Earticle

본 연구는 그동안 미술사, 사진사에서 거의 논의되지 않았던 19세기 프란시스 갈톤의 합성 초상사진을 연구대상으로 당시 서구 과학이 사진을 통해 인간의 신체를 어떻게 분류하고 유형화했는지를 밝히고자 한다. 합성 초상사진은 동 일한 그룹에 속한 사람들의 개별적인 초상사진을 한 장의 감광판에 차례대로 겹쳐서 촬영하면 각 인물의 개별적 특징은 사라지고 공통적 특징인 유형만이 감광판에 나타나는 기법이다. 갈톤은 인간의 유형을 찾아내기 위해 합성사진 기법을 범죄학(범죄형), 의학(환자형), 인류학(인종) 등에 적용했다. 이 사진 기법은 결국 실패로 귀결되었으나 이후 현대의 유형학적 사고에 지대한 영향 을 미쳤다. 현대미술에서도 인간 유형에 대한 갈톤의 영향은 매우 크다고 할 수 있다.

This paper investigates the composite portraits of Francis Galton in the nineteenth century. His composite portraits had not been sufficiently analyzed in the history of art and photography. Galton's method projects faint images of the several portraits in succession upon the same sensitized photographic plate. The result was that the outlines common to the largest number of portraits were most marked. But the purely individual characteristics leave little or no visible trace. In his composite portraits, Galton tried to reveal human types, for example, criminal type in criminology, patient's type in medical research and human types in anthropology. Although it was proved that no such type revealed itself, his composite portraits had a substantial impact on modern thoughts on typology and modern art.

본고는 작가 박현기에 대한 ‘자생적이며 동양적인 비디오미학을 개척했다’는 그동안의 평가를 재고한다. 그에 대한 비평적 해석에 나타나는 왜곡된 오리엔탈리즘과 배타적이 고 이분법적인 인식론에 대해 문제를 제기하고, 그가 ‘탈테크놀로지 미학’을 추구하며 현대미술의 문맥에서 새롭게 요청되었던 예술적 과제들을 탐색하는데 작품의 초점을 맞추고 있었다는 해석적 접근을 시도한다. 그는 1978년 K스튜디오에서 첫 영상작업을 촬영한 이후 미디어의 근원적 특성과 매개논리를 탐색하였다. 1982년까지 수면(水面), 유리, 거울과 같은 자연물과 비인공적 사물을 활용한 영상작업, 비디오영상을 다양한 장소적 맥락에 작품을 설치함으로써 영상의 개입으로 달라진 관람자의 지각방식에 대 해 심도 깊게 고찰하였다. 특히 그는 설치, 행위, 영상을 접목하여 형식과 내용면에서 모두 이중적으로 구조화된 작품을 선보였다. 그의 이러한 작품세계는 이질적 대상간의 융합을 추구한 것이라기보다 ‘조화’와 ‘균형’을 바탕으로 서로 다른 세계가 각자 본연의 모습을 지키며 공존할 수 있다는 믿음을 통해 구현된 것이었다.

This paper revisits the premise that Park Hyun-Ki, a media artist, pioneered autogenously an Oriental video aesthetic, and then takes issue with the conventional analysis which has faulted his work for distorted Orientalism and inflexible dichotomous views. This paper puts forward an alternative interpretation that he was indeed pursuing post-technological aesthetics and striving to undertake artistic experiments to tackle new challenges facing contemporary art. He explored fundamental characteristics of media and its mediating mechanisms, and investigated how viewers’ perception changed in response to moving images by incorporating pellucid media and also by installing his video work in places of varying site specificity. His work invariably showed dual structure in both form and substance. The idea underlying such structure was not merely to display the fusion of heterogeneous objects; it was to demonstrate that different worlds can coexist in harmony and balance, without compromising their respective identities.

