Earticle

부산국제록페스티벌은 18년 이상 부산에서 진행되어온 국내 대표 록페스티벌이다. 현재 부산국제록페스티벌은 경쟁력하락, 장소이전 등의 현안들을 지니고 있다. 최근 국내에서 진행되는 다수의 록페스티벌 역시 유사한 문제로 고민하고 있는 실정이다. 연구자는 본 연구를 통해 부산국제록페스티벌을 중심으로 국내 록페스티벌의 발전방안을 모색하고자 이에 대한 논의와 방안들을 제안하였다. 연구방법으로 현장설문조사를 실시하여 보다 실증적인 자료를 제시하였다. 그 결과 다수의 부산국제록페스티벌 관람객이 유료화에 대해 부정적임을 발견하였다. 유료화도입은 전면유료화와 부분유료화로 구분하여 생각할 수 있을 것이다. 하지만 록페스티벌에서 출연진강화 등 경쟁력을 위한 유료화 도입은 신중히 검토되어야 한다. 더불어 장소이전문제와 교류사업확대 역시 함께 고민해야 한다. 이러한 정책들은 시민, 전문가평가단 등 피드백시스템을 통해 참여자들이 공동으로 만들어가는 구조 하에 진행될 수 있을 것이다. 본 연구를 통해 국내 록페스티벌과 음악시장의 발전을 기대한다.

The Busan International Rock Festival has been the leading music festival in Korea for more than eighteen years. Currently, the Busan International Rock Festival is experiencing a few issues with regards to its decreased competitiveness and venue discovery. Other rock festivals taking place in Korea these days have similar issues as well. Therefore, this study discusses and suggests a growth plan for rock festivals in Korea, focusing on the Busan International Rock Festival to serve as a model for the industry at large. For this purpose, the researcher has conducted on-site surveys to provide empirical data. As a result, it has been proven that the majority of audiences of the Busan International Rock Festival oppose the idea of the festival starting charging an admission fee, which could be either full or partial. If the purpose of charging for admission is to attract well-known performers in order to increase its competitiveness, this should be regarded with caution and systemically analyzed before any decision is finalized. In addition, there are other issues to consider, including identifying potential venue locations and expanding exchange programs. One possible method to resolve these additional issues is through a dynamic feedback system by which expert and citizen evaluators will work with the public in order to find equilibrium. Through this study, the researcher hopes to provide solutions to these pressing matters in order to stimulate not only the growth of rock festivals, but also the music industry in Korea.

故김현식(1958-1990)은 1980년대 한국 언더그라운드 음악의 대표적인 가수이다. 그가 죽은 지 거의 30년이 지나도록 그의 음악은 세대를 초월하여 여전히 대중의 가슴에 깊은 울림을 주고 있다. 그러나 그의 음악에 기독교적인 요소와 가치가 나타남에도 그의 비극적이고 자기 파괴적인 삶과죽음으로 인해 그의 음악과 그것이 대중에게 끼치는 문화적 영향은 기독교와 관련하여 이해되지 않고 있다. 본 논문의 목적은 김현식의 음악을 문화텍스트로 간주하고 문화 선교적 관점에서 그것을 이해하고 재구성하여 대중음악을 매개로 하는 문화선교를 추동하는 것이다. 이를 위해 본 논문은다음 세 가지 과제를 실행한다. 첫째, 보편적으로 소통될 수 있는 수준에서김현식의 음악세계를 설명한다. 둘째, 설명된 그의 음악세계를, 하나님 나라의 문화적 구현과 변혁을 향하여, 그 안의 기독교적 요소와 가치를 평가하고 그것들의 한계를 극복시키는 방식으로 재구성한다. 마지막으로 재구성된 그의 음악세계에 기독교적 이미지를 부여한다. 결과적으로 부여된 이미지는 세례 요한을 지칭하는 ‘광야에서 외치는 자의 소리’이다.

The late Kim Hyun-Sik(1958-1990) is a representative singer of the Korean underground music of the 1980s. Almost 30 years after his death, his music transcends generations and still gives a deep resonance to the hearts of the masses. Despite some Christian elements and values appearing in his music, the music and its cultural influence on the masses are not understood with regard to Christianity because of his tragic, self-destructive life and death. The purpose of this study is to treat Kim Hyun-Sik’s music as a cultural text and to understand and reconstruct it from the perspective of cultural mission in order to promote cultural mission through popular music. To this end, this paper performs the following three tasks. First, it explains Kim Hyun-Sik's music world at a level that can be universally communicated. Second, it reconstructs the explained music world in a way that evaluates the elements and values of Christianity in it and overcomes their limitations, towards the cultural embodiment and transformation of God’s kingdom. Lastly, it gives a Christian image to the reconstructed music world. As a result, the given image is ‘a voice of one calling in the desert,’ which refers to John the Baptist

1992년 한ㆍ중 수교 이후 소위 "한류(韓流)"와 "한풍(漢風)"이 교차하는 가운데 양국 간의 경제적ㆍ문화적 교류가 활발히 지속되어 왔다. 그리하여 2010년 현재 사업과 유학 등 여러 이유로 중국에 체류하고 있는 한국인의 수가 이미 백만을 넘었고, 북경에서의 한국인만 해도 20만 명에 다다른다. 특히 북경의 한국인 중 절반 가까이가 살고 있는 왕징(望京)은 이제 '북경의 코리아타운'으로 불리며 중국 내에서 한국문화가 가장 폭넓게 교류하는 중심지의 역할을 하게 되었다. 이에 본 연구에서는 북경의 코리아타운이 형성된 과정 및 그 역할과 한계성을 살펴본 후 향후의 개선 방향을 모색하고자 한다. 연구의 후반부는 음악에 초점을 맞춰 북경 전역의 한국문화의 현황과 코리아타운에서의 음악활동 상황을 조사한 것이다. 한국음악이 중국에 소개되는 양상은 크게 대중음악, 서양음악, 그리고 전통음악으로 나눌 수 있는데, 그 중 대중음악과 서양음악이 절대적인 비중을 차지하고 있고, 전통음악에 대한 소개는 중국인들의 수요에 의해서 이루어지는 것이라기보다는 민족주의를 염두에 둔 한국 문화계의 노력을 통해서 얻는 결과라고 할 수 있다. 이런 가운데 한류(韓流)가 '한류(寒流)'로 거부감을 주지 않기 위해서는 현지에서의 노력도 매우 중요한데, 북경 코리아타운에서 이루어지고 있는 작지만 다양한 음악활동이 이러한 과제를 해결하는 훌륭한 접근 방식이 될 것이다.

