Earticle

소셜 미디어의 발전으로 인해 문화의 확산 속도는 더욱 빨라지고 있으며, 이러한 변화는 기존 생산자 중심의 환경에서 개별 개인이 중요한 역할을 하는 소비자 중심의 환경으로의 변화를 유도하고 있다. 오늘날 한류의 새로운 주역으로 급부상하고 있는 K-pop 또한, YouTube나 Facebook 등 다양한 소셜 미디어를 기반으로 해외 각 국가로 확산되고 있으며, 이들이 만들어내는 노래와 스타일, 영상은 핵심 문화 산업으로 자리 잡고 있다. 하지만 소셜 미디어의 발전이 문화산업에 미치는 영향과 중요성에도 불구하고, 기존 연구에서는 소셜 미디어와 문화 소비에 대한 영향과 네트워크시대에 산업과 소비자에 대한 거시적 관점에서의 이해가 부족한 실정이다. 기존 연구의 경우 소셜 미디어의 역할이 K-pop을 창조하는 기업들과의 기업 간 관계에 초점을 두고 분석하는 것을 볼 수 있고 소셜 미디어의 상에서 K-pop 소비자들에 대한 연구들은 많은 경우 나라별 분석을 보여주고 있다. 이러한 나라별 분석의 경우 특정 문화적, 기술적 수용 등의 차이점에 바탕을 두고 있거나 그러한 점들이 영향을 미치는 것을 볼 수 있다. 특히, 디지털 시대에서 소셜 미디어를 통한 글로벌 소비자의 활동이 K-pop 산업의 가치사슬에 중요한 영향을 미치는 바, K-pop의 세계적인 문화적 현상을 파악하기 위해서는 소셜 미디어가 업계에 미치는 영향을 이해하는 것이 중요한다. 이에 본 연구에서는 디지털 시대에 소셜 미디어를 기반으로 하는 소비자의 참여 형태를 K-pop을 중심으로 분석하고자 하였다. K-pop 소비자들은 YouTube나 Facebook, Naver Cafe 등 소셜 미디어 플랫폼을 통해 특정 콘텐츠를 소비할 뿐만 아니라, 다른 사람들과 커뮤니케이션을 통해 콘텐츠 공급자에게도 영향을 끼치는 네트워크 형태를 보여주고 있다. 이러한 구조는 콘텐츠 가치를 재창출하는데에도 소비자가 많은 영향을 주고 있는 모습을 알 수 있다. 이에, K-pop 콘텐츠에 대한 소비자들의 참여와 가치창출 과정 및 소비자의 행동이 문화 콘텐츠에 어떤 영향을 미치는지에 대한 분석에 본 연구는 특히 집중하였다. 연구 결과, 디지털 시대에 문화의 소비는 콘텐츠 획득(Acquisition), 개인화(Personalization), 자기표현(Self-expression), 사회화(Socialization)로 구성된 4가지의 과정으로 되어 있는 것을 확인 할 수 있었다. 디지털화된 형식을 통해 시간과 공간의 제약에서 콘텐츠 획득이 자유로워졌으며, 소셜 미디어 플랫폼을 사용하여 좋아하는 뮤직 비디오 또는 디지털 음악을 개인화하며 자신만의 스타일로 표출해 낼 수 있게 되었다. 자기표현을 위해 소셜 미디어에 개인화된 콘텐츠를 공유하고 다른 사람들이 공유한 콘텐츠와의 커뮤니케이션을 통해 디지털 시대의 음악 소비자는 음악 커뮤니티와 소셜 미디어에 참여함으로써 사회화를 일으키는 모습을 보여준다. 즉, YouTube 및 Facebook과 같은 IT 기반 개방화된 플랫폼에서 소비자들은 개인의 생각이나 의견, 경험, 정보 등을 공유하고 콘텐츠를 해석, 참여 및 재조정함으로써 참여형 소비와 가치 창출활동을 수행하고 이러한 일련의 행동들은 K-pop과 문화 콘텐츠의 성공에 중요한 요소로 작용한다는 것을 확인 할 수 있었다. 한류문화가 확산되 K-pop의 영향력과 관심이 증가함에 따라 본 논문은 K-pop 산업, 한국 문화 콘텐츠, 더 나아가 디지털네트워크 시대의 소비자 그리고 네트워크 시대의 소셜미디어와 관련된 향후 연구에 이론적 배경을 제시하고 실무적으로도 의미있는 시사점을 제공할 것으로 기대된다.

With the advancement of social media, the pace of culture has been accelerating, and this shift has led to changes in consumer-centric environments where individuals play an important role in existing producer-centric environments. K-pop, which is emerging as the new leading role of Hallyu, is spreading to other countries based on diverse social media such as YouTube and Facebook, and their songs, styles and videos are becoming a core cultural industry. However, in spite of the influence and importance of social media development on the cultural industry, previous researches have lacked understanding on social media and cultural consumption. In particular, in order to understand the global cultural phenomenon of K-pop, the influence of global consumers through social media, in the digital age has an important influence on the value chain of the K-pop industry. In this study, we have tried to analyze the participation patterns of consumers based on social media in the digital age with K-pop being the main focus. K-pop consumers not only consume specific content through social media platforms such as YouTube, Facebook and Naver Cafe, but also have an impact on content providers through communications on social media. This structure shows consumers’ influence on value co-creation. Thus, we focus specifically on the analysis of how consumers’ participate in K-pop contents, the process of value creation and consumer behavior affecting cultural contents. As a result for the research, it can be confirmed that the consumption of culture in the digital age consists of four procedures consisting of Acquisition (of content), Personalization (by engaging with content), Self-expression (by sharing), and Socialization (of the self and sharing). With digitized contents, consumers can acquire the contents regardless of location and time, and the social media platform helps them personalize the contents. In addition, personalized contents are shared on social media for their self-expression and consumers socialize by participating in music communities on social media. This study argues that through this process, media content is shared, interpreted, and remixed in social networks, thus making the value of such media content inter- and/or intra-subjective, as well as socially constructed. With the development of information technology and social media such as YouTube and Facebook, value creation of consumers in digital networks have become a critical force in the success of cultural content. The findings of this research are expected to improve the understanding about the importance of consumers’ roles in the development of the K-pop music industry, and provide a better understanding of consumer participation in the value creation process of the K-pop industry, due to the emergence of digital social media such as YouTube and Facebook. This study demonstrates how K-pop fans are critical participants in the industry and how they utilize social media to establish relational and multi-directional aspects of the globalization process.

