Earticle

본 연구는 애니메이션 <케이팝 데몬 헌터스(K-pop Demon Hunters)>를 중심으로 케이팝과 한국 전통문화의 융합 양상을 분석하고, 이들이 디지털 시대 트랜 스미디어 콘텐츠로서 어떻게 세계관 중심 서사로 확장되는지를 고찰한다. 헨리 젠킨스가 제시한 스토리텔링의 6가지 핵심 요소인 연속성(continuity), 탐구성 (drillability), 확산성(spreadability), 몰입성(immersion), 세계관 구축(world-building), 참여성(participation)을 분석틀로 삼아 케이팝 세계관과 한국 전통문화를 연계한 애니메이션에서 각 요소별 특징을 자세히 다루고자 한다. 특히 혼문, 굿, 호랑이 등 민속 요소가 내러티브 구조와 캐릭터 설계에서 수행하는 상징성과 기능 에 주목하며, 전통문화의 디지털 재현 방식과 글로벌 수용성을 탐색한다. 연구는 다음과 같은 네 가지 분석 축을 따른다. 첫째, 케이팝 콘텐츠에서 세계관 중심 서 사 구조와 팬덤 중심의 자아 정체성 구축 방식에 대한 이론적으로 고찰한다. 둘째, 설화, 무속, 민화 등 전통 서사 자원의 콘텐츠화 전략 및 시각·음악적 요소의 서 사적 기능을 분석한다. 셋째, <케이팝 데몬 헌터스> 및 BTS, BLACKPINK 등 한국 전통문화를 활용한 케이팝 콘텐츠와의 비교분석을 통해서 트랜스미디어적 확산 전략과 장르 혼합 구조를 분석한다. 넷째, 글로벌 플랫폼에서의 수용 양상과 팬덤 커뮤니티의 해석·참여·문화 번역 방식에 대해 실증적으로 접근한다. 이를 통해 본 연구는 케이팝 콘텐츠가 단순한 문화 인용을 넘어 세계관 중심 IP로 기능하며, 전통문화의 브랜드화를 통해 글로벌 디지털 서사로 확장되고 있음을 규명한다.

This study explores the convergence of K-pop and traditional Korean culture through the animated series <K-pop Demon Hunters>, examining how such content evolves into a world-building narrative within the digital era’s transmedia landscape. This study employs Henry Jenkins six core storytelling principles, continuity, drillability, spreadability, immersion, worldbuilding, and participation as an analytical framework to investigate in depth how these elements are articulated within an animation that interweaves the K-pop universe with traditional Korean culture. It focuses on the symbolic and functional roles of folk elements-such as honmun (soul patterns), gut (shamanistic rituals), and tigers-in narrative structures and character design, and investigates the digital reinterpretation of traditional culture and its global reception. The research follows four main analytical axes. First, it provides a theoretical examination of the structure of world-centric narratives in K-pop content and the mechanisms by which fandoms construct identity. Second, it analyzes content strategies and narrative functions of visual and musical elements derived from traditional storytelling resources such as folktales, shamanism, and folk paintings. Third, this study analyzes transmedia expansion strategies and hybrid genre structures through a comparative analysis of K-pop Demon Hunters and K-pop content by BTS, BLACKPINK, and others that incorporate elements of traditional Korean culture. Fourth, it conducts an empirical analysis of global reception trends and the ways in which fandom communities engage, interpret, and culturally translate such content across media platforms. Through this multifaceted approach, the study demonstrates that K-pop content transcends mere cultural citation, functioning as world-centered intellectual property that rebrands traditional heritage as a globally scalable digital narrative.

