Earticle

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 『케이팝 데몬 헌터스(K-pop: Demon Hunters)』를 대상으로, K-pop 산업의 신화적 담론 구조와 그 균열 양상을 밝히는 것을 목적으로 한 다. 연구 방법으로는 퍼스(Charles S. Peirce)의 기호학, 바르트(Roland Barthes)의 신 화이론, 바바(Homi K. Bhabha)의 탈식민 혼종성 개념을 결합한 통합적 분석 틀을 적 용하였다. 구체적으로 색채 상징 체계, 호작도 모티프 등 텍스트 내 기호 체계를 중심 으로 신화의 재현과 전복 과정을 분석하였다. 그 결과, 작품은 아이돌의 자기희생과 팬 소비라는 지배적 신화를 재생산하면서도, 혼종적 전략을 통해 그 이데올로기를 교란하 는 기호학적 이중성을 드러낸다. 특히 디아스포라적 창작자의 시선에서 형성된 혼종적 서사는 한국 전통 기호와 글로벌 장르 문법의 결합을 통해 문화적 협상이 이루어지는 ‘제3의 공간’을 구축하는 것으로 해석되었다. 이러한 분석을 토대로 본 연구는 학습자 를 수동적 소비자에서 비판적 의미 생산자로 전환시키는 ‘비판적 문화 문식성(critical cultural literacy)’ 함양 교육 모형을 제안하였다. 이는 K-pop 연구 대상을 2차 텍스트 로 확장하고 문화이론과 교육실천을 연계함으로써, 글로벌 미디어 시대의 필수적인 시 민 역량을 기르는 한국문화교육의 미래적 비전을 제시한다는 점에서 학술적 시사점을 지닌다.

This study examines how K-Pop: Demon Hunters constructs cultural meaning through its multimodal interplay of sound, image, and narrative within the global K-pop mediascape. The research aims to clarify the work’s ideological operations and addresses three questions: (1) what semiotic strategies organize its meaning-making; (2) how these strategies negotiate globallocal identities; and (3) how the findings can inform critical Korean culture education. Methodologically, the study applies an integrated framework combining Peirce’s triadic semiotics, Barthes’s myth analysis, and Bhabha’s hybridity theory. Through close reading and multimodal analysis, it investigates the animation’s musical textures, symbolic imagery, and performance conventions as interconnected sign systems. The analysis shows that the work generates hybrid meanings by merging ritualistic sound design, mythic motifs, and K-pop aesthetics, producing both immersion and critical distance. This dynamic reveals how the text negotiates power, identity, and cultural authenticity in transnational media contexts. The study concludes that such semiotic complexity provides meaningful foundations for cultivating critical cultural literacy in Korean culture education.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 『케이팝 데몬 헌터스(K-pop: Demon Hunters)』를 대상으로, K-pop 산업의 신화적 담론 구조와 그 균열 양상을 밝히는 것을 목적으로 한 다. 연구 방법으로는 퍼스(Charles S. Peirce)의 기호학, 바르트(Roland Barthes)의 신 화이론, 바바(Homi K. Bhabha)의 탈식민 혼종성 개념을 결합한 통합적 분석 틀을 적 용하였다. 구체적으로 색채 상징 체계, 호작도 모티프 등 텍스트 내 기호 체계를 중심 으로 신화의 재현과 전복 과정을 분석하였다. 그 결과, 작품은 아이돌의 자기희생과 팬 소비라는 지배적 신화를 재생산하면서도, 혼종적 전략을 통해 그 이데올로기를 교란하 는 기호학적 이중성을 드러낸다. 특히 디아스포라적 창작자의 시선에서 형성된 혼종적 서사는 한국 전통 기호와 글로벌 장르 문법의 결합을 통해 문화적 협상이 이루어지는 ‘제3의 공간’을 구축하는 것으로 해석되었다. 이러한 분석을 토대로 본 연구는 학습자 를 수동적 소비자에서 비판적 의미 생산자로 전환시키는 ‘비판적 문화 문식성(critical cultural literacy)’ 함양 교육 모형을 제안하였다. 이는 K-pop 연구 대상을 2차 텍스트 로 확장하고 문화이론과 교육실천을 연계함으로써, 글로벌 미디어 시대의 필수적인 시 민 역량을 기르는 한국문화교육의 미래적 비전을 제시한다는 점에서 학술적 시사점을 지닌다.

This study examines how K-Pop: Demon Hunters constructs cultural meaning through its multimodal interplay of sound, image, and narrative within the global K-pop mediascape. The research aims to clarify the work’s ideological operations and addresses three questions: (1) what semiotic strategies organize its meaning-making; (2) how these strategies negotiate globallocal identities; and (3) how the findings can inform critical Korean culture education. Methodologically, the study applies an integrated framework combining Peirce’s triadic semiotics, Barthes’s myth analysis, and Bhabha’s hybridity theory. Through close reading and multimodal analysis, it investigates the animation’s musical textures, symbolic imagery, and performance conventions as interconnected sign systems. The analysis shows that the work generates hybrid meanings by merging ritualistic sound design, mythic motifs, and K-pop aesthetics, producing both immersion and critical distance. This dynamic reveals how the text negotiates power, identity, and cultural authenticity in transnational media contexts. The study concludes that such semiotic complexity provides meaningful foundations for cultivating critical cultural literacy in Korean culture education.