The COVID-19 pandemic has caused much damage to the Korean cultural industries, yet, embedded in the crisis are hopes and discourses of opportunity for the post-COVID era. In the commercial field, K-pop entertainment companies have used the crisis as an opportunity to expand their online performance offerings and promote platform development. In contrast, the field of performing arts is still seeking to adopt effective, non-contact digitalization strategies capable of attracting audiences with lower technical skills, such as streaming existing performances online. In this paper, we compare the responses to the pandemic of the popular music industry and the performing arts sector through the lenses of sector resilience and government support. We found that, due to the economic structure of the idol-centric entertainment industry, K-pop entertainment companies with digital platforms have proven to be significantly more resilient in response to the COVID-19 crisis than the performing arts sector. Along with the digitalization and commercialization of their performance and idols, the K-pop entertainment companies have shown increased resilience and accommodated a larger audience with stronger relationships. We also analyze the effects of the government’s COVID-19 support policy on the music industry, the performing arts sector, and individual cultural workers in three main areas: mitigation policy, innovation policy, and recovery policy. We recommend that the performing arts sector build a more strategic understanding of audience relations and that the government promote innovation policies for the performing arts sector while taking into account differences between the resilience levels of various sectors.

본 연구는 웹 오디오 기술이 케이팝 텍스트와 팬덤 경험 전반에 걸쳐 가져온 서사적·문화적 전환을 탐색적으로 분석한다. 웹 오디오는 브라우저 환경에서 실시 간 사운드 합성과 인터랙티브 조작을 가능케 하는 기술로 최근 케이팝 영역에서는 뮤직비디오, 팬 참여형 사운드 리믹스, 몰입형 내러티브 설계 등으로 확장되고 있다. 이 기술은 단순한 음향 재생을 넘어 팬이 직접 사운드의 층위를 선택하고 조작함으로써 음악의 수용 방식을 능동적 감각 경험으로 전환시킨다. 본 논문은 〈케이팝 데몬 헌터스〉를 적용 사례로 분석하여 웹 오디오적 상호작용이 케이팝 팬덤의 서사 구조와 정체성 형성에 미치는 함의를 탐색적 관점에서 고찰했다. 이 를 위해 Jenkins (2006)의 참여적 문화 이론과 Becker (1982)의 아트월드 개념을 통합적으로 적용해 기술적 구조와 팬덤 서사의 상징적 상호작용을 논의했다. 연구 결과, 웹 오디오는 첫째, 케이팝 서사를 다중적 경로로 분기시키며 팬의 내러티브 개입권 확대를 가능하게 하며, 둘째, 팬덤을 단순한 해석 집단에서 공동 창작 주체로 이동시키며, 셋째, 케이팝의 ‘K’를 초국적·가상적 정체성으로 재구성 전환이 가능하다는 점을 알 수 있었다. 즉, 향후 인터랙티브 사운드가 케이팝 산업의 글로벌 확산 전략, 팬 데이터 활용의 윤리성, 창작자와 플랫폼 간 권한 재조정 등으로 이어질 수 있음을 예측 가능케 한다. 궁극적으로 본 연구는 웹 오디오를 기술 적 도구가 아닌 문화적 감수성으로 인식하고 케이팝 산업의 서사·사운드·팬덤 구조를 재구성하는 탐색적 문화기술 연구의 방향을 제시하고자 한다.

This exploratory study analyzes how the Web Audio API reshapes the narrative and cultural dynamics of K-pop texts and fandom experiences. As a browser-based technology enabling real-time sound synthesis and interactive manipulation, Web Audio has recently expanded across K-pop contexts such as interactive music videos, fan-driven remixes, and immersive narrative design. Beyond simple playback, it transforms listening into an active sensory engagement by allowing fans to intervene in and reconfigure multiple layers of sound. Using K-pop Demon Hunters a U.S. produced animation inspired by K-pop as an illustrative case, this study explores how web-audio interactions influence narrative structures and fandom identities. Integrating Jenkins’s (2006) theory of participatory culture (2006) and Becker’s (1982) concept of the art world (1982), the paper examines the symbolic and structural interplay between technology and fandom narratives. The findings suggest that Web Audio (1) multiplies narrative pathways and expands fans’ agency in co-creating stories, (2) shifts fandom from interpretation to collective authorship, and (3) reconstructs the “K” of K-pop as a transnational and virtual identity. These insights imply that interactive sound may affect K-pop’s global expansion strategies, the ethics of fan data usage, and the redistribution of creative authority between artists and platforms. Ultimately, this research positions Web Audio as a cultural sensibility rather than a technical tool, contributing to the exploratory field of cultural-technical studies that reimagines how narrative, sound, and fandom are configured in the contemporary K-pop industry.

본 연구는 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스(K-pop Demon Hunters)>를 중심으로 케이팝과 한국 전통문화의 융합 양상을 분석하고, 이들이 디지털 시대 트랜 스미디어 콘텐츠로서 어떻게 세계관 중심 서사로 확장되는지를 고찰한다. 헨리 젠킨스가 제시한 스토리텔링의 6가지 핵심 요소인 연속성(continuity), 탐구성 (drillability), 확산성(spreadability), 몰입성(immersion), 세계관 구축(world-building), 참여성(participation)을 분석틀로 삼아 케이팝 세계관과 한국 전통문화를 연계한 애니메이션에서 각 요소별 특징을 자세히 다루고자 한다. 특히 혼문, 굿, 호랑이 등 민속 요소가 내러티브 구조와 캐릭터 설계에서 수행하는 상징성과 기능 에 주목하며, 전통문화의 디지털 재현 방식과 글로벌 수용성을 탐색한다. 연구는 다음과 같은 네 가지 분석 축을 따른다. 첫째, 케이팝 콘텐츠에서 세계관 중심 서 사 구조와 팬덤 중심의 자아 정체성 구축 방식에 대한 이론적으로 고찰한다. 둘째, 설화, 무속, 민화 등 전통 서사 자원의 콘텐츠화 전략 및 시각·음악적 요소의 서 사적 기능을 분석한다. 셋째, <케이팝 데몬 헌터스> 및 BTS, BLACKPINK 등 한국 전통문화를 활용한 케이팝 콘텐츠와의 비교분석을 통해서 트랜스미디어적 확산 전략과 장르 혼합 구조를 분석한다. 넷째, 글로벌 플랫폼에서의 수용 양상과 팬덤 커뮤니티의 해석·참여·문화 번역 방식에 대해 실증적으로 접근한다. 이를 통해 본 연구는 케이팝 콘텐츠가 단순한 문화 인용을 넘어 세계관 중심 IP로 기능하며, 전통문화의 브랜드화를 통해 글로벌 디지털 서사로 확장되고 있음을 규명한다.

