Earticle

이 논문은 조선시대 수장과 수장가에 대해 그동안 단편적으로 논의되었던 수장가의 개념과 수집행위로부터 파생된 여러 양상을 종합적으로 정리하고 그 의미를 탐색하는데 중점을 둔 것이 다. 조선시대 사람들이 생각한 진정한 수장가란, 수집을 이용해 재력이나 인맥을 과시하는 사람 이 아닌 작품의 가치를 분별할 줄 아는 진정한 감식가이자 작품의 훼손을 방지하는 보존가로 해 석된다. 당시 수장가들은 작품의 보전을 위해 별도의 보관처인 장서루나 수장처를 마련하였고, 수장인을 찍거나 수장목록을 작성해 수장품의 소유를 증명하고 출납과 현황을 파악하였다. 이러 한 현존 수장목록은 개인의 취미를 보여주는 사례를 넘어서 한 시대의 지성사와 예술사의 흐름을 보여주는 또 다른 자료라는 점에서 미술사적 의의가 있다.

This paper is intended as a comprehensive summary of the modus operandi of the Joseon dynasty period collectors and the art historic implications of their collections. This is a subject that has not been much discussed by art history scholars. An ideal collector, as envisioned by the contemporaries of the period, was an expert appraiser and preservationist who could judge and protect the value of work rather than a person who would show off his wealth or personal connections through the collection. Collectors of that period used to establish repositories, referred to as Jangseoru, to preserve their collections, make catalogues to document the provenance and ownership of the collection, and maintain journals to keep track of movements of collection items. Extant collection catalogues and journals, which might appear artifacts of personal hobbies, carry a substantial significance in art history as they represent a distinct intellectual heritage from the Joseon dynasty.

2000년대 이후, 우리나라에서는 공립미술관이 대거 개관하면서 그 중요성을 새롭게 재인식하는 시대를 맞이하였다. 이와 함께 공립작가미술관도 계속 증가해가며 그 입지를 더욱 강화해가는 모습을 보여주고 있다. 요제프 슘페터는 새로운 것들의 끊임없는 결합과 적용을 통해 기존의 것들을 혁신해나가는 ‘창조적 파괴’의 개념을 고안해냈다. 따라서 이 연구는 ‘이응노의집’에초점을 맞춰 우리나라 공립작가미술관의 현황을 점검해보고, 창조적 파괴의 개념을 통해 이응노의 예술세계를 기념하는 이응노의집의 미래경영 방안을 제언해 보고자 한다. 특히 이 연구는 근대미술관이 부재한 한국의 미술관 현황을 고려하여 이응노의 예술세계를 핵으로 하는 근대미술관으로 자리매김하는 이응노의집의 미래경영 전략과 방안을 구상해 보여주고자 한다.

Since the early 2000s, a large number of public art museums have opened in Korea, marking public recognition of the importance of such museums. The number of public art museums will continue to grow at an increasing rate, further strengthening their influence on the society. This study intends to examine the current state of public artist museums in Korea, and then focus specifically on Maison d’Lee Ungno which opened in 2011 to commemorate Lee Ungno’s art world. It also aims to propose a future management plan for Maison d’Lee Ungno based on the concept of creative destruction. Creative destruction, a notion put forward by Joseph Schumpeter, is a process of innovating existing practices through the continual combination and adoption of new ideas. Given the relative absence of modern art museums dedicated to particular artists in Korea, the proposed plan shall incorporate the creative destruction process as its core strategy.

