Earticle

본 연구의 목적은 매년 부산다운 건축상 책자를 통해 문화 홍보의 역할로 부산시에서 실질적으로 실시되고 있는 부산다운 건축상 수상작들을 중심으로 조형예술적 표현특성을 고찰하고자 하는 것이다. 이는 기존의 3차원 입체적인 건축물들을 2차원적인 이미지로 변화시키는 과정에서의 디자인적 이해 및 접근방법을 제시하기 위한 수단으로써 아른하임의 시지각 요소를 적용하여 부산다운 건축상 수상작 조형예술적 표현특성의 경향을 파악하고자 하는 것이다. 연구범위는 부산다운 건축상 심사대상 2013년부터 2016년에 오른 건축물로 선정하였다. 연구의 방법은 첫째, 문헌 및 선행연구를 중심으로 부산다운 건축상 수상작의 심사 기준 및 내용을 포함한 건축물의 특성 및 현황을 정리한다. 둘째, 루돌프 아른하임의 시지각 이론을 고찰한 다음 시지각 요소의 특성을 도출한다. 셋째, 조사대상의 선정 및 분석항목을 분류한다. 앞서 도출한 분석항목을 토대로 분석요소를 도출한다. 넷째, 앞서 도출된 분석요소를 부산다운 건축상 수상 건축물에 적용하여 조형예술적 표현요소들을 분석한다. 최종적으로, 부산다운 건축상 수상작에 있어서 년도 별로 건축적 구성요소와 시각적 구성요소의 경향을 파악하고 부산도시공간의 특성을 고려한 조형예술적 표현특성에 대한 결과를 정리한다.

The purpose of this study is consider the characteristics of the formative artistic expression by focusing on actually running award about architectural prize of Busan which is role of cultural promotion through each year’s brochure of architectural prize of Busan. It is a means to present design understanding and approach in the process of transforming the original three dimensional architecture into a two dimensional image by analyzing the visual perceptual elements of Arnheim and to understand the trend of formative artistic expressions of architectural prize of Busan. Range of research is architectural prizes of Busan in 2013 to 2016. A study of method is divided five sections. First, arrange the building’s characteristics and status which is including the examination standard of architectural prize of Busan and the contents by focusing on literature and preceding research. Second, consider a Rudolf Arnheim’s visual perceptual element and then derive characteristic of visual perceptual element. Third, select a research subject and categorize an analysis item. Fourth, analyze the formative artistic expression to reflect the architectural prize of Busan by analysis element which is already found. At last, figure out the trend of visual elements and architectural components base on architectural prize of Busan and arrange the result about the characteristics of the formative artistic expression considering property of city space in Busan.

본 연구의 목적은 나무의 이미지를 화예조형 작품으로 표현하는 것이다. 본 연구에서는 나무의 형태를 기하형태로 형상화하고 3차원적인 영상기록기술인 홀로그래피와 EL을 이용해 4차원적인 시지각성을 표현하였다. 본 연구의 방법은 문헌과 현장 답사를 통해 나무 형상의 조형적 표현주관을 설정하고 화예조형 작품으로 표현하는 것이다. 홀로그래피, EL, 화훼를 재료로 나무를 기하형태로 화예조형 작품으로 표현한 작품을 분석한 결과, 움직임과 영상 색채의 변화로 4차원적인 시간성, 공간의 확산, 양감, 질감, 운동감을 강조하여 생동적 이미지기 표현되었다. 홀로그램의 색광은 스펙트럼의 화려한 색채로 변화를 이루고 이런 색 덩어리는 실물의 나무형상과 색의 대비, 질감의 대비효과로 나타났다. EL(Electro Luminescent)의 순차적인 점멸의 도입은 4차원적인 시간성, 운동성이 강조되고 생동적 이미지가 표현되었다. 홀로그램의 움직임은 관객의 관람위치와 조명의 위치에 따라 각기 다른 빛과 색, 형태를 보여주어 새로운 이미지가 창출되었다.

Modern floral sculpture made use of a wide range of materials owing to development of scientific civilization and expressions. The purpose of the study set structure expressions of tree shapes by literature survey and site visit to establish structural expression and to make flower structure works. The study made forms of trees in geometrical shape to express four-dimensional visual perception by using three-dimensional image recording of holography and EL. The study expressed tree images by big tree and circulation to make use of transparent acrylics, hologram and plant materials at the big tree. The circulation symbolized circulation of the trees by using plant materials as well as EL to express cube. The flower structure works having geometrical shape of trees by using holography, EL and flowers to emphasize spread of four-dimensional time and space, massiveness, texture and movement by making change of movement and image colors and to express images vividly. The hologram colors consisted of splendid colors and patterns of spectrum to contrast tree shapes as well as colors and to produce contrast effects of texture.

This study is a preceding study to propose direction of design planning for modern church architecture from the user's perspective view. One of the many ways to overcome symptoms is that people suffer from psychological and mental problems, in accordance with the rapid growth and change of modern urban society, the rise of individualism and selfishness. The purpose of the study is to present basic research data for the future by examining the expression characteristics of the formative design in pre and post World War ll American Modern Expressionist churches. It was understood that the churches showed the expression characteristics of formative design according to the Analysis items of visual, relational, and practical elements classification, and also the expression characteristics of the design according to the type of the research subject

