Earticle

헬레니즘시대의 알렉산드리아는 그리스와 이집트 및 지중해 전역의 다양한 출신의 성원들의문화가 공존하는 공간이었다. 본 연구는 프톨레마이오스 왕조의 집권기 동안의 알렉산드리아의문화적 정체성을 그리스화와 현지화 정책을 통해서 고찰하고 흑인과 난쟁이, 꼽추를 재현한 소형조형물에 투영된 다문화적 성격을 보이고자 한다. 흑인과 난쟁이, 꼽추는 왕족과 상류 그리스인들의 유흥과 소비문화에서 노예나 광대로 참여했던 사회적 소수자이다. 이들의 조형물은 상류문화를 동경한 비그리스인 중간계층의 시민들에 의해 소유되었을 것으로 여겨지는데, 그 소유자는 자신이 그리스적 상류 문화의 주체가 아니라는 사실과 노예나 광대와 같은 소수자와도 구분되는 존재라는 사실을 인지함으로써 도시 내 자신의 문화적 정체성을 규정했던 것으로 보인다.

Alexandria, founded by Alexander the Great, was a multi-cultural city composed of people from Greece, Egypt and other places in the Mediterranean region. The study examines the cultural identity of Ptolemaic Alexandria and investigates the dynastic policies of Hellenization and glocalization while also inferring the multi-cultural features of the city from statuettes which depicted dwarves, hunchbacks and blacks. These were social minorities who participated in royal and noble entertainment parties - as entertainers or slaves. The statuettes reflect the desire of the non-Greek middle class, who may have been their owners, for the culture of the higher Greek class. The owners of the statuettes identify themselves as, on the one hand, not among the higher Greek classes and, on the other, as distinguished from social minorities.

본 논문은 아메리칸 르네상스 벽화에 드러나는 와스프 계층의 타자화 전략과 그들의 지배 이데올로기를 이민의 급증이라는 사회적 문맥 내에서 고찰한 연구이다. 1880년대 이민의 급증으로사회적 위기의식을 느낀 와스프 계층은 와스프 문화를 지키는 과정에서 그들 문화의 범주를 지형학적으로, 인종적으로, 종교적으로 제한했다. 이 시기 아메리칸 르네상스 벽화들은 와스프 지배층의 지배 이념과 이상을 포함하고 있으며, 와스프 계층은 이 벽화들을 통해 지배 이데올로기를 강화하려 했다. 다문화주의로 변화하는 시기 아메리칸 르네상스 벽화들은 와스프 계층의 상반된 두 가지 전략을 보여주었다. 한편으로는 이주민들을 자신들의 영역에서 분리해서 자신들만의 공적 영역을 강화시키는 방식과 또 다른 한편으로는 회유와, 설득을 통해 자신들의 영역으로 편입시키는방식을 보여주었다.

This article is the study on the otherization strategy of WASP establishment and its dominating ideology within the social context of rapid surging of immigrants, which is shown through the American Renaissance murals. Having been faced into the consciousness of social crisis along with the increase of immigrants in 1880s, WASP establishment restricted immigrant's cultural expansion topographically, racially and religiously to protect their own culture. The American Renaissance murals produced during that times connotes WASP establishment's ruling ideology and spirit, which WASP tried to reinforce through such murals. American Renaissance murals reflecting a change into the Multiculturalism exhibited two separate strategies of the WASP establishment: to concrete WASP's public area by separating immigrants from its area and to absorb immigrants into WASP's area by assimilating them.

이 논문은 오늘날 ‘단색화’로 명명되는 한국 추상화의 한 경향에 대한 세 개의 반성적 질문을 던지고, 그에 대한 답을 모색하고자 한다. 첫째 질문은 단색화를 진정 독자적인 유파로서, 긴밀한 이념과 그 실천의 집약체로서 형성된한국적 미술운동 또는 유파로 볼 수 있는가이다. 둘째 질문은 오늘날까지 관례적 정설로 자리 잡아 온 견해로서 ‘단색화는 진정 한국성 또는 한국적 미의 반영인가’이다. 셋째 질문은 단색화의 거의 공식화된 영문표기인 ‘Dansaekhwa’와 그것을 정당화하는 담론은 타당한가이다.

