Earticle

본 논문은 포스트코로나 시대에 가속화된 예술의 기술융합 현황을 살펴보고, 그에 따른 자 원 활용 양상을 유형별로 제시하면서 비즈니스 구도를 전망하는 데 연구의 목적을 둔다. 무 엇보다도 포스트코로나 시대에 직면한 예술계의 변화는 온·오프라인 병행구도에 있으며, 온 라인에 의한 유통 혁신이 가져온 새로운 생태계 조성이라 하겠다. 유통과 소비를 통해 드러 나는 사용자 혹은 잠재관객의 확산은 자연스럽게 시장성을 보유하게 되며, 온라인 콘텐츠와 가상현실에서의 체험방식 변화는 오프라인과 다른 면모를 갖추면서 비즈니스 구도를 새롭게 설정하게 된다. 하지만 궁극적으로 예술의 기술융합에 따른 자원 활용이 새로운 패러다임을 제공하기 위해서는 새로운 경제 모델을 제시할 수 있으며, 단순한 기술 활용이 아닌 기술에 의한 사회변화와 예술 가치 확산이라는 지점을 충족해야 함을 역설하였다. 자칫 예술이 기 술을 추종하는 듯한 지점을 극복하고, 예술이 기술을 주도하는 구도 속에서 패러다임 전환 의 가능성을 찾아야 한다는 것이다.

The purpose of this paper is to examine the current status of technological convergence of the arts accelerated in the post-corona era and to predict the business structure by classifying the resources utilization patterns by type. Above all, the change in the art world facing the post-corona era is in the parallel structure of online and offline, and it is the creation of a new ecosystem brought by online distribution innovation. The spread of users or potential audiences revealed through distribution and consumption naturally retains market ability, Changes in the way of experience in online content and virtual reality have a different aspect from offline, and the business structure is newly set. However in order for the resources utilization due to the technological convergence of the arts to provide a new paradigm, a new economic model must be presented. And it was emphasized that the point of social change and the spread of value of the arts by technology should be revealed, not just the application of technology. It is necessary to overcome the point where the arts seem to follow technology and to find the possibility of paradigm shift while arts lead technology.

본 논문은 오늘날 기술융합의 양상을 공연예술 생태계 내에서 조망하고 새롭게 형성되는 행 위 주체와 가치 네트워크를 고찰함으로써, 공연예술과 기술융합의 가능성과 이슈를 도출하 는 데 그 목적이 있다. 연구방법은 최근의 기술변화와 공연예술 담론들에 관한 논문과 사례, 기사와 보고서 등의 문헌연구를 기반으로 논증하였다. 연구를 통해 도출한 결과는 다음과 같다. 첫째, 소비영역의 관객이 온라인으로 연결되고 기술과의 상호작용을 통해 새로운 가치 네트워크를 형성함으로써 공연예술의 다양성과 의미가 확장된다. 둘째, 기술융합 공연예술 에 대한 정부의 지원과 정책이 공연예술 생태계 전체의 가치 흐름을 고려하고 예술의 사회 적 의미에 대한 홀리스틱한 관점과 비전을 제시해야 한다. 셋째, 최근 기술이 개인의 맥락과 환경을 통합하며 몰입 경험을 제공한다는 점에서 공연예술의 라이브니스 개념은 수용자 관 점에서 새롭게 이해될 필요가 있다. 본 연구는 초기 단계의 기술융합 공연예술 생태계와 가 치의 흐름을 모형으로 제시하고, 행위자 네트워크 이론을 근거로 의미를 도출했다는 점에서 의미가 있으며, 기술융합의 사회적 가치와 방향성을 제시함으로써 정책연구에서 활용될 수 있을 것이다.

This study aims to explore the meaning and value of performing arts converged with technology using the ecosystem concept and actor network theory in the performing arts. This paper provides an overview of the performing arts ecosystem in social network perspective, which focuses on dynamic relationship between multi-actors including technology. Literature research was conducted based on papers, articles and cases in this field. In general, findings suggest the following: Firstly, the audiences in online form new value network through interaction with technology, as a result, the diversity and values are expanded. Secondly, this paper proposes a holistic perspective of public role in the ecosystem in terms of accessibility. Thirdly, the liveness concept of performing arts needs to be newly understood in audiences/users perspective as XR technologies integrate individual contexts and provide immersive experiences. Finally, this paper discusses the significance of the value network of audiences/users and indicates the topics for policy research in future.

