Earticle

본 논문은 타 장르와 결합한 클래식 음악 작품을 통해 클래식 음악공연의 새로운 관객개발 을 제안하는 것을 연구의 목적으로 두었고, 연극적인 요소와 결합한 공연인 <오즈예고> 작 품을 대상으로 한다. 공연 이후, 자유롭게 응답할 수 있는 주관식 형태의 설문조사를 실시하 여 STP 분석을 통해 관객개발 방안을 제안하였다. 세분화된 목표관객은 두 개 그룹으로 한 정하였고, 하나는 잠재관객 대상인 20~30대 여성이고, 다른 하나는 클래식 음악을 능동적으 로 감상하는 전문분야 전공자로 설정하여 관객개발 방안을 다음과 같이 도출하였다. 첫째, 음악감상이 연극적 요소를 가미한 연기와 이야기로 인해 흥미로왔다는 다수의 의견이 수집됨에 따라, 관객과의 효과적인 음악적 소통과 몰입을 제공할 수 있다는 사실에 의미를 두었다. 둘째, 공연기획에 있어 연주자가 연극적 요소를 수용하여 연주하는 방식에서 이야기 흐름을 잘 살려주었다는 점에서 긍정적인 반응을 보여주었다. 셋째, 참여형 홍보 콘텐츠 개 발과 다양한 형태의 동영상 홍보영상 및 굿즈 제작 등 20대의 타겟에 맞춘 마케팅을 실행으 로 관객 모집에 효과가 있었다. 넷째, <오즈예고>를 기획한 앙상블팀 <Featto:페아토>는 동 화를 동시대적인 관점에서 각색하여 누구나 공감하고 음악을 감상할 수 있는 기획을 함으로써 자신만의 브랜드 아이덴티티를 획득하였다는 점이다. 이로써 단체는 기존 클래식 음악공 연과의 차별성을 획득할 수 있었다. 따라서 잠재관객에게는 접근성을 높이고, 전문가에게는 기획의 새로운 지평을 개발할 수 있다는 점에서 타 장르 결합 클래식 음악 기회의 의의를 찾을 수 있겠다.

This paper aims to suggest a new audience development for classical music performances <Oz Art High School> which is combined with theatrical elements. After the performance, a questionnaire in the form of a short answer that can freely respond was conducted, and an audience development plan was proposed through STP analysis. The segmented target audience was set as women in their 20s and 30s, the target audience, and the other was set as a specialized field major who actively enjoyed classical music, and the audience development plan was derived as follows. First, as many opinions were collected that listening to music was interested in acting and stories with theatrical elements, it was meaningful that it could provide effective musical communication and immersion with the audience. Second, in planning the performance, a positive response was shown in that the performers well maintained the flow of the story in the way they accepted and played theatrical elements. Third, it was effective in recruiting audiences by implementing marketing tailored to the targets of their 20s, such as the development of participatory promotional contents and the production of various types of video promotional videos and goods. Fourth, the ensemble team "Feato: Peato", which planned "Oz Preview", acquired its own brand identity by adapting the fairy tale from a contemporary point of view and planning that anyone could sympathize with and enjoy music. This allowed the organization to acquire differentiation from existing classical music performances. Therefore, the significance of classical music planning combined with other genres can be found in that it increases accessibility to potential audiences and can develop a new horizon of planning for experts.

본 논문은 관객개발을 위한 국내 복합문화예술공간 예술의전당 예술교육 프로그램을 분석함으 로써 복합문화공간의 예술교육 현황을 알아보고, 추후 관객개발을 위한 예술교육 프로그램의 시사점을 도출하며, 이에 따른 개선방안을 모색하는데 연구의 목적을 두고 있다. 이를 위해 문 헌연구와 사례연구, 예술의전당 고객만족도 조사, 전문가 면담으로 연구를 진행하였다. 문헌연 구를 통해 복합문화공간 현황과 예술교육의 개념 및 관객개발을 위한 예술교육 유형을 정리하 였다. 또한, 국내·외 복합문화공간인 바비칸센터와 링컨센터, 국립아시아문화전당을 사례기관 으로 정하고 기관별 예술교육 프로그램 유형과 교육방식을 분석한 결과 예술기관과 학교의 협 업을 통한 학교문화예술교육은 학생들에게 창의성과 문제 해결 능력, 능동적인 태도를 갖게 해 주고, 대상별 다양한 교육프로그램과 교육유형을 운영하는 것이 중요하다는 시사점을 도출하였 다. 이에 따라 국내·외 복합문화공간 예술교육 프로그램 사례를 바탕으로 예술의전당 아카데미 강좌프로그램과 전문가 인터뷰를 통해, 예술의전당 아카데미 강좌프로그램 개발 방안을 다음과 같이 도출해 낼 수 있었다. ①예술교육을 통한 관객개발의 효과를 높이기 위해 관객연구가 선 행되어야 한다. ②교육대상 세분화를 통한 다양한 프로그램을 개발하는 것이다. ③코로나19 이 후 비대면 온라인 예술교육 프로그램 활용으로 잠재관객의 접근성을 높이는 것이다.