The goal of this study is to explore the potential possibility of Korean pop-dance program on helping mental health among juvenile delinquents. Having views on this idea, the study was constituted for Korean girl delinquents in juvenile training school focusing on treatment of adolescent misconducts based on their depression mainly, aggression and social anxiety. The subject for the study was divided into two groups; Experimental group(Ex, n=7) and control group(Con, n=11) on the range of 14-18 year-old female delinquents in J juvenile school. Subjects completed 2-hour, once a week of K-pop dance program for 8 weeks. Depression, aggression and social anxiety were measured pre-session, and post-session by questionnaires which were Beck Depression Inventory(BDI), Aggression Questionnaire-Korean version(AQ-K) and Korean-Social Avoidance & Distress Scale(K-SAD). Also, for more verifying the effects of this research, participants were asked via self-report and interviewed. Collected data were analyzed by the reliability analysis, paired t-test and two-way ANOVA with repeated measures. The results are as follows. First, the K-pop dance program has an effect on depression in Ex group significantly. Second, the three of five categories - refusal, guilty feeling and dissatisfaction are significantly declined in Ex group after 8 weeks K-pop dance program. Also, there are significant difference in refusal. guilty feeling and dissatisfaction after 8weeks. In case of refusal and dissatisfaction, it is significantly declined in the Ex group after 8 weeks. Finally, there's no significant difference in relation to aggression and social anxiety. However, post score is apparently reduced than pre score in Ex group.

본 연구는 1990년대 중반 3D 애니메이션 산업이 성장함에 따라 픽사와 디즈니의 리얼리티 중심 미학이 주류가 되며, 관객의 심미적 피로감을 초래한 연출방식의 한계를 지적한다. 이러한 배경에서 Sony Pictures Animation은 <스파이더맨: 뉴 유니버스> (2018)와 <스파이더맨: 어크로스 더 유니버스> (2023)를 통해 실험적· 혼합적 미학을 도입하며 새로운 패러다임을 제시하였다. 본 연구는 소니 제작사에서 개봉한 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스: 이하 케데헌> (2025)을 사례로 선정 하였다. <케데헌>은 로튼 토마토 신선도 97%, 메인 OST인 ‘Golden’의 미국 빌보드 차트 1위 등 놀라운 흥행을 기록하고 있으며, 이는 K-팝 문화와 한국 전통문화 를 결합해 ‘코리아니즘(Koreanism)’을 알린 애니메이션 영화로 학술적 가치를 지니기 때문이다. 본 연구는 <스파이더맨: 어크로스 더 유니버스>에서 나타난 포스트 모더니즘(Postmodernism) 미학적 특성이 <케데헌>에서 어떻게 구현되어 작품의 흥행을 견인했는지 분석하였다. 분석 방법은 첫째, 3D 애니메이션의 개념과 산업 의 발전과정을 고찰하였다. 둘째, 김욱동, 이합 핫산(I. Hassan), 프레드릭 제임슨(F. Jameson)이 제시한 포스트모던 특성을 비교·대조하며 이론적 틀을 정립하였 다. 셋째, Sony Pictures Animation의 포스트모던 애니메이션 사례를 선행연구 중심으로 정리·분석하였다. 결론적으로 본 연구는 질적 연구로 <케데헌>에 구현된 포스트모던 특성을 심층적으로 분석하며, 실험적·혼합적 미학이 어떻게 새로운 연출 방식으로 재현되는지 살펴보고자 한다.

This study points out the limitations of the directorial approach that has produced aesthetic fatigue among audiences, as the realism-oriented aesthetics of Pixar and Disney became the mainstream with the growth of the 3D animation industry in the mid-1990s. Within this context, Sony Pictures Animation proposed a new paradigm by introducing experimental and hybrid aesthetics through Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018) and Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023). In line with this trend, this study selects K-pop Demon Hunters (hereafter KDH) (2025), an animation released by Sony, as the primary case for analysis. KDH achieved remarkable commercial success recording a 97% freshness score on Rotten Tomatoes and reaching No.1 on the U.S. Billboard charts with its main OST “Golden” and holds academic value as an animated film that introduced “Koreanism” by combining K-pop culture with traditional Korean cultural elements. Accordingly, this paper analyzes how the postmodernism aesthetic characteristics observed in Spider-Man: Across the Spider-Verse were implemented in KDH and how these elements contributed to the film’s success. The analytical method proceeds as follows: First, it examines the concept of 3D animation and the developmental process of the industry. Second, it establishes a theoretical framework by comparing and contrasting the postmodern characteristics presented by Kim Wook-dong, I. Hassan, and F. Jameson. Third, it reviews and analyzes previous studies on postmodern animation cases from Sony Pictures Animation. In conclusion, this qualitative study conducts an in-depth analysis of the postmodern characteristics embodied in KDH and explores how its experimental and hybrid aesthetics are reproduced as new directorial strategies.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>에 나타난 여성 성장 서사를 중심으로 디즈니 애니메이션 <뮬란>과 <겨울왕국>의 여성 주인공 서사를 비 교 분석한다. 세 작품의 주인공들은 각각 전근대적 가문, 근대적 왕가, 현대적 아이돌이라는 서로 다른 사회문화적 배경을 지니고 있다. 이러한 배경이 여성 캐릭터 들에게 부과하는 역할 기대와 사회적 압박을 고찰하고 각 작품에서 여성 주체성이 어떠한 서사적 조건 속에서 형성되고 발현되는지를 논의한다. 특히 <케이팝 데몬 헌터스>를 디지털 환경과 소셜미디어 맥락 속에 위치시키고 이를 전통적 시대관을 전제로 한 <뮬란>과 <겨울왕국>의 서사와 비교 분석한다. 아울러 세 작품에 내 재된 신화적 영웅 서사 구조와 철학적 상징을 검토함으로써 현대 K-콘텐츠가 여성 주체성을 재현하는 방식의 변화를 살펴본다. 분석 결과 <케이팝 데몬 헌터스>는 개인 중심의 영웅 서사에서 벗어나 관계와 연대를 통해 구성되는 여성 주체성을 전면화하는 디지털 시대적 서사 특성을 드러낸다. 이를 통해 디지털 시대 여성 주 체성이 개인 중심의 성장 서사를 넘어 관계적, 집단적 수행을 통해 구성되는 양상을 조명한다.