본 연구의 목적은 케이팝 음악을 분석하여 그 속에서 월드 뮤직의 사용 형태를 찾아내고 이를 통해 케이팝 음악 의 발전 가능성을 높이는 것에 그 목적이 있다. 연구 방법으로는 먼저 월드뮤직요소인 푸에르토리코의 레게톤과 자메이 카의 토스팅, 인도음악의 선율을 알아볼 것이다. 그리고 효연의 <Dessert>와 현아&던의 <핑퐁> 두 곡을 리듬적 요소와 선율적 요소로 분석하고 그 속에서 월드 뮤직의 사용 형태를 찾아볼 것 이다. 연구 결과, 리듬적으로 푸에르토리코의 레게톤에서 파생된 뎀보우 리듬의 유형을 보였고, 선율적으로는 자메이카의 토스팅의 형태와 아랍음악의 선율을 따르고 있음을 알 수 있었다. 본 연구는 케이팝 음악에서 사용된 월드뮤직의 사용 형태를 분석하여 향후 케이팝의 발전 가능성 과 다양한 방향성을 제시하는 것에 의의를 갖는다. 다양한 월드 뮤직과 케이팝의 융합을 통해 케이팝 음악이 조금 더 폭넓은 대중의 지지를 받는 문화로써 자리 잡기를 기대해 본다.

The purpose of this study is to increase the development possibility of K-pop music by analyzing K-pop music and analyzing the use of world music in it. As a research method, we will first look at the world music elements Puerto Rico's reggaeton, Jamaica's toasting, and the melody of Indian music. After that, we analyze two songs, Hyo-yeon's <Dessert> and Hyun-A & Dawn's <Ping Pong>, with rhythm and melody elements to find out the utilization of World Music. As a result of the study, it was found that it rhythmically showed the type of Dembow rhythm derived from Puerto Rico's reggaeton, and melody followed the form of Jamaican toasting and the melody of Arabic music. This study is meaningful in presenting the possibility of development and various directions of K-pop in the future by analyzing the use of world music used in K-pop music. Through the convergence of various world music and K-pop, I hope that K-pop music will become a culture that is supported by a wider public.

본 연구는 K-팝 그룹 내 비한국인 멤버의 보컬 퍼포먼스를 문화 정체성과 혼종성이 협상되는 ‘제3의 공간’으로 보고, 그 생산과 수용의 역동성을 분석하였다. 이를 위해 ‘청 취의 정치학(politics of listening)’을 핵심 분석 개념으로 활용하였다. 사례 분석 대상 으로 블랙핑크의 Lisa, (여자)아이들의 Minnie와 Yuqi를 선정하였으며, 글로벌 팬덤의 수용 방식을 살펴보기 위해 Reddit 커뮤니티를 대상으로 Netnography와 주제 분석을 수행하였다. 분석 결과, 비한국인 아이돌은 보컬 퍼포먼스를 통해 문화적 진정성과 상 업적 전략 사이에서 복합적인 협상을 수행하며, 그들의 독특한 음색은 그룹의 핵심 미 학 자산으로 기능했다. 또한, 글로벌 팬덤은 청취의 정치학을 실천하며 초국적 목소리 의 의미를 능동적으로 구성하였다. 팬들은 음색의 가치화, 발음 및 억양 관련 진정성 논쟁, 문화적 전유에 대한 비판적 토론을 활발히 전개하였다. 본 연구는 K-팝 팬덤을 비판적 리터러시와 상호문화 역량을 함양하는 공공 교육학의 실천 현장으로 규명하며 다문화 교육 연구에 중요한 시사점을 제공한다.

This study examines the vocal performances of non-Korean members in K-pop groups as a ‘Third Space’ where cultural identity and hybridity are negotiated, analyzing the dynamics of its production and reception. The ‘politics of listening’ was utilized as a key analytical concept. BLACKPINK's Lisa and (G)I-DLE's Minnie and Yuqi were selected as case studies. To examine the reception patterns of the global fandom, netnography and thematic analysis were conducted on Reddit communities. The analysis revealed that non-Korean idols engage in complex negotiations between cultural authenticity and commercial strategies through their vocal performances, with their unique vocal timbres functioning as core aesthetic assets of the group. Furthermore, the global fandom actively constructed the meaning of these transnational voices by practicing the politics of listening. Fans actively engaged in valorizing timbre, debating authenticity regarding pronunciation and accent, and critically discussing cultural appropriation. This study identifies K-pop fandom as a site of public pedagogy that fosters critical literacy and intercultural competence, offering significant implications for multicultural education research.