Since the establishment of diplomatic ties between Korea and China in 1992, the two countries' economic and cultural exchanges have been very active especially in the context of the "Korean wave" (popularity of Korean culture in China) and the "Chinese wind" (popularity of Chinese culture in Korea). Under these circumstances, more than one million Koreans live in China for business and studies and about 200,000 of them are in Beijing as of 2010. To be more specific, almost half of those in Beijing live in Wangjing so this district is now called "a Korea town in Beijing," spreading Korean culture more actively than any other place in China. In this context, this paper elaborates on the formation of the Korea town in Beijing, the town's roles, limits and future progress to make. The latter part of the research is focused on music to explain how Korean culture is spreading in Beijing and how musical activities are carried out in the Korea town. Korean music introduced to China is divided into popular, Western and traditional music. Among these, popular music and Western music take the largest part. On the other hand, traditional Korean music has been supplied to China not because there is demand for it but because Korea has made efforts to introduce it to China. Maintaining the Korean wave in China requires local efforts. Therefore, small but diverse musical activities in Beijing's Korea town are expected to play a crucial role in meeting this challenge.

트로트음악을 음계와 리듬만을 기준으로 분석한다면, 일본과 서양의 대중음악 양식이 혼합된　퓨전장르라고 할 수 있다. 그러나 오랜 세월동안 대중이 수용한 트로트음악에는 음계와 리듬 외에, 꾸밈음이 부각되는 입체적 창법, 그리고 대중과 밀착된 내용의 단순 명료한 가사의 어법, 다시 말해서 한국적 정서가 내재되어 있다. 이러한 역사의 부침 속에서 태어난 트로트음악은 시대의 발전에 따라 회생의 몸부림을 치게 된다. 많은 사람들의 어두운 사랑을 한 몸에 받았으며 군부독재의 탄압 또한 피하지 못하게 된다. 그리고 70~80년대 청바지 문화와 함께 들이닥친 통기타 음악에 의해 위기를 맞이하고 90년대 전자 사운드로 무장한 댄스음악에 의해 또 한 번의 위기를 맞는다. 하지만 특유의 자생력에 힘입어 트로트음악의 그 특유의 질감을 유지한 채 외적인 면모를 탈바꿈하는 유연성을 보이며 대중문화의 한 부분으로 거듭나게 된다. 이처럼 트로트음악은 우리나라 사람들에 의해서 만들어지고 불리어졌다. 그리고 대중의 취향을 의식하며 끊임없이 변화와 발전을 해왔기 때문에 수용자가 거부감 없이 받아들일 수 있었다. 이것은 트로트음악의 자생력이며 대중적 음악장르로서 자리할 수 있는 가장 큰 이유라 생각된다.

In the field of a study on Korean Trot Music, quite a lots of scholar have studied of the transition. I would like to point out that some kinds of music genre was derived from a hymn which has began from the late period of the Choseon Dynasty and the spread of Chang-ga which is Japanese version of the Korean style singing. Thanks to an inflow of a score which is sort of musical notation after the cultural open, the learning of Western musical theory and advent of the foreign instrument. it was assimilated as a Trot music in Korean society. Of course, Pansorri and Korean　Traditional Song which had been consisted of mainstream began to be pushed out by Korean Lied or New Folk Song and a various genre which has include lots of song of special composer. A popular song in the early period was settled as an waltz rhythm which has similar figure with the Korean traditional music. But this popular song accommodated trot rhythm that of western in 1930s to keep a popularity from another music genre. As a production of trot rhythm based song, Korean Trot Music began to be gradually located in domestic. After 1950s, we could observe the great change of Trot music. It was　affected by not a western popular song like a hymn in the early period　but that which boosted splendid figure. Trot music was absolutely upheld by Korean people because it's heartstrings was tallied with particular situation of that time. As the inflow of advanced pop music of US, however, came to be at a crisis, composers tried to actively accommodate which of western rhythm fast speed and to possibly grow out from the five musical scale. Because of that, trot music developed as a very wide genre which has　a various rhythm. Until 1990s, however, a popularity of trot was threatened by rehabilitation of dance music as another policy of the cultural open, again, it came to up to people with high-end sound which could be equal to dance music. A distinctive future of this time was that trot singer had came to posses a　Just like a dance singer. This time, people experienced the great change which is that the huge stage became needless when these trot singer performed. As like these, with the effort of that trying to equip with good aspect of other popular music, trot that coming up to the mass of people. As a result of that, it is reach point that people accept it selectively. Through "A Study on Historical Transition of Korean Trot Music", I want to look for the identity of trot music which was sang by Korean people at present. And it is another effort of trot music related group who think that the historical issues and social one is closely connected with trot music. Trot music which has repeatedly experienced　the change and development with differentiation and integration over again, it has the style combination like other art genre. We need to grasp the essence of our own culture through understand trot music as a part of Korean music. This study is a one of these endeavor.

본고는 한국유성기음반 DB의 음악학적 활용 방안을 검토하는 것이 목적이다. 방안 검토를 위하여 기존 한국유성기음반의 보존 현황을 검토 하고, 한국유성기음반을 통한 음악적 연구 성과를 고찰하여, DB구축을 통한 음악학적 활용 방안을 모색하였다. 인류가 발명한 최초의 음향 기록 자료인 유성기음반이 한국에서 상업적으로 출반된 것은 1907년부터이다. 오케(Okeh), 콜롬비아(Columbia), 빅터(Victor), 리갈(Regal), 폴리돌(Polydor) 등의 레이블로 한국에 선보인 유성기음반에는 우리 선조들이 창조 계승한 전통음악의 전반, 초창기의 양악, 연극, 연예의 최초 음향, 명사들의 육성까지 그 시대가 낳은 모든 예술과 공연에 관한 방대한 자료들이 담겨 있다. 한국유성기음반은 정부차원의 전문화된 보존체계를 갖추지 못하고 있다 해도 과언은 아닐 것이다. 반면 21세기의 시작과 함께 근현대 문화 양상을 파악하기 위한 연구자들의 연구는 문헌자료의 연구를 넘어 한국유성기음반에 주목하고 있다. 그러나 그 성과는 미약하다. 1998년부터 국악계에는 한국유성기음반 총목록이 발간되어 어느 정도 연구의 진전을 보았으나, 자료의 부재라는 문제에 봉착하고 있다. 더욱이 단편적인 대중음악계의 연구와 미개척지인 서양음악계의 연구는 남겨진 과제이기도 하다. 이러한 기초기반연구의 활성화를 위해 ‘한국유성기음반 디지털 아카이브’ 구축이 요구되며, 나아가 국가차원의 ‘한국유성기음반 아카이브’ 건설이 추진되어야 한다.