This study conducts a comparative analysis of female growth narratives in the Netflix animated series K-Pop Demon Hunters and the Disney animated films Mulan and Frozen, with a particular focus on K-Pop Demon Hunters. The female protagonists of the three works are situated in distinct sociocultural contexts, respectively represented by a premodern family lineage, a royal household, and the idol industry. This study examines how these contexts impose role expectations and social pressures on female characters and discusses the narrative conditions under which female subjectivity is formed and articulated in each work. In particular, K-Pop Demon Hunters is situated within the context of digital environments and social media, and its narrative is comparatively analyzed in relation to Mulan and Frozen, which are grounded in traditional conceptions of historical temporality. Furthermore, by examining the mythic hero narrative structures and philosophical symbolism embedded in the three works, this study explores shifts in the ways contemporary K-content represents female subjectivity. The analysis reveals that K-Pop Demon Hunters departs from individual-centered hero narratives and foregrounds a form of female subjectivity constituted through relationships and solidarity, reflecting a narrative characteristic of the digital age. Through this analysis, the study illuminates how female subjectivity in the digital era is constructed not as the outcome of individual growth but as a process of relational and collective performance.

본 고는 2025년 넷플릭스에서 공개된 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>을 중심으로, 한국 무속신앙의 재현 양상을 분석하고 현대적 가능성을 고찰한다. 이 작품 은 전 세계적으로 큰 인기를 얻고 있는 케이팝 아이돌과의 결합을 통해 무속신앙을 현대 감수성에 맞게 재해석하여 무속신앙의 현대적 가능성, 나아가 세계적 가능 성을 보여준다. 이러한 접근은 한국 무속신앙이 전통의 계승을 넘어 문화적·산업적 측면에서 가능성을 지닌 문화 자원이 될 수 있다는 점에서 그 역할을 재정립하고 새로운 가치와 가능성을 제시하는 중요한 사례가 될 수 있다. <케이팝 데몬 헌터스>의 흥행을 통해 한국 무속신앙은 인간 존재의 근본적인 문제를 다루는 보편적인 언어를 지닌 문화적 자원으로서의 잠재력을 지니고 있음을 이야기하고자 한다. 한국 무속신앙은 현대 사회가 직면한 사회적ㆍ심리적 문제에 대응할 수 있는 치유 서 사로서의 가능성을 내포하고 있다. 해원과 치유, 공동체적 연대와 공감 형성 등의 기능을 수행할 수 있는 한국 무속신앙은 현대 사회에서도 그만의 역할을 다할 수 있다는 것이다. 또한 한국 고유의 문화적 정체성을 내포하는 동시에 보편적 인류의 문화 코드를 지닌 무속신앙은 고유성과 보편성을 두루 지닌 글로벌 K-컬처 자원 으로 확장될 수 있다. 이와 같은 특성을 지닌 한국 무속신앙은 한국 전통문화의 계승과 세계적 확산을 동시에 수행할 수 있는 문화 자산으로 작용할 수 있을 것이다.

This paper examines the representation and contemporary potential of Korean shamanism through the 2025 Netflix animated film K-pop Demon Hunters. By combining elements of Korean shamanism with K-pop idols, the work reinterprets traditional beliefs in a way that aligns with modern sensibilities, thereby demonstrating the evolving relevance of shamanism today. Korean shamanism, as portrayed in the film, is not merely a legacy of the past but a cultural resource with both cultural and industrial value in contemporary society. It offers potential as a healing narrative that addresses the social and psychological challenges of the modern era. With its functions of resolving grievances, fostering emotional healing, and building communal empathy, Korean shamanism continues to play a meaningful role today. Furthermore, rooted in Korea’s unique cultural identity yet encompassing universal themes, Korean shamanism possesses both specificity and universality, making it a viable resource for global K-culture. Thus, Korean shamanism can serve as a cultural asset that simultaneously preserves traditional heritage and contributes to its global dissemination.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 ‘케이팝 데몬헌터스’를 활용하여 한국어·한국문화 통합교육 모형을 설계하고, 실제적인 교수·학습 지도안을 제시하여 그 교육적 효과를 탐색하는 것을 목적으로 한다. 최근 한류의 급속한 확산과 함께 한국어 학습자의 수가 증가함에 따라, 한류 콘텐츠를 한국어 교육에 도입하여, 학습자의 흥 미를 높이고 학습 부담을 줄이는 방안이 요구되고 있다. ‘케이팝 데몬헌터스’는 워싱턴대학교 김미정 교수가 문화 고문으로 참여해 무기, 의상, 건축, 음식 등 전통 요소를 한국적으로 재현했으며, 한국 관객들로부터 “우리 문화를 정확히 표현했다”는 평가를 받고 있다. 본 연구는 이러한 영화의 특징을 교육적으로 활용하기 위 해, 첫째 문화 요소를 사전 조사하여 구분·정리하고, 둘째 영화 감상과 분석, 체험 활동을 결합한 4주 과정의 통합교육 모형을 설계하고 현장에서 활용할 수 있는 교수 학습 지도안을 제시하며, 셋째 모형이 학습자의 문화 이해와 한국어 학습의 기대 효과를 탐색하고자 한다. 연구모형은 사전 준비(문화 배경 지식 습득), 핵심 활동(장면 분석), 확장 활동(창의적 체험 활동)의 4단계로 구성하였으며, 이영조 (2020)와 김윤숙 (2020)의 선행 연구를 참고하여, 단계적 문화교육과 반복 감상 전 략을 반영하였다. 이에, 본 모형을 활용한 수업을 통해 학습자의 문화 감수성을 함양하고 어휘의 다의성 및 문화적 맥락에 대한 이해를 심화하여, 전반적인 언어 학 습 효과가 증대될 것으로 기대한다. 하지만 본 연구는 특정 애니메이션 한 편과 중급 이상 학습자를 대상으로 한 모형 설계에 집중함으로써 다양한 수준의 학습자 와 다른 장르·형식의 콘텐츠에 대한 일반화를 제시하지 못한 점과 실제 수업 적용과 성과를 검증하지 못한 아쉬움이 있다. 향후 연구에서는 초·고급 학습자에게 적 합한 프로그램 개발, 다양한 콘텐츠와의 비교 적용, 실험적 검증을 통해 본 모형의 외연을 확장할 필요가 있다.