채용신의 ‘삼국지연의도’는 지금까지 일부 제한적 시각에 머물렀던 채용신의 평가에 대한 새로운 미술사적 의미와 가치를 부여할 수 있는 성과이다. 무엇보다 삼국지연의도는 대한제국기 전후 절박한 시대적 상황에서 제작되었다는 점과 채용신의 초상화가 지닌 조형적 특징을 새로운 측면에서 재평가할 수 있다는 점에서 의미와 가치가 있다. 이에 본 연구는 크게 삼국지연의도에 내재된 표현정신과 조형적 특징의 두 가지 측면에 주목하였다. 첫 번째로 채용신이 활동했던 시대 상황과 관련하여 삼국지연의도에 내재된 표현 정신은 ‘충의정신’, ‘민족정신’, ‘관우신앙’의 세 가지로 정리할 수 있다. 삼국지연의도가 제작된 1912년을 기준으로 보면 당시 역사적 배경은 물론 삼국지연의도의 제작동기와 목적을 추론할 수 있다. 특히 삼국지연의도 중 <單刀赴肅>에 적은 ‘壬子孟春上澣從二品前定山郡守 臣蔡龍臣寫上”墨書는 삼국지연의도와 관련한 제작의도를 추론할 수 있는 핵심적인 부분이다. 또한 1910-20년대 초는 채용신의 민족의식이 가장 고취되었던 시기였던 만큼 그가 남긴 많은 우국지사의 초상작품들과 비교하면 삼국지연의도에 나타난 민족정신을 짐작할 수 있다. 이러한 과정을 토대로 볼 때 채용신의 삼국지연의도에 내재된 표현정신은 단순한 감상용이나 개인적 관심분야를 넘어 충의정신과 민족정신을 담아 국가적 재건을 염원하는 구국의지를 표현한 그림이라고 평가할 수 있다. 두 번째는 三國志演義圖에 나타난 조형적 특징에 대한 전반적인 연구이다. 총 8폭으로 구성된 채용신의 三國志演義圖는 그림의 성격상 각 장면마다 주제가 뚜렷하게 드러난다. 이러한 주제의 표현을 위해 채용신은 크기, 형태, 구도, 색채, 기법, 묘사 등에서 기존의 三國志演義圖 작품들과는 차별화된 개별성과 독자성을 표출했다. 채용신의 삼국지연의도에 나타난 다양한 조형적 특징은 ‘궁화형식’, ‘복합시점․복합구성’, ‘대조법’, ‘서구적 기법 변용’으로 정리할 수 있다. 먼저, 채용신의 三國志演義圖는 8폭에 편액이 그려져 있으며, 채색화를 구사했다는 점에서 궁화형식이다. 보기 드물게 큰 화폭 역시 삼국지연의도가 궁화형식임을 뒷받침하는 요소이다. 또한, 삼국지연의도에 표현된 조형적 특징은 여러 시점과 기법을 한데 모아 조합했다는 점에서 복합시점 또는 복합구성이라 할 수 있다. 삼국지연의도에 나타난 조형적 특징 중 빼놓을 수 없는 것은 대조법이다. 대조법은 삼국지연의도에서 작품의 내용적 전달과 표현효과를 극대화하기 위해 사용한 대표적 방법이다. <赤璧大戰>은 삼국지연의도 중 대조법을 가장 효과적으로 활용한 작품으로 꼽을 수 있다. 채용신은 초상화제작에서 유지해오던 전통적 특징과 당시 신문물과 신문화의 물결 속에서 수용했던 여러 서구적 기법을 변용하여 삼국지연의도의 조형적 완성도를 높였다. 결론적으로 채용신의 三國志演義圖는 급변하는 시대위기 상황에서 민족의식을 고취하고 한국적 화풍을 새롭게 정립하고자 했던 조선말 한 화가의 끊임없는 탐구와 열정의 결과물이라 할 수 있다.

This thesis,「A study of formative characteristics and spirit of expression in Chae Yong-shin's 'Samgukji Yeonuido'」is about Chae's Paintings 'Samgukji Yeonuido(Pictures inspired by The Romance of the Three Kingdoms) which is found recently. The finding of Chae's Paintings 'Samgukji Yeonuido' is the great discovery which changes the evaluation of Chae's works, from underestimated to get his value properly in art history. Most of all, the 'Samgukji Yeonuido' is very meaningful and valuable in two aspects which are made in very critical situation historically, such as during the period of the end of The Greanter Korean Empire and are reevaluated it's value of the characteristics in new aspect. Because of that, this study took a look in two aspects. At first, I believed the spirit of his works melting in spirit of expression is three different spirit such as the loyal spirit, the national spirit, Cult of Guan Yu. I tried to understand his work underlining spirit which is not only his personal interest and emotion, but also the faith of reconstruction of his country containing the national spirit and the loyal spirit. I could infer his purpose and intention to make 'Samgukji Yeonuido' by examining historical background in 1912 and personal relationship with Chae and the last Emperor Gojong. Secondarily, I studied all aspects of characteristics shown in 'Samgukji Yeonuido'. Each of all 8 pictures have there own subjects. He used unique technique in size, form, composition, color, technique, description and it gave unique and differentiation from ordinary 'Samgukji Yeonuido''. Since I analyzed his characteristics of 'Samgukji Yeonuido' in ‘forms of the Royal Court’, ‘complex viewpoint. complex composition', 'counterpoint', 'change the West technique'. Specially, I tried to reevaluate the meaning and the value of his work in art history by analysing 'A great war of Red Cliff', which showed his unique drawing atmosphere most, with his the other works. On the conclusion, the purpose of this study is the on the way of processing overcoming the limitation of former Chae's studies and reevaluation of his work properly in art history.

