Earticle

본 연구는 대만의 클라우드 게이트 무용단 창립자이자 예술감독인 린 화이민 (Lin Hwai-min)의 마지막 전막 무용 작업인 <포모사> (Formosa, 2017)를 살펴 본다. 전직 기자이자 훈련된 저널리스트인 그는 춤을 통해 자신의 사회에 대한 자신의 관심을 표현하는 사회적 인식을 가진 안무가이다. 나는 먼저 <유산> (1978), <가족 초상화> (1997), <화이트 워터 & 더스트> (2014 년 더블 빌), <라이스> (2013)와 같은 대만의 주제에 기초한 그의 초기 작품들과 함께 그의 작품을 문맥화하여 <포모사>라는 전막 멀티미디어 작품에 이르게 되었는지 살핀다. 또한 린 화이민이 안무를 통해 자신의 시민권을 어떻게 수행하는지 밝히면서 동양(예 : 타이지 다오인, 중국 무술)과 서양 (예 : 발레, 마사 그레이엄 현대무용 테크닉)에서 영향을 받은 하이브리드화 된 클라우드 게이트 훈련을 설명한다.

This paper looks at Formosa (2017), the last full-length dance work by the founder and artistic director of Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan, Lin Hwai-min. As a former writer and trained journalist, he is a socially aware choreographer who expresses his concern for his society through dance. I first contextualize his oeuvre with his earlier pieces based on the theme of Taiwan such as: Legacy (1978), Portrait of the Families (1997), White Water & Dust (2014 double bill), and Rice (2013), leading up to this full-length multi-media production. I also explain the hybridized Cloud Gate corporeal training from the East (e.g. taiji daoyin, Chinese martial arts) and the West (e.g. ballet, Martha Graham modern dance technique), as I unravel how Lin Hwai-min executes his citizenship through choreography.

본 논문에서 나는 춤, 안무, 폭력 및 고문, 특히 TV 쇼 <쏘 유 띵 유 캔 댄스> 사이의 관계를 탐구한다. 나는 안무의 행위가 때로는 몸에 대한 폭력적인 침해로 간주될 수 있다고 주장하며, 고문과 폭행이 권력관계를 해체하는데 유용한 개념인지, 특히 미디어화된 시각적 쾌락으로서의 고문을 다루는 경우를 특히 고려해야 한다고 주장한다. 나는 Luca Guadagnino의 <Suspiria> 2018년 리메이크에서 나타나는 고문에 대한 짧은 분석으로 끝을 맺는다.

In this essay, I explore the relationship between dance, choreography, violence and torture, particularly in relation to the television show So You Think You Can Dance. I argue that the act of choreography can sometimes be thought of as a violent encroachment on the body, and consider how torture and abjection are concepts useful to unpacking this power dynamic, particularly when dealing with torture as mediatized visual pleasure. I end with a short analysis of torture in Luca Guadagnino’s 2018 remake of Suspiria.

무용역사는 고정되고 획일화된 안무스타일을 벗어나는 과정들을 거치며 변화되어 왔다고 볼 수 있다. 무용에서 기존의 틀에서 느끼는 움직임의 한계, 난관을 만났을 때에 변화를 시도하고 새로운 형태로 무용을 발전시키고 틀에서 벗어나기 위해 변화해가는 이 모든 과정들을 무용의 성장과정이라 볼 수 있다. 호페쉬 섹터(Hofesh Shechter)라는 안 무가는 정치적인 성향이 작품에 잘 나타나고 무용의 새로운 형태를 이끌어 내는 것에 능숙하다. 이 논문에서는 호페쉬 섹터에 대해 알아보고 그의 안무 구조가 확실히 나타나는 작품｢폴리티컬 마더｣에서 이루어진 다양한 변화들을 찾아보 았다. 작품의 내재적 관점에서 세 가지 요소인 이분화 된 패턴을 강조하는 무대구조, 카오스와 컨버젼스의 안배, 카타르 시스를 이끌어내는 변혁과 혁신으로 나누고 호페쉬 섹터의 작품 속에서 새로운 요소들이 포함되어 어떻게 발현되고 해 석 되었는지 분석하였다.

The history of dance can be traced back to the process of deviating from a fixed and uniform choreography. The limitations of movement in the traditional framework of dance, and the process of changing to try change when faced with difficulties, to develop dance into new forms, and to deviate from the framework, are all the processes of dance growth. The choreographer, Hofesh Shecheter, is good at showing his political tendencies and drawing new forms of dance. In this paper, we studied the Hofesh Shechter and looked for various changes made in his work, 줡olitical Mother?where his dance structure clearly appears. From the inherent point of view of the work, we analyzed how new elements were introduced and interpreted in the works of the Hofesh Shechter, dividing them into stages emphasizing the bifurcated patterns, the choreographing of Chaos and Convergence, and the transformation and innovation that led catharsis

본 논문은 기계 장치를 이용한 공연의 전통을 고대 그리스부터 최근의 로봇 공연까지 통시적으로 조망하고,기계장치를 위한 안무 방법과 그 구현된 실체가 어떤 유형을갖추고 있는지 탐색하는 과정의 결과물이다.관련 사례들을 면밀히 분석하여 인간의신체와 다른 기계와 로봇의 동작으로 표현할 수 있는 안무의 가능성을 모색했다.그과정에서 공간적 동작으로의 확산,의인화된 모방 동작,숙련된 동작의 재현 등 기계장치의 동작이 가진 특유의 유형적 특성을 도출하게 되었다.이 유형적 분석은 결국인간을 모방하거나 또는 신체의 한계를 넘어서는 기계 자체의 안무법을 제시하는 목적을 위해 이용될 수 있다. 이를 위하여 고대 그리스-로마 전환기의 공학자 헤론(HeroofAlexandria)의 저작과 자동화 공연(AutomaticTheater)장치에 대한 문헌을 비롯하여 중세와 근대로 이어지는 자동인형 장치 오토마톤(Automaton)의 사례들을 거쳐 현대 예술의 키네틱 아트(KineticArt)와 로봇 공연까지 역사적인 맥락을 함께 조망했다.1990년이후 디지털 기술을 통하여 새로운 패러다임으로 전환된 키네틱 장치의 공연과 로봇을 활용한 의인화된 동작의 구현까지를 분석하고,기계의 동작 표현을 위 세 가지 특성으로 정리할 수 있다.인간의 신체와 달리 모터의 구동으로 작동하는 로봇은 결국기계 고유의 장점을 극대화시키는 동작을 강조하는 안무로 구현되고 있으며,현재에도 무대 위에서 인간과 로봇의 협연이 확산되고 있다.이 연구는 더 나아가 로봇과 인간이 공생하는 공연환경에 대해 미리 대비하여 미디어 융합 공연 이후의 공연 연출에대한 조망에 일부 기여할 수도 있을 것이다.