본 논문은 미국의 미학자이자 미술비평가인 아서 단토가 2005년 기획한 전시 《9/11의 예술》을 바탕으로 ‘예술의 종말’에 관한 그의 유명한 이론이 문화적 패러다임의 종말을 암시하는 현실 정치의 상황 속에서 어떻게 재해석될 수 있는지 분석해 본다. 이를 위해 논자는 단토의 이론을전기와 후기로 나눌 것이다. 전기는 주로 1980부터 2000년 사이에 이루어진 예술의 분석적 정의와 헤겔적 역사주의에 입각한 ‘예술 종말론’의 시기이다. 후기는 2000년 이후, 칸트에 대한 재해석을 통해 종말 이후 예술의 주관적 보편성과 숭고한 비형식적 특성을 강조하는 ‘종말 예술론’ 의 시기로 볼 수 있다. 본 논문은 단토의 이론에 내재하는 예술 종말과 종말 예술의 유의미한 대비를 통해 예술 종말론의 논점들–포스트 내러티브적 예술, 일상의 변용, 지각적 식별불가능성, 의미의 육화 등이 9/11과 같은 대재난에 의해 야기된 동시대 문화의 종말적 상황 속에서 어떻게 재해석 될 수 있는지 살펴본다. 이를 통해 본 논문은 단토의 예술 종말론이 간과한 종말 예술의 형식적 특수성을 규정할 것이며, 이러한 종말적 형식들이 어떻게 재난적 (동)시대성을 반영하고 치유해 가는지 논증할 것이다.

Based on The Art of 9/11 an exhibition curated by critic Arthur Danto in 2005, this paper inquires how Danto’s well-known theory about ‘the end of art’ can be reinterpreted in the current socio-political milieu and therein explores art’s new status quo and formal validity in this age of global disaster. For this inquiry, Danto’s theoretical spectrum will be broken into two parts: first, the earlier ‘end-of-art’ period, roughly between 1980 and 2000 in which Danto discussed art’s ontological crisis and its historical end through his half analytic and half Hegelian methods, and second, the later ‘art-of-the end’ period, after 2000 in which he emphasized art’s subjective yet universal aspect and its formal inertia in pursue of Kantian sublimity. This paper then delves into their theoretical polarity in order to see how Danto’s earlier ending story with post-narrative art, transfiguration of commonplace, indiscernibility, embodiment of meaning, etc. reveals its true face in culture’s another dead-end caused by 9/11. Through this, the paper aims to crystalize the formal peculiarity and reflective, remedial value of ‘the art-of-the end’ that has not been fully discussed in Danto study.

빈 미술사박물관의 중세 소장품 중 인상적인 작품의 하나는 ‘덧없음의 알레고리’를 내용으로 하는 소위 <바니타스 그룹>이다. 세 인물이 쌍을 이룬 조각상은 젊음의 아름다움과 나이 듦의 노쇠함이 명백하게 대조를 이룬다. 노파의 몸은 처진 가슴, 주름진 얼굴 등 노화의 사실적 묘사를 통해 강조되는 반면 젊은이의 피부는 매끄럽고 팽팽하다. 서양미술사에서 노인을 소재로 다룬 경우는 드물지 않다. 그러나 1500년경 독일 남부에서 벌거벗은 노파를 소재로 한 미술품의 증가는 주목할 만하다. 본 연구는 주름과 불거진 뼈 등 육체적 노쇠함의 징후를 강조하는 ‘추한 여성’을 주제로 다룬다. <바니타스 그룹>과 같은 조각상의 유행과 의미는 인문주의 교육을 받은 사람들과 관계가 깊다. ‘추한 여성’을 다룬 작품이 당대 지식인과 인문주의자의 서재나 쿤스트캄머를 위해 주문됐을 것으로 추정하는 이유이다.

An Allegory of Transience, so-called Vanitas Group is one of the most impressive works in the Medieval collection of Kunsthistorisches Museum Wien. The statue contrasts the beauty of youth with the decrepitude of age. The changes of the old woman’s body shape are drastically emphasized through the realistic depictions of aging. In the history of Western Art, it is not uncommon to choose the elderly as a subject. However, there is an extraordinary phenomenon in southern Germany around 1500. It is remarkable that the numbers of artworks, which deal with a naked old woman, are increasing. This study explored the theme of "Hideous Old Woman" emphasizing physical signs such as wrinkles and bulging bones. Presumably, the use of Vanitas Group and the meaning from it would have been related to those who were educated in Renaissance Humanism. This leads us to believe that the work may have been produced for the studiolo and Kunstkammer of intellectuals and humanists.