The purpose of this paper is to analyze the art education program of the art center for audience development to understand the current status of art education in the complex cultural space, derive implications for art education programs for audience development, and seek improvement accordingly. To this end, research was conducted through literature surveys, case studies, customer satisfaction surveys at the Seoul Arts Center, and expert interviews. Through literary research, the current status of complex cultural spaces, the concept of art education, and the types of art education for audience development were summarized. In addition, the Barbican Center, Lincoln Center, and the National Asian Cultural Center were designated as case institutions, and the types and methods of art education programs collaborated with institutions and schools were analyzed to provide students with creativity, problem-solving skills, and active attitudes. Accordingly, based on the case of domestic and foreign complex cultural space arts education programs, the following measures could be derived for the development of the Seoul Arts Center academy program and expert interviews. ① Audience research must be preceded in order to increase the effect of audience development through art education. ② It is to develop various programs through segmentation of educational subjects. ③ This is to increase the accessibility of potential audiences by utilizing non-face-to-face online art education programs after COVID-19.

대부분의 공공극장은 공익성과 수익성에 대한 과제를 안고 있다. 이에 극장 들은 서비스 강화 등을 통해 관객만족에 매진하고 있다. 하지만 이러한 논의는 보다 장기적인 관점에서 종단적으로 분석되어야 함에도 불구하고 관련 연구는 매우 부족하다. 본 연구는 공공극장의 서비스가 관객만족에 미치는 장기적 영 향을 살펴보기 위해 특정극장의 사례를 기반으로 선형 패널모형을 활용하여 분석하였다. 분석을 위해 관객의 만족요인을 공연요인과 공연외요인으로 구분 하여 공연외요인 변수들이 추천의도에 어떠한 영향을 미치는지를 검정하였다. 연구결과 공연외요인 가운데 본 연구의 독립변수인 홍보물, 사전홍보, 현장응 대, 관람료, 부대시설 등 서비스에 대한 만족이 추천의도에 복합적으로 작용하 고 있는 것으로 나타났다. 서비스요인에서도 관람료와 부대시설에 대한 만족이 다른 요인들에 비해 추천의도에 미치는 영향력이 높은 것으로 확인되었다. 이 를 통해 공공극장이 주최하는 공연의 관람료나 부대시설 등의 서비스요인을 강화하여 관객개발 및 수익성을 개선할 수 있다. 향후 공공극장의 관객개발 정 책은 공연요인뿐 아니라 서비스요인도 장기적인 관점에서 다각도로 고려되어야 할 것으로 사료된다.

Most public theaters face the dual challenge of fulfilling public interests while achieving profitability. To address this, theaters strive to enhance audience satisfaction by improving their services. However, despite the need for a long-term and longitudinal analysis, relevant studies remain scarce. This study examines the long-term impact of public theater services on audience satisfaction using a linear panel model based on a case study of a specific theater. Audience satisfaction factors are categorized into performance-related and non-performance-related factors. Specifically, this study investigates the influence of non-performance-related factors on recommendation intentions. The results reveal that satisfaction with service factors, such as promotional materials, pre-performance promotions, on-site responses, ticket prices, and auxiliary facilities, has a complex effect on recommendation intentions. Among these factors, satisfaction with ticket prices and auxiliary facilities exerts the greatest impact. These findings suggest that enhancing service aspects—particularly ticket pricing and auxiliary facilities—can contribute to audience development and increased profitability for public theater performances. Future audience development strategies for public theaters should adopt a multifaceted approach that considers both performance-related and service-related factors.

라이선스 뮤지컬은 전 세계적으로 검증된 콘텐츠를 기반으로 하며, 다양한 연령대와 관객층을 겨냥한 콘텐츠 개발을 통해 국내 공연 시장의 지속 가능한 성장을 도모하고 있다. 또한, 국내 뮤지컬 산업에 있어서도 이제는 없어서는 안 되는 매우 중요한 콘텐츠로 자리 잡고 있다. 본 연구에서는 이러한 라이선스 뮤지컬 중 대표적인 작품인 <숲속으로>의 축약된 버전 <숲속으로 JR>의 국내 제작 사례를 중심으로, 라이선스 뮤지컬의 체계적 제작 시스템과 그 영향력을 분석하고 국내 창작 뮤지컬에의 시사점을 다음과 제시하였다. 첫째, 라이선스 뮤지컬의 체계적 제작 시스템과 안정된 매뉴얼 과정은 창작 뮤지컬의 제작에도 적용 가능하며, 창작자들이 안정성과 시장성을 확보하는 데 이바지할 수 있다. 둘째, 검증된 콘텐츠를 기반으로 한 라이선스 뮤지컬은 창작 뮤지컬이 상업적 흥행성뿐만 아니라 예술적 가치를 동시에 추구할 수 있는 방향성을 제시한다. 셋째, 청소년 관객과 배우를 주요 타깃으로 설정한 주니어 버전 작품은 창작 뮤지컬에서도 새로운 관객층을 개척하고, 공연의 접근성을 높이는 데 도움이 될 수 있다. 넷째, 대극장에서만 이뤄지는 라이선스 뮤지컬의 소극장 환경을 활용한 소규모 제작 방식은 대규모 제작비 부담 없이 다양한 창작 뮤지컬을 시도할 수 있는 가능성을 열어준다. 마지막으로, 라이선스 뮤지컬을 통한 공연 저작권 관리와 예술 인력의 확장은 창작 뮤지컬의 지속 가능한 발전을 위한 중요한 요소로 작용할 수 있다. 본 연구는 <숲속으로 JR> 제작 사례를 통해 라이선스 뮤지컬 공연 제작 시스템의 긍정적 영향을 확인하였다. 그러나 특정 작품 중심의 연구가 진행되었기에 라이선스 뮤지컬 전반의 보편적 특성을 일반화하는 데 한계가 있음을 밝힌다. 그럼에도 불구하고 본 사례에서 도출된 긍정적 요소가 국내 창작 뮤지컬 산업에 적용된다면, 국내외 뮤지컬 시장의 지속 가능한 성장과 경쟁력 강화에 기여할 것으로 사료된다.