The purpose of this study is to examine possible musicological applications of Korean phonograph records through building their DB archives. To examine the applications, this study reviewed actual profile on archive system for conventional Korean phonograph records, and considered musicological performances from those records to seek their possible musicological applications by building corresponding DB. The phonograph record, as the first historical sound record invented by human being, was commercially released for the first time in Korea in 1907. The phonograph records introduced early in Korea in famous labels such as Okeh, Columbia, Victor, Regal and Polydor contained a huge amount of original archives on every art and performance in those days, such as Korean traditional music, which was created and handed down by our ancestors, contemporary Western music, theater, initial sounds of entertainment, and even voice of contemporary celebrities. It is not too much to say that Korean phonograph records are now hardly protected under specialized governmental archival system. On the contrary, from the beginning of the 21st century, our academic efforts to find out interesting aspects of modern and post-modern Korean culture have focused on Korean phonograph records beyond the dimension of simple literature-based studies. Unfortunately, however, those efforts have failed to reap significant academic performances as expected. In 1998, our Korean traditional music world released a whole library of Korean phonograph records, which contributed somewhat to academic advancement, but there are not yet enough archives to meet target academic goals. Besides, we also have another academic assignment such as existing superficial studies in our popular music, and studies in Western music world around the early 20th century, which has not been discovered fully even up to date. In order to facilitate these baseline studies and promote developing popular media contents, it is urgently and urgingly required to build up ‘a digital archive of Korean phonograph records', and thereby construct such an archive in near future.

이 연구는 노래의 가사가 음악을 수용적으로 지각하게 하는 음악선호에 어떠한 영향을 미치는 가를 알아본 것이다. 기독교인 167명에게 종교적 가사와 세속적 가사를 붙여 만든 록 스타일의 두 개의 노래를 들려주고 각 노래에 대한 그들의 수용적 선호를 7점 척도로 표시하도록 하였다. 연구의 결과, 대상자들은 같은 대중음악 스타일의 곡이라도 가사의 성격에 따라 선호에 차이를 보였는데, 종교가사의 곡을 세속가사의 것보다 더 선호하였다. 대상자의 연령 역시 세속가사와 종교가사에 대한 반응에 유의한 차이를 보였는데, 특히 종교가사에 있어 연령이 높은 대상자들이 연령이 낮은 집단의 대상자들 보다 수용적 선호에 있어 상대적으로 더 크게 영향을 받는 것으로 나타났다.

This research investigated the effects of song lyrics in perceiving preferences of music listening. The researchers composed two different songs with similar styles of contemporary rock music with each including sacred and secular texts. A total of 167 christians who attend workshops regularly listened to two songs consecutively; one composed of sacred texts and the other with secular texts and vice versa. Individual responses to each songs were to be checked on seven likert scales. Results showed that participants showed different responses to each song lyrics: songs with sacred texts were preferred over songs with secular ones. Their age also influenced lyric preference, for the older participants seemed more influenced than the younger participants in listening to sacred lyric songs.

오늘날 사회에서 대중음악은 사람들의 생활 속 깊이 자리하고 있다. 대중음악에 대한 관심은 특히 청소년들에게서 두드러지게 나타난다. 청소년문화에서 대중음악은 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. 청소년들은 급격히 발달한 대중매체를 통하여 음악에 쉽게 노출되어있으며, 그들이 실생활에서 접하는 음악문화가 학교음악수업에 영향을 주고 있다. 이러한 상황 속에서 더 이상 학교음악교육은 대중음악의 필요성을 인식하지 않을 수 없다. 본 연구에서는 대중음악의 이론적 배경을 살펴보고, 청소년과 대중문화의 관계성을 통하여 학교음악수업에서 대중음악을 활용한 수업지도방안을 모색해 보았다. 대중음악에 대한 청소년들의 인식을 설문지를 통하여 조사한 결과, 어느 음악장르보다 압도적으로 대중가요를 가장 선호하며 대중음악은 청소년생활에서 꼭 필요한 음악이라고 답하였다. 또한 학교음악수업에서 대중음악의 교육을 많은 청소년들이 원하고 있다. 입시위주의 교육흐름 때문에 음악수업은 외적인 수단인 수행평가의 목적으로 치중되고 있다. 이로 인해 음악의 본질인 심미적 음악경험은 점차 사라져 가고, 학생들과의 음악적 공감대형성 조차도 어려운 실정이다. 즉, 대중음악은 학생의 음악적 관심을 유도하며 음악적 개념을 이해하는 데에 긍정적으로 생각해 볼만하다. 따라서 대중음악이 가지는 음악적 가치를 활용하여 학교음악수업에서 보다 흥미 있고, 다양한 음악적 경험과 풍성한 음악문화를 체험할 수 있도록 기회를 제공하여야 할 것이다. 또한 대중음악의 올바른 이해로 학교음악수업에 적극적인 도입을 통해 학생들의 음악적인 만족과 학교교육 목표의 큰 효과를 거둘 수 있도록 더욱 연구되어야 할 것이다.

Popular music is growing deeply inside today's every day lives. Especially, the interest in popular music is shown outstandingly among teenagers. Popular music takes a very important part in the teenage culture. Teenagers are easily exposed to popular music due to the rapidly grown mass medias. As they get along with the popular music it gives effect in the school music class. In these cases the school music education can not help indicate the need of popular music. The current research is based on the popular music's theoretical backgrounds. Also through the relationship between the teenagers and the popular culture searched for the teaching method by using popular music in school music class. By questioning about the popular music to the teenagers, popular music was chosen their favorite genre surpassingly higher than others and answered that music is invariably needed in their lives. Also they were willing to learn about the popular music in school music class. The education is based on entrance exam that music class is about examination grade which is external side of studying. There for the true meaning of music education which is essential experience in music is slowly vanishing. Even the musical sympathy between the student is hard to find. By using popular music can bring the student's interest in music and help understand the meaning of music there for it can be considerate affirming. There for by using the musical value that popular music has in class can make much more interest to the students. It can also help do various experience in music and have plentiful knowledge about music culture to the students. The induction of upright knowledge about popular music has to effect in class and for the student's satisfaction in school music class this study must continue.