본 연구는 K-팝 그룹 내 비한국인 멤버의 보컬 퍼포먼스를 문화 정체성과 혼종성이 협상되는 ‘제3의 공간’으로 보고, 그 생산과 수용의 역동성을 분석하였다. 이를 위해 ‘청 취의 정치학(politics of listening)’을 핵심 분석 개념으로 활용하였다. 사례 분석 대상 으로 블랙핑크의 Lisa, (여자)아이들의 Minnie와 Yuqi를 선정하였으며, 글로벌 팬덤의 수용 방식을 살펴보기 위해 Reddit 커뮤니티를 대상으로 Netnography와 주제 분석을 수행하였다. 분석 결과, 비한국인 아이돌은 보컬 퍼포먼스를 통해 문화적 진정성과 상 업적 전략 사이에서 복합적인 협상을 수행하며, 그들의 독특한 음색은 그룹의 핵심 미 학 자산으로 기능했다. 또한, 글로벌 팬덤은 청취의 정치학을 실천하며 초국적 목소리 의 의미를 능동적으로 구성하였다. 팬들은 음색의 가치화, 발음 및 억양 관련 진정성 논쟁, 문화적 전유에 대한 비판적 토론을 활발히 전개하였다. 본 연구는 K-팝 팬덤을 비판적 리터러시와 상호문화 역량을 함양하는 공공 교육학의 실천 현장으로 규명하며 다문화 교육 연구에 중요한 시사점을 제공한다.

This study examines the vocal performances of non-Korean members in K-pop groups as a ‘Third Space’ where cultural identity and hybridity are negotiated, analyzing the dynamics of its production and reception. The ‘politics of listening’ was utilized as a key analytical concept. BLACKPINK's Lisa and (G)I-DLE's Minnie and Yuqi were selected as case studies. To examine the reception patterns of the global fandom, netnography and thematic analysis were conducted on Reddit communities. The analysis revealed that non-Korean idols engage in complex negotiations between cultural authenticity and commercial strategies through their vocal performances, with their unique vocal timbres functioning as core aesthetic assets of the group. Furthermore, the global fandom actively constructed the meaning of these transnational voices by practicing the politics of listening. Fans actively engaged in valorizing timbre, debating authenticity regarding pronunciation and accent, and critically discussing cultural appropriation. This study identifies K-pop fandom as a site of public pedagogy that fosters critical literacy and intercultural competence, offering significant implications for multicultural education research.

본 연구는 <케이팝 데몬 헌터스>를 통해 글로벌 미디어 기업이 타국 문화를 전면화하고 여러 장르의 문법을 변주하여 현시대 대중이 좋아할 만한 하이브리드 스토리텔링을 구현한 양상과 의의를 고찰하는 데 목표 를 둔다. 넷플릭스 역사상 최초로 3억 시청뷰를 기록하며 전 세계 문화현 상이 된 <케이팝 데몬 헌터스>는 글로벌 플랫폼 시대에 영화가 새로운 문화와 매체를 활용하는 방법과 현시대 대중이 하나의 작품을 향유하는 방식에 관한 시사점을 제공한다. 소니픽처스 애니메이션과 넷플릭스의 합작으로 탄생한 <케이팝 데몬 헌터스>는 한국 문화원형을 스토리텔링 의 핵심 요소로 활용하며 서구권이 동양문화를 재현하는 방법에 관한 긍정적인 선례가 되었다. ‘케이팝’과 ‘오컬트’는 낯선 결합이지만 <케이 팝 데몬 헌터스>는 세대와 인종을 초월한 글로벌 대중이 즐겁게 감상한 대중영화다. <케이팝 데몬 헌터스>의 대중성은 하이브리드 스토리텔링 즉 각 장르가 주는 재미는 취하되 장르문법을 변용하여 편하고 재미있게 감상할 수 있는 효율적인 스토리를 보여준 데서 강화된다. 이러한 전략에 의해 <케이팝 데몬 헌터스>는 있을 법하지 않은 낯선 세계를 단순하고 순진하게 체험하길 원하는 대중욕망에 근접했다고 볼 수 있다.