This study aims to design an integrated model for Korean language and culture education using the Netflix animation K-Pop Demon Hunters and propose a practical teaching–learning plan. With the global spread of Hallyu and the rise in Korean learners, incorporating Hallyu content into education can enhance learner engagement and reduce cognitive load. The animation, for which Professor Kim Mi-jeong of Washington University served as a cultural consultant, authentically represents traditional Korean elements such as weapons, costumes, architecture, and cuisine and has been praised for its accurate depiction of “Koreanness.” This study first classifies the cultural elements in the film, then designs a four week integrated model combining viewing, analysis, and project activities, and finally explores its educational potential. The instructional model consists of three stages preparation (cultural background acquisition), core (film viewing and scene analysis), and expansion (creative projects) and incorporates stepwise cultural education and repetitive viewing strategies proposed by Lee (2020) and Kim (2020). Through this model, learners are expected to enhance cultural sensitivity, interpretive skills, and overall language proficiency. However, the study’s scope is limited to one animation and intermediate level learners, restricting generalizability. Future research should adapt the model for other learner levels and media types, and empirically verify its educational outcomes.

본 연구는 글로벌 애니메이션 산업에서 한국적 정체성이 혼종적으로 재현되어 한국 문화에 다시 영향을 미치는 방식을 <케이팝 데몬 헌터스>와 <엘리멘탈>의 사례를 통해 분석한다. 한국계 캐나다 감독 메기 강 감독이 제작한 소니 픽처스의 <케이팝 데몬 헌터스>는 아이돌 산업, 무속신앙과 같은 한국문화의 외면적 요소 를 차용하여 서구 시장에 맞게 가공한 역한류적 글로컬 콘텐츠로, 한국적 이미지를 정체성보다 상업적 자원으로 소비한다. 반면 픽사의 <엘리멘탈>은 한국계 감독 피터 손의 디아스포라 경험을 기반으로, 이민 1세대의 희생과 가족주의, 효(孝)와 같은 가치관을 내면적 차원에서 서사화한다. 두 작품은 한국적 기호를 서구적 내 러티브 구조와 혼종함으로써 새로운 정체성의 의미를 창출하는 사례로 기능한다. 이러한 차이는 단순히 문화적 기호의 차용 방식을 넘어, 글로벌 수용자를 대상으 로 한 정체성의 상업적 · 정서적 수용 전략의 차이를 보여준다. 본 연구는 역한류 맥락 속에서 외부 제작 환경이 한국적 이미지를 어떻게 가공하고 소비하는지를 분 석하고, 두 작품의 대비를 통해 글로벌 콘텐츠 유통 속에서 한국 문화가 외면적 소비와 내면적 정체성 혼종이라는 상반된 방식으로 재현되고 있음을 고찰한다. 나 아가 본 연구는 글로벌 콘텐츠 속 한국 문화의 정체성 혼종이 양가적으로 드러내는 특징을 고찰함으로써 한류 애니메이션의 국제 시장에서 갖는 문화적·산업적 가 치를 제시하고자 했다.

This study analyzes how Korean identity is hybridly represented in the global animation industry and how such representations, in turn, influence Korean culture, focusing on the cases of K-Pop: Demon Hunters and Elemental. Sony Pictures’ K-Pop Demon Hunters which is directed by Korea-Canadian director appropriates external cultural elements such as the idol industry and shamanistic practices, processing them for Western audiences as a reverse-Korean-wave glocal content that consumes Korean imagery more as a commercial resource than as an identity. In contrast, Pixar’s Elemental draws on the diaspora experiences of Korean-American director Peter Sohn to narrativize, at an internal level, values such as the sacrifices of first-generation immigrants, familism, and filial piety. Both works function as cases in which Korean cultural signs are hybridized with Western narrative structures to generate new meanings of identity. This distinction goes beyond mere differences in the appropriation of cultural signs, revealing divergent strategies for the commercial and emotional reception of Korean identity among global audiences. This study examines how external production environments process and consume Korean imagery within the context of reverse Hallyu, and through the comparison of the two works, explores how Korean culture is represented in global content circulation through two opposing modes-external consumption and internal hybridity of identity. Furthermore, it aims to shed new light on the cultural and industrial significance of the ambivalent hybridity of Korean identity as manifested in global content, thereby recontextualizing the cultural value of Hallyu animation in the international market.

본 연구는 서구 미디어 콘텐츠 속에서 한류가 어떤 방식으로 재현되는지를 문화이론적 관점에서 탐구하였다. 특히 넷플릭스 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>를 중심으로, <스타워즈>와 <매트릭스>의 사례를 비교하여 한류의 문화적 전유와 정체성 재구성 문제를 분석하였다. 연구는 프로이트와 모리의 언캐니 개념, 더글라 스의 범주 경계 이론, 사이드의 오리엔탈리즘, 홀과 바바의 재현 이론, 이와부치와 아파두라이의 문화 흐름 이론을 종합적으로 적용하였다. 분석 결과, 서구 미디어 는 한류를 일시적 유행이나 표면적 기호로 소비하기보다는 자신들의 상상과 미적 코드 속에서 재맥락화함으로써 한국 문화를 낯선 타자로 위치 짓는 경향을 보였다. <케이팝 데몬 헌터스>의 경우 아이돌과 악마 사냥이라는 혼종 서사를 통해 범주 위반적 긴장감을 형성하였으며 이는 오리엔탈리즘적 시선과 결합하여 한국 문화의 피상적 소비를 심화시켰다. 그러나 이러한 현상이 부정적 결과만을 초래하는 것은 아니며 문화 간 상호이해와 자기 성찰을 촉발하는 창조적 계기로 작용할 가능성도 존재한다. 본 연구는 한류의 글로벌 확산 과정에서 드러나는 ‘문화적 언캐니’ 현상을 비판적으로 분석함으로써 한국 문화 주체성이 직면한 인식적 과제를 규명하고자 하였다.