패션디자인 표현기법 중 ‘풀로 붙이기’라는 뜻에서 유래한 콜라주는 소재와 색상, 무늬 등을 자유롭게 활 용해 다양한 패션디자인을 개발하는 데 중요한 역할을 했다. 특히, 유희적인 이미지를 전달하고자 할 때 주로 사용되고 있기도 하다. 이 연구의 목적은 남성복에 표현된 콜라주 기법의 특징과 유형을 분석하고, 나아가 연구의 결과를 바탕으로 콜라주 기법을 활용한 남성복 디자인을 개발하는 데 사용할 수 있는 기초 자료를 얻기 위함이다. 연구의 방법으로는 선행연구와 조사연구를 병행했고, 문헌 연구에서는 남성복에 적용된 콜라 주의 사례를 고찰했으며, 조사연구에서는 남성복 컬렉션에서 콜라주 기법이 적용된 실제 사례를 수집해서 분석했다. 구체적인 연구의 방법으로는, 문헌 연구 단계에서 콜라주와 유희의 개념과 유형, 남성복 패션디자 인에 나타나는 콜라주를 이용한 유희적 표현 방법에 대해 살펴보고 콜라주의 개념과 표현 방법을 분석하여 조사연구에 필요한 프레임을 설계했다. 그리고 조사연구에서 2015년 S/S 시즌부터 2019년 F/W 시즌까지의 남성복 컬렉션 이미지를 WGSN과 VOGUE를 중심으로 콜라주 기법의 표현방식에 따라 총 147개의 이미지를 수집 및 분류했다. 이 중 콜라주 기법의 특징이 시각적으로 선명하게 드러난 대표 이미지를 패션디자인 박사 2명과 함께 선정했으며, 이 이미지들은 선행연구에서 도출된 패션디자인의 조형적 특성 요소에 따라 실루엣 과 색상, 패턴, 소재 등을 바탕으로 분석해서 연구의 결과를 도출했다. 패션컬렉션의 남성복 디자인에서 콜라 주 기법을 활용한 이미지는 크게 다양한 색상을 사용한 표현과 다양한 패턴을 결합한 표현, 그리고 예상치 못한 소재를 사용한 표현과 이질적인 아이템을 결합한 표현의 네 가지로 분류할 수 있었다. 또한, 콜라주 기법은 다양한 표현 방법으로 남성복 디자인에 사용되고 있음을 확인할 수 있었으며 이를 통해 다양한 유희 적 메시지도 함께 전달하고 있음도 알 수 있었다. 이 연구는 콜라주 기법이 적용된 패션디자인에 관한 연구를 남성복까지 확장 시켰다는 것과 콜라주 기법을 활용한 새로운 남성복 패션디자인의 개발로 이어질 수 있는 디자인 기초 자료를 제공했다는 데 가장 큰 의의가 있다.

Collage, which originated from the meaning of ‘pasting glue’, played an important role in developing interesting fashion designs by freely utilizing materials, colors and patterns. The purpose of this study is to analyze the playful expression techniques and formative features that appear in modern menswear. To this end, the concept and type of play were examined through prior research and literature, and the concept and method of playfulness and collage appearing in modern fashion design were examined to design the frame needed for survey research. To collect images of modern menswear, a total of 147 images were collected and classified according to the expression method of the collage technique, focusing on WGSN and VOGUE from the 2015 S/S season to the 2019 F/W season. Among them, a representative image that visually revealed the characteristics of the collage technique was selected and classified along with two Ph.D. in fashion design. This was analyzed based on silhouettes, colors, patterns and materials, depending on the factors of the formative characteristics derived from the preceding study on the formative characteristics of fashion design. Research shows that images of menswear using collage techniques in modern fashion collections could be classified into expressions using different colors, those combining different patterns, those using unexpected materials, and those combining disparate items. This study is intended to open the possibility of developing more diverse designs which can be used as practical materials when developing a playful fashion design with collage techniques.

애니메이션은 계몽 형태의 대중예술로서 다양한 연령대에게 쉽게 다가가 그들이 외면하는 사회문제를 재고찰하 게 한다. 따라서 본 논문은 애니메이션 <윌러비 가족>의 캐릭터 설정과 조형의 상징성이 사회 의제의 인식 제고 방안으 로써 작용하는지 분석했다. 현대의 심각한 문제로 대두되고 있는 아동학대와 가족 형태의 수용 필요성에 대한 실태를 파악했으며, 애니메이션의 색채와 조형성은 관객의 심리적 감동과 변화를 유도한다는 선행 연구를 살펴봤다. 작품은 아동학대 유형 중 정서적 학대와 방임을 캐릭터로 보여주며, 가족의 형태를 세분화했다. 조화로운 색채의 무지개는 다양 한 가족 구성원을 상징했으며, 각진 형태와 차가운 푸른색의 조형적 특징으로 이루어진 고아국 요원은 무관심한 이웃과 함께 현대의 원칙주의적인 2차 가해자로 표현하여 관객의 인식변화를 촉구한다. 본 논문은 복지사회 건설과 지원체계에 앞서 국민적 인식 제고가 필수인 시점에 사회 의제를 작품으로 표현하여 관객의 문제 인식을 깨우칠 수 있는 애니메이 션의 가치를 제시하고 있다.

Animation is a popular art in the form of enlightenment that intimately approaches people of various ages and makes them reconsider the social problems they have ignored. Therefore, this paper analyzes how the character setting and formative symbolism in "The Willoughbys" raise awareness of social agendas. The previous studies found that the modern society needs to be aware of child abuse and various types of family, and examined that color and formativeness of animation induce psychological and behavior change from the audience. The work shows emotional abuse and neglect as characters, and presents the subdivided form of the family. The rainbow symbolizes diverse family members. The agents with visual characteristics express the modern principle-based secondary perpetrator along with apathetic neighbors to urge a change in audience perception. This paper insists the value of animation when it is essential to raise public awareness prior to the construction of a welfare society and support system.