This study explores the convergence of K-pop and traditional Korean culture through the animated series <K-pop Demon Hunters>, examining how such content evolves into a world-building narrative within the digital era’s transmedia landscape. This study employs Henry Jenkins six core storytelling principles, continuity, drillability, spreadability, immersion, worldbuilding, and participation as an analytical framework to investigate in depth how these elements are articulated within an animation that interweaves the K-pop universe with traditional Korean culture. It focuses on the symbolic and functional roles of folk elements-such as honmun (soul patterns), gut (shamanistic rituals), and tigers-in narrative structures and character design, and investigates the digital reinterpretation of traditional culture and its global reception. The research follows four main analytical axes. First, it provides a theoretical examination of the structure of world-centric narratives in K-pop content and the mechanisms by which fandoms construct identity. Second, it analyzes content strategies and narrative functions of visual and musical elements derived from traditional storytelling resources such as folktales, shamanism, and folk paintings. Third, this study analyzes transmedia expansion strategies and hybrid genre structures through a comparative analysis of K-pop Demon Hunters and K-pop content by BTS, BLACKPINK, and others that incorporate elements of traditional Korean culture. Fourth, it conducts an empirical analysis of global reception trends and the ways in which fandom communities engage, interpret, and culturally translate such content across media platforms. Through this multifaceted approach, the study demonstrates that K-pop content transcends mere cultural citation, functioning as world-centered intellectual property that rebrands traditional heritage as a globally scalable digital narrative.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 『케이팝 데몬 헌터스(K-pop: Demon Hunters)』를 대상으로, K-pop 산업의 신화적 담론 구조와 그 균열 양상을 밝히는 것을 목적으로 한 다. 연구 방법으로는 퍼스(Charles S. Peirce)의 기호학, 바르트(Roland Barthes)의 신 화이론, 바바(Homi K. Bhabha)의 탈식민 혼종성 개념을 결합한 통합적 분석 틀을 적 용하였다. 구체적으로 색채 상징 체계, 호작도 모티프 등 텍스트 내 기호 체계를 중심 으로 신화의 재현과 전복 과정을 분석하였다. 그 결과, 작품은 아이돌의 자기희생과 팬 소비라는 지배적 신화를 재생산하면서도, 혼종적 전략을 통해 그 이데올로기를 교란하 는 기호학적 이중성을 드러낸다. 특히 디아스포라적 창작자의 시선에서 형성된 혼종적 서사는 한국 전통 기호와 글로벌 장르 문법의 결합을 통해 문화적 협상이 이루어지는 ‘제3의 공간’을 구축하는 것으로 해석되었다. 이러한 분석을 토대로 본 연구는 학습자 를 수동적 소비자에서 비판적 의미 생산자로 전환시키는 ‘비판적 문화 문식성(critical cultural literacy)’ 함양 교육 모형을 제안하였다. 이는 K-pop 연구 대상을 2차 텍스트 로 확장하고 문화이론과 교육실천을 연계함으로써, 글로벌 미디어 시대의 필수적인 시 민 역량을 기르는 한국문화교육의 미래적 비전을 제시한다는 점에서 학술적 시사점을 지닌다.

This study examines how K-Pop: Demon Hunters constructs cultural meaning through its multimodal interplay of sound, image, and narrative within the global K-pop mediascape. The research aims to clarify the work’s ideological operations and addresses three questions: (1) what semiotic strategies organize its meaning-making; (2) how these strategies negotiate globallocal identities; and (3) how the findings can inform critical Korean culture education. Methodologically, the study applies an integrated framework combining Peirce’s triadic semiotics, Barthes’s myth analysis, and Bhabha’s hybridity theory. Through close reading and multimodal analysis, it investigates the animation’s musical textures, symbolic imagery, and performance conventions as interconnected sign systems. The analysis shows that the work generates hybrid meanings by merging ritualistic sound design, mythic motifs, and K-pop aesthetics, producing both immersion and critical distance. This dynamic reveals how the text negotiates power, identity, and cultural authenticity in transnational media contexts. The study concludes that such semiotic complexity provides meaningful foundations for cultivating critical cultural literacy in Korean culture education.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 『케이팝 데몬 헌터스(K-pop: Demon Hunters)』를 대상으로, K-pop 산업의 신화적 담론 구조와 그 균열 양상을 밝히는 것을 목적으로 한 다. 연구 방법으로는 퍼스(Charles S. Peirce)의 기호학, 바르트(Roland Barthes)의 신 화이론, 바바(Homi K. Bhabha)의 탈식민 혼종성 개념을 결합한 통합적 분석 틀을 적 용하였다. 구체적으로 색채 상징 체계, 호작도 모티프 등 텍스트 내 기호 체계를 중심 으로 신화의 재현과 전복 과정을 분석하였다. 그 결과, 작품은 아이돌의 자기희생과 팬 소비라는 지배적 신화를 재생산하면서도, 혼종적 전략을 통해 그 이데올로기를 교란하 는 기호학적 이중성을 드러낸다. 특히 디아스포라적 창작자의 시선에서 형성된 혼종적 서사는 한국 전통 기호와 글로벌 장르 문법의 결합을 통해 문화적 협상이 이루어지는 ‘제3의 공간’을 구축하는 것으로 해석되었다. 이러한 분석을 토대로 본 연구는 학습자 를 수동적 소비자에서 비판적 의미 생산자로 전환시키는 ‘비판적 문화 문식성(critical cultural literacy)’ 함양 교육 모형을 제안하였다. 이는 K-pop 연구 대상을 2차 텍스트 로 확장하고 문화이론과 교육실천을 연계함으로써, 글로벌 미디어 시대의 필수적인 시 민 역량을 기르는 한국문화교육의 미래적 비전을 제시한다는 점에서 학술적 시사점을 지닌다.

This study examines how K-Pop: Demon Hunters constructs cultural meaning through its multimodal interplay of sound, image, and narrative within the global K-pop mediascape. The research aims to clarify the work’s ideological operations and addresses three questions: (1) what semiotic strategies organize its meaning-making; (2) how these strategies negotiate globallocal identities; and (3) how the findings can inform critical Korean culture education. Methodologically, the study applies an integrated framework combining Peirce’s triadic semiotics, Barthes’s myth analysis, and Bhabha’s hybridity theory. Through close reading and multimodal analysis, it investigates the animation’s musical textures, symbolic imagery, and performance conventions as interconnected sign systems. The analysis shows that the work generates hybrid meanings by merging ritualistic sound design, mythic motifs, and K-pop aesthetics, producing both immersion and critical distance. This dynamic reveals how the text negotiates power, identity, and cultural authenticity in transnational media contexts. The study concludes that such semiotic complexity provides meaningful foundations for cultivating critical cultural literacy in Korean culture education.

