Earticle

본 연구는 《2020창원조각비엔날레》의 주제인 비조각 담론의 큐레이팅을 분석한다. 그레마스의 기호학에서 '비(not)'의 모순 논리를 빌려온 로잘린드 크라우스의 연구나, 비조각적 재료를 통해 비조각을 실험했던 이승택의 작품에서도 중성화는 주요한 개념이다. 본 연구는 비조각에 내재한 자기모순과 자기반성의 중성화 담론에 대한 큐레이팅을 위해서 ‘빗금( / )’의 메타포를 제시한다. ‘빗금의 경계’ 또는 ‘빗금 큐레이팅’은 A와 B의 영역을 계보학처럼 명확히 구별하지도 않지만, 그렇다고 리좀처럼 허물지도 않는다. 그것은 A와 B를 빗금의 경계 양쪽에 위치시키되 서로의 영역을 일정 부분 공유하는 화해와 소통을 지향하기 때문이다. 또한 이 연구는 야외/실내, 처음/마지막, 작품/작품, 작품/환경 그리고 조각/비조각의 영역에서 실제로 실험했던 빗금 큐레이팅을 분석하면서 비조각 담론의 큐레이팅 모델을 다각도로 탐구한다.

This study discusses the curation of the discourse of non-sculpture, the theme of the Changwon Sculpture Biennale 2020. Neutralization is the main concept in Rosalind Krauss' thesis, which borrows the contradictory logic of not(~) from A. J. Greimas' semiotics, and in the works of Lee Seung-Taek, who experiments with non-sculpture through non-sculptural materials. This study proposes a metaphor of slash (/) for the curatorial practice concerning the discourse of the neutralization of self-contradiction and self-reflection inherent in non-sculpture. Slash curating, would neither make a clear distinction between A and B, nor break down the boundary between them. While slash curating places A and B on the opposite sides or slash, it allows for reconciliation and communication through a shared area. This study examines how slash curating has been used in the form of outdoor/indoor, first/last, work/environment, or sculpture/non-sculpture, and explores the curatorial model for non-sculptural discourse from diverse perspectives.

본 연구는 20세기 이탈리아에서 정체성에 대한 고민이 높았던 시기에 진행되었던 통일, 파시즘, 2차 세계 대전 이후의 전시의 시각 체계를 분석하고 전시와 사회의 관계를 살펴보았다. 이를 위해 살펴보았던 《이탈리아 통일 50주년 기념 전시》는 박람회 문화의 영향 속에서 타자를 바라보는 관점을 통해 주체를 구성했고, 《파시즘 혁명의 전시》는 전시품의 서사를 넘어서 큐레이터의 관점과 서사를 강조함으로써 이데올로기적 특성을 강조하며 역사와 사회를 보는 관점에 적극적으로 개입하며 새로운 이탈리아 인의 정체성을 고안하려고 시도했다. 전후 카를로 스카르파의 카스텔베키오 박물관의 상설 전시는 건축과 공간에서 큐레이터의 의도를 명확하게 구축하였으나 과거의 기억과 시각적으로 구분함으로써 역사를 해석할 수 있는 가능성과 동시대의 관점들이 만나는 인터페이스를 만들어냈다. 이런 점은 전시가 사회적 정체성을 지향하며 역사와 동시대에 대한 평론으로 사회를 반영함을 보여준다.

This article examines visual conventions used in the exhibitions held in Italy inthree distinct periods of the 20th century: post-Risorgimento, the Fascist period, and post-World War II. Its purpose is to analyze how the visual conventions in a particular exhibition reflected social transformations taking place around the time of that exhibition. The 50th Anniversary of the Unification of Italy sought to project the national identity of the Italians from the perspective of alterity. The Exhibition of the Fascist Revolution, which was predicated on its curators’ ideological ideas, triedto create a new nationalistic identity of Italy. The permanent exhibition at the Castelvecchio Museum, which was launched after the Second World War, presented an architectural space which was visually separated from the past memories to allow for fresh interpretations of the Italian history. The visual conventions in these exhibitions affirmed the way the society projected its identity and pursued its own social transformation.