본 연구는 2010년대 대중가요에서 특징적 양상을 보였던 시즌 송을 분석하여 대중들의 계절적 공감 정서를 기록하고자 했다. 계 절을 주제와 소재로 삼은 대중가요는 이전에도 존재했었으나 2012년 발매된 버스커 버스커 의 성공적인 사례 이후 특정 계절을 대상화하는 시즌송이 증가하는 양상을 보였다. 음반 시장에서 디지털 음원 시장으로 재편된 음악 산업계에서는 세대 구분 없이 많은 이들이 공감할 수 있고, 계절의 순환에 따라 음원차트에 재진입했던 시즌송을 적극 활용하였다. 시즌송은 계절 의 형상화 방식과 함께 그 음악을 수용하는 대중들의 계절적 공감 요소를 도출함으로 시대적 의미를 부여한다는 특징을 지닌다. 연구를 위해 의 등장 시기이자 시즌송의 특징적 양 상이 보였던 2012년 3월부터 2017년 2월까지, 만 5년의 기간을 연구범위로 삼았다. 본 논문은 음원차트 월별 순위 100위까지를 기준으로 하고, 3 ․ 4 ․ 5월은 봄, 6 ․ 7 ․ 8월은 여름, 9 ․ 10 ․ 11월은 가을, 12 ․ 1 ․ 2월은 겨울로 사분화하여 계절별 선호 양상을 도출하 였다. 가사 내 계절적 주제와 소재 표현이 시즌송 선정의 기준이 되었으며, 음악 장르 ․ 악기 편성 ․ 가창 형태 등의 항목을 통해 음악 의 표현적 양상을 고찰하였다. 2010년대 시즌송은 특정 계절의 변화와 관련된 자연적 소재와 계절 상징 소재를 적극적으로 활용하면서 주제를 형상화하였고, 음악적 표현을 위해 악기편성 및 구성의 변화를 주었다. 또한 계절 별 주제 양상과 음악적 특징은 시즌송의 가창 형태에도 영향을 주 었음을 확인할 수 있었다. 시즌송에서 나타나는 계절 특유의 감성 과 시간 예술인 음악의 필연적 반복은 대중가요의 음악적 저변을 넓힘과 동시에 시대적 의미를 기록했다는 의의가 있다.

This study aims to record the public’s seasonal empathy by analyzing seasonal songs that showed characteristic aspects in popular songs in the 2010s. Although popular songs with seasonal themes and subjects have existed before, the number of seasonal songs targeting specific seasons increased after the success of Busker Busker’s “Cherry Blossom Ending” released in 2012.The music industry, which has reorganized from the record market to the digital music market, has actively utilized seasonal songs that many people can relate to regardless of generation and have re-entered the music charts according to the cycle of the seasons. Seasonal songs are characterized by the way the seasons are represented and the seasonal sympathies of the public who embrace them, giving them a sense of the times. For the study, a period of five years from March 2012 to February 2017, the period when appeared and characteristic aspects of seasonal songs were seen, was taken as the scope of the study. This paper is based on the monthly ranking of the music charts up to the 100th position, and the seasonal preference patterns were derived by dividing March, April, and May into spring, June, July, and August into summer, September, October, and November into fall, and December, January, and February into winter. The expression of seasonal themes and materials in the lyrics became the criteria for selecting seasonal songs, and the expressive aspects of music were examined through items such as music genre, instrumentation, and types of singers.Seasonal songs in the 2010s actively utilized natural materials and seasonal symbols related to the changes of specific seasons to shape their themes, and made changes in instrumentation and composition for musical expression. We also found that seasonal thematic patterns and musical features influenced the types of singers in seasonal songs. The inevitable repetition of seasonal emotions and music as a time art in seasonal songs is significant in that it broadened the musical base of popular songs and recorded the meaning of the times.

기록학계에 있어서 대중문화 기록에 관한 관심은 기존 공공영역에 치우쳐있던 기록관리 체계가 민간영역의 기록관리에 관한 관심으로의 변화하면서 시작되었다. 최근 K-POP은 대중문화의 부흥을 주도하고 있으며대중이 자발적으로 수용하여 유지되는 문화로 자리매김하고 있다. 또한‘팬덤’이란 독특한 집단문화를 통해 다양한 콘텐츠들이 생산, 소비되고 있다. K-POP 팬덤은 자발적으로 K-POP과 관련된 다양한 정보를 수집함과동시에 새로운 문화와 자료를 재생산하기도 한다. 특히 수집한 자료는 수집의 규모 및 범위가 넓어 팬덤이 추종하는 대상 및 수집 시점의 시대적모습을 다양하게 반영할 수 있다. 이러한 팬덤의 자본축적 특성은 대중음악 아카이브 활성화의 단서가 될 수 있는 특성이다. 본 연구는 K-POP 팬덤의 특성을 바탕으로 팬덤들이 수집·생산하는 기록의 특성과 현황을 분석하고자 한다. 이를 위해 국내 최대 규모의 팬덤을 보유하고 있는 방탄소년단(BTS)의 아미(A.R.M.Y)를 선정, 설문조사를 수행하였다. 분석 결과를 통해 대중음악 아카이브 구축을 위한 팬덤 기록 활용 방안을 연구하고자 한다.

In modern society, popular music is becoming a reflection of public consciousness, and due to advances in technology, pop music culture is gradually spreading both quantitative and qualitatively as it provides access to popular music in a variety of different ways. K-pop has become more important to society as it reflects the social status of the day, showing the most active activities and influences at home and abroad. In this study, we revealed the definitions and characteristics of K-POP and K-POP fandom. Then, a survey was conducted on the fandom of BTS, A.R.M.Y, which can represent K-POP fandom. The survey looked at the general perception of K-pop fandom’s archives, the current status of its collection and production records, the perception of popular music archives, and the donation and commission of their records. At the results, we proposed utilization plans of K-POP fandom records, for developing popular music archives.