Licensed musicals are based on globally verified content, and are seeking sustainable growth in the domestic performance market through content development targeting various age groups and audiences. In addition, they are now established as essential content in the domestic musical industry. This study analyzed the systematic production system of licensed musicals and their influence by focusing on the domestic production case of <Into the Forest JR>, an abbreviated version of <Into the Forest>, a representative work among these licensed musicals, and suggested the following implications for domestic creative musicals. First, the systematic production system and stable manual process of licensed musicals can be applied to the production of creative musicals, and can contribute to creators securing stability and marketability. Second, licensed musicals based on verified content suggest a direction in which creative musicals can pursue not only commercial success but also artistic value. Third, junior versions of works targeting youth audiences and actors can help open up new audiences and increase the accessibility of performances in creative musicals. Fourth, the small-scale production method of licensed musicals that are performed only in large theaters, utilizing the small-theater environment, opens up the possibility of attempting various creative musicals without the burden of large-scale production costs. Lastly, the management of performance copyrights and the expansion of artistic personnel through licensed musicals can act as important factors for the sustainable development of creative musicals. This study confirmed the positive effects of the licensed musical performance production system through the production case of <JR Into the Forest>. However, since the study was conducted focusing on a specific work, it is limited in generalizing the universal characteristics of licensed musicals in general. Nevertheless, if the positive factors derived from this case are applied to the domestic creative musical industry, it is believed that it will contribute to the sustainable growth and strengthening of competitiveness in the domestic and international musical markets.

클래식 음악 공연의 소비패턴이 소비자 중심으로 변화하게 되면서 클래식 음악 공연도 탈형성을 통해 차별성을 두고 관객유입의 활성화를 시도하고 있다. 본 연구에서는 클래식 음악 공연에서 존재하는 예술가와 관객과의 물리적, 심리적 거리감을 극복한 여러 사례를 통해 관객 확산과 관객 유입의 활성화 방안에 대해 모색한다. 먼저 기존의 클래 식 음악 공연 형식에서 벗어난 비정형적 공연 사례 분석을 통해 그에 대한 특징과 제한점에 대해 알아본 결과, 기존 의 비정형적 공연의 대표적인 제한점은 연주자의 일방적인 소통방식과 형식적인 공연 관람 태도로 기존 클래식 음악 공연의 그것과 다르지 않았음을 확인할 수 있었다. 그러므로 비정형적 공연은 새로운 관객 유입과 관객층 확산에 한 계가 있다고 판단하며, 본 논문에서는 기존의 형식에서 완전히 벗어난 형식의 공연을 탈형식적 공연이라 정의하고, 기존의 클래식 음악의 규칙을 모두 깨는 ‘옐로우 라운지’ 공연을 분석하였다. ‘옐로우 라운지’의 대표적인 특징은 공 연 장소로 국내 최초로 클럽에서 열리는 클래식 음악 공연이다. 이러한 장소적인 측면은 관람객의 진입 장벽을 낮추 는 동시에 관람형식 또한 파괴하여 연주자와 관람객의 거리감을 최소화하는 등 클래식 음악 공연의 새로운 패러다임을 제시한다.

As consumer’s pattern of Classical Music concert has been changed from artist-focused to consumer-focused, an active movement for obtaining new audience pool in the field has been started. In this research, the analysis of concerts that are aiming for generalization. However, those concerts still has its limitation of one-way communication from artists and formal way of the whole experience. In order to overcome these limitations, a new concept of concert that provides an environment for audience to be part of the whole experience. Thus, this research analyzes ‘Yellow Lounge’which is a non-formal concert held in night club. Its uniqueness provides non-formal way of enjoying the Classical music and resulted in decreasing the physical and psychological distance between artists and audiences.

본 논문은 관객 개발을 목표로 실시하는 ‘시즌 프로그램(시즌제)’을 분석하여 국내 상황 에서 바람직한 운영 방향과 방안을 제시하는 것을 목적으로 한다. 극장의 궁극적인 목표는 관객 개발 이며, 이들이 향유할 수 있는 연간 프로그램을 계획하고 운영하는 일이야말로 극장을 활성화하기 위해 필수불가결한 직무이다. 더욱이 국립극장의 국립레퍼토리시즌, 예술의전당의 10년만의 시즌제 재도입은 연구에 충분한 이슈를 제공하였다고 본다. 물론 우 리나라에서 시즌제를 거론하기에는 여전히 미흡한 것이 사실이나, 점차로 증대되는 관심 으로 시즌제의 중요성은 더욱 커지고 있다. 이에 따라 외국 극장의 대표적인 시즌 프로그 램 사례와 우리나라의 유사 사례를 조사, 비교·분석하였다. 또한 이론적인 성향보다는 고 무적이고 현장이 강한 분야여서 업계 주요 전문가들과 심층 인터뷰를 진행함으로써 실질적인 방안 도출에 도움을 받았다. 시즌제는 사전에 철저한 작품 계획으로 안정된 관객을 확보하여 극장의 이미지 제고와 신뢰도를 쌓기에 더없이 좋은 방안이다. 전문가 인터뷰를 통해 시즌 프로그래밍은 극장의 콘텐츠를 잘 운영하기 위한 하나의 마케팅 툴이며, 마케 팅을 하기에 효과적인 방안임을 확인할 수 있었다. 결과적으로 시즌제를 지탱할 수 있는 극장의 내·외 부적 여건이 조성되어야 하며, 각 극장의 특성과 비전에 맞는 개성 있는 시즌 프로그램을 갖추어야 함을 제시하였다.

