Earticle

본 연구는 그리스 고고·미술사 분야에서 레거시 데이터의 디지털화와 인공지능(AI) 기술의 활용이 가져온 학술적 전환의 양상을 분석한 다. 주요 아카이브 및 데이터베이스/데이터뱅크의 구축 사례를 살펴보고, 이를 바탕으로 이루어진 융복합 연구의 성과를 소개한다. 특히 고대 마케도니아 벽화 복원, 금석문 해독, 탄화된 파피루스 해석 등 AI 기반 연구 사례를 검토하며, 데이터 편향, 해석의 불투명성, 윤리적 쟁점 등 기술 활용의 한계와 위험성을 비판적으로 고찰한다. 결론적으로, 디지털 및 AI 기술의 발전 속에서 국내 연구자가 전통적 학문 역량과 AI 리터러시를 어떻게 조화시켜야 하는지를 제시하며, 향후 고고·미술사 연구의 지속 가능성과 대응 전략을 모색한다.

This study investigates the scholarly transition in Greek archaeology and art history brought about by digitization of legacy archive data and application of artificial intelligence (AI) technologies. It examines key cases of digital archive development and interdisciplinary collaborations, highlighting relevant AI-driven projects such as reconstruction of Macedonian tomb paintings, epigraphic restoration of fragmented inscriptions, and deciphering of carbonized papyri. While acknowledging the innovative potential of AI in cultural heritage research, the paper critically addresses inherent challenges, including data bias, interpretive opacity, and ethical concerns. This study further explores how researchers in non-Western contexts, particularly those in Korea, can reconcile traditional scholarly rigor with AI literacy. Emphasizing the need for institutional support and critical engagement with digital technology, the paper proposes strategies for sustainable and inclusive research practices.

본 연구는 이탈리아 미술사 방법론과 문화유산 제도의 변화가 디지털 기술과 어떻게 교차했는지를 분석하며, 우피치 미술관이 주도한 ‘우피치 디푸시’와 ‘우피치 디지털레’ 두 프로젝트를 중심으로 살펴본다. 연구는 1970년대 이후 전통적인 연대기적 미술사에서 장소 기반 접 근으로의 전환 과정을 엔리코 카스텔노보와 카를로 진즈버그가 제안했던 중심–주변 모델이 분산된 박물관(musei diffusi)로 알려진 안드레아 에밀리아니의 ‘영토의 박물관들’개념으로 이어지며, 우피치의 두 프로젝트의 이론적 실천적 토대라는 사실을 다루었다. 이런 점은 상호 보완적 인 두 프로젝트가 디지털 거버넌스, 지역 간 연계성, 참여적 전략을 통해 디지털 시대 박물관의 사회적 역할을 재정의하는 방식을 보여준다.

This study analyzes how transformations in Italian art historical methodologies and cultural heritage institutions have been facilitated by digital technologies, focusing on the two interrelated initiatives undertaken by the Uffizi Galleries: Uffizi Diffusi and Uffizi Digitale. It examines the shift, since the 1970s, from traditional, chronologically-oriented art history to place-based approaches, highlighting how the center-periphery model proposed by Enrico Castelnouvo and Carlo Ginzburg evolved into Andrea Emiliani’s concept of museums of the territory, also known as the diffused museum or musei diffusi. This conceptual trajectory provides the theoretical and practical foundation for the two Uffizi projects. These two complementary initiatives demonstrate that digital governance, interregional connectivity, and participatory strategies contribute to the redefinition of the social roles of museums in the digital age.