본 연구는 창작 스트레스를 겪는 대중음악 작곡가의 미술치료 체험의 본질적 의미가 무엇인지 알아보는 것이다. 연구 참여자는 대중음악 작곡가 4인으로 본 연구자는 자료 수집을 위해 2021년 7월 31일부터 2021년 12월 7일까지 개인 미술치료 8회기 및 미술치료 전후 두 번의 개별 인터뷰를 시행하였다. 수집된 자료는 van Manen의 해석학적 현상학 연구 방법으로 분석하였으며 주제 분석 결과 6개의 본질적 주제와 22개의 하위 주제가 도출되었다. 연구 결과를 토대로 한 결론은 다음과 같다. 창작 스트레스를 겪는 대중음악 작곡가에게 미술치료는 첫째, 자신에 대해 깊이 집중하면서 진정한 자신의 모습이 드러나는 경험을 하게 되었다. 둘째, 자기 안의 틀을 깨고 자신에 대해 탐색하는 계기가 되었다. 셋째, 혼란스러웠던 내면이 정리되고 재정비되면서 정신적 안정감을 경험하게 되었다. 넷째, 있는 그대로의 자신의 모습을 인정하고 받아들이면서 창작자로서 성장하는 계기가 되었다. 본 연구자는 미술치료라는 학문을 통해 대중음악의 현실과 창작자의 어려움을 공감하고 이들의 내적 성장 과정을 살펴볼 수 있었으며, 본 연구는 대중음악 작곡가를 위한 심리․정서적인 지원을 효율적으로 할 수 있도록 향후 추가적인 연구나 치료적 개입에 질적인 정보를 제공할 수 있을 것으로 기대된다. 이러한 연구 결과를 바탕으로 본 연구의 의의와 제한점에 대하여 논의하였다.

This study examined the essential meaning of art therapy for young composers to experience self-exploration. The research participants were four music composers. The research consisted of eight individual art therapy sessions from July 31, 2021 to December 7, 2021 with two individual interview before and after the sessions. The collected data was analyzed by the van Manen hermeneutic phenomenology research method. As a result, 6 essential themes and 22 sub-themes were identified. The conclusions based on the results were as follows. Art therapy for popular music composers under stress showed: First, the patients experienced deeply concentrated self-reflection; second, they broke the barriers within their mind to self-exploration; third, experienced mental stability through recollecting fragmented inner state; and fourth, accepted themselves as there were and grew up further with a creative mind. Thus, this study empathized with the hardship of young composers and looked into their inner-growth. The expected outcome in this study was providing information for future research on therapeutic intervention for their psychological and emotional support. Based on the result of this study, the researcher discussed about purpose and limitations of its research scope.

본 연구는 새로운 연구 주제인 대중가요 가사에 한국인의 문화성향 변화가 반영되어 있는지와 개인의 문화성향이 선호하는 대중음악 장르와 관련이 있는지를 알아보았다. 연구 1에서는 1980년부터 2018년까지의 대중음악 가사를 내용분석하여, 대중음악 가사를 통해 시간의 흐름에 따른 한국인들의 문화성향 변화를 포착할 수 있는지 살펴보았다. 그 결과, 곡의 발매연대가 2010년대에 가까워질수록 대중음악 가사에 개인주의 문화권의 이상적 정서가 집단주의 문화권의 이상적 정서보다 더 자주 표현된 것으로 나타났는데, 이러한 결과는 시간이 흐를수록 한국인이 점차 개인주의화되었을 가능성을 시사한다. 연구 2에서는 개인의 문화성향과 선호하는 대중음악 장르 및 사용하는 음악기능이 어떠한 관련성을 가지는지 살펴보았다. 그 결과, 집단주의 성향을 많이 지닌 사람들은 발라드와 랩/힙합과 같은 중․저각성 음악을 선호하는 동시에 록/메탈과 같은 고각성 음악을 덜 선호하는 결과가 나타났다. 이러한 결과는 집단주의 성향을 지닌 사람들이 각성 수준이 높은 것보다는 낮은 것을 선호할 것이라는 가설과 일정 부분 일치한다. 또한, 음악의 개인적, 사회적, 문화적 기능 중 사회적 기능이 집단주의 성향과 가장 큰 정적 상관관계를 보였는데, 이러한 결과는 집단주의 성향의 사람들이 타인과 좋은 관계를 유지하기 위하여 음악을 사용하기 때문에 나타난 것으로 해석할 수 있다. 본 연구는 문화성향과 대중음악에 대한 선호라는 독특한 주제를 내용분석과 조사연구를 통하여 알아보았다는 데 의의가 있다. 마지막으로, 논의에는 연구의 한계점과 결과의 활용방안을 제시하였다.

This study examined whether popular music lyrics, the new research topic, reflect changes in Koreans’ cultural orientation and whether individuals’ cultural orientation is related to the genre of popular music that they prefer. In Study 1, we content analyzed popular music lyrics from 1980 to 2018 to see if Koreans’ cultural orientations changed over time. The analysis showed that as the release dates approached the 2010s, the lyrics expressed the ideal attitudes of individualist cultures more frequently than those of collectivist cultures; this suggests that Koreans have gradually become more individualistic over time. In Study 2, we examined the relationships between individuals’ cultural orientations, preferences for various genres of popular music, and functions of music. The analysis showed that people with more collectivistic attitudes tended to prefer mid- and low-arousal music, such as Ballads and Rap/Hiphop, while those with less collectivistic attitudes preferred high-arousal music, such as Rock/Metal. This result is partly consistent with the hypothesis that collectivistic people would prefer lower to higher arousal music. In addition, our analysis showed the strongest positive relationship between collectivism and the social function of music; this result can be interpreted as indicating that collectivistic people use music to maintain good interpersonal relationships. This paper concludes by discussing the implications of these findings, the limitations of this study, and directions for further research.

중국은 문화 산업의 국제적 확장을 추진하는 과정에서, 중국 민족 전통음악 요소와 현대 대중음악을 결합함으로써 문화적 정체성을 강화하고 글로벌 문화 시장에서의 경 쟁력을 제고하려는 시도를 지속해왔다. 하지만 선행 연구들에서는 콘텐츠 제작자 중심 의 논의가 주를 이루어, 실제 수용자의 반응과 인식에 대한 분석은 상대적으로 부족하 였다. 이에 본 연구는 전통과 현대가 결합된 음악 사례 분석을 통해 음악이론적 시각에 서 융합 음악의 특징을 도출하고, 중국 대학생 253명을 대상으로 설문조사를 실시함으 로써 수용자의 문화 인식 및 수용 태도를 실증적으로 고찰하였다. 그 결과, 오성음계 및 전통 악기의 활용이 문화 정체성에 대한 인식을 강화하고 정서적 반응을 이끌어내 는 데 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 음악 선호도, 문화 수용성, 개방성과 의 사이에서 통계적으로 유의미한 상관관계가 도출되었다. 본 연구는 향후 융합 음악 의 창작 실천과 대중화 경로에 대한 이론적 근거와 실천적 방향을 제시하고자 하였다.