본고는 ‘창작자 경제’를 중심으로 이해되는 ‘디지털 예술 생태계’에 대한 비판적 관점을 견지 하고, 창작자 경제와 디지털 예술 생태계의 간극을 살펴보았다. 이를 바탕으로 지속가능한 디지털 예술 생태계 조성을 위해서는 경제적 보상체계에 관한 논의를 넘어 예술적 가치를 논하는 장이 필요하다는 것을 확인했다. 이로부터 디지털 예술 생태계 내 게이트키퍼의 의 의와 중요성을 강조하며, Web3.0 시대의 디지털 아트의 가치화를 위한 역사적, 담론적 논의 의 필요성을 밝혔다.

This paper reviewed ‘digital art ecosystem’, which is understood around the ‘creator economy’ on critical perspective. In order to create a sustainable digital art ecosystem, a forum is needed to discuss artistic values beyond discussions on economic compensation systems. To this end, it emphasized the significance of gatekeepers in digital art ecosystem, and It needed for discussion about historical and discoursive of the digital art in the web3.0 era.

본 논문은 관객개발을 위한 국내 복합문화예술공간 예술의전당 예술교육 프로그램을 분석함으 로써 복합문화공간의 예술교육 현황을 알아보고, 추후 관객개발을 위한 예술교육 프로그램의 시사점을 도출하며, 이에 따른 개선방안을 모색하는데 연구의 목적을 두고 있다. 이를 위해 문 헌연구와 사례연구, 예술의전당 고객만족도 조사, 전문가 면담으로 연구를 진행하였다. 문헌연 구를 통해 복합문화공간 현황과 예술교육의 개념 및 관객개발을 위한 예술교육 유형을 정리하 였다. 또한, 국내·외 복합문화공간인 바비칸센터와 링컨센터, 국립아시아문화전당을 사례기관 으로 정하고 기관별 예술교육 프로그램 유형과 교육방식을 분석한 결과 예술기관과 학교의 협 업을 통한 학교문화예술교육은 학생들에게 창의성과 문제 해결 능력, 능동적인 태도를 갖게 해 주고, 대상별 다양한 교육프로그램과 교육유형을 운영하는 것이 중요하다는 시사점을 도출하였 다. 이에 따라 국내·외 복합문화공간 예술교육 프로그램 사례를 바탕으로 예술의전당 아카데미 강좌프로그램과 전문가 인터뷰를 통해, 예술의전당 아카데미 강좌프로그램 개발 방안을 다음과 같이 도출해 낼 수 있었다. ①예술교육을 통한 관객개발의 효과를 높이기 위해 관객연구가 선 행되어야 한다. ②교육대상 세분화를 통한 다양한 프로그램을 개발하는 것이다. ③코로나19 이 후 비대면 온라인 예술교육 프로그램 활용으로 잠재관객의 접근성을 높이는 것이다.

The purpose of this paper is to analyze the art education program of the art center for audience development to understand the current status of art education in the complex cultural space, derive implications for art education programs for audience development, and seek improvement accordingly. To this end, research was conducted through literature surveys, case studies, customer satisfaction surveys at the Seoul Arts Center, and expert interviews. Through literary research, the current status of complex cultural spaces, the concept of art education, and the types of art education for audience development were summarized. In addition, the Barbican Center, Lincoln Center, and the National Asian Cultural Center were designated as case institutions, and the types and methods of art education programs collaborated with institutions and schools were analyzed to provide students with creativity, problem-solving skills, and active attitudes. Accordingly, based on the case of domestic and foreign complex cultural space arts education programs, the following measures could be derived for the development of the Seoul Arts Center academy program and expert interviews. ① Audience research must be preceded in order to increase the effect of audience development through art education. ② It is to develop various programs through segmentation of educational subjects. ③ This is to increase the accessibility of potential audiences by utilizing non-face-to-face online art education programs after COVID-19.