본 연구는 여성 신체의 조형적 표현을 탐구하며, 신체 이미지의 변형을 통해 미적 가치를 극대화하는 데 중점 을 둔다. 특히, 본인의 작품 시리즈 「The RED」는 강렬한 색채와 명암 대비를 활용하여 신체의 곡선미를 부각하고, 이를 조형적으로 재해석하였다. 붉은색은 열정과 생명력을 상징하며, 신체의 조형적 아름다움을 강조하는 중요한 요 소로 작용한다. 조형적 요소로서 선(Line), 형태(Form), 색상(Color)을 효과적으로 활용하여 신체의 미적 특성을 부각 하고, 대칭적 구성을 통해 안정감과 조화를 더하였다. 선은 신체의 부드러운 흐름을 강조하며, 형태는 신체의 공간적 구성과 입체적 특징을 표현한다. 색상은 신체의 감정을 시각적으로 전달하며, 관람자에게 강한 인상을 남긴다. 또한, 연구는 만 레이, 빌 브란트, 랄프 깁슨 등의 작품 분석을 통해 조형적 접근 방식을 심화하고, 신체를 단순한 피 사체가 아닌 예술적 오브제로 재해석하였다. 이러한 분석을 바탕으로 본 연구는 신체의 형태 변형과 조형적 구성이 관람자에게 새로운 미적 경험을 제공할 수 있음을 확인하였다. 결론적으로, 본 연구는 신체의 조형적 표현을 탐구하 며, 현대 사진예술에서 신체 표현의 가능성을 모색하고, 누드 사진의 예술적 가치를 확장하는 데 기여하고자 한다.

This study explores the formative expression of the female body, focusing on maximizing aesthetic value through the transformation of body images. The series The RED, one of the author's works, emphasizes the beauty of curves through the use of intense colors and contrast, reinterpreting the female body as a formative art object. The color red symbolizes passion and vitality, playing a crucial role in highlighting the body's aesthetic appeal. Key formative elements such as line, form, and color are effectively utilized to accentuate the aesthetic features of the body, with symmetrical composition adding stability and harmony to the artwork. Lines emphasize the smooth flow of the body, forms express spatial composition and three-dimensional characteristics, and colors visually convey emotions, leaving a strong impression on viewers. Furthermore, this study analyzes the works of influential artists such as Man Ray, Bill Brandt, and Ralph Gibson to deepen the understanding of formative approaches and reinterpret the human body as an artistic object beyond a mere subject. Based on these analyses, the study confirms that transforming body forms and compositional techniques can provide viewers with a new aesthetic experience. In conclusion, this study explores the formative expression of the human body, aiming to expand the artistic value of nude photography and explore new possibilities for body representation in contemporary photographic art.

본 논문에서는 근세 한・일 문학에 나타난 기녀복식의 조형적 표현을 비교하였다. 그 결과 형태 표현의 경우 양국의 유사점은 흰 피부, 단정한 머릿결, 고운 얼굴이 미의 기준이 되었다. 또한 가녀린 몸매를 은근한 노출을 함으로써 남성들을 유혹했다. 반면 『춘향전』에는 세류흉당의 가늘고 여린 상체와 크게 부풀린 하체의 하후상박(下厚上薄)의 실루엣으로 나타났다. 『호색일대남』의 경우, 적당히 풍성한일자형 실루엣을 이루었는데 당시 남성이 미의식이 반영된 것으로 보인다. 또한 매끈 한 다리와 흰 목덜미의 관능적인 느낌에 대한 묘사가 나타난다. 양국 기녀복식의 색채표현의 유사점은 흰 피부와 대비가 되는 화려한 원색이나 원색대비의 의복을 착용한 것이다. 반면『 호색일대남』의 경우, 계절에 맞는 색채를 사용한 기녀의 옷맵시에 찬사를 보내는 주인공의 모습에서 계절에 어울리는 색 채배색의 중요성을 알 수 있다. 양국 기녀복식의 소재 및 문양 표현의 유사점은 값비싼 소재와 문양으로 장식한 의복을 착용한 것이다. 이는 경제적인 능 력에 대한 과시와 값비싼 소재의 의복을 다양한 문양으로 장식하여 세련되거나 화려한 분위기를 더하기 위해서였을 것이 다. 반면, 차이점으로 나타나는 것은 우선 『춘향전』의 경우, 풍속화에서는 거의 나타나지 않아 확인할 수 없었던 문양의 사용이 나타난 점으로 소설을 통해 당시 기녀들의 의복에 문양을 그리거나 수놓았던 것을 알 수 있었다. 『호색일대남』의 경우, 기녀를 상징하는 문양의 사용이 차이점으로 나타난다. 이는 기녀일행을 멀리서 보아도 그 기녀임을 바로 알아볼 수 있도록 사용한 것으로 생각된다.

This study compared the formative expression of ginyeo costume as expressed in early modern literature of Korea and Japan. The study result suggested that both countries have same standard in expressing beauty, which were white skin, neat hair and pretty face. Both ginyeo and geisha tempted men by subtly exposing slender figure. On the other hand, there was difference in beautiful silouhette. In 『Chunhyangjeon』, a beautiful silhouette in Korea is described as slender upper body and exaggerated lower body. On the other hand, in 『Koshoku ichidai otoko』, a beautiful silhouette in Japan is described as properly rich straight-line silhouette, which reflects the aesthetic sense of Japanese male at the time. In addition, there is description in 『Koshoku ichidai otoko』on sensual feeling raised by smooth leg and white neck. The similarity in color expression of costume worn by ginyeo and geisha is that they both wore luxurious prime colors so that prime colors would make contrast with white skin. In 『Koshoku ichidai otoko』, the protagonist gives compliment on the costume of a geisha with color matching with the season. It tells the importance of color scheme fitting to season in Japan. The similarity in material and pattern of costume worn by ginyeo and geisha is that they both wore costume decorated with pattern and made of expensive material. They wanted to show off their financial capability and enhance refined or luxurious taste by expensive material and patterns. On the other hand, there was difference in the pattern used. It is possible to know through 『Chunhyangjeon』that Korean ginyeo drew or embroidered pattern on costume. Such use of pattern on costume is not found elsewhere including folk paintings. Meanwhile, it is possible to know through 『Koshoku ichidai otoko』that Japanese geisha used unique geisha pattern on her costume so that people can know she is a geisha from far away.