본 연구는 미국 메트로폴리탄미술관 사례를 중심으로, 디지털 거버넌스가 문화정책 영역에서 문화 접근성 확대, 공공성 강화, 다문화 포 용을 실천하는 방식을 분석하는 것을 목표로 한다. 연구는 세 가지 방법을 통해 수행되었다. 첫째, 디지털 거버넌스 개념에 대한 관련 문헌 검토, 둘째, 미국 연방정부 및 문화기관의 정책 자료 분석을 통한 제도적 맥락 파악, 셋째, 미술관 디지털 운영 담당자 2인과의 심층 인터뷰를 통한 실무 현장 분석이다. 연구 결과, 메트로폴리탄미술관은 웹사이트 개편(2016), 디지털 부서 설립(2019), 오픈 데이터 및 인공지능(AI) 기 반 콘텐츠 큐레이션(2017–) 등 구체적인 디지털 전략을 통해 ‘유니버설’ 뮤지엄의 기관 정체성을 실현하고 있으며, 연방정부의 정책 기조와 지역적 장소성의 상호보완적 작용을 통해 디지털 거버넌스를 실천하고 있음을 확인했다. 디지털 거버넌스는 이 과정에서 단순한 기술적 도구 가 아니라, 문화의 해석과 참여 방식을 재구성하는 구조적 메커니즘으로 기능하였다. 본 연구는 궁극적으로 디지털 기술이 문화기관의 운영 전략 및 사회적 책무성과 결합하여, 새로운 문화 실천 패러다임 형성에 기여할 수 있음을 시사하며, 향후 다양한 국가 및 기관 간 비교 연구를 통한 연구 확장 가능성을 제안한다.

This study investigates how digital governance in U.S. cultural policy facilitates cultural accessibility, publicness, and multicultural inclusion through a case study of the Metropolitan Museum of Art (The Met). It draws on a threefold methodology: literature review to establish a theoretical framework, policy and institutional document analysis to examine legal and structural contexts, and in-depth interviews with two key digital strategy practitioners at The Met. Findings indicate that The Met has developed primary digital strategies—including website and app redesign (2016), a digital department (2019), and open data with AI-based content curation (since 2017)—to embody its role as a “universal museum.” These initiatives align with federal digital policy and New York’s multicultural environment to enhance access and inclusivity. The study suggests that digital governance functions as a structural mechanism reshaping cultural participation, identity, and accountability. It calls for further comparative research to expand understanding of digital governance in diverse cultural contexts.

이 논문은 회화 문화유산의 복원 현황과 AI 기술을 활용한 디지털 복원 방안을 제시한다. 국내에서는 디지털 복원 및 모사본 제작을 통해 회화 문화유산의 원형 복원을 한 사례, 국외에서는 AI를 활용한 복원 사례를 소개한다. AI는 회화의 패턴과 스타일을 학습하여 복원을 지원하 며, 복원 효과를 높일 수 있다. 이 과정에 기존에 제작된 원형 복원 모사본의 과정 및 이미지를 학습데이터로 활용 가능하다. 결론에서는 AI 기반 디지털 복원이 전통적 복원 방식과 조화를 이루어 문화유산의 원형 복원과 가치 보존에 기여할 수 있음을 강조한다. 특히, 고지도 및 산수화, 어진 및 초상화 관련 복원 등에서 강력한 도구로 작용할 수 있으며, 지속적인 기술 발전을 통해 더 많은 가능성을 열어갈 수 있다고 기대한다.

This paper presents the current state of restoration of pictorial cultural heritage and proposes digital restoration methods using AI technology. Domestically, there are cases of restoring the original form of cultural heritage through digital restoration and replica production, while internationally, multiple cases of restorations using AI exist. AI supports restoration efforts by learning the patterns and styles of paintings, thereby enhancing restoration effects. Previously produced restorations and reproductions can be used as AI training data. In conjunction with traditional restoration, AI-based digital restoration can contribute to the restoration and preservation of valuable cultural heritage. The continuing progress of AI establishes a powerful tool, especially in the restoration of old maps, landscapes, royal portraits, and other historical portraits, which creates new restoration possibilities.