This study investigates how Hallyu (the Korean Wave) is represented within Western media through the theoretical framework of the “cultural uncanny.” Focusing on the Netflix animation K-Pop Demon Hunters and comparing it with Star Wars and The Matrix, this paper analyzes the mechanisms of cultural appropriation and identity reconstruction. The discussion integrates Freud and Mori’s concept of the uncanny, Douglas’s boundary theory, Said’s Orientalism, Hall and Bhabha’s theories of representation, as well as Iwabuchi and Appadurai’s theories of cultural flows. The findings reveal that Western media recontextualize Hallyu within their own aesthetic and ideological frameworks, positioning Korean culture as a figure of estrangement rather than simply a popular trend. In K-Pop Demon Hunters, the fusion of idol performance and demon-hunting motifs produces a sense of categorical dissonance, intertwining fascination and discomfort. While such portrayals risk superficial readings of Korean identity, they also open a discursive space for intercultural reflection and creative reinterpretation. This study ultimately argues that examining the “cultural uncanny” in global representations of Hallyu provides insight into the challenges of maintaining Korean cultural subjectivity amid expanding transnational exchanges.

디지털 환경이 도래하면서 전통적으로 기업 성과를 측정하던 시장점유율과 함께 소비자의 일상생활을 얼마나 점유할 수 있는지와 관련된 새로운 개념들에 대한 관심이 높아지고 있다. 그 중 특정 콘텐츠가 고객의 삶 속에서 얼마나 소비되고 있는 지를 측정하는 라이프쉐어라는 개념은 일상생활의 상당부분을 충성도가 높은 콘텐츠를 소비하고 있을 것으로 예상되는 케이팝 팬덤의 소비행동을 이해하는데 도움이 될 것이라고 판단하였다. 이 연구는 케이팝 팬덤을 대상으로 케이팝 디지털 콘텐츠를 향유하는 라이프쉐어가 어느 정도인지를 확인하고 라이프쉐어가 기업의 매출에 영향을 미치는지를 도출하기 위해 지불용의가격과 상관관계가 있는지 알아보는데 그 목적이 있다. 이를 위해 케이팝 팬덤을 중심으로 설문조사를 수행하였고 그 결과 디지털 콘텐츠 이용 시간과 지불용의가격 간에 유의한 정의 상관관계가 나타났다. 이러한 결과는 소비자의 일상생활에서 디지털 콘텐츠 라이프쉐어가 증가할수록 디지털 콘텐츠에 대한 지불하고자 하는 가격이 증가한다는 것을 의미하므로, 라이프쉐어 정도에 따른 마케팅 전략의 차별화는 기업의 성과를 높이는데 도움이 된다는 것을 시사한다.

With the advent of the digital environment, interest in new concepts related to how much can occupy the daily life of consumers along with market share, which has traditionally been a measure of corporate performance, is increasing. Among them, the concept of lifeshare, which measures how much specific content is consumed in customers' lives, will help us understand the consumption behavior of the K-pop fandom, who is expected to consume content with high loyalty in a significant part of their daily life. The purpose of this study is to find out how much life share enjoys K-pop digital content for K-pop fandom and whether it is correlated with the willingness to pay to derive whether life share affects corporate sales. As a result, a significant positive correlation was found between digital content usage time and the willingness to pay. These results imply that the willingness to pay for digital content increases as the digital content life share increases in consumers' daily lives, suggesting that differentiation of marketing strategies according to the degree of life share helps improve corporate performance.

본 연구는 인공지능(AI)을 활용한 언어·문화 통합형 프로그램을 설계하는 것을 목적으로 한다. 특히 전 세계적인 주목을 받는 K-콘텐츠 <케이팝 데몬 헌터스>를 교육 매개로 삼아, 한국언어문화 체험 중심의 단기 프로그램을 설계하였다. AI 기술의 발전 과정과 ChatGPT의 변천을 간략히 검토하고, AI 기반 한국어 및 한국문 화 교육 관련 선행연구를 고찰한 후 언어·문화 통합 교육의 이론적 논의를 정리하고, 한류 및 K-콘텐츠의 발전 과정과 교육적 가치 및 함의를 분석하여 본 연구의 기초를 마련하였다. 이후 <케이팝 데몬 헌터스>의 교육적 활용 가능성을 검토하고, 언어·문화 통합 교육의 교수 제재로서의 잠재력을 탐색하였다. AI 기반 한국언 어문화 프로그램의 설계 과정을 단계별로 제시하였으며, 프로그램 개발의 원리와 목표, 교수·학습 내용의 체계화, 주제별 세부 계획, 과제 및 활동 구성 절차 및 내 용을 설명하였다. 본 프로그램의 개발 목표는 <케이팝 데몬 헌터스>를 매개로 한국어와 한국문화를 통합적으로 교수·학습하고, AI 기반 활동을 통해 학습자의 언 어·문화 이해 및 창의적 소통 역량을 강화하는 데 있다. 학습자는 작품의 등장인물과 줄거리를 분석하고, 영화 속 언어 표현과 상징을 탐구하여 한국어의 언어적·문 화적 특성을 이해할 수 있다. 서울의 도시 공간 탐방으로 전통문화와 현대문화가 공존하는 한국 사회의 다층적 의미를 직접 경험하고, 이를 언어로 표현하여 의사 소통 능력과 상호문화 이해 역량을 확장할 수 있다. 본 프로그램은 ChatGPT를 비롯한 AI 도구를 교수·학습 전 과정에 통합하여 학습자의 자율적 탐구와 협력적 창 작 활동을 지원하도록 설계되었다. 어휘 검색, 표현 번역, 발음 교정, 대화 피드백, 문화 지식 확인, 영상·포스터 제작, 지도 및 가이드북 구성 등 다양한 AI 기반 학 습 활동을 통해 학습자는 자신의 수준과 흥미에 맞는 맞춤형 학습을 수행할 수 있다.