The goal of this study is to explore the potential possibility of Korean pop-dance program on helping mental health among juvenile delinquents. Having views on this idea, the study was constituted for Korean girl delinquents in juvenile training school focusing on treatment of adolescent misconducts based on their depression mainly, aggression and social anxiety. The subject for the study was divided into two groups; Experimental group(Ex, n=7) and control group(Con, n=11) on the range of 14-18 year-old female delinquents in J juvenile school. Subjects completed 2-hour, once a week of K-pop dance program for 8 weeks. Depression, aggression and social anxiety were measured pre-session, and post-session by questionnaires which were Beck Depression Inventory(BDI), Aggression Questionnaire-Korean version(AQ-K) and Korean-Social Avoidance & Distress Scale(K-SAD). Also, for more verifying the effects of this research, participants were asked via self-report and interviewed. Collected data were analyzed by the reliability analysis, paired t-test and two-way ANOVA with repeated measures. The results are as follows. First, the K-pop dance program has an effect on depression in Ex group significantly. Second, the three of five categories - refusal, guilty feeling and dissatisfaction are significantly declined in Ex group after 8 weeks K-pop dance program. Also, there are significant difference in refusal. guilty feeling and dissatisfaction after 8weeks. In case of refusal and dissatisfaction, it is significantly declined in the Ex group after 8 weeks. Finally, there's no significant difference in relation to aggression and social anxiety. However, post score is apparently reduced than pre score in Ex group.

본 연구는 1990년대 중반 3D 애니메이션 산업이 성장함에 따라 픽사와 디즈니의 리얼리티 중심 미학이 주류가 되며, 관객의 심미적 피로감을 초래한 연출방식의 한계를 지적한다. 이러한 배경에서 Sony Pictures Animation은 <스파이더맨: 뉴 유니버스> (2018)와 <스파이더맨: 어크로스 더 유니버스> (2023)를 통해 실험적· 혼합적 미학을 도입하며 새로운 패러다임을 제시하였다. 본 연구는 소니 제작사에서 개봉한 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스: 이하 케데헌> (2025)을 사례로 선정 하였다. <케데헌>은 로튼 토마토 신선도 97%, 메인 OST인 ‘Golden’의 미국 빌보드 차트 1위 등 놀라운 흥행을 기록하고 있으며, 이는 K-팝 문화와 한국 전통문화 를 결합해 ‘코리아니즘(Koreanism)’을 알린 애니메이션 영화로 학술적 가치를 지니기 때문이다. 본 연구는 <스파이더맨: 어크로스 더 유니버스>에서 나타난 포스트 모더니즘(Postmodernism) 미학적 특성이 <케데헌>에서 어떻게 구현되어 작품의 흥행을 견인했는지 분석하였다. 분석 방법은 첫째, 3D 애니메이션의 개념과 산업 의 발전과정을 고찰하였다. 둘째, 김욱동, 이합 핫산(I. Hassan), 프레드릭 제임슨(F. Jameson)이 제시한 포스트모던 특성을 비교·대조하며 이론적 틀을 정립하였 다. 셋째, Sony Pictures Animation의 포스트모던 애니메이션 사례를 선행연구 중심으로 정리·분석하였다. 결론적으로 본 연구는 질적 연구로 <케데헌>에 구현된 포스트모던 특성을 심층적으로 분석하며, 실험적·혼합적 미학이 어떻게 새로운 연출 방식으로 재현되는지 살펴보고자 한다.

This study points out the limitations of the directorial approach that has produced aesthetic fatigue among audiences, as the realism-oriented aesthetics of Pixar and Disney became the mainstream with the growth of the 3D animation industry in the mid-1990s. Within this context, Sony Pictures Animation proposed a new paradigm by introducing experimental and hybrid aesthetics through Spider-Man: Into the Spider-Verse (2018) and Spider-Man: Across the Spider-Verse (2023). In line with this trend, this study selects K-pop Demon Hunters (hereafter KDH) (2025), an animation released by Sony, as the primary case for analysis. KDH achieved remarkable commercial success recording a 97% freshness score on Rotten Tomatoes and reaching No.1 on the U.S. Billboard charts with its main OST “Golden” and holds academic value as an animated film that introduced “Koreanism” by combining K-pop culture with traditional Korean cultural elements. Accordingly, this paper analyzes how the postmodernism aesthetic characteristics observed in Spider-Man: Across the Spider-Verse were implemented in KDH and how these elements contributed to the film’s success. The analytical method proceeds as follows: First, it examines the concept of 3D animation and the developmental process of the industry. Second, it establishes a theoretical framework by comparing and contrasting the postmodern characteristics presented by Kim Wook-dong, I. Hassan, and F. Jameson. Third, it reviews and analyzes previous studies on postmodern animation cases from Sony Pictures Animation. In conclusion, this qualitative study conducts an in-depth analysis of the postmodern characteristics embodied in KDH and explores how its experimental and hybrid aesthetics are reproduced as new directorial strategies.

본 연구의 목적은 케이팝 음악을 분석하여 그 속에서 월드 뮤직의 사용 형태를 찾아내고 이를 통해 케이팝 음악 의 발전 가능성을 높이는 것에 그 목적이 있다. 연구 방법으로는 먼저 월드뮤직요소인 푸에르토리코의 레게톤과 자메이 카의 토스팅, 인도음악의 선율을 알아볼 것이다. 그리고 효연의 <Dessert>와 현아&던의 <핑퐁> 두 곡을 리듬적 요소와 선율적 요소로 분석하고 그 속에서 월드 뮤직의 사용 형태를 찾아볼 것 이다. 연구 결과, 리듬적으로 푸에르토리코의 레게톤에서 파생된 뎀보우 리듬의 유형을 보였고, 선율적으로는 자메이카의 토스팅의 형태와 아랍음악의 선율을 따르고 있음을 알 수 있었다. 본 연구는 케이팝 음악에서 사용된 월드뮤직의 사용 형태를 분석하여 향후 케이팝의 발전 가능성 과 다양한 방향성을 제시하는 것에 의의를 갖는다. 다양한 월드 뮤직과 케이팝의 융합을 통해 케이팝 음악이 조금 더 폭넓은 대중의 지지를 받는 문화로써 자리 잡기를 기대해 본다.

The purpose of this study is to increase the development possibility of K-pop music by analyzing K-pop music and analyzing the use of world music in it. As a research method, we will first look at the world music elements Puerto Rico's reggaeton, Jamaica's toasting, and the melody of Indian music. After that, we analyze two songs, Hyo-yeon's <Dessert> and Hyun-A & Dawn's <Ping Pong>, with rhythm and melody elements to find out the utilization of World Music. As a result of the study, it was found that it rhythmically showed the type of Dembow rhythm derived from Puerto Rico's reggaeton, and melody followed the form of Jamaican toasting and the melody of Arabic music. This study is meaningful in presenting the possibility of development and various directions of K-pop in the future by analyzing the use of world music used in K-pop music. Through the convergence of various world music and K-pop, I hope that K-pop music will become a culture that is supported by a wider public.