This study examines <K-Pop Demon Hunters> to investigate how a global media company foregrounds a foreign culture and reworks the conventions of multiple genres to produce hybrid storytelling designed to appeal to contemporary audiences, and to clarify the significance of this practice. Having recorded 300 million viewing impressions and emerged as a worldwide cultural phenomenon, <K-Pop Demon Hunters> offers implications for how cinema in the era of global platforms mobilizes new cultures and media, and for how audiences engage with cultural texts. Co-produced by a global media group, <K-Pop Demon Hunters> draws on Korean cultural archetypes as core elements of its storytelling, providing a constructive precedent for Western representations of East Asian culture. Its popularity is reinforced through hybrid storytelling: while retaining the pleasures of each genre, it transforms genre conventions to deliver an efficient narrative that is easy and enjoyable to follow. Through this strategy, <K-Pop Demon Hunters> can be seen as aligning with the popular desire to experience an unfamiliar, seemingly implausible world in a simple and even ingenuous way.

디지털 시대 문화유산과 현대 대중문화의 교차점은 역사적 공간을 보존하고 홍보하기 위한 혁신적인 방법을 우리에게 제공한다. 글로벌 문화 현상인 K-팝은 공 연, 뮤직비디오, 홍보 콘텐츠에 통합하여 한국의 역사 공간을 세계적으로 확대할 수 있는 잠재력을 보여주었다. 본 고는 K-팝 산업 내에서 역사적 공간을 활용하는 방법을 탐구하며, 문화유산과 글로벌 홍보에 대한 역사적 공간의 표현, 영향 및 의미에 초점을 맞춘다. 한국의 문화유산에서 촬영된 뮤직비디오, 전통적인 한국적 배경에서 열린 콘서트, 역사적인 장소를 홍보하는 콘텐츠에 대한 사례 연구를 통해 이 연구는 K-팝이 역사적 공간을 활용하여 국가적 경계를 초월하는 문화적 대화 를 만드는 방법을 살펴본다. 장소성 공간에 머물던 문화유산이 대중문화와 지역의 장소를 연결하고, 세계적으로 새로운 형태의 경험적 관광을 창출하는 데 기여하 고 있다. 또한, 대중의 문화유산에 대한 관심을 촉진하고 지속 가능한 문화유산 관광을 진행하는 데 있어 콘텐츠의 역할을 평가한다. 이를 통해 K-팝뿐만 아니라 게 임, 애니메이션 등 기타 디지털 콘텐츠 산업이 문화유산과 협업을 통해 역사 공간 활용과 홍보를 어떻게 강화할 수 있는지에 대해 살펴볼 수 있는 계기가 될 것이다.

In the digital age, the intersection of cultural heritage and contemporary popular culture offers us innovative ways to preserve and promote historic spaces. As a global cultural phenomenon, K-pop has shown the potential to expand Korea's historical space globally by incorporating it into performances, music videos, and promotional content. This paper explores how historical spaces can be used within the K-pop industry, focusing on the representation, impact, and meaning of historical spaces for cultural heritage and global promotion. Through case studies of music videos filmed in Korean cultural heritage, concerts held in traditional Korean settings, and content promoting historical venues, this study explores how K-pop leverages historical spaces to create cultural dialogues that transcend national boundaries. Cultural heritage, a specific place, is contributing to the connection between popular culture and local places and the creation of new forms of experiential tourism worldwide. It also evaluates the role of content in promoting public interest in cultural heritage and promoting sustainable cultural heritage tourism. Through this, it will be an opportunity to explore how not only K-pop but also other digital content industries such as games and anime can strengthen the use and promotion of historical spaces through collaboration with cultural heritage.

2026년 1월 31일 말레이시아에서 개최된 한국 보이밴드 DAY6(데이식스)의 콘서트를 계기로 한국과 동남아시아 누리꾼 간의 온라인 갈등이 급속도로 확산됐다. 이 사태는 국내에서 동남아시아 내 반한(反韓) 감정의 확산과 한류의 위기로 광범위하게 보도됐으나, 온라인 담론의 격렬함이 현지의 실제 여론을 정확히 반영하는지에 대해서는 체계적인 실증적 검토가 이루어지지 않았다. 본 연구는 말레이시아 현지의 반한 감정 실태를 실증적으로 규명하고, 이를 바탕으로 실효성 있는 대응방안을 모색하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 본 연구는 혼합연구방법을 채택하여, 말레이시아인 100명을 대상으로 온라인 설문조사를 실시했다. 분석 결과, 과반수가 이번 사태로 인해 한국에 대한 인식이 부정적으로 변했다고 응답했다. 그럼에도 대부분의 응답자는 이번 논란이 일상생활에 영향을 미치지 않는다고 답했으며 한국 콘텐츠 및 제품의 소비를 중단할 의향이 없는 것으로 나타났다. 따라서, 본 연구의 표본 범위 내에서는 동남아시아 내 반한 감정이 국내 언론의 보도가 시사하는 것보다 실제로는 훨씬 제한적인 수준에 머물고 있음을 보여준다. 소셜미디어에 의해 증폭된 담론에 대한 대응방안으로, 본 연구는 기획사 및 아티스트의 신속한 공식 대응, 팬덤의 자정 노력, 정부의 문화외교 채널 활용, 미디어의 균형적 보도라는 네 가지 차원의 복합적 대응을 제언했다.