In this paper, I shall put forward the right direction in unique Korean situation of theater operation by analyzing ‘The Season Program’ which intends ‘Audience Development’. The ultimate goal of theater is developing audiences, and is an essential duty. It must be carried in order to facilitate entertainment programs which are designed to be enjoyed by audiences. Furthermore, the National Theater of Korea of yearly season program(‘National Repertory Season’) and Seoul Arts Center also determined to re-adopt a season programming system which used to be implemented 10 years ago. It would be difficult to draw an impartial conclusion or build a logic structure for the research, since the concept of season is not much used in Korea’s performing arts world, and thus has not yet been firmly established. This study compares and cross checks prominent cases of foreign theaters with that of Korea. This study also includes in-depth interviews with an expert group, which is based on an idea that work experience and skills are crucial. ‘The Season Program’ with careful planning ensures consistent audiences and is one of the best proven ways to improve the relationship between theatres and audiences. Through conducting a series of expert interviews, seasonal programming is one of the great contents operating marketing tools and an effective contents developing method. It is the starting point to establish the striking seasonal program and to select outstanding repertoires, based upon the proper analyzation of spectators’ preference and characterization of each theater.

본 연구의 목적은 잠재적 관객개발을 위하여 외국 소극장에서 운영되고 있는 무용교육 프로그램 사례를 분석하여 우리나라에 맞는 소극장 무용교육 프로그램을 개발하는데 있다. 연구방법은 문헌연구를 통해 국내외 소극장의 무용교육 프로그램 내용을 분석하였고, 소극장 무용교육 프로그램을 개발을 위해 라반의 움직임 교육모형을 적용하여 아동의 창의성 발달에 초점을 두어 무용교육 프로그램「그림자를 만들어볼까요?」를 개발하였다. 소극장 무용교육 프로그램의 개발절차는 다음과 같다. (1) 무용교육 프로그램 학습주제 및 교육목표 설정, (2) 라반의 움직임 교육모형을 활용한 무용교육 프로그램 구성, (3) 도입, 전개, 발달, 정리 4단계에 따라 프로그램을 개발하였으며, 수업시간은 50분으로 정하였다. 무용교육 프로그램 수업내용은 크게 4단계로 구성하였다. 도입단계는 Floor에서 워밍업(warming up), 전개단계는 움직임 수행(반구조화된 움직임), 발단단계는 움직임을 응용한 그룹 활동, 정리단계는 움직임을 객석에서 관찰, 감상하는 것이다.

The purpose of this study is to examine programs for dance education that are run in small theaters in foreign countries so that we can develop potential audiences and suitable programs in Korea. For the purposes of this study, I analyzed programs for dance education in domestic and overseas small theaters by looking through relevant literature. I also developed a program called 「Shall we make shadows?」by applying Laban’s movement theory, which focuses on the development of children’s creativity, in order to explore dance education programs suitable for small theaters. Processes deemed helpful to develop small theater dance education programs are as follows: (1) Establishing dance education program studying themes and education goals, (2) Organizing dance education programs using Laban’s movement theory and (3) Developing four stages of introduction, development, progression and arrangement. The duration of a class was set at 50 minutes. The content of a dance education program class was composed of four stages. The introduction stage involves warming up on the floor, the evelopment stage involves movement performance (semi-structured movement), the progression stage involves group activities and applying movement and the arrangement stage involves observation and the appreciation of seat movement.

본 연구의 목적은 단순한 게임인 스포츠토토 참여 경험이 프로스포츠 관람 동기와 관심에 어떠한 영향을 미치는지 살펴보기 위해 검증을 실시하였다. 연구 목적을 위해 일반성인을 대상으로 자기기입법으로 온라인 설문조사를 실시했으 며, 그 결과 원자료 총101개 도출해 SPSS R Studio와 SPSS 27 Version 기술통계 분석으로 검증했다. 연구분석은 스포 츠토토와 프로스포츠를 2영역으로 구분하고, 다시 하위 14개 영역으로 세분화해 영향을 분석했다. 첫째 스포츠토토 영역 분석은 참여유무, 참여동기, 참여 기간, 비참여 동기 등 4개 요소이며, 둘째 프로스포츠 영역은 중요도, 매력도, 관심도, 참여 관람, 온라인관람, 충성도(팬심), 지출 의향, 경기분석, 관심도, 관람 욕구 등 10개 요소이다. 본 연구분석 결과, 스포 츠 토토에 직접적으로 참여한 집단은 비집단에 비해 p-value 값이 모두 0.05보다 작아 통계적으로 유의한 것으로 나타났 으며, 스포츠토토 구매 경험은 프로스포츠 관람 행동에 영향을 미치는 것으로 밝혀졌다. 특히, 스포츠토토 참여자와 비참 여자 간의 프로스포츠 행동 차이가 있는 것으로 나타나 프로스포츠 관람 행동과 상관관계가 검증되었다. 이는 스포츠토토 참여 경험은 프로스포츠 관람 행동과 인식에 영향이 미치는 것을 알 수 있다. 이에 본 연구를 통해 최근 스포츠토토 참여자 들의 참여와 관여정도에 따라 따른 소비 행동 특성을 구체적이고 세부적으로 제공하며, 나아가 스포츠마케팅 실무자에게 는 효과적인 스포츠마케팅의 기초자료를 제공해 활용되는 데 의의 있다 할 수 있다.