Under the hypothesis that the recent monochrome painting wave is drawn by the contemporary art market, this thesis examines the following three critical questions. The first question can imply, ‘As a truly independent school, can Korean monochrome painting be seen as the Korean art movement which has developed as the close ideology and the practical integration?’ The second question is the presentation of the problem on the established theory that is to say the white color is the Korean indigenous aesthetic sense. The third and last question is about the English notation, ‘Dansaekhwa’, as a qualification which regulated monochrome painting as a crystal of vigorous ideology.

본 논문은 국제적인 활동을 펼치고 있는 일본의 무라카미 타카시와 중국의 차이 궈창이 전략적으로 스스로의 ‘타자성’을 부각시키는 작품을 통해 해외 진출을 성공적으로 이룬 과정을 살피고있다. 이는 에드워드 사이드가 말하는 오리엔탈리즘이 서양의 동양에 대한 통제 일뿐 아니라 동양이 서양의 시각을 내재화시키는 측면이 함축됨을 보여주고 있다. 무라카미의 경우 미국진출을 염두에 두면서 그 전까지의 시사적 작업에서 멀어지고, 현대일본의 특수층의 취미문화라 할 수 있는오타쿠와 관련된 이미지들을 제작, 발표한다. 차이는 중국 미술계의 디아스포라라는 대대적인 이주의 시절에 일본으로 이동하여, 중국의 4대발명품으로 일컬어지는 화약을 사용한 작업으로 자신의 특수성을 각인시키는데 성공한다. 두 작가의 경우 모두 스스로가 개척해온 ‘타자 이미지’의 초월을 통해 비로소 동양인 국제파 작가에서 단순히 ‘국제적’ 작가로 재인식될 수 있을 것이다.

In planning for the overseas expansion, Takashi Murakami and Cai Guo- Qiang had been successful in foregrounding their ‘Otherness.’ As Edward Said mentions how the Orientalism is a control over the consciousness of the Westerners towards the Orient, it could also be an internalized idea of the Orient itself projecting the Westernized vision. In Murakami’s case, when entering into the U.S. art scene, he has abandoned the previously established style of social criticism and implemented visual themes from Otaku culture, a characteristic part of contemporary Japanese culture. Cai moved to Japan during the era known as Chinese artistic diaspora and has successfully characterized himself by using gunpowder as his artistic medium, one of four major inventions by the ancient Chinese. In both cases, the artists will need to go beyond the image of ‘Otherness’ in settling their images as international artists and not as Asian artists in the international scene.

17세기 로마의 전성기 바로크에서 활동했던 프란체스코 보로미니의 건축은 정교하고 복잡한, 하지만 탈 고전주의적인 기하학적 구성으로 잘 알려져 있다. 본 연구는 이 성당의 공사과정상의 문제들을 당대의 정치적 변화와 연동지음으로써 산 티보 성당의 정치적 상징체계의 변화와 그 양상을 제시하려고 하였다. 1642년에 착공되어 1660년에 봉헌된 이 성당은, 그 규모를 고려할 때, 상당한 공사기간을 가졌다. 이것은 건축을 위한 물리적인 시간의 지연이 아니라, 정치적 역학에 따른 지연이었다. 건축공간과 구조 속에 투영된 기하학적 그리고 문장학적 요소들은 선행연구들이 인식했던 ‘지혜의 상징’을 넘어서 ‘권력의 상징’이 되었고, 실내와 외부에 추가된 장식물들 또한 이러한 정치적인 의미를담고 있다.