본 논문은 디지털 시대의 참여 미술에서 달라진 매체, 주체, 소통의 조건을 분석한다. 1990년대 이후의 미술은 관계 미학과 사회적 작업으로 특징지어진 다. 미술은 사람과 사람 간의 소통, 사회 문제에 대한 개입과 참여를 유도하 는 보다 민주적인 방향으로 전개되었다. 21세기 들어 디지털 미디어가 미술의 영역에서 더 큰 자리를 차지하게 되었고, 이로 인해 미술작품이 관객들과 맺 는 관계에도 변화가 일어났다. 본 논문은 이러한 변화에 대한 관심에서 출발 하여 디지털 시대에 참여 미술을 둘러싼 변화와 조건들을 살펴본다. 20세기 초 역사적 아방가르드 이래로 참여미술은 장소와 의미화의 문제에 개입해 왔 다. 21세기 디지털화된 미디어 환경으로 매체특정성의 개념이 해체된 이후 제 시된 포스트미디엄 조건이 전환을 보인다. 다시 말해, 다양한 미디어를 디지 털로 재매개하여 다층적인 감각 경험과 소통을 야기한다. 그 결과 참여 미술 이 디지털 미디어의 상호작용성의 미학을 포함하게 되었다.

Art, since the 1990s, has increasingly been characterized by relational aesthetics and social engagement, reflecting the inclination of artists to pursue inter-human relationships, involvement in social issues, and viewer participation. This tendency has been supported and amplified by the emergence of digital media which has profoundly changed the way viewers interact with artwork. In this context, this paper examines the development of participatory art and its current situation. While participatory art has continuously dealt with the issues of site-specificity and signification since the advent of the historic avant-garde movement in the early 20th century, it is now concerned with the post-medium conditions brought about by the dismantling of the modernist medium-specificity. Digital media, through digital remediation of various media, enables participatory art to allow multisensory experience and communication. Participatory art has embraced the interactive aesthetics of digital media.

본 연구는 2009년 USC 게임개발연구소(Game Innovation Lab)와의 협업을 통하여 플레이스테이션 2 게임패드와 함께 3D 1인칭 게임으로 선보인 빌 비 올라의 <밤의 여행>을 인간의 존재론적 깨달음을 향한 수행 텍스트로 상론한 다. 이를 위하여 작가가 기존 매체와의 지속적인 변증법적 관계에서 자신의 예술적 내러티브를 가상공간으로 연장하여 구축한 실시간 ‘탐사 가능한 비디 오 아트’를 원형적 공간과 지각적 시간, 반성적 수행으로 살펴보았다. 이를 통 해 비올라의 <밤의 여행>을 주체에게 로고스의 빛으로부터 해방된 무의식의 어둠 가운데 자기 자신의 지각을 수행하는 작품으로 조명하였다.

This paper discusses The Night Journey , the 3D first-person game designed for the PlayStation 2 console by Bill Viola, in collaboration with the USC Game Innovation Lab in 2009, and postulates that The Night Journey represents an embodiment of "performative text" toward human ontological enlightenment. The Night Journey is Bill Viola's endeavor, through his continuing dialectic relation with media, to transform his artistic narratives into virtual reality that can be explored in real time. Using exploration and reflection as game mechanics in a pursuit of enlightenment, this video art enables the viewers to journey to the depths of human existence. This paper will characterize The Night Journey as an interactive art that affords us an archetypal experience – a journey to self enlightenment through the darkness of the subconsciousness released from the light of the logos.

본 논문은 1988년 서울 올림픽의 부대행사로 열린 《세계현대미술제》를 중 심으로 한국미술의 세계화와 코스모폴리타니즘의 맥락을 살펴본다. 1980년대 국제전시의 확산과 함께 대두된 《세계현대미술제》는 냉전시대의 이념갈등 에도 불구하고 문화 교류와 소통의 공간 창출을 목표로 했으나 한국 미술계 의 이념적 차이가 노출되면서 여러 진영간 대립의 궁극을 보여주었다. 이러한 갈등은 한국이라는 특수한 지형에서 ‘세계’를 인지하고 ‘세계 문화’ 속으로 편 입되는 과정이 서구의 ‘세계화’와 코스모폴리타니즘의 전개과정과 다르게 1945년 이전 식민지 시대의 불편한 과거, 역사적 트라우마와의 타협과 화해 의 과정을 거칠 수밖에 없으며, 개인적, 집단적인 차원에서 내부/외부, 피식민 지/식민주의, 지역성/세계성, 추상/구상, 전통/현대 등 20세기 구축된 여러 대 립구도가 작용했기 때문임을 밝힌다.

The 1988 《Olympiad of Art》 was the largest international art festival of the decade held as a highlight program of the Seoul Olympics. However, it became not only a locus of heated debate by national artists’ groups and organizations that wanted to have a ‘fair share’ of the government-sponsored festival, but also a test site for the imaginary community of artists without borders to exchange ideas and dialogues. This paper examines the issues of globalization and cosmopolitanism by focusing on the attitudes expressed by those groups. Despite their official demand for having a voice in selecting curators and artists, their logic reflected the unstable identity of ‘contemporary Korean art’ caught between the issues of the national/the international, the local/the global, abstract art/figurative art, and tradition/modernity, largely due to the influence of colonial modernity and westernization in Korea.