본 연구는 K-팝 그룹 내 비한국인 멤버의 보컬 퍼포먼스를 문화 정체성과 혼종성이 협상되는 ‘제3의 공간’으로 보고, 그 생산과 수용의 역동성을 분석하였다. 이를 위해 ‘청 취의 정치학(politics of listening)’을 핵심 분석 개념으로 활용하였다. 사례 분석 대상 으로 블랙핑크의 Lisa, (여자)아이들의 Minnie와 Yuqi를 선정하였으며, 글로벌 팬덤의 수용 방식을 살펴보기 위해 Reddit 커뮤니티를 대상으로 Netnography와 주제 분석을 수행하였다. 분석 결과, 비한국인 아이돌은 보컬 퍼포먼스를 통해 문화적 진정성과 상 업적 전략 사이에서 복합적인 협상을 수행하며, 그들의 독특한 음색은 그룹의 핵심 미 학 자산으로 기능했다. 또한, 글로벌 팬덤은 청취의 정치학을 실천하며 초국적 목소리 의 의미를 능동적으로 구성하였다. 팬들은 음색의 가치화, 발음 및 억양 관련 진정성 논쟁, 문화적 전유에 대한 비판적 토론을 활발히 전개하였다. 본 연구는 K-팝 팬덤을 비판적 리터러시와 상호문화 역량을 함양하는 공공 교육학의 실천 현장으로 규명하며 다문화 교육 연구에 중요한 시사점을 제공한다.

This study examines the vocal performances of non-Korean members in K-pop groups as a ‘Third Space’ where cultural identity and hybridity are negotiated, analyzing the dynamics of its production and reception. The ‘politics of listening’ was utilized as a key analytical concept. BLACKPINK's Lisa and (G)I-DLE's Minnie and Yuqi were selected as case studies. To examine the reception patterns of the global fandom, netnography and thematic analysis were conducted on Reddit communities. The analysis revealed that non-Korean idols engage in complex negotiations between cultural authenticity and commercial strategies through their vocal performances, with their unique vocal timbres functioning as core aesthetic assets of the group. Furthermore, the global fandom actively constructed the meaning of these transnational voices by practicing the politics of listening. Fans actively engaged in valorizing timbre, debating authenticity regarding pronunciation and accent, and critically discussing cultural appropriation. This study identifies K-pop fandom as a site of public pedagogy that fosters critical literacy and intercultural competence, offering significant implications for multicultural education research.

본 연구는 K-팝 그룹 내 비한국인 멤버의 보컬 퍼포먼스를 문화 정체성과 혼종성이 협상되는 ‘제3의 공간’으로 보고, 그 생산과 수용의 역동성을 분석하였다. 이를 위해 ‘청 취의 정치학(politics of listening)’을 핵심 분석 개념으로 활용하였다. 사례 분석 대상 으로 블랙핑크의 Lisa, (여자)아이들의 Minnie와 Yuqi를 선정하였으며, 글로벌 팬덤의 수용 방식을 살펴보기 위해 Reddit 커뮤니티를 대상으로 Netnography와 주제 분석을 수행하였다. 분석 결과, 비한국인 아이돌은 보컬 퍼포먼스를 통해 문화적 진정성과 상 업적 전략 사이에서 복합적인 협상을 수행하며, 그들의 독특한 음색은 그룹의 핵심 미 학 자산으로 기능했다. 또한, 글로벌 팬덤은 청취의 정치학을 실천하며 초국적 목소리 의 의미를 능동적으로 구성하였다. 팬들은 음색의 가치화, 발음 및 억양 관련 진정성 논쟁, 문화적 전유에 대한 비판적 토론을 활발히 전개하였다. 본 연구는 K-팝 팬덤을 비판적 리터러시와 상호문화 역량을 함양하는 공공 교육학의 실천 현장으로 규명하며 다문화 교육 연구에 중요한 시사점을 제공한다.

This study examines the vocal performances of non-Korean members in K-pop groups as a ‘Third Space’ where cultural identity and hybridity are negotiated, analyzing the dynamics of its production and reception. The ‘politics of listening’ was utilized as a key analytical concept. BLACKPINK's Lisa and (G)I-DLE's Minnie and Yuqi were selected as case studies. To examine the reception patterns of the global fandom, netnography and thematic analysis were conducted on Reddit communities. The analysis revealed that non-Korean idols engage in complex negotiations between cultural authenticity and commercial strategies through their vocal performances, with their unique vocal timbres functioning as core aesthetic assets of the group. Furthermore, the global fandom actively constructed the meaning of these transnational voices by practicing the politics of listening. Fans actively engaged in valorizing timbre, debating authenticity regarding pronunciation and accent, and critically discussing cultural appropriation. This study identifies K-pop fandom as a site of public pedagogy that fosters critical literacy and intercultural competence, offering significant implications for multicultural education research.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>에 나타난 여성 성장 서사를 중심으로 디즈니 애니메이션 <뮬란>과 <겨울왕국>의 여성 주인공 서사를 비 교 분석한다. 세 작품의 주인공들은 각각 전근대적 가문, 근대적 왕가, 현대적 아이돌이라는 서로 다른 사회문화적 배경을 지니고 있다. 이러한 배경이 여성 캐릭터 들에게 부과하는 역할 기대와 사회적 압박을 고찰하고 각 작품에서 여성 주체성이 어떠한 서사적 조건 속에서 형성되고 발현되는지를 논의한다. 특히 <케이팝 데몬 헌터스>를 디지털 환경과 소셜미디어 맥락 속에 위치시키고 이를 전통적 시대관을 전제로 한 <뮬란>과 <겨울왕국>의 서사와 비교 분석한다. 아울러 세 작품에 내 재된 신화적 영웅 서사 구조와 철학적 상징을 검토함으로써 현대 K-콘텐츠가 여성 주체성을 재현하는 방식의 변화를 살펴본다. 분석 결과 <케이팝 데몬 헌터스>는 개인 중심의 영웅 서사에서 벗어나 관계와 연대를 통해 구성되는 여성 주체성을 전면화하는 디지털 시대적 서사 특성을 드러낸다. 이를 통해 디지털 시대 여성 주 체성이 개인 중심의 성장 서사를 넘어 관계적, 집단적 수행을 통해 구성되는 양상을 조명한다.

This study conducts a comparative analysis of female growth narratives in the Netflix animated series K-Pop Demon Hunters and the Disney animated films Mulan and Frozen, with a particular focus on K-Pop Demon Hunters. The female protagonists of the three works are situated in distinct sociocultural contexts, respectively represented by a premodern family lineage, a royal household, and the idol industry. This study examines how these contexts impose role expectations and social pressures on female characters and discusses the narrative conditions under which female subjectivity is formed and articulated in each work. In particular, K-Pop Demon Hunters is situated within the context of digital environments and social media, and its narrative is comparatively analyzed in relation to Mulan and Frozen, which are grounded in traditional conceptions of historical temporality. Furthermore, by examining the mythic hero narrative structures and philosophical symbolism embedded in the three works, this study explores shifts in the ways contemporary K-content represents female subjectivity. The analysis reveals that K-Pop Demon Hunters departs from individual-centered hero narratives and foregrounds a form of female subjectivity constituted through relationships and solidarity, reflecting a narrative characteristic of the digital age. Through this analysis, the study illuminates how female subjectivity in the digital era is constructed not as the outcome of individual growth but as a process of relational and collective performance.