This study aims to design an AI-based integrated program for Korean language and culture education. In particular, it presents a short-term experiential program that employs the globally recognized K-content K-POP Demon Hunters as an educational medium. To achieve this, the study first reviews the development of AI technology, including the evolution of ChatGPT, and examines previous studies on AI-based Korean language and culture education to establish a theoretical foundation. Furthermore, it explores key discussions on language-culture integrated education, along with the development, current status, and educational implications of Hallyu and K-content. The study then analyzes the plot structure and main themes of K-POP Demon Hunters to examine its educational potential as instructional material for language-culture integrated teaching. The study presents a design process for the AI-based Korean language and culture program, outlining the pedagogical principles, goals, and content framework, as well as detailed plans for each instructional stage, including tasks and activity design. The program aims to integrate the teaching and learning of the Korean language and culture through K-POP Demon Hunters, and to enhance learners’ linguistic, cultural, and creative communication competence through AI-based activities. Learners analyze the characters and narrative of the film, explore linguistic expressions and symbols, and develop a deeper understanding of the linguistic and cultural characteristics of Korean. In addition, by exploring various urban spaces of Seoul, they experience the coexistence of traditional and modern cultures in Korea and expand their intercultural communicative competence through authentic linguistic interaction. Notably, the program incorporates diverse AI tools, including ChatGPT, throughout the entire teaching-learning process to support learners’ autonomous exploration and collaborative creation. Through AI-assisted activities such as vocabulary search, translation, pronunciation correction, dialogue feedback, cultural knowledge exploration, and multimedia production (videos, posters, and digital guidebooks), learners engage in personalized learning aligned with their proficiency and interests.

Japan has been regarded as an essential market for overseas expansion of K-pop. Also, in fact, K-pop idol groups are gaining great popularity, mainly among the younger generations in Japan. As the younger generations(especially girls, middle and high school students), who are the main consumers of the idol industry among Japanese, have become more interested in Korean K-pop idols, which are different from existing Japanese idols. For example like BTS, Blackpink, Twice became famous among Japanese younger generations. As such, K-pop has become a large part of the Korean Wave culture industry targeting Japan. Meanwhile, the popularity of K-pop in Japan has led to a major change in Japanese pop culture, especially Japanese idol culture. First, the popularity of the Japanese members among K-pop idol groups has led Japanese younger generations to become interested in Korean idol. Second, many young Japanese generations have challenged the audition program to become a K-pop idol. Third, Japanese entertainment companies have also actively accept the K-pop success factor and K-pop style performance to their J-pop idol groups. To study these phenomena, this paper attempts to analyze how the popularity of K-pop influenced Japanese idol business based on cultural communication. Therefore, this study is developed as follows. First of all, after looking at cultural communication, which is the theoretical basis of the research. Second, how did the K-pop group, which possess Japanese member in there group, influenced Japanese idol culture. Third, how did Japanese younger generations challenged K-pop. And the last, figure out what have been changed in J-pop idol companies.

The K-pop music is considered to be planned products through a very comprehensive systematic production by major entertainment companies. This study starts from a question of whether this well-organized, nurtured music is a representative pop content of Korea. The local musicians who are not affiliated with those major companies are less exposed to the public and more often than not, they have few chances to publicize and promote their music and themselves. In this context, this study suggests establishing the local pop music archive online system to bridge local musicians to music consumers. It also helps acquire diversity in pop music in Korea.

This study aims to expose the potential dangers of K-pop through the past and present of K-pop choreography copyrights and to suggest the need to secure digital choreography copyrights for the sustainability of K-pop considering national responsibility. As the content industry quickly sought countermeasures to digital transformation, such as the launch of K-pop platforms and the evolution of OMO (Online Merges with Offline) media commerce in response to changes in the industrial environment due to COVID-19, the annual export of the domestic content industry increased by 6.3% compared to the previous year. Accordingly, our copyright does not require that works be fixed in tangibles, as in Japan and Germany, on the basis of entrusting each country's legislation to determine whether to require fixation on choreographed works. On the other hand, the United States, France and the United Kingdom are demanding that it be fixed. Although choreography is at the center of K-pop and the value and influence of K-pop videos including cover dance through new media are discussed from various perspectives, copyright on choreography that needs to be resolved in business platforms for K-pop scalability The fact that there is such a big difference in problem perception is an area where we must not lose our vigilance. As the development of today's technology, the method of fixing a choreography looks very easy as an image, but at the same time can be stolen very quickly. Therefore, compared to overseas cases, it is urgent to improve the difference in perception of copyright registration for K-pop choreography and to supplement the system include the NFT.

테크놀로지가 발전하고 음악산업을 연계한 다양한 어플리케이션이 뉴미디어를 통해 대중화되고 있다. 음악 시 장도 많은 변화가 일어났다. 음악저작권과 공연권이 음악 비즈니스의 중심을 이루던 기존 음악 시장에서 음악저작권 파생 투자 상품을 비롯하여 아티스트와 팬을 연결하는 소통 창구를 일원화하고 관리하게 되었다. 팬덤을 부가 사업 디지털 콘텐츠로 연결하는 기술은 하이브와 와이지엔터테인먼트의 위버스(Weverse)를 비롯하여 SM 엔터테인먼트의 버블(Buble)과 같은 글로벌 플랫폼으로 변모했다. 게다가 급변하는 5G 산업 생태계에 신속하게 대응할 수 있도록 5G MEC(MobileEdgeComputing) 환경을 구축하기 위한 다양한 국책성 지원 사업은 실감콘텐츠 실증과 실감콘텐츠 테 스트 및 기술 분석 등을 지원함으로 점차 확대되는 메타버스 콘텐츠 시장에 효율적으로 부응할 수도록 기반을 마련 하고 있다. 기술의 발전으로 음악 시장이 혁신적으로 변하고 있다. 이에 본 논문은 테크놀로지가 가지고 온 음악 시 장의 변혁을 가져온 기술 적용 사례를 고찰하고 음악 사업의 새로운 시대 전략을 제시하고자 한다.