The purpose of this study is to examine how the experience of participating in sports betting sites affects professional sports viewing. For the purpose of the study, an online survey was conducted by randomly selecting general adults, and as a result, a total of 101 raw data were obtained, which were verified by SPSS R Studio and SPSS 27 Version descriptive statistical analysis. The analysis was divided into two areas, sports betting and professional sports, and further subdivided into 14 areas to analyze the impact. The analysis of the sports betting area included four factors: participation, motivation to participate, duration of participation, and motivation not to participate, while the analysis of the professional sports area included 10 factors: importance, attractiveness, interest, participation, online viewing, loyalty, willingness to spend, game analysis, interest, and desire to watch. The analysis results of this study showed that the p-value of the participating group of sports betting is statistically significant as all p-values are less than 0.05 compared to the non-participating group, and it was found that sports betting purchase experience affects professional sports viewing behavior. In particular, differences in professional sports behavior between sports betting participants and non-participants were found and correlated with professional sports viewing behavior. It can be seen that the experience of participating in sports betting has an impact on professional sports viewing behavior and perception. Therefore, this study provides specific and detailed information on the consumption behavior characteristics of recent sports betting participants according to their level of participation and involvement, and it is significant for sports marketing practitioners to provide basic data for effective sports marketing.

본 논문은 문화예술기관의 구독 서비스가 관객개발에 미치는 영향을 살펴보고, 궁극적으로 구 독 서비스인 웹진을 활용한 문화예술기관 관객개발 방안을 제시하는 데 연구의 목적을 둔다. 연구방법은 문헌연구 및 사례조사, 설문조사, 실무자 인터뷰 등으로 진행하였다. 홍보 출판물 을 유형 및 기능별과 함께 구독경제와 맞물린 사용 현황을 살펴보았다. 각 기관에서 제공하는 구독 서비스인 웹진과 E-book, 뉴스레터 현황을 분석했으며, 고객관여도에 따라 선호하는 콘 텐츠의 유형은 달랐다. 설문조사는 문화예술기관 이용 형태, 문화예술기관 웹진 이용 형태, 문 화예술기관 웹진의 특성, 관객 인식, 관람 동기에 대해 물어봤다. 설문조사 결과를 분석을 통 해 문화예술기관 웹진의 특성은 ‘전문 유용성’과 ‘자율 편의성’으로 특정할 수 있었고, 이 두 가지 특성과 관객 인식은 모두 관람 동기에 긍정적인 영향을 주는 것을 알 수 있었다. 이를 바탕으로 문화예술기관 웹진을 활용한 효과적인 관객개발을 위한 방안을 도출하였다.

This paper examines the effect of the subscription service of culture and arts institutions on audience development and ultimately suggests ways to develop audiences for culture and arts institutions using webzine, a subscription service. Research methods included literature research, case studies, surveys, and interviews with practitioners. The use status of promotional publications in conjunction with the subscription economy was examined along with type and function. The current status of webzines, e-books, and newsletters, which are subscription services provided by each institution, was analyzed. The preferred type of content was different depending on the customer involvement. The survey asked about the preference for cultural and artistic institution types, the type of use of webzines of culture and arts institutions, the characteristics of webzines of culture and arts institutions, audience perception, and motivation for viewing. Through the analysis of the survey results, the webzine characteristics in culture and arts institutions could be specified as 'professional usefulness' and 'self-convenience.' Both of these characteristics and audience perception had a positive effect on viewing motivation. Based on this, a plan for effective audience development using the webzines of culture and arts institutions was derived.

본 연구는 방송환경변화와 함께 새로운 관심을 끌고 있는 수용자 복지의 차원에서 방송소외계층의 문제를 다루고 있다. 지금까지 방송 소외계층은 방송정책 관련 논의 에서 빠짐없이 거론되기는 하나 체계적이고 본격적인 접근은 거의 없었다. 본 연구 에서는 방송소외계층의 개념 정의 자체가 불분명하다는 점을 지적하고 소외계층의 개념분류를 시도하였다. 사회학자 시맨(Seeman)의 6가지 소외 개념을 바탕으로 ‘권력상의 소외계층’, ‘상호작용상의 소외계층’, ‘문화상의 소외계층’, ‘도덕/규범상 의 소외계층’의 4가지 유형을 도출하였다. 또한 수용자 복지의 실현을 위한 기본 원칙 중 하나를 다양성이라고 보고 각 유형과 관련된 다양성의 세부차원들을 공급원 다양성 (source diversity), 접근 다양성(access diversity), 내용 다양성(content diversity), 참여 다양성(participation diversity)으로 분류하였다. 이를 바탕으로 방송 소외계층의 복지 향상을 위한 방송정책이 각 다양성 차원에서 어떠한 형태를 지니고 있는지를 점검 하고 향후 한국의 소외계층 방송정책의 방향과 향후 과제에 대해 논의하였다.