농약이 인체에 미치는 영향을 고려하여 농약을 전혀 쓰지 않고 농작물을 재배하는 유기농법에 대한 관심이 증가하고 있으며, 농약오염에 불안한 소비자들은 값이 비싸더라도 유기농 식품을 선호하는 것은 자연적이고 안전한 ‘생태학적 재배’를 소비자들이 선호하고 있다. 육아용품에도 친환경, 유기농 바람이 거세다. 새로운 친환경 섬유를 제품에 활용하거나 디자인·색상으로 다양화한 상품이 인기를 얻고 있다. 에코맘(Ecomom) 프로젝트의 일환으로 하는 제품들이 다양한 아이템으로 확대되어 늘어나고 있는 실정이다. 영·유아의 패키지디자인을 한 상품의 총합으로써, 패키지디자인의 7대 요소인 네이밍, 브랜드 로고, 색상, 캐릭터, 타이포그래피, 레이아웃, 일러스트와 지기구조 등에 대한 포지셔닝으로 패키지 디자인을 종합적 분석하였다. 또한 영·유아의 패키지 디자인 요소의 포지셔닝을 살펴보면, 브랜드이미지 상품의 BI개념 혹은 상품의 인지성이 잘 드러나지 못하고 있다. 그리고 영·유아의 루이보스티 패키지디자인에서는 ‘에버 쿨’ 공식이 적용되지 못하고 있다. 따라서 어린아이의 심리와 욕구와 유행을 따라야 한다. 앞으로 좀 더 차별적인 디자인 전략으로 감성 욕구를 채워나가 영·유아 유기농 제품의 패키지의 실제적인 기능과 심리적인 효용 가치를 형성시켜야 한다. 그것은 영·유아의 패키지 디자인이 흥미로 재미를 불어 넣어주는 어린이‘차(茶)’로 어린이 고객을 끌어들일 수 있는 상품에 대한 지속적 연구 개발이 필요하다.

Crops for organic farming instead of considering the impact of pesticides on the human body, no pesticides there has been increased interest, "Ecologically grown" natural and safe pesticide contamination uneasy consumers prefer organic food, even if the value is more expensive, consumers prefer. Childcare articles, even eco-friendly, organic Wind has grown stronger. Diversify into the design and colors, or to take advantage of the new eco-friendly textile products, the products are gaining popularity. Products that echo like (IEcomom) as part of the project has been expanded into a variety of items is growing. Infants and toddlers of the package design sum of products, the package design for the seven elements of the package design, naming, brand logo, colors, character, typography, layout, illustration and structure, and being positioned as a comprehensive analysis. Also look at the package design, the positioning of the element of infants and toddlers, and BI concepts of brand image, products or products of cognitive sex revealed has been. Infants and toddlers Rooibos and package design can not not apply to 'Ever Cool' official. Therefore, we should follow a child's psychological needs and fashion. Sensibility desire a little more distinctive design strategy forward filling infants and toddlers organic products of a package of practical and psychological utility value should be formed. It's infants and toddlers in the package design is interesting, fun, inspiring children 'tea’ is necessary to ongoing research and development on products that can attract children.

본 연구의 배경 및 목적은 인간의 삶과 생활 전반에 영향 을 준 해와 달의 문양 표현과 그 상징성을 찾아보기 위해 한· 중(韓中) 일월상문을 중심으로 양국 문양 디자인 표현의 관련 성 규명과 상징적 요소를 찾아 분석해 보는 것이다. 연구내용 및 범위는 삼국시대 유물부터 발견되는 해와 달의 문양을 대 상으로, 대표성을 갖는 해의 원형적 표현인 삼족오(三足烏), 달의 원형적 표현인 두꺼비와 토끼로 제한한다. 분석 결과를 정리하면 다음과 같다. 첫째, 한·중(韓中)의 일월상문(日月象 文) 설화와 신화를 비교한 결과로, 음양사상에 근본을 두고 인간계의 혼돈을 바로 잡기 위해 1개의 해와 달이 남았으며, 해와 달을 상징하는 요소는 동일한 것을 알 수 있었다. 둘째, 한·중(韓中) 일월상문(日月象文)의 문양 표현을 비교한 결과, 해와 달 문양이 출토되는 유물은 양국이 유사하며, 해는 원과 삼족오, 달은 원과 두꺼비, 토끼의 형태로 표현된다. 그리고 조류(鳥類)로 표현된 해는 3개 혹은 2개의 다리를 가진 삼족 오의 형태로, 해의 내부·외부에, 정적·동적인 형태, 장식·비 장식적 표현으로 구분된다. 양서류와 동물로 표현된 달은 섬 여(蟾蜍), 두꺼비와 토끼의 형태로, 달의 내부·외부에, 단독으 로 혹은 함께 표현되며, 정적·동적인 형태로 표현된다. 양국 모두 음양사상(陰陽思想)에 근거하여 만들어졌으며 해 문양 의 상징성은, 양(陽), 일정(日精), 하늘, 왕권, 장생, 천지인 사 상, 영원성, 정치·사회·문화’를, 달은 ‘음(陰), 월정(月精), 물· 땅·다산, 여왕, 민중, 장생불사, 풍요, 기원’을 상징한다. 결론 한국의 해와 달 문양 디자인이 중국에서 유래했다고볼 수 있 듯 서로 다르지 않은 요소들로 표현되었지만, 그 표현 양식에 있어서는 고유의 전통 양식을 형성했다는 것을 확인하였다.