China has been continuously striving to enhance its cultural identity and boost its competitiveness in the global cultural market by integrating elements of traditional Chinese ethnic music with contemporary popular music as part of its efforts to expand its cultural industry internationally. However, previous studies have predominantly focused on content creators, with relatively little analysis of the responses and perceptions of actual audiences. To address this gap, the present study analyzes cases of music that combine tradition and modernity from a music-theoretical perspective to identify the characteristics of such fusion music. Additionally, a survey was conducted with 253 Chinese university students to empirically examine audience perceptions of culture and their attitudes toward the acceptance of this music. The results indicate that the use of the pentatonic scale and traditional instruments positively influences the recognition of cultural identity and evokes emotional responses. Statistically significant correlations were also found between music preference, cultural receptivity, and openness. This study aims to provide both a theoretical foundation and practical direction for the creation and popularization of fusion music in the future.

중국은 문화 산업의 국제적 확장을 추진하는 과정에서, 중국 민족 전통음악 요소와 현대 대중음악을 결합함으로써 문화적 정체성을 강화하고 글로벌 문화 시장에서의 경 쟁력을 제고하려는 시도를 지속해왔다. 하지만 선행 연구들에서는 콘텐츠 제작자 중심 의 논의가 주를 이루어, 실제 수용자의 반응과 인식에 대한 분석은 상대적으로 부족하 였다. 이에 본 연구는 전통과 현대가 결합된 음악 사례 분석을 통해 음악이론적 시각에 서 융합 음악의 특징을 도출하고, 중국 대학생 253명을 대상으로 설문조사를 실시함으 로써 수용자의 문화 인식 및 수용 태도를 실증적으로 고찰하였다. 그 결과, 오성음계 및 전통 악기의 활용이 문화 정체성에 대한 인식을 강화하고 정서적 반응을 이끌어내 는 데 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 음악 선호도, 문화 수용성, 개방성과 의 사이에서 통계적으로 유의미한 상관관계가 도출되었다. 본 연구는 향후 융합 음악 의 창작 실천과 대중화 경로에 대한 이론적 근거와 실천적 방향을 제시하고자 하였다.

China has been continuously striving to enhance its cultural identity and boost its competitiveness in the global cultural market by integrating elements of traditional Chinese ethnic music with contemporary popular music as part of its efforts to expand its cultural industry internationally. However, previous studies have predominantly focused on content creators, with relatively little analysis of the responses and perceptions of actual audiences. To address this gap, the present study analyzes cases of music that combine tradition and modernity from a music-theoretical perspective to identify the characteristics of such fusion music. Additionally, a survey was conducted with 253 Chinese university students to empirically examine audience perceptions of culture and their attitudes toward the acceptance of this music. The results indicate that the use of the pentatonic scale and traditional instruments positively influences the recognition of cultural identity and evokes emotional responses. Statistically significant correlations were also found between music preference, cultural receptivity, and openness. This study aims to provide both a theoretical foundation and practical direction for the creation and popularization of fusion music in the future.

본 연구는 중국 대중음악 소비자를 대상으로 디지털 음악 콘텐츠에 대한 지각된 가치가 저작권 인식을 매개로 유료 이용의도에 미치는 영향을 구조적으로 분석하는 데 목적이 있다. 디지털 전환과 함께 중국 음악시장은 스트리밍 중심의 합법적 유통 체계로 재편되고 있으며, 이에 따라 소비자의 가치 인식과 저작권 인식이 중요한 연구 변인으로 부상하고 있다. 본 연구는 선행 연구를 바탕으로 지각된 가치가 저작권 인식에 정(+)의 영향을 미치고, 저작권 인식이 유료 이용의도에 정(+)의 영향을 미친다는 가설을 설정하였다. 또한 지각된 가치가 유료 이용의도에 직접적으로 영향을 미칠 뿐 아니라, 저작권 인식을 매개로 간접적 영향을 미칠 것이라는 매개모형을 검증하였다. 실증분석 결과, 지각된 가치는 저작권 인식에 정(+)적 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 저작권 인식 역시 유료 이용의도에 정(+)적 영향을 미치는 것으로 확인되었다. 또한 지각된 가치는 유료 이용의도에 직접적인 영향을 미치는 동시에 저작권 인식을 통한 간접효과도 유의한 것으로 나타나 부분 매개효과가 검증되었다. 이는 소비자가 디지털 음악 콘텐츠의 기능적·정서적·사회적 가치를 높게 인식할수록 저작권 보호의 중요성을 더욱 인식하게 되며, 이러한 규범적 인식이 합법적 이용 및 지불 의도로 이어짐을 의미한다. 본 연구는 디지털 음악 소비를 가치-규범-행동의 통합적 구조로 설명하여 기존 소비자행동 연구를 확장하였으며, 중국 디지털 음악 산업의 지속가능한 발전을 위한 정책적 시사점을 제시한다.

This study aims to structurally examine the effect of perceived value of digital music content on consumption intention among Chinese popular music consumers, with copyright awareness serving as a mediating variable. With the advancement of digital transformation, the Chinese music market has been reorganized into a streaming-centered and legally distributed system. In this context, consumers’ perceived value and copyright awareness have emerged as significant research variables. Based on prior studies, this research proposes that perceived value positively influences copyright awareness, and that copyright awareness, in turn, positively affects consumption intention. Furthermore, a mediating model is tested to verify whether perceived value not only directly influences consumption intention but also indirectly affects it through copyright awareness. The empirical results indicate that perceived value has a significant positive effect on copyright awareness, and copyright awareness also exerts a significant positive effect on consumption intention. In addition, perceived value was found to have both a direct effect on consumption intention and an indirect effect through copyright awareness, confirming a partial mediating effect. These findings suggest that the higher consumers perceive the functional, emotional, and social value of digital music content, the more strongly they recognize the importance of copyright protection, which in turn leads to legal usage and willingness to pay. By explaining digital music consumption within an integrated value–norm–behavior framework, this study extends existing consumer behavior research and provides policy implications for the sustainable development of the Chinese digital music industry.