이 논문은 문화유산 연구의 담론 발전 및 지형도 변화를 통해 융복합 학문인 ‘문화유산학’ 을 고찰하고자 한다. 문화유산학의 구체적인 발전 상황을 파악하기 위하여, 전 세계 문화유산 관련 학과를 지역별 시대별로 분석하였다. 그리고 문화유산 연구의 흐름을 파악하기 위해, 문화유산 연구가 본격적으로 시작된 1950년대부터 문화유산학 연구의 분수령이 되는 2006년까지 문화유산 관련 책 출판 경향성을 정리하였다. 또한 2000년대 중반부터 독립 학제로 분류된 비판문화유산학의 특징을 살펴보고, 비판문화유산학 세부 분야인 원주민 문화유산(indigenous heritage), 노예 문화유산(slavery heritage), 젠더 문화유산(gender heritage)을 통하여 문화유산학의 현재성을 파악하였다.

This paper analyzes the implications of Cultural Heritage Studies, an interdisciplinary field of study, on the development of cultural heritage discourse and the changing scope of cultural heritage studies. In order to comprehend the development of Cultural Heritage Studies, we set off with a review of cultural heritage programs around the world by regions and periods. Then we examine cultural heritage-related academic literature published between the 1950s in which the academic works on cultural heritage started and the year 2006, which marked the watershed of cultural heritage studies. Finally, this paper investigates the characteristics of Critical Heritage Studies that branched off as an independent subfield in the mid-2000s to deal with certain subcategories of cultural heritage issues such as indigenous heritage, slave heritage, and gender heritage.

미술 작품의 가치에 대한 무수한 담론은 시대를 아우르며 형성되어왔다. 현대 미술계는 20세기 이후로 급진적으로 변화하여 다양한 유통 체제가 발전하였고 시장은 미술품의 생산과 소비뿐 아니라 작품의 본질에까지 영향을 미치는 현상을 초래했다. 이에 따라 미술작품의 상품화 경향이 심화되며 현대미술과 자본과의 관계에 대한 쟁점이 대두되었다. 본 연구는 현대미술계에서 미술품의 상업적 가치가 작품을 평가하는 기준이 되는 현상에 대하여 부정적 결론을 도출하기 이전에 미술 작품의 가치 평가가 어떠한 이론 과정을 통해서 정의되어 왔는지, 작품의 본질적, 상업적, 사회적 가치를 살펴보고 관계적 가치에 대해 모색한다. 또한 예술제도론을 토대로 미술 작품의 가치를 결정하는 예술계의 체계를 탐구한다. 본 연구에서는 미술 시장의 흐름에 따라 변화된 가치 형성 체계의 주체를 후원자, 화상/비평가, 경매로 정의하고 현대 미술계에서 자본과 상호작용하며 시대에 맞게 진화해나가는 미술계를 고찰한다.

The modern art world has witnessed the development of various art distribution channels, bringing about radical changes not only in the modes of production and consumption of art but also in the way we approach the fundamental values of art itself. The accelerating trend of commercialization brings up questions of how to define the relationship between artworks and capital. This paper examines theoretical frameworks that have driven the artwork valuation process, and explores the concept of relational value that integrates fundamental, commercial, and social values of artworks. These are the necessary steps before drawing any negative conclusions on the current phenomena in which commercial value is deemed the dominant factor in determining the value of artworks. This study, taking an institutional approach, shall discuss the roles of market players-patrons, art dealers, critics, and auctions-in shaping the evolution of the artwork valuation systems under the growing influence of capital.