This study explores the issue of minority in broadcasting on the basis of audience welfare drawing a new attention in recent broadcasting circumstances. Although there have been repeated discussions on the broadcasting minority audience, few research effort has been made on the matter in a systematic approach. Pointing out the ambiguity of the concept, this study attempts to clarify and categorize the broadcasting minority. Based on the alienation theory of Seeman, four types of minority groups, i.e., ‘minority in power’, ‘minority in communication’, ‘minority in culture’, and ‘minority in social norms’were extracted. Along with these types, four dimensions of diversity, one of sub-concepts of public interest, were categorized as well. These were source diversity, access diversity, content diversity, and participation diversity. In an effort to cross-relate these two typology, this study examined the present minority welfare policies in Korea and abroad, and proposed future research on the related broadcasting policy.

현대 교회의 설교 강단의 현장은 매우 복잡한 현장이다. 과거에는 설교자와 청중이 말씀에만 집중하면 되었다. 그런데 현대는 이와 같은 환경이나 상황이 아니다. 왜냐하면 교회당에 앉은 현 대의 청중은 생각이 복잡한 사람이기 때문이다. 각각의 환경과 상황이 다르고, 또 지식과 관계가 다 다르며, 목표하고 추구하는 인생의 방향이 매우 다양하기 때문이다. 이들에게 하나님의 말씀을 복음으로 전하는 것은 간단하지 않은 과정이다. 그래서 설교자들과 설교학에서는 이들을 연구한다. 그것이 청중분석이다. 현대 설교학의 흐름은 과거와 다르게 청중 에게 집중하고 있다. 청중이 좀 더 하나님의 말씀을 잘 들을 수 있기를 기대한다. 그래서 그 일 을 위해 많은 학자들과 설교자들이 노력하고 있다. 그러므로 청중분석의 흐름도 이제 좀 더 발전해야 하는 때가 되었다. 청중이 단순하지 않듯 청중을 분석하는 기술 또한 단순해서는 안 된다. 그래서 필자는 “기술적 청중분석”을 논의하고자 한다. 기술적 청중분석은 추상적이지 않다. 보다 구체적이고 실제적이며 객관적이다. 이것을 위해 기술적 청중분석을 위한 도구를 개발하고 발전시켜야 한다. 지금까지 설교학에서의 청중분석은 그 청중분석을 위한 도구가 개발되지 않았다. 매우 주관적이고 임의적인 추론으로 청중을 분석하 고 예측했다. 때문에 정확성이 많이 확보되지 않았다. 필자는 이러한 현장의 문제를 인식하고 보 다 실제적이고 객관적인 청중분석을 위한 도구를 개발하고자 한다. 본 서론은 그것을 개발하고자 하는 논의의 서론이다. 기술적 청중분석을 위한 서론으로서 앞으로 진행할 청중분석 도구 개발을 위해 몇 가지의 범주에 따른 논의를 진행하고자 한다. 그것은 기술적 청중분석 도구 개발을 위한 준비와 기술적 청 중분석 측정을 위한 논의이다. 더 나아가 기술적 청중분석 도구를 위한 측정 범주와 척도, 그리고 프로파일과 솔루션의 구도, 그리고 측정 범주와 분석적 요소를 살펴 보고자 한다.

The scene of the modern church's preaching pulpit is a very complex one. In the past, the preacher and audience only had to focus on the word. However, modern times are not like this environment or situation. Because the modern audience sitting in the church is a person with complex thoughts. This is because each environment and situation is different, knowledge and relationships are different, and the goals and directions of life pursued are very diverse. Spreading the word of God as the gospel to these people is not a simple process. So preachers and homiletics study these people. That is audience analysis. The flow of modern preaching focuses on the audience differently than in the past. I hope that the audience will be able to hear God's word better. So many scholars and preachers are working toward that goal. Therefore, it is time for the flow of audience analysis to develop further. Just as the audience is not simple, the technique of analyzing the audience should not be simple either. So, I would like to discuss “technical audience analysis.” Technical audience analysis is not abstract. It is more specific, realistic and objective. For this purpose, tools for technical audience analysis must be developed and advanced. Until now, audience analysis in homiletics has not developed tools for audience analysis. The audience was analyzed and predicted using highly subjective and arbitrary inferences. Therefore, much accuracy was not secured. The author recognizes these field problems and seeks to develop tools for more realistic and objective audience analysis. This introduction is an introduction to the discussion that seeks to develop it. As an introduction to technical audience analysis, we would like to discuss several categories to develop an audience analysis tool that will be used as a leaf. It is a discussion of preparation for developing technical audience analysis tools and measuring technical audience analysis. Furthermore, we will look at the measurement categories and scales for technical audience analysis tools, the structure of profiles and solutions, and the measurement categories and analytical elements.

The teacher-learner writing conference has been researched with a focus on the teacher’s delivery of corrective feedback regarding surface features such as mistakes in grammar and mechanics. The conference took on a unilateral form where the teacher provides feedback and the learner receives it. However, writing is a social act which fundamentally involves a meaning negotiation process between a writer and a reader, and increasingly written communication is taking place in an online environment in both synchronous and asynchronous ways. This qualitative study aimed to investigate how an online collaborative teacher-learner writing conference using a synchronous chat program raises three L2 university learners’ audience awareness and how the awareness is represented in their revisions. Data sources include learners’ reflection journals, chat-logs during the conference, and three writing drafts from each learner. The results indicated that learners showed increased awareness of audience with the process positively affecting their revisions both at macrostructure and microstructure levels. Additionally, certain types of voice as a writer addressing the audience emerged at both levels. The study has research implications for the role of L2 raising audience awareness in developing the L2 writing process and how conference interaction can be effectively promoted through collaborative negotiation. Pedagogical implications are discussed.