The aim of this study is to characterize the choreography methods for machines and robots. Humans have had long fascination with building performance machines that presents mechanical entertainment animately. Since the automatic theater by Hero of Alexandria, machines are involved by engineers and artists in order to depict physical motions. Jacque de Vaucanson and Wolfgang von Kempelen developed automaton technologies and mechanical choreography as well as the automaton’s entertainment. in the 20th century, kinetic artists and robotic artists tried to perform the potentials of machines and robots. As representative examples, Canadian artist Louise-Philppe Demers showed artistic machines and simplified structured robots for the dance performance ｢Devolution｣. German studio art+com realized a hypnotic performance using 714 metallic spheres wired to servo motors. American studio Bot and Dolly presented ｢Box｣ collaborated with industrial robots and human performer in a real and virtual space. The mechanical motions of robots and kinetic art can be categorized as three characteristics： anthropomorphic gestures of robots; skillful motions with sophisticate controls; and spatial expansion of kinetic elements in real space. Machines and robots are activated with motors and connected gears while humans can move their body with bones and muscles naturally. Thus, the mechanical sequence of machines are limited by the linear motions of the mechanism. Nevertheless, the potential of choreographic expressions involving robots and machines might start from the collaboration with human performers considering the characteristics and methods of the mechanism although their mechanical limitations.

본 논문은 무용기보법(dance notation)과의 관계 속에서 출현한 안무의 초기 개념을 고찰한다. 이를위해 라울 오제 푀이에(Raoul-Auger Feuillet, 1659-1710)와 루돌프 폰 라반(Rudolf von Laban, 1879-1958)의 무용기보법이 안무 개념의 역사적 형성에 각각 어떤 기여를 하였는지 살펴보고, 그들의무용기보법에 나타난 춤에 대한 사유를 사회적・정치적 맥락에서 검토한다. 이는 푀이에와 라반의 무용기보법 각각을 다룬 기존의 연구에서 더 나아가 이 둘을 하나의 관점으로 읽어내고자 하는 시도이다. 푀이에의 안무 개념은 ‘기보를 통한 춤의 창작’이라는 의미로 정의된다. 푀이에는 춤이 발생하는 공간을 사각형의 평면으로 규정하고 평면 위에 나타나는 기하학적인 형상, 즉 2차원적 조형성을 그리는것을 안무의 주된 원칙으로 세운다. 이러한 안무 개념은 무용수를 대상화하는 안무가-주체의 출현을수반한다. 이는 합리적 이성에 근거해 세계에 질서를 부여하려는 서구 근대성의 주체와 상응한다. 몸을대상화하는 주체의 기술로서 안무의 도구가 된 푀이에의 무용기보법은 몸을 통제하고 규제함으로써전제주의적 신체를 훈육해내고자 했던 절대왕정의 정치적 기획에 이바지했다. 라반에게서 안무는 ‘움직임의 원리를 이해하고 서술하는 것’으로 개념화된다. 라반은 결정체의 공간에서 발견한 스칼라와 링을 새로운 움직임의 원리로 발견하고, 3차원적 조형성을 새로운 미적 규범으로확립한다. 20세기 초 현대무용의 전개에 중요한 토대가 되었던 3차원적 조형성은 지속적인 운동성을전제로 하는데, 이는 효율성의 원리에 입각한 근대성의 이데올로기를 반영한다. 라반은 산업 현장 노동자들의 움직임을 기보하여 노동 생산성의 향상을 이끌어냈으며, 이러한 안무 작업에서 춤추는 신체는산업적 신체로 전환되었다. 산업적 신체는 춤의 장소에 행위주체를 배제하고 끊임없이 움직이는 몸만을남김으로써 춤과 운동성을 동일시하는 근대성의 기획을 강화했다. 이처럼 안무의 초기 개념과 그것을 둘러싼 사회정치적 이데올로기를 고찰한 본고의 시도는 안무의전통적인 의미를 ‘춤을 쓴다’는 기능적인 측면 너머에서 이해하는 데 기여를 할 뿐만 아니라, 과거로부터현재로 이어지는 안무의 역사성 규명을 위한 주요한 근거를 제공한다는 점에서 의의를 지닐 수 있다.

This study probes how the notions of choreography has formed and changed in relation to dance notation. Two manuscripts, not by accident identically titled, are examined— Chorégraphie by Raoul-Auger Feuillet and Choreographie by Rudolf von Lavan—with regard to their respective understandings of the principles of dance and their socio-political contexts. This study brings Feuillet and Laban into a historical perspective beyond the previous literatures that solely focused on either of them. In Feuillet, choreography was defined as the composition of dance by means of notation. The space for dance was identified as flat and rectangular one, which led to the principles of ballet with the emphasis on geometrical shapes, establishing the two-dimensional plasticity as the aesthetic norm of the time. The act of composing dance by notating movement accompanied the emergence of the choreographer-subject which objectifies bodies of dancers, and thus the invention and development of dance notation was supported by the absolute monarchy out of its interest in the absolutistic body available to be controlled and disciplined. Laban developed the concept of choreography as the notation of forms and qualities of movement in space harmony. Laban theorized scales and rings in crystal space as new principles of movement, founding three-dimensional plasticity with its unceasing mobility as the aesthetic norm of modern dance. Complying with modernist ideal of progress and efficiency, Laban also applied his principles to choreograph movements of industrial bodies. Addressing manuscripts of Feuillet and Laban, and their contribution to the historical formation of the notions of choreography, this study unfolds the concepts of choreography in multilateral contexts, complementing and surpassing the prevalent, literal understanding of its meaning as dance-writing, which will provide the cornerstone for elucidating the historicity of choreography leading up to the present.

본 연구는 한국 창작 뮤지컬의 역사를 시적 상황에 따라 되짚어 봄으로써 창작 뮤지컬 작품들 속 안무가 어떻게 변화했는지에 한 상관성을 알아보고자 한 연구이다. 한국의 창작뮤지컬은 시적으로 뮤지컬 발아기(1940년~1950년), 토착기(정착기)(1960년~ 1980년), 성장기(1990년~2010년)로 구분해서 볼 수 있다. 발아기에는 악극 형태의 독자적인 뮤지컬 형태가 행해졌으며 비록 우리가 알고 있는 서구 형태의 뮤지컬이라는 형식과는 다소 차이를 보이나 한국적 소재와 다양한 무용을 접한 안무가들의 참여로 뮤 지컬의 초기 형태를 띠어 한국 창작뮤지컬이 본격적으로 발달할 수 있게 그 기반 역할을 해주었다. 토착기에는 한국 창작뮤지컬이 본격적으로 활동하기 시작한 시기로 국가주도의 극단 ‘예그린악단’과 민간 극단들의 활동으로 뮤지컬에 한 관심과 관객의 폭도 늘고 뮤지컬의 중화, 토착화의 가능성을 확장하던 시기이다. 또한 외국의 뮤지컬들의 수입으로 뮤지컬 시장이 다양화, 형화, 전문화되어 상 업성을 띠기 시작하다. 이시기는 국가적으로 전통의 현화 및 중화와 전통예술의 국제화가 주요 정책으로 국제적 행사들로 보여주기 위한 효과를 위해 작에 스펙타클한 형 군무, 화려한 춤과 함께 기존의 한국무용을 바탕으로 현적 감각을 갖춘 중성 있는 안무들을 선보여 한국적 창작 뮤지컬 안무의 국제적 가능성을 제시해 주었다. 주요 안무가들로 김백봉, 임성남, 최현, 백성규 등이 활동을 하다. 성장기에는 많은 전문 민간단체들이 생겨 뮤지컬의 제작 편수도 많이 늘고 극장이 아닌 소극장에 서도 창작뮤지컬들이 제작되었다. 해외라이센스뮤지컬 작품들의 흥행성공으로 뮤지컬이 산업화되어 창 작 뮤지컬 안무도 기존의 한국무용에 다양한 장르를 혼합한 쇼적 분위기를 선보이며 극의 현화와 한국적 색깔의 안무로 중에게 다양한 볼거리를 제공했다. 표적인 뮤지컬 전문 안무가로는 한익평, 서병구 등이 있다. 한국 창작 뮤지컬의 안무는 시적 상황에 따라 향을 받아 안무의 내용과 형태가 달라졌으며 극에 서의 안무 비중은 커졌지만 창작 작품의 위축으로 안무의 역할 위치는 예전에 비해 줄어들고 있는 상황 을 보이고 있다.