에른스트 루드비히 키르히너는 그의 전 창작기를 관통하여 춤이라는 모티프를 지속적으로 다루었다. 다리파 그룹의 드레스덴 활동기에는 대도시 밤문화를 대표하는 바리에테에서의 춤공연의 에로틱하고 자유분방한 움직임의 재현을 통해 생명력 있는 삶의 기쁨을 표현하였다. 이후 베를린에서의 활동기 동안에도 바리에테 춤 공연을 다루었으나 이전과 달리 화가 본인이 겪었던 실존적 위기감을 밤무대 무희들에게 투사하여 사회비판적인 측면을 강조하였다. 전쟁기 동안에 제작된 춤의 이미지는 그가 겪었던 전쟁에 대한 공포심과 그로 인한 약물중독과 정신적 붕괴에 대한 위기감을 최면상태에서 강박적으로 이루어지는 병리학적 춤을 통해 은유적으로 표현하였다. 전쟁 이후에는 독일의 표현무용에 깊은 관심을 보이며 메리 비그만, 그렛 팔루카와 같은 무용가들과 교류하며 상호 창조적 영감을 교환하였으며 그들의 춤을 화폭에 담았다. 이러한 시도는 현대 예술의 서로 다른 장르 간의 상호 교류의 대표적인 사례를 제공한다.

Ernst Ludwig Kirchner thematized dance in his art through his whole working life. During his working period in Dresden, he painted mainly varieté dance, expressing the vital energy of life embodied in erotic and uncontrolled freewheeling movements. In Berlin, he superimposed his depression and sense of crisis onto varieté dance, revealing his critical views towards life in the metropolis. During the War period, his feeling of danger, amid the fear of war and drug addiction, was metaphorized via compulsive dance movements played in a hypnotic state. After the War, he showed keen interest in German expressive dance. He interacted with dancers such as Mary Wigman and Gret Palucca, exchanging creative inspirations and capturing their dances in canvas. His attempts exemplify the interactions between different genres of modern art that have facilitated the development of creative art.

모노하(ものは)의 기점이 된 이우환의 평문 「존재와 무를 초월하여-세키네 노부오론」은 탈근대적 관점에서 인간 중심의 만든다는 특권을 거부하고 보는 행위로의 일대 전환을 촉구했다. 1969년 발표된 이 글은 근대주의를 해체시킨 68혁명 이후의 세계-역사적 변혁의 기류를 공유한다. 본 연구는 그간 간과돼 왔던 사회문화적 지형에서 이우환의 미학과 작업을 다시 읽기 한다. 이우환에게 본다는 지각은 신체성을 획득하는 것이며, 이때의 신체성은 보는 동시에 보이는 양의성을 전제한다. 이 같은 후기구조주의적 관점은 작품에도 고스란히 반영돼 그의 입체는 물론 평면 매체 역시 비(非)대상적인 사물로서 신체적 만남을 도모한다. 모더니즘적 회화로 환원시킬 수 없는 이우환의 평면 작업이 갖는 현상학적 신체성의 층위를 조명하고자 한다.

Lee Ufan's critical essay, “Beyond Being and Nothingness: On Sekine Nobuo”, which became the starting point of Mono-ha, rejected the privileged position of 'making' and urged a major shift to the act of 'seeing'. Published in 1969, this essay shared the mood of world-historical transformation after the Protests of 1968 that dismantled modernism. This study tries re-reading Lee's aesthetics and works in the social and cultural geography that has been overlooked. For Lee, the perception of seeing is to acquire physicality, and the physicality presupposes ambivalence of seeing and to be seen. This post-structuralist perspective was reflected in his works, and not only his three-dimensional media but also his painting seek the physical encounter as non-objective things. This study aims to highlight the layer of phenomenological physicality of Lee's plane work.