본 연구는 <케이팝 데몬 헌터스>를 통해 글로벌 미디어 기업이 타국 문화를 전면화하고 여러 장르의 문법을 변주하여 현시대 대중이 좋아할 만한 하이브리드 스토리텔링을 구현한 양상과 의의를 고찰하는 데 목표 를 둔다. 넷플릭스 역사상 최초로 3억 시청뷰를 기록하며 전 세계 문화현 상이 된 <케이팝 데몬 헌터스>는 글로벌 플랫폼 시대에 영화가 새로운 문화와 매체를 활용하는 방법과 현시대 대중이 하나의 작품을 향유하는 방식에 관한 시사점을 제공한다. 소니픽처스 애니메이션과 넷플릭스의 합작으로 탄생한 <케이팝 데몬 헌터스>는 한국 문화원형을 스토리텔링 의 핵심 요소로 활용하며 서구권이 동양문화를 재현하는 방법에 관한 긍정적인 선례가 되었다. ‘케이팝’과 ‘오컬트’는 낯선 결합이지만 <케이 팝 데몬 헌터스>는 세대와 인종을 초월한 글로벌 대중이 즐겁게 감상한 대중영화다. <케이팝 데몬 헌터스>의 대중성은 하이브리드 스토리텔링 즉 각 장르가 주는 재미는 취하되 장르문법을 변용하여 편하고 재미있게 감상할 수 있는 효율적인 스토리를 보여준 데서 강화된다. 이러한 전략에 의해 <케이팝 데몬 헌터스>는 있을 법하지 않은 낯선 세계를 단순하고 순진하게 체험하길 원하는 대중욕망에 근접했다고 볼 수 있다.

This study examines <K-Pop Demon Hunters> to investigate how a global media company foregrounds a foreign culture and reworks the conventions of multiple genres to produce hybrid storytelling designed to appeal to contemporary audiences, and to clarify the significance of this practice. Having recorded 300 million viewing impressions and emerged as a worldwide cultural phenomenon, <K-Pop Demon Hunters> offers implications for how cinema in the era of global platforms mobilizes new cultures and media, and for how audiences engage with cultural texts. Co-produced by a global media group, <K-Pop Demon Hunters> draws on Korean cultural archetypes as core elements of its storytelling, providing a constructive precedent for Western representations of East Asian culture. Its popularity is reinforced through hybrid storytelling: while retaining the pleasures of each genre, it transforms genre conventions to deliver an efficient narrative that is easy and enjoyable to follow. Through this strategy, <K-Pop Demon Hunters> can be seen as aligning with the popular desire to experience an unfamiliar, seemingly implausible world in a simple and even ingenuous way.

본 고는 2025년 넷플릭스에서 공개된 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>을 중심으로, 한국 무속신앙의 재현 양상을 분석하고 현대적 가능성을 고찰한다. 이 작품 은 전 세계적으로 큰 인기를 얻고 있는 케이팝 아이돌과의 결합을 통해 무속신앙을 현대 감수성에 맞게 재해석하여 무속신앙의 현대적 가능성, 나아가 세계적 가능 성을 보여준다. 이러한 접근은 한국 무속신앙이 전통의 계승을 넘어 문화적·산업적 측면에서 가능성을 지닌 문화 자원이 될 수 있다는 점에서 그 역할을 재정립하고 새로운 가치와 가능성을 제시하는 중요한 사례가 될 수 있다. <케이팝 데몬 헌터스>의 흥행을 통해 한국 무속신앙은 인간 존재의 근본적인 문제를 다루는 보편적인 언어를 지닌 문화적 자원으로서의 잠재력을 지니고 있음을 이야기하고자 한다. 한국 무속신앙은 현대 사회가 직면한 사회적ㆍ심리적 문제에 대응할 수 있는 치유 서 사로서의 가능성을 내포하고 있다. 해원과 치유, 공동체적 연대와 공감 형성 등의 기능을 수행할 수 있는 한국 무속신앙은 현대 사회에서도 그만의 역할을 다할 수 있다는 것이다. 또한 한국 고유의 문화적 정체성을 내포하는 동시에 보편적 인류의 문화 코드를 지닌 무속신앙은 고유성과 보편성을 두루 지닌 글로벌 K-컬처 자원 으로 확장될 수 있다. 이와 같은 특성을 지닌 한국 무속신앙은 한국 전통문화의 계승과 세계적 확산을 동시에 수행할 수 있는 문화 자산으로 작용할 수 있을 것이다.

This paper examines the representation and contemporary potential of Korean shamanism through the 2025 Netflix animated film K-pop Demon Hunters. By combining elements of Korean shamanism with K-pop idols, the work reinterprets traditional beliefs in a way that aligns with modern sensibilities, thereby demonstrating the evolving relevance of shamanism today. Korean shamanism, as portrayed in the film, is not merely a legacy of the past but a cultural resource with both cultural and industrial value in contemporary society. It offers potential as a healing narrative that addresses the social and psychological challenges of the modern era. With its functions of resolving grievances, fostering emotional healing, and building communal empathy, Korean shamanism continues to play a meaningful role today. Furthermore, rooted in Korea’s unique cultural identity yet encompassing universal themes, Korean shamanism possesses both specificity and universality, making it a viable resource for global K-culture. Thus, Korean shamanism can serve as a cultural asset that simultaneously preserves traditional heritage and contributes to its global dissemination.