본 연구의 목적은 데뷔 50년을 맞은 조용필 음악의 특징을 분석하고 한국 대중음악사적 의의를 평가하는 것이다. 조용필이 활동한 1960년대 후반부터 현재까지의 대중음악사는 세 시기로 구분된다. 1960년대 후반부터 1980년대 초반까지 는 기성세대의 트로트와 젊은이의 록이 유행했던 시기, 1980년대 중반부터 2000년대 초반까지는 소프트 록과 헤비메탈, 발라 드가 혼재했던 시기, 2000대 후반부터 현재까지는 후크 송 중심의 댄스음악이 음악시장을 석권한 시기이다. 음악사의 변곡점 마다 조용필은 다양한 음악 장르를 넘나들며 대한민국 대중음악의 발전에 기여하였다. 첫 번째 시기에는 트로트와 록을 접 목하여 한국 고유의 정서를 담은 록음악을 발표하였고, 두 번째 시기에는 록의 전성기와 발라드의 태동기에서 두 장르 모두 의 발전에 기여한다. 세 번째 시기에는 후크송을 발표해 논란을 일으키기도 하였으나 댄스 음악 장르에서도 보컬의 가창력 이 중시되는 분위기를 조성하는 데 기여하였다.

This study analyzes Cho, Yong- Pil’s contribution on K-Pop history as he celebrates the 50th anniversary of his debut. The history of K-Pop, when Cho has been active in, is divided into three periods. From the late 1960s to the early 1980s was a period when trots and rocks were popular. Soft rock, heavy metal, and ballads came in from the mid-1980s to the early 2000s. From the late 2000s to the present, dance music, mostly hook songs, has dominated. In every inflection point of K-Pop history, he contributed to the development throughout various musical genres. In the first period, he introduced rock music with the unique emotion of Korea by combining the trot and the rock genre. In the second period, he contributed to the development of both rock and ballad genres. In the third period, his hook songs were released to the controversy, but it contributed to creating an atmosphere in which the vocal ability of the vocalist in idol groups was emphasized in the K-pop scene.

케이팝의 세계적인 흥행으로 국내 음악산업은 크게 성장했다. 하지만 그 이면에 아이돌 음악으로 편중된 시장이라는 부정적인 결과도 나타났다. 이러한 편중 현 상은 오랜 기간 해결되지 못했고, 이를 해결하기 위해 다양한 장르의 음악과 뮤지션 배출을 제고하기 위한 연구가 시급하다. 이에 본 연구의 목적은 음악 인프라 지 원사업 및 활성화를 통한 음악 장르 다양화를 중심으로 편중 현상 해결 방안을 제언하는 것이다. 연구 방법으로 음악 장르 다양화의 중요성과 균형발전의 이론적 기반 확립 및 편중 현상 해결을 위한 지원 필요성 고찰, 영국의 음악 인프라 지원 정책의 사례와 국내 사례를 비교하여 정책의 문제점 및 개선 필요성을 입증한다. 연구를 통해 음악 인프라와 장르 다양화의 연관성을 조명하였고, 영국의 직접적인 지원에 비해, 한국은 공연 중심의 간접 지원에 한정되어 있었으므로 한국의 경우 더 직접적인 지원의 필요성이 확인되었다. 본 연구가 공연장 지원사업의 개선과 이를 통한 소규모 대중음악 공연장 활성화 및 편중 현상 해소에 기여함으로서 문화 강국의 기틀을 다지는데 도움이 되길 기대한다.

The global box office success of K-pop has significantly contributed to the growth of the domestic music industry. However, this success has also led to a disproportionate focus on idol music, resulting in a biased market structure. To address this issue, there is an urgent need for research aimed at promoting the production of music and musicians across a wider range of genres. Accordingly, the purpose of this study is to propose solutions to this genre bias by focusing on the diversification of musical genres. As a research method, this study reviews the importance of genre diversification, establishes a theoretical foundation for balanced industry development, and examines the necessity of policy support to mitigate the current bias. In particular, the study compares the United Kingdom’s music infrastructure support policies with those of South Korea, highlighting the limitations of domestic measures and identifying areas for improvement. Through this comparative analysis, the study underscores the relationship between music infrastructure and genre diversity. While the UK implements direct forms of support, Korea's support remains largely indirect and focused primarily on performances, thereby revealing the need for more direct and comprehensive support mechanisms in the Korean context. It is hoped that the findings of this study will contribute to laying the groundwork for Korea to become a cultural powerhouse by improving concert hall support initiatives, revitalizing small-scale popular music venues, and ultimately addressing the issue of genre imbalance in the domestic music market.

최근 교육환경의 빠른 변화 속에서 대학교 교사의 전문성은 단순한 지식 전달을 넘어 학습자 중심 설계, 창의적 교수 전략, 디지털 기술 활용 능력, 지속적 자기 성찰을 포함한 복합적 역량으로 확대되고 있다. 본 연구는 중국 대학교 대중음악 전공 교사를 대상으로 수업 전문성 향상에 영향을 미치는 주요 요인으로서 자기효 능감, 기술 수용도, 자기 성찰의 역할을 실증적으로 분석하고, 이러한 변인들이 교수 내용 지식을 매개로 수업 전문성에 어떤 방식으로 영향을 미치는지를 체계적 으로 검토하였다. 연구 결과, 자기효능감은 교사가 자신의 교육 능력에 대한 확신을 바탕으로 창의적이고 능동적인 수업 전략을 개발하고 실행하는 데 기여함을 확 인하였다. 기술 수용도는 디지털 도구와 기술의 수용 및 활용 능력이 수업의 질과 다양성을 향상시키는 데 핵심적 역할을 하며, 특히 온라인 플랫폼과 디지털 콘텐 츠가 수업의 새로운 표준으로 자리 잡는 상황에서 더욱 중요하게 작용하는 것으로 나타났다. 자기 성찰은 교사가 자신의 교수 행위를 지속적으로 성찰하고 개선하 려는 태도가 수업 전문성 향상에 긍정적으로 기여함을 보여주었다. 이러한 세 가지 요인은 모두 수업 내용 구성, 전략 개발, 운영 실행 등 수업 전문성의 세 가지 하 위 요소에 유의미한 영향을 미치는 것으로 밝혀졌다. 특히 본 연구는 세 변수와 수업 전문성 간의 관계에서 교수 내용 지식이 중요한 매개 역할을 수행하고 있음을 실증적으로 입증하였다. 이는 교사의 내적 역량이 단순히 인지적 혹은 정서적 차원에서 머무는 것이 아니라, 교수 내용 지식과 결합됨으로써 실제적인 수업 실행 능력으로 구체화되고 강화된다는 것을 의미한다.