이 논문의 목적은 빌 비올라의 작품에 나타난 시간성의 의미를 후설의 시간이론으로 분석하는 것이다. 비올라의 작품이 유발하는 시간경험의 세 가지 키워드를 느려짐, 지연, 예감으로 제시한 뒤, 나는 비올라의 <새천년의 다섯 천사>를 분석했다. 이 작품에서 ‘천사’는 예기치 않은 순간에 나타나 금방 사라질 뿐 아니라, 시야에 들어와 있는 동안에도 거의 형체를 알아볼 수 없다. 그래서 그들은 개체성을 가진 시간대상으로 구성되지 않는다. 시간대상의 구성이 계속 지연되는 가운데 생생한 현존의 감각이 발생하는 이 현상은 후설의 ‘예지’ 개념에 의해 설명될 수 있다. ‘곧 올 것에 대한 지각’의 의미를 갖는 예지는 근원현전, 파지와 함께 시간의 원초적 형식을 구성한다. <새천년의 다섯 천사>에서 예지는 매우 중요한 역할을 한다. 천사의 출현에 대한 예감이 작품 감상 시간의 거의 전부를 차지하기 때문이다. <새천년의 다섯 천사>는 ‘비대상적 시간’을 보여주는 것이 아니라 대상을 미래의 시점에서 계속 견인하는 ‘선(先)대상적 시간’을 보여준다. 선대상적 시간은 대상적 시간(일상적 시간)의 논리적, 발생적 근원이므로, 이 작품의 시간은 ‘근원적 시간’으로 명명될 수 있다.

The purpose of this essay is to explore the meanings of temporality in Bill Viola’s works based on Edmund Husserl’s theory of time. Three keywords - slowness, delay, and hunch - are educed from the time-experience caused by Viola’s works and then applied to the analysis of his Five Angels for the Millennium. In this work, the “angels” appear at an unexpected moment, remain barely recognizable, and disappear instantaneously. They are not presented as a time-object with individuality. This phenomenon, in which a sense of vivid presence arises while the composition of the time-object is continuously delayed, can aptly be explained by Husserl’s concept of protention, which means “perceiving what is coming soon.” In Five Angels for the Millennium, protention plays a critical role as the hunch of the angels appearing dominates the whole experience of appreciating the work. Thus, this work abides by pre-objective time, which can be termed original time.

이 논문은 사진가들과 미술가들이 매향리를 기억하고 상징화하기 위해 어떠한 작업을 했는지 살펴보고자 한다. 매향리는 1950년 한국전쟁 이후부터 50여 년간 미공군이 작은 해안 시골마을 옆의 섬을 표적삼아 폭탄 투하 연습을 했던 곳이다. 1980년대 민주화운동 이후 촉발된 사회참여와 미국의 폭력성에 저항하고자 했던 작가들은 매향리 주민들의 고통을 대변하여 비판적인 목소리를 냈다. 작가들은 권력의 주류 담론에 대한 저항 의식과 자주화, 민주화에 대한 열망이 폭발적으로 터져 나오면서 매향리 주민들과 그들의 메시지를 예술로써 사회에 전달할 것을 촉구했다. 1990년대부터 쿠니사격장의 폐쇄 전까지 임옥상은 매향리에 떨어진 포탄 잔해물을 모아 미국을 풍자하는 조형물을 설치했으며, 노순택은 제도적 폭력과 분단 상황을 리얼리즘 사진으로 포착했다. 이후 2018년 탈북화가 선무는 《반갑습니다》를 개최하여 남북의 화해와 평화를 염원하는 차원에서 남북미 세 지도자의 초상화를 매향리에 설치했다. 이러한 미술가들의 작업은 한국전쟁 이후 이데올로기적 갈등과 한국사회의 모순을 지적함으로써 한반도의 평화라는 의미가 무엇인지 되묻는다.

This paper examines the works undertaken by certain photographers and artists to remember and symbolize Maehyangri, a small coastal village neighboring an aerial bombing range the U. S. Air Force has used for more than 50 years since the end of the Korean War. A group of artists, who became active in social engagements during the pro-democracy movement of the 1980s, witnessed the sufferings of the villagers and voiced their criticism against the violence inflicted by the U. S. military. In solidarity with the Maehyangri residents, these artists created artworks in the village as a message of self-reliance, democratic will, and detestation of mainstream discourse. They serve as a poignant reminder of ideological conflicts and contradictions in Korean society and ask us to reflect on the subject of the peace on the Korean peninsula.