Background and Objectives is to find and analyze the re levance and symbolic elements of patterns around Ilwolsa ngmun of Korea and China, to find the symbolism and fo rmality of the sun and moon. Content and Scope Limited to the patterns of the sun and moon found in the relics of the Three Kingdoms Period, such as the Samjokoh, is known as the sun, moon is known as a toad and a rabbit. Result Comparing the tales and myths of the Ilwolsangm un between Korea and China, the sun and the moon was left to correct the chaos in the human world based on the notion of yin and yang, since the elements symbolizing th e sun and moon were the same. Secondly, comparing the patterns of the Ilwolsangmun in Korea and China, The pa tterns of the sun and moon are similar in both countries. The sun is circles and Samjokoh, and the moon is circles, a toad and a rabbit. The sun is Samjokoh with two or thr ee legs, which is divided into the inner and outer parts of the sun, static or dynamic forms, decorative or non-de corative expressions. The moon is a toad and a rabbit tha t is portrayed individually or altogether around the moon, divided into both static and dynamic forms. The symbolis m of the patterns of the sun is ‘yang, sun of spirit, sky, royal authority, longevity, heavenly thought, eternality, p olitics, society, and culture’, and the moon symbolizes ‘yi n, moon of spirit, water, land, fecundity, queen, people, et ernal life, abundance, origin.’

본 연구는 매월 발행되는 국·내외 인쇄광고(신문, 잡지)를 수록한 AD Brain의 2008년 1월 1일부터 2008년 12월 31일까지 게재된 총 13,064편의 인쇄광고(신문, 잡지) 중 인쇄광고의 헤드라인에 적용된 캘리그래피의 표현을 연구의 대상으로 삼았다. 연구 방식은 문헌을 통한 캘리그래피의 표현에 대한 정확한 이해와 조형성을 고찰하고 시각디자인의 한 분야인 인쇄광고의 헤드라인에서 사용되고 있는 캘리그래피 표현의 사례분석을 통해 언어의 의미와 조형적인 의미가 함께 이루어져 표현되고 있는 캘리그래피의 표현요소(표현도구, 표현색상, 표현유형)를 찾아내어 의미를 분석하고 형상화하여 인쇄광고에서캘리그래피적 표현의 헤드라인이 소비자와의 커뮤니케이션을 더 원활하게 이어주며, 좀 더 부드럽고 동양의 독창적인 디자인의 영역을 넓혀 나갈 수 있다는 가능성을 제시하는데 의의를 두었다.

This study’s subject is the expressions of Calligraphy used in the headlines of printing advertisement from overall 13.064 advertisements published between 1st of Jan 2008 and 31st of Dec 2008 in monthly magazine, AD Brain, which collects domestic and foreign printing advertisements including newspapers and magazines. The method of this research is based on considering precise understanding about the expression of Calligraphy and the formative through literature. In addition, through analyzing cases of Calligraphy expression using in the headline of printing advertisement as one of one of visual design fields, it is also intended to research, analyze and form expressional elements (expressional tool, color, pattern) of Calligraphy combined with linguistic and formative, Furthermore, it is also proposed that the headline of Calligraphic expression in printing advertisement makes better communication with the consumer and presents that the headline of Calligraphic expression can expand its possibility in mild and oriental originative design field.

현대 사회는 날로 변화되고 그 속도 또한 빠르게 변하고 있다. 또한, 각 영역의 경계가 허물어지면서 상호간의 협력도 활발해지고 있다. 그 중에서도 설명 적 성격을 갖고 있는 일러스트레이션은 현 시대의 회 화, 디자인 영역을 막론하여 다양화된 분야로 점차 발을 넓히고 있다. 일러스트레이션은 유머스럽게 표현되거나 시대를 비판하는 풍자적 기능을 한다. 일러스트레이션의 이 같은 성격을 현대 회화사조인 팝 아트에서도 찾을 수 가 있다. 팝 아트는 어휘 자체가 대중적 의미를 내포 하고 있으며 현대 일러스트레이션과의 결합으로 다양 한 이미지와 풍부한 표현기법에 선택의 폭을 넓힐 수 있다는 전제로 본 논문의 연구문제가 설정되었다. 팝 아트의 정신이 현대의 다양한 표현성과 기술을 기반 으로 더욱 구체적이고 실질적인 모습으로 전개되고 있고, 이 같은 발전과정을 통해 현대일러스트레이션 과 팝 아트의 상관관계를 분석 해 보았다. 그리고 앞 으로의 현대 일러스트레이션의 많은 분야에 적용시켜 살펴봄으로써 상호 공존하는 예술로 발전시킬 수 있 는 확장된 시각과 새로운 개념을 파악 할 수 있다.

Modern society is changed every day and the speed is either. Also, the boundries between other areas are collapsing in each area and culture. and mutual collaboration is getting busy. Most of all, the elucidative illustration is gradually extending to various field irrespective of the present age's painting and designs areas. It also can be funny and it has satirical function which can criticize the age. Such characters can be found in Pop Art - Modern art trend. By joining Pop Art which lexically has popular meaning to illustration, the question of this thesis is set up on the assumption illustration can widen the choice of more various and plentiful Representation Techniques and Images. The spirit of Pop Art comes more concretely and substantially based diverse expressivities and skills of today. Through these process of development, it can be analyzed by correlation between modern illustration and pop art. Then the direction of modern illustration can be showed, And by applying illustration to many areas, new idea and expended view can be understood which are able to develop them more interacting.