본 연구는 1970년대 중반의 한국 미술 현장에서 두드러진 ‘새로운 평면’에 주목해 형식주의관점에서 일반화할 수 없는 평면 작업의 개별성을 확인하고자 한다. 이때의 새로운 평면은 국제무대의 새로운 아방가르드 기획으로, 68혁명 이후 후기구조주의 맥락에서 회화 요소를 통해 회화 매체를 전복하고자 한 미술 양상으로 설명된다. 국제 조류에 민감하게 반응했던 한국 미술계역시 1973년의 제8회 《파리비엔날레》를 주요 통로로 동시대 전위를 수용했고, 양식적으로 차용했다. 구체적으로 이우환의 <선으로부터>(1973), 박서보의 <묘법>(1973), 그리고 이건용의 <신체 드로잉>(1976)에서 동시대 평면 경향의 영향을 확인할 수 있다. 이 작품들은 1970년대 중반을 배경으로 반복적 행위가 표상된 평면 드로잉이라는 유사성으로 유비된다. 특히 ‘한국적 모더니즘’이라는 회화 중심의 서사에서 동시대 전위의 맥락이 굴절된 채 단일 매체로 범주화되기도한다. 이에 본 논문은 이우환, 박서보, 이건용의 각기 다른 작업 기반을 살펴 형식적 유사성만으로 일률적으로 규정할 수 없는 평면 작업의 개별성을 논증하고자 한다.

This study discusses the “new flatness” that stood out in the Korean art scene in the mid-1970s and affirms the individuality of flat works by showing that these works cannot be generalized from the perspective of formalism. New flatness was avant-garde on the international stage that emerged in the wake of the Protests of 1968. It is explained as a project that sought to subvert the painting medium through pictorial elements in the context of post-structuralism. The Korean art community accepted this contemporary avant-garde through the 8th Biennale de Paris (1973). Its influence can be confirmed in Ufan Lee’s From the Line, Seobo Park’s Ecriture, and Lee Kun-Yong’s The Method of Drawing. The dominant narrative at the time emphasized the similarity of these works for their representation of repetitive actions. This paper argues against this narrative of formal similarity and will substantiate the individuality of flat works.

이 글은 ‘자연미술가’로 평가돼온 임동식의 작품세계를 포스트휴머니즘과 페미니즘의 복합적 관점에서 비평한다. 그가 야외현장에서 풀과 꽃, 떠내려온 나무 등 자연물을 이용해서 펼친 행위예술은 기존의 자연주의 관점으로만 설명하는 것은 불충분하다. 자연을 행위 주체로 보는 포스트휴머니즘적 사유와 함께 서구 대지미술과는 다른 탈남성적 태도가 감지되기 때문이다. 이후 그가 회화 작업을 본격적으로 하면서 탈남성적 성격은 진화한다. 즉, 그의 풍경화는 중심-주변을 가르는 이분법의 해체, 시각 우위를 전복하는 촉각적인 화면, ‘남성적’인 힘찬 붓질을 의도적으로 거부하는 섬세한 붓질 등에서 여성주의적으로 해석될 여지가 있다. 인간/비인간, 남성/여성의 이분법적 경계를 허무는 임동식의 미술적 실천은 페미니스트 도나 해러웨이가 경계 해체, 양성성을 가진 이미지로 제시한 사이보그의 혼종성을 연상시킨다.

This article criticizes the art world of Rim Dong-sik from a syncretized perspective of posthumanism and feminism. It would be futile to explain Rim’s outdoor performance art by characterizing him as a natural artist. This is because his work is intrinsically rooted in posthumanistic thinking that views nature as the subject of action on par with humans and also in demasculine attitude that does not exist in Western land art. The demasculine tendency is more pronounced in his paintings, with an affinity for materials that facilitate the portrayal of commonplace scenery, an effort to dismantle the dichotomy between the center and surrounding areas, tactile screens that overthrow visual advantage, and delicate brushstrokes that reject masculine dynamics. The work of tearing down the boundaries between human and nonhuman and between male and female is reminiscent of the hybridity of cyborgs presented by feminist Donna Haraway as an image of defiance against demarcation and gender.