Amid the rapid changes in today’s educational environment, university teachers’ professionalism has expanded beyond simple knowledge delivery to encompass complex competencies such as learner-centered instructional design, creative teaching strategies, digital technology utilization, and continuous self-reflection. This study empirically examines the roles of self-efficacy, technology acceptance, and self-reflection in enhancing the teaching professionalism of popular music majors at Chinese universities, and investigates how these variables influence professionalism through the mediating role of pedagogical content knowledge. The findings show that self-efficacy contributes to the development and implementation of creative and proactive teaching strategies, while technology acceptance plays a key role in improving the quality and diversity of instruction particularly as online platforms and digital content become standard in education. Self-reflection was also found to positively influence teaching professionalism by encouraging ongoing evaluation and improvement of instructional practices. All three factors had significant effects on the subdomains of teaching professionalism content organization, strategy development, and instructional implementation. Notably, the study demonstrates that pedagogical content knowledge serves as an important mediator, indicating that teachers’ internal capacities are strengthened and translated into actual instructional competence when combined with pedagogical content knowledge.

본 연구는 대중음악 전공자를 대상으로 정서적 기억, 상상력, 행동의 사실성과 같은 심리적 요인이 무대 위 표현능력 및 연기 몰입에 미치는 영향을 실증적으로 분석하는 것을 목적으로 한다. 대중음악 공연은 단순한 기술적 연주를 넘어 감정의 전달과 관객과의 정서적 교감이 핵심인 예술 행위로, 공연자의 내면적 자원과 심리적 역량이 표현성과 몰입에 어떤 역할을 수행하는지에 대한 체계적인 탐구가 요구된다. 이에 본 연구는 국내 대중음악 전공자 398명을 대상으로 설문조사를 실시하고, 수집된 자료를 바탕으로 변수 간의 관계를 분석하였다. 연구 결과, 정서적 기억, 상상력, 행동의 사실성은 모두 무대 위 표현능력과 연기 몰입에 유의미 한 정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 특히 행동의 사실성은 두 종속변수에 가장 큰 영향을 미쳐, 무대 위에서의 자연스럽고 진정성 있는 신체 표현이 대중음악 공연자의 예술적 몰입과 표현력 증진에 핵심 요소임을 확인하였다. 정서적 기억은 과거의 감정을 회상하여 무대 상황에 효과적으로 적용함으로써 진정성 있는 감 정 표현을 가능하게 했으며, 상상력은 음악적 장면과 감정을 창의적으로 구성하고 연출하는 데 중요한 역할을 하였다.이러한 결과는 대중음악 전공자 교육에 있어 심리적·내면적 자원의 중요성을 강조하며, 감정 회상 훈련, 상상력 자극 활동, 행동의 사실성을 높이는 신체 훈련 등 통합적 교육 전략의 필요성을 시사한다. 본 연 구는 대중음악 전공자들이 예술가로서의 정체성을 형성하고, 무대 위에서 진정성 있는 표현과 몰입을 실현할 수 있도록 돕는 교육적 방향성 설정에 학술적 근거를 제공하며, 향후 관련 분야의 후속 연구와 교육 프로그램 개발에 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다.

This study aims to empirically examine the effects of psychological factors(emotional memory, imagination, and behavioral authenticity)on stage performance ability and acting immersion among popular music majors. Popular music performance extends beyond mere technical execution to encompass the transmission of emotions and the establishment of emotional rapport with the audience, making it a fundamentally artistic activity. This underscores the need for a systematic investigation into how performers’ internal resources and psychological capacities contribute to expressive performance and immersive engagement. To this end, a survey was conducted with 398 domestic popular music majors, and the collected data were analyzed to explore the relationships among the variables. The results indicated that emotional memory, imagination, and behavioral authenticity all had significant positive effects on both stage performance ability and acting immersion. In particular, behavioral authenticity exerted the strongest influence on both dependent variables, highlighting that natural and genuine physical expression on stage is a key factor in enhancing artistic immersion and expressivity among popular music performers. Emotional memory facilitated authentic emotional expression by allowing performers to recall past emotions and effectively apply them to on-stage situations, while imagination played a crucial role in creatively constructing and interpreting musical scenes and emotional experiences. These findings emphasize the importance of psychological and internal resources in the education of popular music majors and suggest the need for integrated pedagogical strategies, including emotional recall training, activities that stimulate imagination, and physical training to enhance behavioral authenticity. This study provides evidence for educational approaches that help popular music majors develop their artistic identity and achieve authentic expression and immersion on stage. Moreover, the results can serve as foundational data for future research and the development of educational programs in related fields.

The purpose of this study is to investigate the effects of popular music festival experiential factors on subjective well being and festival satisfaction, and analyze the effect of popular music festival satisfaction on subjective well being. In order to achieve the purpose of the study, previous studies that applied the experience economy theory of Pine and Gilmore(1998) were reviewed and questionnaire surveys were conducted with participants of the Incheon Pentaport Rock Festival. From the surveys, 237 valid samples were secured and an empirical analysis was conducted with the samples. The results of this study are as follows. First, the entertainment experiential factors, educational experiential factors, escapist experiential factors, and esthetic experiential factors of popular music festivals had statistically significant effects on festival satisfaction. Second, the educational experiential factors and esthetic experiential factors of popular music festivals had significant effects on subjective well being. However, the entertainment experiential factors and escapist experiential factors did not significantly affect subjective well being. Third, the popular music festival satisfaction had significant effects on subjective well being. Therefore, the importance of experiential factors as a strategy to enhance the feeling of welling being and satisfaction of participants in the popular music festivals could be identified. In addition, the application optimal experiential factors (the optimal experience) to the planning, operating and marketing of the popular music festivals will contribute to strengthening the competitiveness of the festivals.