한국과 프랑스에서 새로운 예술운동이 태동하던 1980년대에 활동했던 한국의 두렁과 프랑스의 아르 크로쉬는 예술의 발생과 소통의 장소가 기존의 예술제 도와는 다른 점을 보여준다. 이 상이한 지점이 새로운 예술의 가능성을 내포 하고 있었으며, 그것들은 2000년대 이후 양국의 제도예술현장에서도 더러 발 견되어지고 있다. 따라서 예술 그 자체를 고정된 형식과 내용을 바라보지 않 고 그 범주와 존재방식에 대해 문제제기했던 두 집단의 노력은 후대의 예술 가들에게 예술개념 자체에 대한 도전적 질문으로서 많은 영감을 주고 있다. 본 논문은 80년대 한국과 유럽에서 대두된 새로운 예술운동이 2000년대 이후 한국의 예술현장과 어떠한 연관성을 맺고 있는 가를 한국의 ‘두렁’, 프랑스의 예술스쾃 ‘아르 크로쉬’를 비교분석하면서, 2000년대 이후 등장한 오아시스프 로젝트의 사례를 통해 고찰하고자 한다. 이는 예술 그 자체를 혁명적으로 변 화시키고자 했었던 양국의 예술가들에 의한 운동이 현재는 어떠한 모습으로 예술계와 사회에 현현하고 있는지를 살펴보는 노정이 될 것이다.

Dureung in Korea and Art Cloche in France, art movements in the 1980s, were engendered and practiced as an antithesis to conventional art. They exhibited new directions for art that represented a stark departure from Western modernist aesthetics; their influences are palpable in the art scenes of the 2000s in Korea and Europe. The artists of Dureung and Art Cloche posed ontological questions regarding art per se rather than conforming to the established frame of art and, by doing so, inspired the artists who followed them in a profound way. This paper undertakes a comparative analysis of Dureung and Art Cloche, and investigates how these revolutionary art movements of the 1980s have influenced artists in the 2000s in Korea. The Oasis project will be examined as a reference so as to illustrate the embodiment of the ideas of Dureung and Art Cloche in present day art works.

본고는 청대 왕부지(王夫之)의 문집을 바탕으로 하여 그의 예술론을 구성하기 위하여 시도되는 두 번째 논의로, 왕부지의 문집을 통해 정감의 두 가지 측면 에 주목할 것이다. 이는 실제적으로 왕부지 이전의 문학예술창작상의 문제가 야기하고 있는 진정성의 맥락을 결여한 형식적이기만한 정감에 대한 논의와 양명 좌파인 이지의 정감의 지나친 관념화의 양상이 야기하고 있는 문제들에 관한 논의이다, 송대와 명대에 드러난 정감의 두 양상을 반성하며 왕부지가 제시하고 있는 정감에 대한 이해를 통해, 이것이 도덕과 정감의 조율을 통한 인간적 가치의 회복이라는 측면에 대한 왕부지의 고민이었음을 확인할 수 있 을 것이다. 그리고 이러한 조율이 모두 경물(景)과의 연관 속에서 이루어지고 있으며, 즉 경물에 대한 직접 경험을 통한 작가 자신의 고유성의 발로와 다양 한 일(事)에 대한 구체적이고 정확한 지식을 기반으로 한 예술적 세련화와 형 상화에 관한 논의로 드러나고 있다.

This paper examines two aspects of the notion of emotion through the viewpoints of Wang Fu-Chih as embodied in his literary works, and thereby postulates on his art theory. This involves a discussion on the problem of formal emotion – i.e., the lack of sincerity – which encumbered those who preceded Wang Fu-Chih vis-a-vis the emotional ideation of Li Zhi, a philosopher who belonged to the left wing of the Yangming School. Reflecting on these two aspects of emotion, Wang Fu-Chih sought to restore human values through the mediation of ethics and emotion. His philosophical tenets dictated that such mediation should be undertaken in interaction with Nature. Thus, he predicates his art theory on the premise that originality should be manifested through direct engagement with Nature and that artistic sophistication should be based on specific and accurate knowledge of the matters of Nature.