클래식 음악 공연 관객을 개념화하고 관객개발을 위한 제언이 목적이다. 이를 위해 예매 내역 분석과 관객 설문조사를 통해 앙상블 디토 관객을 세분화하여 각 관객그룹의 특성과 관람 형태 및 태도를 살펴보았다. 분석 결과 ‘클래식 주관람’ 관객은 기존 클래식 음악 관객들로 공연 프로그램을 중시하는 보수적인 관객이었고, ‘디토 주관람’ 관객은 프로그램에 상관없이 ‘앙상블 디토’라는 브랜드를 소비하는 성향이 있었으며, ‘디토만 관람’ 관객은 현대음악과 같은 새로운 음악 장르의 시도에 대해 개방적인 태도를 보였다. 옴니보어(omnivore) 이론의 개방성(openness)을 중심으로, 각 관객 그룹이 공통적으로 가지고 있는 대중적 특성에 주목하여 앙상블 디토 관객을 ‘클래식 대중’으로 개념화했다. 취향의 수준(level)이 아닌 취향의 폭(breadth)을 중심으로 ‘클래식 대중’을 위한 이상적인 관객개발을 위해 ‘새로운 작품의 참여와 증대’, ‘클래식 음악 공연의 브랜드화’, 그리고 ‘커뮤니케이션의 극대화’를 제언했다.

The purpose of this study is to conceptualize a classical music concert audience byanalyzing characteristics of the Ensemble DITTO audience. To analyze characteristics of the audience, the audience of Ensemble DITTO was classified into three groups by the frequency of their seeing Ensemble Ditto concert: Audience groups ‘mainly seeing classical music concerts’,‘mainly seeing DITTO Concerts’, and ‘only seeing DITTO’. The result was found out that the audience mainly seeing classical music concerts is the existing audience of classical music concert, being conservative and highly putting emphasis on programs of performance. The audience mainly seeing Ditto concert has an inclination to consume Ensemble Ditto as a brand irrespectively of the program. The audience only seeing Ensemble Ditto are shown to be open to a trial of a new musical genre. With the openness of omnivore theory as the center, the audience of Ensemble Dittois conceptualized as "Classical Mass" on the ground of public features that each audience group has in common. Focusing on the breadth of taste, not on the level of taste, this study suggests the ways of developing an ideal audience such as ‘participation and enlargement of new production’, ‘branding of classical music concert’ and ‘maximization of communication’ for “Classical Mass”.

한국 뮤지컬 장르는 티켓판매와 시장 규모에 있어 대표적 문화 예술 산업으로 자리 잡았다. 뮤지컬 장르에서 마케팅 전략으로 적극 활용하고 있는 공연 초대권 운용은 필수 불가결한 것으로 여겨지나, 무분별한 남용으로 인해 국내 공연계 비판의 대상이 되기도 한다. 이에 따라, 본 연구에서는 뮤지컬 공연의 무료 관객 수가 차주 유료 관객 수에 미치는 영향을 분석하였다. 예술의전당 CJ토월극장에서 9년 9개월간 상연된 뮤지컬 공연의 입장객 데이터와 공연예술통합전산망 데이터를 병합하여 데이터 실증 분석을 수행하였다. 연구 결과, 무료 관객 수의 증가는 일정 수준까지 차주 유료 관객 수의 증가에 긍정적 영향을 미치지만, 그 이상 증가하면 오히려 유료 관객을 감소시키는 비선형적 관계가 확인되었다. 제한적인 조건에서 적정 무료 관객의 비율은 13.84%로 나타났다. 또한, 인지도 높은 배우의 출연이 유료 관객 증가에 긍정적 영향을 보였다. 본 연구는 그동안 뮤지컬 공연의 흥행 요인에 관한 실증 연구가 미미하였고, 실제 입장 관객의 유료 및 무료입장 데이터를 활용하여 연구한 선례가 없어 학술적인 의의가 크다. 제한적으로 공개된 데이터를 결합하여 새로운 연구 가능성을 제시하였으나, 데이터의 시간적, 공간적 범위와 세부 정보의 한계가 있어 일반화에는 주의가 필요하다. 향후 더 많은 공연장의 데이터와 공연별 매출 정보가 공개된다면 공연예술 흥행 요인에 관한 보다 포괄적인 후속 연구가 가능할 것이다. 본 연구를 통해 공연예술 분야의 데이터 기반 의사결정 환경이 구축되어 공연예술 산업의 지속 가능한 발전에 이바지할 수 있길 기대한다.

The Korean musical genre has established itself as a leading cultural and artistic industry in terms of ticket sales and market size. While the use of complimentary tickets is considered essential, it is also criticized as a chronic problem in the domestic performance industry due to indiscriminate overuse. This study analyzes the impact of complimentary audience on the success of musical performances. Using combined data from audience entries at CJ Towol Theater in Seoul Arts Center over 9 years and 9 months and the Korea Performing Arts Box Office Information System (KOPIS), an empirical data analysis was conducted on how the number of invited audiences affects the number of paid audience members in the following week. The results show a non-linear relationship where an increase in free audience members positively affects the number of paid audience members up to a certain level, beyond which it actually decreases paid attendance. Under limited conditions, the optimal ratio of free audience members was found to be 13.84%. Additionally, the presence of well-known actors was found to have a positive impact on increasing paid audience numbers. This study holds significant academic value as there has been limited empirical research on factors influencing musical performance success, and no previous studies have utilized actual paid and free admission data. It presents new research possibilities by combining limited publicly available data in a field where performance art data analysis is not yet prevalent. However, caution is needed in generalizing the results due to the limited temporal and spatial scope of the analysis and the limited detailed information of the data. Future comprehensive studies on factors influencing performance art success will be possible if more theater and audience data, along with detailed revenue information for each performance, become available. This study aims to contribute to the sustainable development of the performing arts industry by establishing a data-driven decision-making environment in the field.