This thesis presents an interpretation of Korean musical history based on an analysis of the choreography of each era. The development of Korean musical theatre can be divided into the following three ages. In the antecedent stage (1930s–1950s), the first musical production were like operas, but these were very different from Western musical theater. Korean traditional dance also remained popular. The dance themes focused on politics or parodied current events. The famous choreographers in this era were Kim Minja and Jang Chuhwa. In the development stage (1960s–1980s), Western influence on Korean musical theatre was pronounced. Commercial efforts were made to develop a music industry. Spectacular shows were produced, and these represented an attempt to target global markets. The famous choreographers in this era included Kim Bekbong, Lim Sungnam, Choi Hyun, and Bek Sungku. The golden age (1990s–2010s) brought dramatic change to Korean musical theater. While the original Korean musicals had been established as the basic form of musical theatre, Western musicals became a major branch in the Korean music industry. Each branch was a thriving institution, artistically and commercially, and each had its own place and purpose. The famous choreographers in this era included Han Ikpung and Seo Byungku. Korean musical theater has been a part of the dramatic presentations of the times. Due to the emergence of modern Western musical theater, many structural elements changed, and choreography in musical theater became an important part of productions.

현재 다양한 장르와 매체가 융합되면서 새로운 표현 방식들에 대한 탐구가 높아지 는 현실에서 댄스필름은 양적, 질적으로 많은 성장을 이뤄왔다. 본 연구는 국제 댄스 필름 페스티벌의 심사위원과 댄스필름 감독 인터뷰를 통해 기존 무대 공연을 위한 안 무과정과는 다르게 댄스 필름에서의 안무 과정 확장성에 대해 탐색해보고자 한다. 연 구 결과는 크게 두 가지로 나타났으며, 창작 과정에서의 확장과 장소 구성의 확장이 이루어지고 있었다. 첫째, 창작 과정에서의 확장은 카메라를 고려한 안무가 구성되어 야 하며, 촬영과 후반 작업을 통해 안무 표현 방식을 확장 시킬 수 있다. 둘째, 장소 구성에서의 확장은 작품의 메시지를 시각적으로 잘 담아낼 수 있는 맥락적인 장소 선 택의 중요성이 강조되었다. 또한 댄스 필름에서 장소는 움직임을 바라보는 카메라의 시각에 따라 새로운 이미지와 메시지를 만들어낸다. 그렇기에 카메라를 통해 안무가 가 의도한 의미를 부각하고, 관객의 시선을 집중시키는 것에 유용하다. 본 연구는 국제 댄스 필름 페스티벌의 심사위원과 댄스 필름 감독들을 통해 안무 과정의 확장성에 대해 논의하였다는 점에 의의가 있다. 현재 댄스 필름의 과정에 대한 학문적, 교육적 체계가 부족한 것이 현실이다. 향후 댄스 필름에 대한 제작 과정에 대 한 연구와 무용교육 현장에서의 활용 방안에 대한 후속 연구를 제안해 볼 수 있겠다.

The exploration of new ways of art expression methods has been increasing due to the convergence of various genres and media. In this context, dance film also has grown both quantitative and qualitatively through the medium convergence of dance and film. This research explores the expanding possibilities in the field of dance film by interviewing judges from international dance film festival and dance film directors. As a result of the study, the choreographic expansion in the field of dance film can happen through dance film creative process and composition of the location. First, the choreography should consider for the camera and dance film can expand the choreographic methods/expression through shooting and post-production. Second, dance film is emphasized on the expansion of space by selecting the contextual space which can visually show the message of the film. In addition, the dance film creates new images and meanings according to the camera’s perspective on the movement in the contextual location. Therefore, it is helpful to emphasis on the choreographer’s artistic intention and bring audience attention through the camera angles. This study is meaningful in discussing the expansion of the choreographic process by interviewing the judges and dance film director of the international dance film festival. Currently, there is a lack of an academic and educational system for the process of dance film. Dance is not irrelevant to the current development of technology, therefore, it is necessary to develop academic systems and research related to dance film. It is meaningful to study the dance film production process and how to use dance film in the dance education as follow-up research.

본 논문은 무용 작품「Query」을 안무하는데 있어서 무용과 AI기술의 협업을 통해 어떻게 표현되었는지를 연구하였다. 안무의 구성 단계에서 설정된 ‘상생’의 주제를 생성형 AI와 협업을 통해 이뤄진 창작과 공연 과정을 바탕으로 연구하였다. 무용과 AI의 협업을 통해 새로운 창작 과정을 탐구하며, 전통적인 무용의 경계를 허물고 기술과 예술이 융합된 새로운 예술적 경험을 제시하고자 하였다 이에 본 연구는 다음과 같은 결과를 도출해 내었다. 첫째, 본 안무자는 작품 내용구성에서 생성된 AI 이미지를 인격화시켜 작품의 주제를 여러 관점으로 제시하였다. 둘째, 본 작품의 내용적 구성으로 만들어진 생성형 AI의 텍스트와 이미지는 새로운 차원의 시각적 확장성을 통해 환경의 진보를 가지고 왔다. 셋째, 무용 작품에서 무용수의 움직임과 생성형 AI 기술의 도입을 통한 내용적 구성은 새로운 형태의 예술적 경험을 제공하였다. 넷째, 무대 공간의 창의적 활용 방법을 통한 무대 디자인과 AI 기술을 결합하여 가상공간과 현실 공간의 경계를 허물어 무대 경계의 해체를 가지고 왔다. 본 연구는 상생의 철학적 의미와 AI와의 협업을 통한 새로운 무용창작의 가능성을 탐구한 하나의 사례로서, 이후의 예술 창작 과정에서 다양한 기술적, 철학적 확장을 위한 기초 자료로 활용될 수 있을 것이다. 다만 AI의 가상 기술과 무용 예술의 현실 사이에는 괴리가 존재하며, 이를 직접 작품에 적용하고 실행하는 데는 현실적인 한계를 지닌다. 이 연구가 무용창작 현장에서 무용 예술이 단순한 움직임을 넘어서 예술과 기술의 협업이라는 새로운 예술 방법론을 확장시켜 나가는데 기여하길 바라며 본 연구는 무용과 기술의 협업이 어떻게 이뤄져야 하는지 방향성에 생각하고 다양한 표현 방법을 통해 작품으로 어떻게 구현되어야 하는지를 연구하고자 한다. 무용 작품에서 하나의 도구가 아닌 인간과 기술 사이의 소통과 상호작용으로 하나가 되어 작품으로 어떻게 나타났는지의 과정을 연구함으로써 하나의 사례가 될 것으로 생각한다.