본 논문은 현대미술 분야 관객 개발연구로서, Z세대를 대상으로 실질적인 관객개발과 현대 미술 활성화 방안을 제안하는 것이 목적이다. 체험 만족도를 단편적인 측정항목으로 연구를 진행한 연구와 달리 예술의 가치와 체험이론 등 예술의 본원적, 도구적 혜택에 맞는 다양한 선행이론을 바탕으로 설계하였고, 심미, 자기성찰, 교육, 관계 체험을 독립변수로 측정하였 다. 본 연구에서는 Z세대의 문화소비성향을 ‘스마트 경험 소비’, ‘자기 만족적 소비’, ‘가치소 비’ 총 3가지로 분류하고 조절변수로 측정하였다. 통계 결과와 심층인터뷰를 통하여 관객개 발 방안을 도출하였고, 이는 경이감이 드는 인스타그래머블 원포인트, ASMR을 통한 감각적 뉴미디어 아트 영상, 작품과 타인과의 관계 속 리추얼 공간, 개인화된 경험으로 완성되는 자 기 탐색 코스, 사회적 이슈 참여를 통한 예술 경험 만들기, 필(必)환경시대, 창의적 참여를 통한 작품화이다. 본 연구는 현대미술의 체험요소 분석 틀을 제시하고 예술의 가치에 초점 을 맞춰 본원적, 도구적 혜택으로 범주화하고 측정항목을 설계했다는 점에서 의의가 있다.

This paper is a study on the development of audiences in the field of contemporary art, and the purpose is to propose practical ways to develop audiences and revitalize contemporary art for Generation Z. Unlike studies that conducted research on experiential satisfaction as a fragmentary measurement item, it was designed based on various preceding theories suitable for the original and instrumental benefits of art, such as the value of art and experience theory, and aesthetic, self-reflection, education, and relational experience were independently conducted. Measured as a variable. In this study, the culture consumption propensity of generation Z was classified into three categories: ‘smart experience consumption’, ‘self-satisfaction consumption’, and ‘value consumption’, and was measured as a moderating variable. Through statistical results and in-depth interviews, a plan for developing an audience was derived, which is an amazing Instagrammable one-point, sensuous new media art video through ASMR, a ritual space in the relationship between artworks and others, self-exploration completed with personalized experiences courses, making art experiences through participation in social issues, creation of works through creative participation in the era of essential environment. This study is meaningful in that it presents an analysis framework for experiential elements of contemporary art, focuses on the value of art, categorizes it into original and instrumental benefits, and designs measurement items.

본 논문은 문화예술기관의 구독 서비스가 관객개발에 미치는 영향을 살펴보고, 궁극적으로 구 독 서비스인 웹진을 활용한 문화예술기관 관객개발 방안을 제시하는 데 연구의 목적을 둔다. 연구방법은 문헌연구 및 사례조사, 설문조사, 실무자 인터뷰 등으로 진행하였다. 홍보 출판물 을 유형 및 기능별과 함께 구독경제와 맞물린 사용 현황을 살펴보았다. 각 기관에서 제공하는 구독 서비스인 웹진과 E-book, 뉴스레터 현황을 분석했으며, 고객관여도에 따라 선호하는 콘 텐츠의 유형은 달랐다. 설문조사는 문화예술기관 이용 형태, 문화예술기관 웹진 이용 형태, 문 화예술기관 웹진의 특성, 관객 인식, 관람 동기에 대해 물어봤다. 설문조사 결과를 분석을 통 해 문화예술기관 웹진의 특성은 ‘전문 유용성’과 ‘자율 편의성’으로 특정할 수 있었고, 이 두 가지 특성과 관객 인식은 모두 관람 동기에 긍정적인 영향을 주는 것을 알 수 있었다. 이를 바탕으로 문화예술기관 웹진을 활용한 효과적인 관객개발을 위한 방안을 도출하였다.

This paper examines the effect of the subscription service of culture and arts institutions on audience development and ultimately suggests ways to develop audiences for culture and arts institutions using webzine, a subscription service. Research methods included literature research, case studies, surveys, and interviews with practitioners. The use status of promotional publications in conjunction with the subscription economy was examined along with type and function. The current status of webzines, e-books, and newsletters, which are subscription services provided by each institution, was analyzed. The preferred type of content was different depending on the customer involvement. The survey asked about the preference for cultural and artistic institution types, the type of use of webzines of culture and arts institutions, the characteristics of webzines of culture and arts institutions, audience perception, and motivation for viewing. Through the analysis of the survey results, the webzine characteristics in culture and arts institutions could be specified as 'professional usefulness' and 'self-convenience.' Both of these characteristics and audience perception had a positive effect on viewing motivation. Based on this, a plan for effective audience development using the webzines of culture and arts institutions was derived.