본 논문에서는 근세 한・일 문학에 나타난 기녀복식의 조형적 표현을 비교하였다. 그 결과 형태 표현의 경우 양국의 유사점은 흰 피부, 단정한 머릿결, 고운 얼굴이 미의 기준이 되었다. 또한 가녀린 몸매를 은근한 노출을 함으로써 남성들을 유혹했다. 반면 『춘향전』에는 세류흉당의 가늘고 여린 상체와 크게 부풀린 하체의 하후상박(下厚上薄)의 실루엣으로 나타났다. 『호색일대남』의 경우, 적당히 풍성한 일자형 실루엣을 이루었는데 당시 남성이 미의식이 반영된 것으로 보인다. 또한 매끈한 다리와 흰 목덜미의 관능적인 느낌에 대한 묘사가 나타난다. 양국 기녀복식의 색채표현의 유사점은 흰 피부와 대비가 되는 화려한 원색이나 원색대비의 의복을 착용한 것이다. 반면 『호색일대남』의 경우, 계절에 맞는 색채를 사용한 기녀의 옷맵시에 찬사를 보내는 주인공의 모습에서 계절에 어울리는 색채배색의 중요성을 알 수 있다. 양국 기녀복식의 소재 및 문양 표현의 유사점은 값비싼 소재와 문양으로 장식한 의복을 착용한 것이다. 이는 경제적인 능력에 대한 과시와 값비싼 소재의 의복을 다양한 문양으로 장식하여 세련되거나 화려한 분위기를 더하기 위해서였을 것이다. 반면, 차이점으로 나타나는 것은 우선 『춘향전』의 경우, 풍속화에서는 거의 나타나지 않아 확인할 수 없었던 문양의 사용이 나타난 점으로 소설을 통해 당시 기녀들의 의복에 문양을 그리거나 수놓았던 것을 알 수 있었다. 『호색일대남』의 경우, 기녀를 상징하는 문양의 사용이 차이점으로 나타난다. 이는 기녀일행을 멀리서 보아도 그 기녀임을 바로 알아볼 수 있도록 사용한 것으로 생각된다.

This study compared the formative expression of ginyeo costume as expressed in early modern literature of Korea and Japan. The study result suggested that both countries have same standard in expressing beauty, which were white skin, neat hair and pretty face. Both ginyeo and geisha tempted men by subtly exposing slender figure. On the other hand, there was difference in beautiful silouhette. In 『Chunhyangjeon』, a beautiful silhouette in Korea is described as slender upper body and exaggerated lower body. On the other hand, in 『Koshoku ichidai otoko』, a beautiful silhouette in Japan is described as properly rich straight-line silhouette, which reflects the aesthetic sense of Japanese male at the time. In addition, there is description in 『Koshoku ichidai otoko』 on sensual feeling raised by smooth leg and white neck. The similarity in color expression of costume worn by ginyeo and geisha is that they both wore luxurious prime colors so that prime colors would make contrast with white skin. In 『Koshoku ichidai otoko』, the protagonist gives compliment on the costume of a geisha with color matching with the season. It tells the importance of color scheme fitting to season in Japan. The similarity in material and pattern of costume worn by ginyeo and geisha is that they both wore costume decorated with pattern and made of expensive material. They wanted to show off their financial capability and enhance refined or luxurious taste by expensive material and patterns. On the other hand, there was difference in the pattern used. It is possible to know through 『Chunhyangjeon』 that Korean ginyeo drew or embroidered pattern on costume. Such use of pattern on costume is not found elsewhere including folk paintings. Meanwhile, it is possible to know through 『Koshoku ichidai otoko』 that Japanese geisha used unique geisha pattern on her costume so that people can know she is a geisha from far away.

지그문트 프로이트(Sigmund Freud, 1856∼1939)의정신분석학은 언어를 분석하여 무의식이 드러나는 과정을 의미하며, 그는 무의식이란 인간의 행동에서 합리적으로만 이루어지는 것이 아니라 마음속 무의식이행동과 정서를 규정한다고 정의하였다. 따라서 예술작품은 내재된 무의식에 대한 표출이라고 할 수 있다. 본 연구의 목적은 프로이트의 무의식 개념에 대해살펴보고, 제인 맥아담 프로이트(Jane Mcadam Freud, 1958∼)의 작품 분석을 통해 그녀의 유년 시절에 성장 배경이 무의식과 어떻게 작용하여 시각화되어 작품으로 표현되었는지 알아보고자 한다. 연구내용 및결과는 다음과 같다. 첫째, 무의식의 정의에 대해 알아보았다. 둘째, 프로이트가 정의한 무의식에 대해 살펴보고, 프로이트의 무의식 이론이 예술 작품에 미치는 영향에 대해 고찰하였다. 셋째, 표본작가로 프로이트의 증손녀인 제인 맥아담을 선정하여 그녀의 작품을 프로이트의 무의식 이론과 연관 지어 재해석하였다. 본 연구를 통해 무의식이 의식 세계로 표현되어예술 작품에 영향을 미칠 수 있음을 알게 되었다. 인간이 예술 작품을 창작하는 이상 무의식은 의식 세계에 영향을 주며, 이는 예술 작품에 반영이 된다는 것을 확인할 수 있었다. 프로이트의 무의식에 대한 이론을 바탕으로 정신분석과 예술영역에서의 상호 관계를살펴봄으로써, 향후 작가들이 작품에 내재된 무의식적인 본질을 이해하는데 도움이 되기를 기대한다.