This study examines how the collaboration between dance and AI technology was expressed in the choreography of the dance piece ｢Query｣. The research is based on the creative and performance process achieved through collaboration with generative AI, focusing on the theme of "coexistence” set in the choreography development stage. By exploring a new creative process through the collaboration of dance and AI, this study aims to break the boundaries of traditional dance and present a new artistic experience that integrates technology and art. The findings of this study are as follows. First, the choreographer personified AI-generated images in the composition of the work, presenting the theme from multiple perspectives. Second, the AI-generated texts and images based on the work’s narrative structure contributed to the advancement of the creative environment by offering a new dimension of visual expansion. Third, the integration of dancers’ movements and generative AI technology in the composition of the dance piece provided a novel artistic experience. Fourth, the creative use of stage space, combined with AI technology in stage design, blurred the boundaries between virtual and real spaces, leading to the dissolution of conventional stage boundaries. This research serves as a case study exploring the philosophical concept of coexistence and the potential for new dance creation through collaboration with AI. It can be used as foundational material for further technological and philosophical expansion in future artistic creation processes. However, there remains a gap between AI's virtual technology and the reality of dance art, posing practical limitations when directly applying and implementing such collaborations in actual performances. It is hoped that this study contributes to the expansion of dance creation beyond mere movement, fostering a new artistic methodology that embraces the collaboration between art and technology. In addition, this study intends to think about the direction of how dance and technology collaboration should be carried out and study how it should be implemented as a work through various expression methods. I think it will be an example by studying the process of becoming one through communication and interaction between humans and technology rather than a tool in a dance work.

이 연구는 한국창작춤 안무 모티프(motif) 발견을 위하여 <한국무형문화재 춤 전자문화지도>의 활용성을 탐구하 는 것에 목적이 있다. 이에 따라 변민주(2009)가 제안한 콘텐츠 아이디어 도출방법을 매직이프(Magic If), 원형조사, 무용수의 역할, 주제, 표현 매개체, 시대 및 장소, 작품 제목, 시각적 이미지의 8개 한국창작춤 안무 모티프 발견 유형으로 재구성 하였다. 연구결과 첫째, ‘지도 검색’ 메뉴의 ‘분류별’, ‘지역별’, ‘지정일별’ 검색을 통해 ‘매직이프’ 및 ‘원형 조사’와 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 둘째, ‘통합 검색’ 메뉴의 ‘키워드 검색’, ‘태그 검색’을 통해 ‘무용수의 역할’, ‘주제’, ‘표현매개체’, ‘시대 및 장소’ 와 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 셋째, 전체 종목명 리스트를 통해 ‘작품제목’과 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 넷째, ‘미디어’ 메뉴를 통해 ‘시각적 이미지’와 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 다섯째, ‘데이터 분석’ 메뉴를 통해 춤을 구성하고 있는 모든 부분에서 안무 모티프를 발견할 수 있다.

This study aims to explore the availability of the < Electronic Cultural Map of Korean Intangible Cultural Heritage Dance> for the discovery of Korean creative dance choreography motifs. According to this, content idea derivation methods presented by Byeon(2009) were reorganized as the 8 Korean creative dance choreography motif discovery types of Magic If, circular methods, dancer roles, themes, mediums of expression, time period and place, work title, and visual images. Research results show that first, choreography motifs related to 'Magic If' and ‘circular methods’ were discovered through searches ‘by classification’, ‘by region’, and ‘by specified date’ of the ‘map search’ menu. Second, choreography motifs related to ‘dancer roles’, ‘themes’, ‘mediums of expression’, and ‘time period and place’ were discovered through ‘keyword searches’ and ‘tag searches’ of the ‘integrated search’ menu. Third, choreography motifs related to ‘work title’ were discovered through the overall item name list. Fourth, choreography motifs related to ‘visual images’ can be discovered through the ‘media’ menu. Fifth, choreography motifs related to all parts that compose dances can be discovered through the ‘data analysis’ menu.

본 연구는 현대사회에 만연한 ‘나르시시즘’을 주제로, 무용 작품 ｢거울(Mirror)｣의 창작 과정을 통해 자아 성찰의 의미를 탐색하고자 하였다. 안무의 구성 단계에서 설정된 나르시시즘의 의미를 살펴보고, 그 토대가 되는 나르시스 신화의 상징성을 분석하여 작품으로 구현하였다. 이를 기반으로 나르시스 신화를 매개로 한 예술 창작이 현대인의 나르시시즘을 비판적으로 성찰하고, 인간 존재에 대한 인식과 ‘자기 객관화’를 통한 자아 성찰의 가능성을 제시할 수 있는지 고찰하였다. 작품은 움직임의 구성과 오브제의 유기적 결합을 통해 구현되었으며, 이러한 통합적 접근은 창작 방법론으로서 하나의 사례가 될 수 있을 것이라 사료된다. 본 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 구조화된 움직임과 집단 구성의 활용은 주제 전달을 명료하게 하였다. 둘째, 즉흥성과 자유로운 구성은 미학적 확장성을 도출하였다. 셋째, 반복된 멈춤과 오브제의 유기적 결합은 관객의 몰입도를 심화시켰다. 이러한 연구를 통해 무용 예술이 창작 과정을 통해 철학적 개념을 시각화하고, 사유를 확장하는 예술적 매개체로 기능할 수 있음을 확인하였다. 향후 본 연구가 예술 창작 과정의 실천 자료로써 활용될 수 있기를 기대한다. 다만, 창작 과정에서는 나르시시즘의 이론적 해석과 오브제의 예술적 표현 방식 사이에 해석의 간극이 존재하며, 이를 작품에 직접적으로 적용하고 구현하는 데에는 한계가 있었다. 본 연구를 통해 무용이라는 비언어적 예술이 단순한 움직임의 표현을 넘어, 새로운 예술적 가능성을 모색하는 데 실질적으로 이바지하길 기대한다. 더불어 예술과 신화의 상징적 의미를 연구하고 새로운 움직임 계발과 자신만의 독창적 춤 방법론을 구성해서 작품으로 가시화함으로써 구현되는 예술적이고 철학적 의미를 살펴보는 데 목적이 있다.

This study explores the theme of the pervasive phenomenon of narcissism in contemporary society through the creative process of the dance piece Mirror. The research examines the meaning of narcissism established during the choreographic development phase and analyzes the symbolic significance of the Narcissus myth as its foundation, translating these concepts into the work. Based on this framework, the study investigates whether an artistic creation mediated by the Narcissus myth can critically reflect on modern narcissism and present the possibility of self-reflection through “self-objectification” as a means of deepening human self-awareness. The piece was realized through the organic integration of movement composition and objects, and such an integrative approach is considered to represent a viable case of choreographic methodology. The findings of this study are as follows. First, the use of structured movement and group composition clarified the delivery of the work’s theme. Second, improvisation and free composition contributed to the aesthetic expansiveness of the piece. Third, the repetition of stillness, combined with the organic incorporation of objects, heightened audience immersion. Through this research, it was confirmed that dance art can function as an artistic medium that visualizes philosophical concepts and expands the realm of thought through the creative process. It is hoped that this study will serve as a practical resource for artistic creation. However, a gap was identified between the theoretical interpretation of narcissism and the artistic methods of object expression during the creative process, which posed limitations in directly applying and realizing these concepts within the work. Nevertheless, this research aspires to make a substantive contribution to exploring new artistic possibilities, demonstrating that dance, as a nonverbal art form, can extend beyond the mere expression of movement. In addition, the purpose is to study the symbolic meaning of art and mythology and to examine the artistic and philosophical meaning realized by developing new movements and constructing one's own original dance methodology and visualizing it as a work.