예술단체가 관객과 장기적인 관계를 맺고 관객을 관리하는 것은 공연예술가가지속적으로 건강한 작품 활동을 하고 이를 관객이 향유하는 기회를 제공한다는 점에서 중요하다. 본 논문에서는 그간 문화예술경영계에서 논의되어 온 관객개발 개념을 관객관여연구의 이론틀로 살펴보고 관객의 예술참여를 통한 공연예술작품의 제작 방식을 소개한다. 극단 신세계의 연극공연 <파란나라>는 관객을 참여시켜전문적인 문화예술콘텐츠가 만들어지는 과정과 성과는 공연예술단체의 관객과의관계맺음을 통해 단체의 미래와 자생력 제고에 부여하는 중요성을 보여준다. <파란나라>의 사례는 공연예술단체의 적극적인 관객개발활동 특히 다양한 형태의 예술참여를 도입하는 것이 관객관여와 공동체관여에 어떤 효과를 발생시키는가를보여준다. 결론적으로 공연예술단체의 관객개발 프로그램에 있어 시민이 예술가로서 참여하는 방식은 관객의 예술적 경험의 증진과 공연예술단체의 재정 확보에긍정적인 역할을 하는 것으로 확인되었다.

Establishing and managing long-term relationships with audiences is crucial for the health and sustainability of any arts organization. This paper examines the concept of audience development that has been developed in the field of arts and cultural management, with a focus on audience types and audience engagement in the arts. Using our case study of the play “Paranara,” which means “Blue Country,” produced by the Shinsegye (New World) theater company, we explore how a performing arts organization elicits active audience engagement in its performing arts productions and cultivates a participatory culture among diverse audiences. Our findings confirm that a dynamic audience development program and the production of participatory theatrical works (audience as artists) play a critical role in developing both community engagement in the arts and sustainable performing arts organizations.

지난 2011년, 국제디지털출판포럼인 IDPF(International Digital PublishingForum)의 e-pub 3 표준 제정 이후에 전자책은 본격적인 멀티미디어 매체로서의진입을 앞두고 있다. 본 연구는 이러한 전자책의 발달 과도기에서 나타나는 수용자의개념적 변화를 추적하고 이를 바탕으로 현대 사회의 전자책 소비 형태를 분석하고자한다. 구체적으로는 우선 아날로그 매체의 디지털 변환 과정에서 종이책의 전자책화, 즉 물적(physical) 속성의 전환이 수용자에게 어떠한 영향을 미치는지 선행연구들을 통해 살펴보았다. 여기에서는 미디어 소비자의 시대별 라이프스타일 조사결과와 종이책과 전자책 구매자의 취득 권리(소유권 대 읽기 권리) 변화 양상을비교 예시로써 들었다. 그 다음으로는 소셜리딩 시대를 맞이하여 독서행위에 대한근본적 정의가 달라지고 있음을 미디어 플랫폼의 서비스 사례와 관련 연구들을통해 분석하였다. 이에 따라 기존의 독서행위에 대한 정의 역시 매체 확장과 분절화개념이 새롭게 포함될 수 있음을 제시하였다. 이러한 연구 과정을 통해 능동적 수용자의 개념은 과장되었다는 일부 학자의 비판적 견해에도 불구하고, 종합적으로 미디어 수용의 형태 변화가 수동적에서 능동적으로, 단방향에서 양방형으로, 소비형에서 생산형으로 변화하고 있음을 확인하였다. 특히 향후 전자책은 HTML5 기반으로 인해 텍스트, 이미지, 오디오, 비디오, 폰트, 스타일, 컬러 등 다양한 리소스의파생과 결합, 실시간 정보 공유 기능의 탑재, 모바일 편의성 등이 확장되어 보다열린 매체로서의 수용자 소비가 이뤄질 것으로 예측되었다.

Since the standard of e-pub 3 was enacted by IDPF(International Digital PublishingForum) in 2011, e-book is to become the multimedia in full scale. This study is to trace theconceptual change of audience appearing in transitional term of such development ofe-book and to analyze the consumption of e-book in contemporary society. Specifically, theconversion of paper book to e-book in the conversion of analog medium to digital, namely,how the conversion of physical attributes affect audience is investigated through precedingstudy. Then, the result of investigating lifestyle in each age of media consumer and theform of change in paper book and acquisition of right (title and reading right) by e-bookbuyers are taken as comparative examples. Next, the change in the basic definition ofreading activity in the age of social reading is recognized by service cases and relevantstudy of media platform. It was confirmed that the definition of existing reading activitycan also include concept of media expansion & segmentation. Notwithstanding criticalopinion of some scholars that the concept of active audience was exaggerated through suchstudy, it was suggested that the transformation of media accommodation is changing frompassive to active, from single direction to bi-direction and from consumption type toproduction type. Especially, audience is expected to consume with open media due toderivation and combination of diverse resources like text, image, audio, font, style, color,etc possessed by e-book based on HTML5 and convenience of mobile and the employmentof function to share real-time information.

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