본 논문은 미국의 초현실주의 아상블라주 작가로 알려진 조셉 코넬의 초기 작업인 1930-1940년대에 병행했던 두 형식인 상자 구조물 아상블라주와 필름 콜라주에 주목하여 다양한 기술 매체를 통해 시청각적 감각을 확장한 예술적인 시도를 살펴본다. 그리고 이 시기 코넬의 매체 혼성적인 실험의 내재적인 동력으로서 뇌성마비로 인해 신체적·언어적 제약을 가졌던 동생 로버트 코넬과 함께 지낸 경험에 주목한다. 코넬에게 로버트는 돌봄의 대상에 그치지 않고 오히려 사회적인 관습과 성인의 타성을 벗어나게 하는 타자적인 존재이자 그의 감각적인 실험 의 원동력이었다. 코넬은 인간과 자연의 움직임을 기계적으로 산출한 원초적인 시각 매체에 관심을 가지고 쉐도우박스, 원시적 광학 장치, 무성 영화와 같은 과거의 매체를 인간의 지각과 감각을 확장하는 장치로서 긍정적으로 수용했다. 코넬의 상자 구조물과 필름 콜라주는 거동이 불편한 로버트가 감각적 유희를 즐기면서도 신체적인 제약을 넘어 열린 시공간의 세계를 상상할 수 있도록 하였다. 로버트와 보낸 시간의 기 억을 담고 있는 그의 필름 콜라주는 분절적으로 누적된 시간과 다층적으로 중첩된 감정을 담은 비선형적인 심연의 시간을 다룬 독자적인 실험이었다.

This paper examines Joseph Cornell’s box constructions and film collages from the 1930s-1940s, focusing on his experiments in expanding audiovisual perception through diverse technical media. A key figure in American Surrealist assemblage, Cornell drew deeply from his relationship with his younger brother Robert, who lived with cerebral palsy. For Cornell, Robert was not merely a dependent to be cared for, but an otherly presence who enabled him to transcend social conventions and the rigidities of adulthood, ultimately encouraging his pursuit of sensorial expansion. Cornell actively employed antiquated media such as shadow boxes, early optical devices, and silent cinema to explore and expand human perception and sensory experience. His box constructions and film collages allowed Robert to engage his senses and envision a world unbound by his physical limitations. Infused with intimate memories, Cornell’s film collages stand as unique experiments in which fragmented time and layered emotion dismantle linear narrative.

현대 미술은 시각 중심에서 다감각적 경험으로 확장되며, 감각을 통한 인식과 참여의 새로운 가능성을 제기하고 있다. 이러한 변화 속에 서 다감각적 예술 경험이 관객의 주체성과 자율성 형성에 어떠한 역할을 하는지 고찰하기 위해, 본 논문은 김민지, 박호은, 현세진의 작업을 사례로 다양한 감각을 통해 유도되는 신체적·감각적 개입과 그 구조, 맥락, 관객의 감각적 경험을 중심으로 분석하였다. 이를 바탕으로 관객의 감각 경험이 신체적 자각을 출발점으로 삼아 감각의 확장과 전이, 환경 및 사회적 맥락과 상호작용하며 자기인식과 해석으로 이어지는 과정을 탐구하였다. 본 연구는 미학, 심리학, 신경과학, 정치학 등 다학제적 관점에 기반하여, 다감각적 경험의 층위와 관객 주체성의 형성과 확장 과정을 조명하였으며, 다감각적 예술 경험이 단순한 참여나 인터렉션의 형태로 소비되는 데 머무르지 않고, 관객이 기존의 관습이나 구조에 대해 성찰하고 질문하며 이견을 형성하는 주체적 존재로 확장될 수 있는 가능성을 시사한다. 나아가, 다감각적 경험이 관객으로 하여금 수동적 감상자를 넘어 자신의 감각과 신체, 환경과의 관계에서 주체적으로 의미를 재구성하고 자기화할 수 있는 실천의 통로로 작용함을 제시한다.

Contemporary art has transformed itself from a visual-centric undertaking to a multisensory experience, opening new possibilities for perception and participation through sensory resources. This study investigates how multisensory art experiences contribute to the formation of viewers’ subjectivity and autonomy. Focusing on works by Minji Kim, Ho Un Bac and Sejin Hyun, this study analyzes bodily and sensory engagement, along with the structures, contexts, and viewer experiences thereof. It explores how sensory experience progresses from bodily awareness, expands across modalities, interacts with environmental and sociocultural contexts, and leads to self-reflection and interpretation. Drawing on interdisciplinary frameworks derived from aesthetics, neuroscience, and political theory, the study explores the layers of multisensory experience and its role in shaping subjectivity. It argues that multisensory art goes beyond passive participation, enabling viewers to critically reflect on normative structures and reposition themselves as active agents.