본 연구는 AI 기술이 접목된 창작 발레에 대한 전문 무용수들의 수용 태도를 분석 하기 위하여, 서울시에 소재한 국립 발레단에 재직 중인 전문 무용수들을 대상으로 설 문조사를 실시하였다. 대상자들은 AI 리빙 아카이브를 활용한 창작 발레 공연에 직ㆍ 간접적으로 참여한 56명의 전문무용수들로 AI 기반 공연에 관한 수용 태도(만족도, 태 도, 사용의도)에 대한 성별, 연령, 발레 경력, 발레단 경력에 따른 차이를 분석하였다. 연구의 결과는 다음과 같다. 첫째, 성별에 따른 수용 태도의 차이는 모든 변인에서 통계적으로 유의미하지 않게 나타났다. 둘째, 연령에 따른 분석에서는 일부 항목에서 유의미한 차이가 나타났으며, 특히 20대 집단이 30대 집단보다 만족도, 태도, 사용 의도 측면에서 더 긍정적인 반응을 보였다. 셋째, 발레 경력에 따른 차이에서는 15년 미만의 경력 집단이 AI를 활용한 창작 발 레에 대해 더 높은 만족도 및 사용 의도 갖는 것으로 나타났다. 넷째, 발레단 경력에 따른 분석에서도 태도 영역의 일부 문항에서 유의미한 차이가 나타났으며, 10년 미만의 발레단 경력 집단이 상대적으로 더 높은 수용 태도를 보였다. 이상의 결과를 종합하면, AI 기술이 접목된 창작 발레에 대한 수용 태도는 무용수 의 연령이나 경력 등 개인적 특성에 따라 다르게 나타날 수 있으며, 특히 20대이거나 발레경력 15년 미만의 무용수일수록 AI 기술 기반 창작 방식에 대해 보다 긍정적인 수용 태도를 갖고 있음을 나타냈다. 따라서 본 연구의 결과를 통해 세대 및 경력에 따 른 AI 기술과 창작 발레의 협업에 대한 수용 태도에 차이가 있음을 확인 할 수 있었다.

This study analyzed professional dancers’ attitudes toward creative ballet integrated with AI technology by conducting a survey among dancers employed at the Korean National Ballet Company in Seoul. The participants were 56 professional dancers who had directly or indirectly participated in a creative ballet performance utilizing the AI Living Archive. Their acceptance of AI-based performances—including satisfaction, attitude, and intention to use —was examined in relation to gender, age, ballet career length, and company career length. The results of the study are as follows. First, no statistically significant differences were found in acceptance attitudes according to gender. Second, in the analysis by age, significant differences emerged in certain items, with dancers in their twenties showing more positive responses in terms of satisfaction, attitude, and intention to use compared to those in their thirties. Third, in terms of ballet career length, dancers with less than 15 years of experience reported higher satisfaction and stronger intention to use AI in creative ballet. Fourth, in the analysis by company career length, significant differences were also found in some attitude items, with dancers who had less than 10 years of company experience showing relatively higher acceptance attitudes. In conclusion, the acceptance of AI-integrated creative ballet varies according to dancers’ personal characteristics such as age and career experience. In particular, dancers in their twenties and those with less than 15 years of ballet experience demonstrated a more positive attitude toward AI-based creative approaches. Thus, the findings of this study confirm that differences exist in the acceptance of collaboration between AI technology and creative ballet depending on generation and career background.

본 연구는 무용 교육 안에서 댄스 필름의 활용 가치를 탐색하는 것을 목적으로 사 회문화적 맥락에서의 교육적 가치와 예술적 맥락에서의 교육적 가치를 탐색하였다. 연구는 문헌 고찰을 통해 담론을 분석하고, 다음으로 댄스 필름 작품 분석을 진행하여 결과를 도출하는 방식으로 이루어졌다. 연구 결과, 사회문화적 맥락에서는 젠더/인종 과 환경의 담론을 중심으로 나타난다. 젠더는 몸이 주는 권력(성별, 인종, 계급, 자본 등)과 연관되어 정치적, 역사적, 문화적 관점으로 논의될 수 있다. 이는 댄스 필름 안 에서 ‘식별되지 않은 몸’으로 움직임과 이미지를 표현하여 우리에게 새로운 감각과 관 점을 제공해 준다. 다음으로 환경은 생태 담론을 통해 자연이 우리와 상생, 공존의 관 계로서 인식하게 하거나, 문제에 대한 경고적 메시지를 담아내는 등의 표현으로 논의 된다. 이는 댄스 필름에서는 ‘대지의 몸’에 대한 의미로서 우리는 일상적 움직임과 소 리, 공간 등을 활용하여 몸과 관계 맺어 새로운 움직임으로 발전시키는 과정을 통해 일상에 대한 새로운 관점을 제공받는다. 마지막으로 무용 교육에서 댄스 필름 제안하 는 교육 프로그램의 내용 체계는 개념이해, 창작, 제작, 발표의 네 가지 영역으로 구 분된다. 개념이해와 창작의 영역에서 댄스 필름에 나타난 사회문화적 담론에 관한 논 의를 제안한다. 사회문화적 담론에 관한 논의를 통해 창작의 과정을 구체화하고, 영상 을 통한 새로운 표현 방식에 대해 논의할 수 있다. 본 연구는 새로운 방식의 창작, 안 무 과정을 제안함과 동시에 향후 실제 교육 현장에 적용하여 프로그램 개발 등 실천적 연구를 제안한다.

This study explored the educational value in the social and cultural context and the artistic context for the purpose of exploring the value of using dance films in dance education. As for the research method, the discourse was analyzed through literature review, and then the results were derived by analyzing the dance film works. As a result of the study, in the sociocultural context, it appears centered on the discourse of gender/race and environment. Gender can be discussed from a political, historical, and cultural perspective in relation to the power (gender, race, class, capital, etc.) given by the body. This provides us with new senses and perspectives by expressing movements and images with the ‘unidentified body’ in the dance film. Next, through ecological discourse, the environment is discussed with expressions such as recognizing nature as a relationship of coexistence and coexistence with us, or containing warning messages about problems. This is the meaning of ‘the body of the earth’ in dance film, and we provide a new perspective on daily life through the process of developing a new movement by forming a relationship with the body using daily movements, sounds, and space. Finally, the contents system of the educational program proposed by the dance film in dance education is divided into four areas: concept understanding, creation, production, and presentation. In the area of concept understanding and creation, we propose a discussion on the socio-cultural discourse in dance films. Through discussions on socio-cultural discourse, the process of creation can be specified, and new ways of expression can be discussed through video. This study proposes a new method of creation and choreography process, and at the same time, proposes practical research such as program development by applying it to the actual educational field in the future.