Psychoanalysis of Sigmund Freud(1856∼1939) refers to the process by which the unconscious is revealed by analyzing language, he defined that unconsciousness does not only happen reasonably in human behavior, but also in mind unconsciousness defines behavior and emotions. Therefore, the work of art can be said to be an expression of the inherent unconscious. The purpose of this study is to examine Freud's concept of unconsciousness and to find out how her growth background in childhood worked unconsciousness and visualized and expressed in works through the analysis of Jane McAdam(1958∼)’s work. The contents and results of the study are as follows. First, the definition of unconsciousness was examined. Second, the unconsciousness defined by Freud was examined, and the effect of Freud's unconsciousness theory on works of art was examined. Third, Freud's great-granddaughter, Jane McAdam, was selected as the sample artist and reinterpreted her work n connection with Freud's unconsciousness theory. Through this study, it was found that unconsciousness can be expressed as a world of consciousness and influence works of art. As long as humans create works of art it can be confirmed that unconsciousness affects the world of consciousness, which is reflected in works of art. Based on Freud's theory of unconsciousness, it is hoped that it will be help artist understand the unconscious nature inherent in the work in the future by examining the interrelationship between mental analysis and art.

The present study purposed to compare formative expression between the fashion of the end of 19th century - early 20th century and that of the 21st century which were influenced by art nouveau and art deco. For this purpose, we analyzed contents in literature, Internet, etc.,. According to the results of this study, the formative expression of art nouveau were divided into continuous movement, optical illusion and decorative expression. Continuous movement was used to express fancy and soft images in the end of 19th century, and to express images giving the feeling of speed and tension in the 21st century. Optical illusion was expressed by the movement the thin and soft materials with the body movement and the movement of excessive frills adornment. And in movement produced using thin and soft materials and by the bias cutting method in the 21st century. Decorative expression was expressed as fantasy and decadent image in the end of 19th century and as mild passionate and modern image with color combination in the 21st century. The formative expression of art deco were divided into visual simplicity, contrastive loudness, and functional expression. Visual simplicity was expressed as a boyish image in the early of 20th century, but as a complex expression combining simplicity and femininity in the 21st century. Contrastive loudness was expressed by using colors both in the early of 20th century and 21st century. Functional expression was reinforced through the lightening of design and materials in the early of 20th century, but through using bias cutting high tech materials in the 21st century.

교사가 새로운 미술 재료의 물성을 탐구하여 적용한 입체조형 표현 활동 수업은 학생들에게 유희적인 흥미도와 몰입도를 향상시킨다. 본 연구에서는 예비 초등 교사 2학년을 대상으로 포장용 끈을 활용하여 입체조형 표현 활동에 적용한 사례를 분석 하였다. 포장용 끈은 창의적인 노작활동에 용이하고 점재, 선재, 면재, 양재의 변형 적 표현이 가능하며, 친환경적 리사이클 소재로서도 장점이 있다. 이러한 포장용 끈을 활용한 수업 현장에서 학생들이 쉽게 입체조형의 원리를 탐색하고 적용할 수 있는 가능성을 경험하게 하였다. 이 과정에서 제작한 결과물과 에세이를 통해 다음과 같은 교육적 의미를 얻을 수 있었다. 첫째, 포장용 끈의 재료적 장점인 점재, 선재, 면재, 양재적 물성의 변화는 입체조형 활동에 있어 자유롭고 다양한 표현활동을 기대할 수 있다. 둘째, 재료의 물성 탐색과정과 입체 표현 활동을 통해 창의적 조형 사고력을 확장 시킬 수 있다. 셋째, 포장용 끈은 재료의 특성상 미술수업 시간 운영의 탄력성과 효율성을 극대화하는 장점이 있다. 넷째, 개인별 또는 모둠별 결과물을 가변적으로 결합, 확장할 수 있는 접근 가능성이 크다. 다섯째, 포장용 끈의 다양한 물성을 경험한 예비 교사들이 수업 현장에 적용할 수 있는 자신감을 경험했다. 여섯째, 생활주변에 있는 다양한 물성을 지닌 사물들을 보는 시각적 범위가 확장되었다. 이러한 교육적 의미를 통해 포장용 끈의 입체조형 재료로서의 교육적 가능성을 검증할 수 있다.

The three-dimensional formative expression class applied by the teacher’s exploring the material properties of new art materials enhances the students' entertaining interest and immersion. In this study, the case of applying the use of packing strings to three-dimensional formative expression activities was analyzed targeting the 2nd grade preliminary elementary school teacher. Packing strings are easy for creative work-oriented activities, and can be transformed into dot materials, line materials, face materials, and volume materials. Moreover, it has advantages as an eco-friendly recycled material. Students experienced the possibility of easily exploring and applying the principles of three-dimensional formative expression in the classroom using these packing strings. Through the results and essays produced in this process, the following educational meanings were obtained. First, the material advantages of packaging strings, such as dot material, line material, face material, and volume material properties, can be expected to be free and various expression activities in three-dimensional formative activities. Second, creative formative thinking can be expanded through the process of searching for material properties and three-dimensional expression activities. Third, the packaging string has the advantage of maximizing the elasticity and efficiency of the operation of art class due to the nature of the material. Fourth, there is a high possibility of access to variably combining and expanding individual or group results. Fifth, pre-service teachers who have experienced the various properties of the packing string experienced the confidence that they can apply to the classroom. Sixth, the visual range of viewing objects with various physical properties around life has been expanded. Through this educational meaning, it was possible to verify the educational possibility as a three-dimensional formative activities for packaging strings.