, creation, salvation from the sin, etc. The Praise can be expressed through songs, instruments, dances, among others; as a result, the terminologies dealing with the Praise are various. The Praise is not music, The Praise is not a prayer set to music. The Praise is not a tool delivering messages to human being because the Praise is the praise itself only for God.