본 논문은 연구자의 작품 ｢만개(滿開)｣의 주제인 인간의 존재적 정체성이 재탄생하는 ‘내면적 재생’이 어떻게 표현되는지를 분석하는 것에 목적을 둔다. 또한 문헌연구와 실기기반 연구법을 적용하여, 작품의 주제가 어떻게 시각적인 움직임으로 표현되는지를 분석하고자 했다. 작품 ｢만개｣는 구상적 계기가 되었던 과거 스승의 죽음을 통해, 지금 이 순간 ‘살아있음’의 현재가 가장 유일한 인간의 특권임을 역설적으로 강조하는 미래지 향적 의미를 내용으로 한다. 본 연구 결과는 첫째, 실제 경험과 산오구굿의 교차점을 통해 실기와 이론이 결합된 주제의식을 추출했다. 둘째, 주제전달을 위한 본 작품만의 독창적 움직임 기법을 창출했다. 셋째, 각 예술구성요소들이 가진 합의점을 통한 연출기 법을 가지고 주제의 통일적 맥락을 제시했다. 본 연구는 누구나 겪을 수 있는 내적 위기를 안무 작품에 투영하여, 자신의 내면을 응시하는 관점과 존재적 정체성을 성찰하 는 시각을 예술적 가치관으로 실현하는 연구로써 의의가 있다.

The purpose of this study is to analyze how 'inner regeneration', the subject of the researcher's work ｢Full Bloom｣, in which the existential identity of human beings is reborn, is expressed. Using literature research and practice-based research methods, the study focuses on analyzing how the theme of the work is visualized through movements. In response to the death of the researcher’s former teacher, the work ｢Full Bloom｣was created. The work has a future-oriented story that paradoxically emphasizes the feeling of ‘being alive’in the present moment, the privilege that only human beings can have. As a result of this study, first, based on the researcher’s actual experience and“Sanogugut,”the theme of the work that combines practice and theory was extracted. Second, a movement technique unique to this work was created to convey the theme. Third, a unified context of the theme was presented with a directing technique that embraces the consensus of each art component. This study presents a choreographic work that delivers the message of an internal crisis that anyone can experience. The study is important to show that choreography can serve as a medium to express one’s inner self and existential identity as an artistic value.

Korean art dance has been created in various ways in the context of rapidly changing society and culture and the flow of modernist art dance. Contemporary dance, which has been developed through repeated innovations, has faced new issues related to creation in a changed environment. For a discussion related to this, first, we will examine the aspects of domestic artistic dance that have been developed by mixing the introduction of Western dance styles and the heritage of tradition in the historical flow. And I will discuss the changes in contemporary dance forms and issues related to the audience’s aesthetic experience.

본 논문은 균형과 불균형의 경계에서의 움직임을 탐구하여 창작한 무용작품 「경계에서」를 연구하여 연구자의 안무방법을 개발하고, 안무가로서 점검과 예술적 방향을 확립하는데 목적이 있다. 본 연구는 실기기반연구법(Practice Based Research)을 사용하여 무용작품 「경계에서」의 작품구상부터 안무 및 연습, 그리고 공연까지의 전 창작과정과 공연된 작품을 분석하였다. 본 연구의 내용과 결과는 다음과 같다. 첫째, 움직임 탐구과정에서 무용수들의 자발적 참여를 촉진하는 워크숍을 진행한 결과, 무용수들은 자신만의 고유한 균형 상태를 ‘감각’하였다. 둘째, 불균형 상태의 감각을 느끼게 함으로써 중심축 정렬의 변화, 다양한 방향으로의 무게중심 이동, 무용수들 간의 몸, 몸과 지면 간의 접촉에 의한 상호 작용을 통해 ‘새로운 움직임’을 이끌어낼 수 있었다. 셋째, 작품분석을 통해 균형과 불균형이 공존하는 영역인 경계에서 ‘불안정성’, ‘역동성’, ‘유동성’의 움직임 특성이 드러났다. 본 연구는 작품줄거리의 전개나 특정 관념을 표현하는 발레 창작과 달리 실험적 방식으로 움직임 탐구를 통해서 발레 작품을 창작했다는 데에 의미가 있다. 또한 안무자와 무용수의 관계가 창작의 동반자로서 소통의 중요성을 확인하고, 이들의 상호작용이 작품의 예술적 표현에 긍정적인 영향을 줄 수 있음을 확인하였다. 마지막으로 안무자로서 예술에 대한 도전의식을 함양하고, 포스트모던 시대의 안무방식에 새로운 방향성을 모색하는데 의의를 가진다. 더불어 본 연구에서 클래식발레에서의 균형에 대한 인식을 확장하여 몸의 균형과 불균형을 오고가는 과정에서 발레무용수가 어떠한 선택과 결정을 통해 움직임을 이어가는지 면밀히 탐구하고자 한다. 그리고 균형에서 벗어난 불균형 상태에서 다시 새로운 균형의 상태로 넘어 가고자 하는 경계에서 나타나는 독창적인 움직임과 그 특성을 확인하였다. 실기기반연구를 활용한 본 연구가 움직임 탐구를 기반으로 창작발레를 하려는 예술가들에게 하나의 참고가 되기를 바란다.

The current study covers the entire creative process and description of the dance artwork ｢Liminality｣. ｢Liminality｣ is an exploration of the movements that occur at the boundary between balance and off-balance of ballet dancers. The purpose of this study is to develop a new method and establish self-examination and artistic direction as a choreographer. As for this purpose, this practice-based research analyzed ｢Liminality｣'s entire creative process including the conception, choreography, practice, and performance of the artwork. The results of the study are as follows. First, in the process of exploring the movements, the dancers were able to ‘feel’ their own state of balance. In this exploration process, the choreographer conducted a workshop to facilitate the voluntary participation of the dancers instead of presenting the movements, which was effective in sensing a state of balance. Second, by feeling the sense of imbalance, the dancers were able to create ‘new movements’ on the border between balance and off-balance. In this process, they derived new movements through the interactions of the shift of the central axis, the shift of the center of gravity, the dancers' bodies, and the contacts between the body and the ground. Third, the analysis of the artwork revealed the characteristics of the movements of ‘instability’, ‘dynamics’, and ‘fluidity’. Considering the overall Korean ballet creation that expresses story development or ideas, it is significant to create a ballet artwork using movement explorations in an experimental way. In addition, it emphasizes the democratic communications of the choreographer and dancers as creative partners rather than a hierarchical relation. This interactive way of communications helped to make the artwork more artistic. Furthermore, this study has the significance of seeking a new direction for art in the postmodern era and a sense of challenge for art where a choreographer should always make new attempts. It is hoped that this study contributes to the artworks of other choreographers who aim to do creative ballet based on movement explorations.