본 연구는 넷플릭스 애니메이션 ‘케이팝 데몬헌터스’를 활용하여 한국어·한국문화 통합교육 모형을 설계하고, 실제적인 교수·학습 지도안을 제시하여 그 교육적 효과를 탐색하는 것을 목적으로 한다. 최근 한류의 급속한 확산과 함께 한국어 학습자의 수가 증가함에 따라, 한류 콘텐츠를 한국어 교육에 도입하여, 학습자의 흥 미를 높이고 학습 부담을 줄이는 방안이 요구되고 있다. ‘케이팝 데몬헌터스’는 워싱턴대학교 김미정 교수가 문화 고문으로 참여해 무기, 의상, 건축, 음식 등 전통 요소를 한국적으로 재현했으며, 한국 관객들로부터 “우리 문화를 정확히 표현했다”는 평가를 받고 있다. 본 연구는 이러한 영화의 특징을 교육적으로 활용하기 위 해, 첫째 문화 요소를 사전 조사하여 구분·정리하고, 둘째 영화 감상과 분석, 체험 활동을 결합한 4주 과정의 통합교육 모형을 설계하고 현장에서 활용할 수 있는 교수 학습 지도안을 제시하며, 셋째 모형이 학습자의 문화 이해와 한국어 학습의 기대 효과를 탐색하고자 한다. 연구모형은 사전 준비(문화 배경 지식 습득), 핵심 활동(장면 분석), 확장 활동(창의적 체험 활동)의 4단계로 구성하였으며, 이영조 (2020)와 김윤숙 (2020)의 선행 연구를 참고하여, 단계적 문화교육과 반복 감상 전 략을 반영하였다. 이에, 본 모형을 활용한 수업을 통해 학습자의 문화 감수성을 함양하고 어휘의 다의성 및 문화적 맥락에 대한 이해를 심화하여, 전반적인 언어 학 습 효과가 증대될 것으로 기대한다. 하지만 본 연구는 특정 애니메이션 한 편과 중급 이상 학습자를 대상으로 한 모형 설계에 집중함으로써 다양한 수준의 학습자 와 다른 장르·형식의 콘텐츠에 대한 일반화를 제시하지 못한 점과 실제 수업 적용과 성과를 검증하지 못한 아쉬움이 있다. 향후 연구에서는 초·고급 학습자에게 적 합한 프로그램 개발, 다양한 콘텐츠와의 비교 적용, 실험적 검증을 통해 본 모형의 외연을 확장할 필요가 있다.

This study aims to design an integrated model for Korean language and culture education using the Netflix animation K-Pop Demon Hunters and propose a practical teaching–learning plan. With the global spread of Hallyu and the rise in Korean learners, incorporating Hallyu content into education can enhance learner engagement and reduce cognitive load. The animation, for which Professor Kim Mi-jeong of Washington University served as a cultural consultant, authentically represents traditional Korean elements such as weapons, costumes, architecture, and cuisine and has been praised for its accurate depiction of “Koreanness.” This study first classifies the cultural elements in the film, then designs a four week integrated model combining viewing, analysis, and project activities, and finally explores its educational potential. The instructional model consists of three stages preparation (cultural background acquisition), core (film viewing and scene analysis), and expansion (creative projects) and incorporates stepwise cultural education and repetitive viewing strategies proposed by Lee (2020) and Kim (2020). Through this model, learners are expected to enhance cultural sensitivity, interpretive skills, and overall language proficiency. However, the study’s scope is limited to one animation and intermediate level learners, restricting generalizability. Future research should adapt the model for other learner levels and media types, and empirically verify its educational outcomes.

본 연구는 글로벌 애니메이션 산업에서 한국적 정체성이 혼종적으로 재현되어 한국 문화에 다시 영향을 미치는 방식을 <케이팝 데몬 헌터스>와 <엘리멘탈>의 사례를 통해 분석한다. 한국계 캐나다 감독 메기 강 감독이 제작한 소니 픽처스의 <케이팝 데몬 헌터스>는 아이돌 산업, 무속신앙과 같은 한국문화의 외면적 요소 를 차용하여 서구 시장에 맞게 가공한 역한류적 글로컬 콘텐츠로, 한국적 이미지를 정체성보다 상업적 자원으로 소비한다. 반면 픽사의 <엘리멘탈>은 한국계 감독 피터 손의 디아스포라 경험을 기반으로, 이민 1세대의 희생과 가족주의, 효(孝)와 같은 가치관을 내면적 차원에서 서사화한다. 두 작품은 한국적 기호를 서구적 내 러티브 구조와 혼종함으로써 새로운 정체성의 의미를 창출하는 사례로 기능한다. 이러한 차이는 단순히 문화적 기호의 차용 방식을 넘어, 글로벌 수용자를 대상으 로 한 정체성의 상업적 · 정서적 수용 전략의 차이를 보여준다. 본 연구는 역한류 맥락 속에서 외부 제작 환경이 한국적 이미지를 어떻게 가공하고 소비하는지를 분 석하고, 두 작품의 대비를 통해 글로벌 콘텐츠 유통 속에서 한국 문화가 외면적 소비와 내면적 정체성 혼종이라는 상반된 방식으로 재현되고 있음을 고찰한다. 나 아가 본 연구는 글로벌 콘텐츠 속 한국 문화의 정체성 혼종이 양가적으로 드러내는 특징을 고찰함으로써 한류 애니메이션의 국제 시장에서 갖는 문화적·산업적 가 치를 제시하고자 했다.

This study analyzes how Korean identity is hybridly represented in the global animation industry and how such representations, in turn, influence Korean culture, focusing on the cases of K-Pop: Demon Hunters and Elemental. Sony Pictures’ K-Pop Demon Hunters which is directed by Korea-Canadian director appropriates external cultural elements such as the idol industry and shamanistic practices, processing them for Western audiences as a reverse-Korean-wave glocal content that consumes Korean imagery more as a commercial resource than as an identity. In contrast, Pixar’s Elemental draws on the diaspora experiences of Korean-American director Peter Sohn to narrativize, at an internal level, values such as the sacrifices of first-generation immigrants, familism, and filial piety. Both works function as cases in which Korean cultural signs are hybridized with Western narrative structures to generate new meanings of identity. This distinction goes beyond mere differences in the appropriation of cultural signs, revealing divergent strategies for the commercial and emotional reception of Korean identity among global audiences. This study examines how external production environments process and consume Korean imagery within the context of reverse Hallyu, and through the comparison of the two works, explores how Korean culture is represented in global content circulation through two opposing modes-external consumption and internal hybridity of identity. Furthermore, it aims to shed new light on the cultural and industrial significance of the ambivalent hybridity of Korean identity as manifested in global content, thereby recontextualizing the cultural value of Hallyu animation in the international market.

본 연구는 서구 미디어 콘텐츠 속에서 한류가 어떤 방식으로 재현되는지를 문화이론적 관점에서 탐구하였다. 특히 넷플릭스 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스>를 중심으로, <스타워즈>와 <매트릭스>의 사례를 비교하여 한류의 문화적 전유와 정체성 재구성 문제를 분석하였다. 연구는 프로이트와 모리의 언캐니 개념, 더글라 스의 범주 경계 이론, 사이드의 오리엔탈리즘, 홀과 바바의 재현 이론, 이와부치와 아파두라이의 문화 흐름 이론을 종합적으로 적용하였다. 분석 결과, 서구 미디어 는 한류를 일시적 유행이나 표면적 기호로 소비하기보다는 자신들의 상상과 미적 코드 속에서 재맥락화함으로써 한국 문화를 낯선 타자로 위치 짓는 경향을 보였다. <케이팝 데몬 헌터스>의 경우 아이돌과 악마 사냥이라는 혼종 서사를 통해 범주 위반적 긴장감을 형성하였으며 이는 오리엔탈리즘적 시선과 결합하여 한국 문화의 피상적 소비를 심화시켰다. 그러나 이러한 현상이 부정적 결과만을 초래하는 것은 아니며 문화 간 상호이해와 자기 성찰을 촉발하는 창조적 계기로 작용할 가능성도 존재한다. 본 연구는 한류의 글로벌 확산 과정에서 드러나는 ‘문화적 언캐니’ 현상을 비판적으로 분석함으로써 한국 문화 주체성이 직면한 인식적 과제를 규명하고자 하였다.