As technology advances, various applications linked to the music industry are becoming popular through new media. There have been many changes in the music market. Beyond the existing music market, where music copyright and performance rights were the center of the music business, we are unifying and operating communication channels that connect artists and fans, such as investment products derived from music copyrights. The technology that connects the fandom with additional business digital content has transformed into global platforms such as HYBE Entertainment’s and YG Entertainment's Weverse, as well as SM Entertainment's Bubble. In addition, various national support projects to build a 5G MEC (MobileEdge Computing) environment to quickly respond to the rapidly changing 5G industry ecosystem are supporting for the immersive content demonstration, immersive content testing, and technical analysis, we are laying the groundwork to efficiently respond to the ever-expanding metaverse content market. Technology is changing dramatically. Therefore, we would like to study to changes in the music market brought about by technology and suggest strategies for a new era in the music business.

Korean pop culture or hallyu (the Korean Wave) refers to the phenomenon of Korean entertainment and popular culture causing a great sensation in the world with pop music, TV dramas, and movies. Over the last decade, Korea emerged as a new center for the production of transnational pop culture. However, an anti-hallyu movement is often rising in some parts of the world. In this regard, this study suggests that we should look back on the decade by analyzing the backlashes and achievement of hallyu to develop concrete ideas on how to consistently develop it. In order to do so, it is essential for the government to contribute to the progress of cultural exchange with countries where Korean pop culture is making inroads.

한국 뮤지컬의 일본 진출은 크게 라이선스의 판매와 한국 배우가 직접 출연하는 투어공연의 형태로 나뉜다. 투어공연의 경우 1991년의 ‘양반전’ 이후 간헐적으로 성사되다, 한류의 영향으로 2013년까지 정점에 이르게 된다. 하지만 ㈜아뮤즈가 개관한 한국 뮤지컬 전용관인 ‘아뮤즈 뮤지컬 씨어터’의 폐관과 함께 한국 뮤지컬 투어공연은 현재 내리막길을 걷고 있다. 이는 대다수 투어공연들이 흥행에 있어서 실패하였기 때문이다. 물론 ‘온에어 야간비행’과 같이 현지문화를 십분 이해하고 이를 적극 수용하여 성공을 거둔 사례도 있다. 이런 성공의 원인분석을 위해 아직 학술적으로 일반화되어 있지는 않으나 일본에서 구분되어 사용되는 K뮤지컬과 K팝 뮤지컬의 차이를 규명할 필요가 있다. 특히 현지에서 흥행에 성공한 K팝 뮤지컬의 특징을 분석하여 좀 더 원활한 일본 진출 조건을 물색하는 것이 본 연구의 목적이다. 이를 위해 K팝 뮤지컬의 대표작인 ‘온에어 야간비행’과 이의 성공적 원형에 해당하는 일본 ㈜쟈니즈의 ‘SHOCK’ 시리즈 사례를 중심으로 살펴보았다. 이 두 작품의 공통분모로 세 가지 특징이 두드러지게 나타난다. 즉, 주인공으로서의 아이돌을 전략적 활용하는 것과 작품에 팬미팅적 요소를 삽입하는 것, 그리고 작품에 콘서트 적인 요소를 첨가시키는 것이다. 투어공연은 본질적으로 현지에서의 성공에 목적을 두고 있다. 그 목적을 달성시키기 위해서는 현지 문화에 대한 이해의 토대위에 시장의 요구를 반영할 필요가 있다.

There are two different types of Korean musicals in Japan: licensed musicals and musical tours. There were a very few number of tours since ‘Yangban Jeon’ in 1991, but after a while it grew fast with the famous Korean wave ‘Hallyu’ and reached its peak in 2013. While Korean musical tours have been going downhill since Amuse Entertainment closed Amuse Musical Theatre in Japan. Occasionally, however, the musical with Korea Idols ‘On Air Redeye Flight’ was able to make some decent achievement. Above all things, the differentiation of K-Musical and K-pop musical needs to be firmly identified. The definition of each is not yet academically divided, but the terms are used differently in Japan. We are going to research on the concept of K-pop musical along with the cases of ‘On Air Redeye Flight’ and ‘SHOCK’ by Johnnys’ pop star which is another great example of a J-pop musical. There are several facts in common between the musicals. They both used ‘an idol star’ as a strategy and included a fan-meeting in the performance. Also the performance is much like a pop concert. What we can know from these ‘strategies’ is that they cast idol stars, who is popular enough to sell tickets only with their names, and that they create another genre of musicals. Local prosperity is a goal of musical tours. In order to achieve the goal, it is critical to be aware of the aspects of successful musicals and apply them to our new musicals. We hope this research is worth implementing to understand the blueprint of successful foreign musical tours.