본 논문은 무용 작품 「멈추지 않는 순간」을 구성하는 단계에서 설정한 ‘불교생명론 윤회의 특징을 통한 삶과 죽음의 자기성찰’이라는 안무 의도와 주제가 작품에서 잘 표현되었는지 연구한 것이다. 윤회(輪回)의 특징이 어떻게 한국무용의 움직임과 안무자의 독창적 춤 방법으로 구성되는지를 살펴보고, 이를 통해 구현되는 예술적 의미를 살펴보는 데 목적이 있다. 본 연구는 문헌 연구를 통해 무용 작품 「멈추지 않는 순간」의 주제와 내용을 설정하였고 연구한 내용을 기반으로 도출한 윤회의 특성을 뽑아 작품의 핵심 내용으로 구축하였다. 이를 윤회의 상징성을 지닌 ‘원’에 내재한 특성과 결부하여 작품으로 구상하였다. 이러한 주제와 구성의 연관성에 주목하여 문헌 연구와 실기기반연구(Practice Based Research)를 병행하여 연구하였다. 이를 통해 첫째, 작품에서 윤회의 특성인 ‘순환성은 죽음’의 주제를 표현과정에서 다시 제자리로 돌아오는 환원성(還元性)으로 표현되었다. 둘째, 오브제인 원을 통한 공간의 제한적 사용은 작품에서 무용수를 통해 되돌아오고 다시 출발하는, 또는 다른 자극이나 변화에도 그 상태를 유지하는 에너지로 표현되었다. 셋째, 움직임을 구와 절로 만들어 반복하고 오브제 원을 한 개에서 세 개로 변화함으로써 새로운 공간인 가변적 공간이 창조되었다. 넷째, 윤회의 특성인 영원성(永遠性)을 표현하면서 작품을 통해 무대 뒤로 퇴장함으로써 완전히 비워내는 것으로 구성하였다. 이를 통해 모든 것으로부터 자유로워지는 시·공간적 공(空)의 단계를 표현하면서 초월성을 만들어내었다. 본 연구자는 윤회의 특징에 몰입하는 구성을 통해 내재 된 움직임에 집중하면서 오브제의 활용의 표현과 움직임을 보다 밖으로 표출하는 방법을 경험하며, 독창적 춤 언어를 정립해갔다는 점에서 연구의 의미가 있다. 본 안무자는 주제에 입각한 움직임의 구성을 통해 예술적 가치관을 확립해 나가고 더 나아가 새로운 표현 방식을 만들어내는 데 기여하고자 한다.

This thesis presents with the study on to what extent the choreographic intention and the theme, namely ‘introspection on life and death through the features of Buddhist samsara’, set during the stage of designing the dance work｢Immortal life through passage of time｣were effectively expressed in the work. Its purpose is to examine how the features of samsara were integrated in the movements of Korean dance and the choreographer’s original dance method, along with the artistic meaning that this realizes. The process of this study consists of the first step plan and design, the second choreograph and practice, the third perform and appreciate, the fourth analyse and evaluate. This was associated with ‘space’, ‘movement’, and ‘time’ of the work and realized into a dance work. The result of studying｢ Immortal life through passage of time｣with the focus on the relationship between such theme and the composition is as below. Firstly, samsara is described as a return in the work. This was shown as the circle, the objet used in the work, played a role of revealing the relationship between the ‘circularity’ and ‘spatiality’. Secondly, restricting the space through the circle resulted in the energy flow moving in one direction, which appeared as an expression of ‘the constancy of spatiality’ in the work. Thirdly, the choreography based on the relationship between ‘repeatability’ and ‘movement’ created the new world of ‘changeable space’. Finally, the researcher realized that it is possible to concentrate on the movements inherent in body through the compositional method that focuses on the features of samsara that consists of karma and samsara. The significance of the study is that, through this, one experienced the method of expressing externally and established an original dance language. Through this, the researcher has received a lot of help in establishing the artistic values on stage, and seeks to contribute in creating a new way of expression.

본 연구는 현대 스포츠의 미적 요소와 예술적 특성을 분석하기 위하여, 아티스틱스위밍의 기술적 탁월성과 무용의 미적 특성을 탐색하였다. 그 결과 미적스포츠의 많은 종목들은 무용의 창작한 형식과 동작 기법을 활용하여 스포츠의 미적 동질성과 예술적 간극를 좁히고 있음을 알 수 있다. 아티스틱스위밍은 발레를 모티브로 하여, 안무형식은 현대무용의 창작기법을 활용하고 있으며 기본 동작은 발레 동작에 착안하여 미적 특성과 예술적 표현을 통해 스포츠예술을 표방한다. 이러한 스포츠영역의 확대에도 불구하고 무용은 스포츠와의 융합에 무관심하다. 그러나 미적스포츠는 스포츠 기술뿐만 아니라 미적 표현의 완성도를 높이기 위해서 반드시 무용과 공존, 전문무용가들의 역할이 필요하다. 미적 스포츠의 발전은 곧 새로운 무용장르의 개발이자 미래 무용인들의 진로에 도움이 될 것이다. 따라서 미적스포츠의 확대는 무용예술 침범이 아니라 새로운 장르 개발로 나아갈 수 있는 기회로서, 무용인들의 스포츠에 대한 관심과 노력을 통해 상생하고 발전할 수 있기를 희망한다.

This study compared the beauty and artistic characteristics of modern sports with dance, and explored the excellence of techniques and aesthetic characteristics of Artistic swimming. As a result, it was found that many of the aesthetic sports narrowed gap between the aesthetic nature and artistic characteristics with the use of creative form and motion techniques of dance. Artistic swimming is based on ballet, and the choreography uses modern dance creative techniques, and the basic moves are based on ballet movements, claiming sports art through aesthetic and artistic expressions. Despite the expansion of these sports areas, dance is indifferent to convergence with sports. Aesthetic sports must have collaboration with dancers to enhance the completeness of aesthetic expression as well as sports techniques. So the progress of aesthetic sports could become a new genre of dance, and be helpful for developing new career paths for dancers. Therefore, the expansion of aesthetic sports could be an opportunity to move forward with the development of a new genre of dance art. And I hope that dancers must also have interests and efforts in sports, and, as a result, coexist and develop with the aesthetic sports.

본 논문은 본 연구자가 안무한 무용작품의 창작과정을 연구한 실기기반 연구(PBR, Practice Based Research)이다. 무용작품 「나와 나타샤와 흰 당나귀」는 백석의 동명시를 기반으로 한 작품이다. 본 논문에서는 창작과정에서 어떻게 시언어가 무용언어로 변환되는지 그 과정을 면밀히 탐구함으로써 시가 어떠한 새로운 텍스트로 창조되는가와 그 과정에서 도출되는 의미를 살피는 것에 연구의 목적이 있다. 본 논문의 연구방법은 문헌연구와 실기기반연구방법(Practice Based Research, PBR)을 병행한 것이다. 연구의 절차는 문헌연구를 통해 시인 백석과 그의 시가 지닌 언어·문체적 특성을 연구하였다. 이후 실기기반연구방법(PBR)을 활용하여 원작 시 「나와 나타샤와 힌 당나귀」의 텍스트를 무용언어로 전환하는 창작 과정을 분석하였다. PBR은 실기(practice) 현장에서 생성된 현상이나 체험에 대한 분석방법이다. 또한 창조된 결과물로부터 새로운 지식과 그 의미를 도출하는 실기와 이론을 통섭한 학술연구 방식이다. 본 연구를 통해 첫째, 원작 시를 몸으로 이해하는 과정을 통해 백석 시가 가진 언어적 특성이 춤추는 몸에 새겨진 체험 감각을 깨우며 독창적인 무용언어로 해석될 수 있음을 발견할 수 있었다. 둘째, 창작과정에서 무용수의 주체적 참여가 작품의 의도를 춤으로 드러내는데 있어 매우 중요한 지점임을 발견하게 되었다. 셋째, 본 연구자는 창작의 과정에서 안무가로서 작품을 창조하는 방식과 무용수들과의 소통방식에 대해 더 깊이 성찰을 할 수 있었다. 본 연구는 시 텍스트를 기반 한 무용창작의 과정이 그 자체로 얼마나 많은 창조적 체험을 내포하고 있는지를 분석하고 드러냈다는 점에서 그 의미가 있다. 실기기반연구(PBR)을 활용한 본 논문이 실천예술인 공연예술분야가 지닌 창조적 현장성 연구의 가능성을 확장하는데 하나의 사례가 되기를 바란다.