This study investigates how Hallyu (the Korean Wave) is represented within Western media through the theoretical framework of the “cultural uncanny.” Focusing on the Netflix animation K-Pop Demon Hunters and comparing it with Star Wars and The Matrix, this paper analyzes the mechanisms of cultural appropriation and identity reconstruction. The discussion integrates Freud and Mori’s concept of the uncanny, Douglas’s boundary theory, Said’s Orientalism, Hall and Bhabha’s theories of representation, as well as Iwabuchi and Appadurai’s theories of cultural flows. The findings reveal that Western media recontextualize Hallyu within their own aesthetic and ideological frameworks, positioning Korean culture as a figure of estrangement rather than simply a popular trend. In K-Pop Demon Hunters, the fusion of idol performance and demon-hunting motifs produces a sense of categorical dissonance, intertwining fascination and discomfort. While such portrayals risk superficial readings of Korean identity, they also open a discursive space for intercultural reflection and creative reinterpretation. This study ultimately argues that examining the “cultural uncanny” in global representations of Hallyu provides insight into the challenges of maintaining Korean cultural subjectivity amid expanding transnational exchanges.

디지털 환경이 도래하면서 전통적으로 기업 성과를 측정하던 시장점유율과 함께 소비자의 일상생활을 얼마나 점유할 수 있는지와 관련된 새로운 개념들에 대한 관심이 높아지고 있다. 그 중 특정 콘텐츠가 고객의 삶 속에서 얼마나 소비되고 있는 지를 측정하는 라이프쉐어라는 개념은 일상생활의 상당부분을 충성도가 높은 콘텐츠를 소비하고 있을 것으로 예상되는 케이팝 팬덤의 소비행동을 이해하는데 도움이 될 것이라고 판단하였다. 이 연구는 케이팝 팬덤을 대상으로 케이팝 디지털 콘텐츠를 향유하는 라이프쉐어가 어느 정도인지를 확인하고 라이프쉐어가 기업의 매출에 영향을 미치는지를 도출하기 위해 지불용의가격과 상관관계가 있는지 알아보는데 그 목적이 있다. 이를 위해 케이팝 팬덤을 중심으로 설문조사를 수행하였고 그 결과 디지털 콘텐츠 이용 시간과 지불용의가격 간에 유의한 정의 상관관계가 나타났다. 이러한 결과는 소비자의 일상생활에서 디지털 콘텐츠 라이프쉐어가 증가할수록 디지털 콘텐츠에 대한 지불하고자 하는 가격이 증가한다는 것을 의미하므로, 라이프쉐어 정도에 따른 마케팅 전략의 차별화는 기업의 성과를 높이는데 도움이 된다는 것을 시사한다.

With the advent of the digital environment, interest in new concepts related to how much can occupy the daily life of consumers along with market share, which has traditionally been a measure of corporate performance, is increasing. Among them, the concept of lifeshare, which measures how much specific content is consumed in customers' lives, will help us understand the consumption behavior of the K-pop fandom, who is expected to consume content with high loyalty in a significant part of their daily life. The purpose of this study is to find out how much life share enjoys K-pop digital content for K-pop fandom and whether it is correlated with the willingness to pay to derive whether life share affects corporate sales. As a result, a significant positive correlation was found between digital content usage time and the willingness to pay. These results imply that the willingness to pay for digital content increases as the digital content life share increases in consumers' daily lives, suggesting that differentiation of marketing strategies according to the degree of life share helps improve corporate performance.

디지털 시대 문화유산과 현대 대중문화의 교차점은 역사적 공간을 보존하고 홍보하기 위한 혁신적인 방법을 우리에게 제공한다. 글로벌 문화 현상인 K-팝은 공 연, 뮤직비디오, 홍보 콘텐츠에 통합하여 한국의 역사 공간을 세계적으로 확대할 수 있는 잠재력을 보여주었다. 본 고는 K-팝 산업 내에서 역사적 공간을 활용하는 방법을 탐구하며, 문화유산과 글로벌 홍보에 대한 역사적 공간의 표현, 영향 및 의미에 초점을 맞춘다. 한국의 문화유산에서 촬영된 뮤직비디오, 전통적인 한국적 배경에서 열린 콘서트, 역사적인 장소를 홍보하는 콘텐츠에 대한 사례 연구를 통해 이 연구는 K-팝이 역사적 공간을 활용하여 국가적 경계를 초월하는 문화적 대화 를 만드는 방법을 살펴본다. 장소성 공간에 머물던 문화유산이 대중문화와 지역의 장소를 연결하고, 세계적으로 새로운 형태의 경험적 관광을 창출하는 데 기여하 고 있다. 또한, 대중의 문화유산에 대한 관심을 촉진하고 지속 가능한 문화유산 관광을 진행하는 데 있어 콘텐츠의 역할을 평가한다. 이를 통해 K-팝뿐만 아니라 게 임, 애니메이션 등 기타 디지털 콘텐츠 산업이 문화유산과 협업을 통해 역사 공간 활용과 홍보를 어떻게 강화할 수 있는지에 대해 살펴볼 수 있는 계기가 될 것이다.

In the digital age, the intersection of cultural heritage and contemporary popular culture offers us innovative ways to preserve and promote historic spaces. As a global cultural phenomenon, K-pop has shown the potential to expand Korea's historical space globally by incorporating it into performances, music videos, and promotional content. This paper explores how historical spaces can be used within the K-pop industry, focusing on the representation, impact, and meaning of historical spaces for cultural heritage and global promotion. Through case studies of music videos filmed in Korean cultural heritage, concerts held in traditional Korean settings, and content promoting historical venues, this study explores how K-pop leverages historical spaces to create cultural dialogues that transcend national boundaries. Cultural heritage, a specific place, is contributing to the connection between popular culture and local places and the creation of new forms of experiential tourism worldwide. It also evaluates the role of content in promoting public interest in cultural heritage and promoting sustainable cultural heritage tourism. Through this, it will be an opportunity to explore how not only K-pop but also other digital content industries such as games and anime can strengthen the use and promotion of historical spaces through collaboration with cultural heritage.