연구 목적 : 본 연구는 한국 대중가요(K-Pop)에 나타난 ‘광야’(KWANGYA) 이미지와 성서적 광야신학 간의 상징적 공통점을 탐구하는 데 목적이 있다. 이를 통해 현대 대중문화와 고대 종교문헌 간의 상호작용을 분석하며, 성서의 광야 서사가 현대 청소년들에게 어떻게 새롭게 받아들여질 수 있는지에 대한 가능성을 탐구하고자 한다. 연구 내용 및 방법: 본 연구는 이육사, 김민기, 에스파(aespa) 등이 노래하는 한국 대중가요 속 세계관에 나타난 ‘광야’의 이미지를 분석하며, 이 이미지가 성서적 광야의 상징성과 어떻게 연결되는지 고찰한다. 성서에서 광야는 시련과 극복, 영적 성장과 자기 발견, 혼돈과 질서의 공존을 상징하는 공간으로, 이러한 특징들은 일제 강점기 이육사의 시 ‘광야’ 뿐 만 아니라, 1970-80년대 민중 가요, 그리고 2020년대 K-Pop 노래 속 광야 이미지에서도 공통적으로 관찰된다. 특히, K-Pop에서의 광야는 주인공들이 다양한 도전과 시련을 겪고 극복하는 과정을 통해 영적 성장과 자기 발견을 이루는 상징적 공간으로 활용된다. 이를 통해 현대 대중문화와 고대 종교문헌 간의 상호작용을 분석하며, 성서의 광야 서사가 현대 청소년들에게 어떻게 새롭게 받아들여질 수 있는지 그 가능성을 탐구하고자 한다. 결론 및 제언 : K-Pop의 광야는 청소년들이 겪는 시련과 자기 발견, 영적 성장을 상징하며, 성서의 광야가 그러하듯 혼돈 속에서 질서를 찾아가는 과정을 담고 있다. 이러한 연구는 대중문화와 종교적 상징이 상호작용하며 현대적 의미를 창출하는 과정을 이해하는 데 기여하며, 성서의 메시지가 오늘날의 문화 속에서 어떻게 재해석되고 수용되는지를 보여준다. 이를 바탕으로 현대 기독교 교육에서도 성서의 상징들을 새로운 문화적 맥락에서 재조명하고 활용할 수 있는 방안을 모색할 필요가 있다.

Purpose of the Study: This study aims to explore the symbolic commonalities between the image of 'KWANGYA' in Korean pop music (K-Pop) and the biblical wilderness theology. By analyzing the interaction between modern popular culture and ancient religious texts, this research seeks to investigate how the narrative of the biblical wilderness can be reinterpreted and received by contemporary youth. Contents and Method: This study analyzes the image of 'KWANGYA' as depicted in the worldviews of Korean pop songs by artists such as Lee Yuk-sa, Kim Min-ki, and aespa. It examines how this image connects with the symbolic aspects of the biblical wilderness. In the Bible, the wilderness is a space symbolizing trials and overcoming, spiritual growth and self-discovery, and the coexistence of chaos and order. These characteristics are observed not only in Lee Yuk-sa's poem 'Wilderness' during the Japanese colonial period but also in the imagery of the wilderness in the 1970s-80s folk songs and 2020s K-Pop songs. In particular, in K-Pop, the wilderness is utilized as a symbolic space where protagonists undergo and overcome various challenges and trials, leading to spiritual growth and self-discovery. This study aims to explore the possibilities of how the biblical wilderness narrative can be newly received by contemporary youth through this interaction between modern popular culture and ancient religious texts. Conlusion: The wilderness in K-Pop symbolizes the trials, self-discovery, and spiritual growth experienced by youth, encapsulating the process of finding order within chaos, much like the biblical wilderness. This research contributes to understanding how popular culture and religious symbolism interact to create contemporary meaning, showing how the message of the Bible is reinterpreted and received in today's culture. Based on these findings, it is suggested that Christian education today should consider reinterpreting and utilizing biblical symbols within new cultural contexts.

본 연구는 KMDC의 글로벌 활용 가능성을 탐색하고, 이를 실현하기 위한 전략을 제안하는 데 목적이 있다. K-POP은 이미 전 세계적으로 영향력을 가진 문화 콘텐츠로 자리매김했으 며, 다양한 산업과 연계된 문화 플랫폼으로 확장되고 있다. 이에 따라 K-POP 관련 기록물 은 단순한 데이터 축적을 넘어 감정과 기억을 공유하는 문화적 플랫폼으로 진화할 필요가 있다. 이에 문헌 조사, 국내외 사례 분석, 기록물관리전문요원, 문화콘텐츠전문가, 국내외 K-POP 팬덤 대상 FGI를 통해 아카이브의 한계와 발전 방향을 다각도로 검토하였다. 그 결과, 문화 번역 중심의 글로벌 접근성 강화, Fandom Studio 운영, K-POP MAP 구축, K-POP 디지털 유산 보존소 마련, 감정 기반 참여형 플랫폼 전환 등 다섯 가지 전략을 도출하였다. 이는 기술적 개선을 넘어 팬 중심·문화 교류 중심의 아카이브 패러다임 전환을 지향한다. 따라서 본 연구는 KMDC가 글로벌 문화유산으로 발전할 수 있는 방향을 제시하고, 기록의 공공성과 사회적 역할에 대한 논의를 확장하였다.

This study aims to explore the global utilization potential of the Korea Music Data Center (KMDC) and propose strategies to realize this goal. K-pop has already established itself as globally influential cultural content and is expanding into a cultural platform interconnected with various industries. Accordingly, K-pop?related archival records must evolve beyond simple data accumulation into cultural platforms that share emotions and memories. To this end, a comprehensive review of literature was conducted, domestic and international cases were analyzed, and focus group interviews were held with records management professionals, cultural content experts, and domestic and international K-pop fandoms to examine the limitations and development directions of the archive from multiple perspectives. As a result, five strategic directions were identified: enhancing global accessibility through cultural translation, operating a Fandom Studio, constructing a K-pop map, establishing a K-pop digital heritage archive, and transforming the platform into an emotion-based participatory archive. These strategies are aimed at not only technical improvements but also a fundamental paradigm shift toward a fan-centered archive that facilitates cultural exchange. Therefore, this study presents a direction for the KMDC to evolve into a global cultural heritage platform and broadens the discourse on the public value and social role of archival records.

In the case of the final assignment for the liberal arts Korean language class, it was found that students who listened to ITZY's music responded strongly to aspects of self-affirmation such as assurance not to notice others, confidence, self-esteem, and self-love in common. can In a state of low self-affirmation and self-esteem, the majority of responses were changed or got courage through ITZY’s song. K-pop's message of Wannabe me became an idol's survival strategy and a mechanism to promote a change in self-perception for Japanese university students with low self-esteem.