This thesis is a PBR (Practice Based Research) study on the creation process of the dance work choreographed by this researcher. The dance work ｢Me, Natasha and the White Donkey｣ is based on Baek Seok's poem of the same name. The purpose of this study is to examine how poetry is created as a new text and the meaning derived from the process by closely examining how poetry language is transformed into dance language in the creative process. The research method of this paper is a combination of literature research and practice-based research (PBR). In PBR, the experience data through the actual performance is important as the primary data. Through this study, first, it was found that the exploration of sensuous movement focusing on the linguistic characteristics of Baekseok is a process that can understand poetry more deeply and embody it in a dancing body. Second, it was found that the creative process embodied by the dancers through movement exploration can derive a dance language that reinterprets the original poem more creatively. Third, in this study, it was found that the experiences of creation that are experienced and derived in the process of creation, not creation for dance work, create new meaning within the frame of a set format. As a choreographer, I experienced that this researcher could reach the intended work. This study is meaningful in that it analyzes and reveals how many creative experiences the dance creation process based on poetry text itself implies. I hope that this paper using practical research (PBR) will be an example of expanding the possibility of creative fieldwork research in the field of performing arts, which is a practical artist.

이 연구는 생태환경을 주제로 다룬 학술대회에서 공연한 흑두루미춤 퍼포먼스 사례를 살펴보고 공연 의 주요 특징과 비평적 관점을 탐색함으로써 공연의 질적 향상을 모색하는데 그 목적이 있다. 연구의 대상은 순천만에 왔다가 겨울을 지내고 이듬해 봄에 시베리아로 다시 돌아가는 흑두루미의 이야기를 표현한 두 개의 공연이다. 구체적으로 2019년 5월과 8월에 프랑스 낭트시 및 순천시에서 진행하였던 흑두루미춤 공연을 비교 분석함으로써 그에 대한 주요 특징과 생태계에 대한 인식 등에 기여하는 가치 를 탐구하였다. 두 개의 공연 과정에서 수집한 안무 노트, 사진, 동영상, 메모, 대화 및 공연 팸플릿 등을 질적으로 분석하여 얻은 연구 결과는 다음과 같다. 첫째, 순천에서 발견된 상처 입은 흑두루미 두리 이야기를 새롭게 해석하여 몸짓과 춤 동작 등의 퍼포먼스로 표현함으로써 자연환경과 인간의 대립적 관점에서 부각되는 생태적 삶과 역경 등에 담긴 의미를 드러내었다. 둘째, 프랑스 낭트시와 순천시에서 시행한 공연을 감상한 후에 면담을 통하여 비평 적인 피드백을 들은 결과 흑두루미춤 공연이 관람객들에게 환경과 생태에 더 관심을 가지게 하는 긍정 적인 평가 외에 재미를 통한 몰입도의 보강 등 보완해야 할 부분을 포착하였다. 셋째, 순천만 생태보전 의 맥락 속에서 등장한 흑두루미 두리 실화가 지역에 관련된 소재이며 생태적인 몸짓 표현에 비중을 많이 두면서 흑두루미의 삶 속에 담긴 생태적인 순환고리가 사람들의 삶에도 존재함을 느껴보도록 한 다는 점에서 공연의 가치가 드러났다. 흑두루미춤 공연을 퍼포먼스의 관점에서 분석한 연구 결과를 토 대로 향후 보완할 점과 순천만의 습지 공간에서 공연을 시도하는 등 확장 가능성을 제시하였다.

This study explores a case of hooded crane dance performance that deals with the ecological environmental characteristics. In addition to choreographing movements and gestures, the subject of hooded crane performance was featured with theatrical dialogues. The data collection included choreography notes, photos, videos, memos, dialogues, and performance pamphlets collected twice in Nantes and Suncheon city between May and August 2019. The qualitative analysis of the data were presented in the following ways. First, by reinterpreting the story of the wounded hooded crane (Doori) found in Suncheon the performance expressed the ecological life and adversity of the hooded crane from the opposing viewpoints between the ecological environment and humans. Second, the reactions of spectators suggested that the hooded crane dancing performance turned out to make them feel more interested in nature and ecology. Third, due to the real story of Doori, the performance played a role in reminding the meaning of the performance (i.e., ecological sensibility) while the locals appreciated the story in a friendly way. This study indicated the parts to be supplemented in future performances and expandability by attempting performances in the ecological environment of Suncheon Bay (tidal flats, etc.).

안무는 안무가의 사고와 판단 그리고 훈련된 신체를 기반으로 움직임을 디자인하는 작업이다. 무용창작에서 인공지능 기술의 활용은 다른 무용수들과 인간대 인간의 관 계 속에서 안무가의 직관적인 의사결정에 따라 만들어졌던 전통적인 방식과는 달리 기계와의 협업으로 안무를 만들어내면서, 안무과정에 있어 수반되는 다양한 문제들에 대해 새로운 방식으로 인식하게 한다. 본 논문에서는 무용창작을 위해 현재까지 개발된 인공지능 기술들에 대한 연구 동 향을 검토하고, 나아가서 인공지능 기술을 무용창작을 지원하는 유익한 파트너로 수 용하여 인공지능 기반 무용공연 프로젝트를 시연한 현대무용 안무가인 머스 커닝햄, 트리샤 브라운, 웨인 맥그리거의 창작과정을 살펴보았다. 이를 통해 안무도구로서 인 공지능 기술의 가능성을 탐색하고 인공지능이 무용창작에 적용되면서 수반되는 몇 가 지 주요 쟁점들에 대해 논의하고자 하였다.

Choreography is a work that designs movements based on the thinking and judgment of choreographer and the trained body. The utilization of AI technology in dance creation is different from the conventional way which used to be created depending on choreographer's intuitive decision making in human-to-human relationships with other dancers but newly recognizes the creative issues accompanied with the process of choreography by creating choreography with the collaboration with a machine. This thesis reviews the trend of research on AI technology which has been developed up to now for dance creation, and further researches the creation process by modern dance choreographers such as Merce Cunningham, Trisha Brown, and Wayne McGregor who recognized AI technology is a beneficial partner to support dance creation and demonstrated the dance works that apply AI technology. Through this, this study explores the potential of AI technology as a choreography tool, and intends to discuss several issues that accompany during the process when AI is applied to the dance creation.