The architecture of Francesco Borromini, who lived and worked during the High Baroque era in 17th-century Rome, was well-known for its elaborate and complex, but non-classical, geometrical structure. This study examines the various aspects and changes of political symbolism found in the Sant'Ivo church by linking issues of the construction process to political changes that took place at the time. Considering the scale of the cathedral, which began construction in 1643 and was consecrated in 1660, underwent a long period of construction. The delay, however, was not due to physical time required for the building, but due to political dynamics. The geometrical and heraldic elements projected in the architectural space and structure were not merely "symbols of wisdom," as perceived by earlier studies, but "symbols of political power," and such political significance was also evident in the ornaments added to the interior and exterior of the church.

이 논문은, 17세기 네덜란드 화가 렘브란트 판 레인(Rembrandt van Rijn, 1606-1669)이 젊었던 시절 고향도시 레이덴(Leiden)에서 제작한, 화가의 초기 유화 트로니들을 다룬다. 논문은 트로니(Tronie)란 용어가 무엇을 뜻하는지, 회화장르로서의 트로니는 무엇인지 설명하는 것으로 시작한다. 그 다음, 렘브란트의 초기 유화 트로니 일곱 점을 선별해 본보기적으로 관찰함으로써 작품들의 공통된 특징들을 제시한다. 논문은 마지막으로 화가의 초기 유화 트로니들의 원래 기능이무엇이었는지를 논하며 끝이 난다. 렘브란트의 초기 유화 트로니들은 비교적 저렴한 미술작품들이었고, 젊은 렘브란트는 이 저렴한 트로니들을 통해 더 많은 미술 감상자들에게 자신의 미술을 알릴수 있었을 것이다.

This thesis treats the painted, so called ‘tronies’ which the seventeenth century Dutch painter Rembrandt van Rijn (1606-1669) produced in his youth in his home city Leiden. This thesis begins with explaining what the term ‘tronie’ in the Dutch seventeenth century meant and what the tronie as a painting genre is. And then, this thesis selects seven painted tronie works of Rembrandt to study them as typical examples and finally to know the common characteristics of all Rembrandt’s early painted tronies. This study ends with an attempt to reconstruct the origin functions that the works had in the early seventeenth century Netherlands. The early painted tronies of Rembrandt were relatively cheap art works at that time and so Rembrandt as a young growing painter could probably let more art observers be aware of his painting and himself with those low-priced tronies.

본 연구는 생명기술이 인간의 통제 및 감시에 어떤 방식으로 이용될 수 있는가를 포착하여 대중적으로 알리거나 유전공학기술이 바이오산업의 경제적 이득을 위해 어떤 역할을 하고 있는가를고발하는 바이오아티스트들의 프로젝트들을 다루고 있다. 예를 들어 신체정보를 수집하고 규제하는 제도적, 정치적 차원의 생명감시에 대한 우려와 실상을 알리는 히더 듀이-해그보그의 작업과, 경제적 이득을 앞세우는 바이오산업 배후에 있을지도 모르는 유전공학의 잠재적 위험성과 탐욕을 고발하기 위해 역-유전공학을 이용하는 CAE와 BLC의 활동을 소개하고 있는데, 이는 인간이자연과 생명자체에 개입하여 새로운 시대를 열고 있는 이 시대에, 미술이 생명기술에 대한 올바른사용과 판단, 정치 및 경제와 맞물린 기술의 유용성에 대한 포괄적인 재고를 요구하고 있다는 점에서 의의를 지닌다고 할 수 있다.

This study is about bioartists’ projects, which announce publically the ways that biotechnologies are being used for the control and surveillance of people, and criticize strategically the role of genetic engineering for the profits of bioeconomics. For example, there are experimental works of Heather Dewey-Hagborg who speaks out the reality and concern about political systems of biosurveillance through collecting and controlling of bioinformation of people, and the activist art works of group CAE and BLC that uncover the dangerousness of genetic engineering and the avarice of companies behind bioindustry, by reverse genetic engineering. This essay has some significances that art calls for the proper use of biohechnologies and requires rethinking of usefulness of technology combined with econopolitics.