Following a concert by the Korean boy band DAY6 in Malaysia on January 31, 2026, an online conflict rapidly escalated across various social media platforms between netizens from Korea and Southeast Asia. Although this incident was widely reported in South Korean media as evidence of growing anti-Korean sentiment in Southeast Asia and a potential crisis for the Korean Wave, there has been no systematic examination of whether the intensity of online discourse accurately reflects “true” local public opinion. This study aims to empirically investigate the actual state of anti-Korean sentiment in Malaysia and with these findings, seeks to propose effective response strategies. To this end, a mixed-methods approach is adopted, including an online survey conducted among 100 Malaysian respondents. While the results show that more than half of respondents stated that their perception of South Korea had become more negative, a majority confirmed that the controversy had no impact on their daily lives. In this respect, they indicated no intention to stop consuming Korean content or products. Within the scope of this study’s sample, the findings suggest that anti-Korean sentiment in Southeast Asia remains far more limited than implied by domestic media reports in South Korea. In response to the discourse amplified by social media, this study recommends a multi-layered approach encompassing four dimensions: prompt and transparent official communication from entertainment agencies and artists, self-regulation within fan communities, strategic utilization of cultural diplomacy channels by the Korean government, and more balanced and contextually grounded reporting by domestic media.

2025년 6월 말 넷플릭스에 공개된 미국 소니 픽처스 애니메이션의 <케이팝 데몬 헌터스(KPop Demon Hunters)>의 세계적 인기 열풍이 식지 않고 있다. 이 애 니메이션은 한국적 소재와 스타일의 ‘미국산’ 글로벌 콘텐츠다. 따라서 명백한 K콘텐츠라고 부르기에는 석연치 않은 지점이 있다. 본 연구는 한국계 캐나다인 매기 강 감독이 ‘최대한 한국적으로’ 만들려고 했다면서 사용한 ‘코리아니즘’이라는 표현에 주목해 이 작품이 구현한 코리아니즘이 K콘텐츠의 특성과 어떤 관련이 있으 며 어떤 의의가 있는지 탐구하고자 했다. 이를 위해 코리아니즘의 학술적 개념과 미디어 담론을 탐구하고 한국적인 것의 개념을 살폈다. 다음으로 작품의 내용과 형식에 나타난 코리아니즘의 요소를 분석해 그 특징을 고찰하고, 그것을 K콘텐츠의 특성에 비추어 보았다. <케이팝 데몬 헌터스>의 코리아니즘은 기존의 K콘텐츠 를 능가할 정도로 ‘한국적’인 것을 충실히 구현하는 것으로 나타나고 있다. 그 바탕에는 한국적 정체성을 가지고 ‘코리아니즘’의 구현에 천착한 한국계 창작자들과 그것을 가능하게 한 글로벌 시스템이 있었다. <케이팝 데몬 헌터스>는 ‘코리아니즘’ 즉 K를 내세우면서도 국적의 경계를 넘어설 수 있는 확장성을 보여주었기에 특 수성과 보편성을 모두 확보한 새로운 유형의 K콘텐츠로 볼 수 있다. 다만 K팝이 K라는 특수성과 글로벌 보편성 속에서 갈등하고 있듯이, <케이팝 데몬 헌터스>와 같은 외국산 글로벌 K콘텐츠의 인기가 커질수록 K콘텐츠의 경계와 개념에 대한 재고의 요청 또한 진지하게 요구될 수밖에 없다.

The global popularity of KPop Demon Hunters (2025), an animated film released on Netflix by Sony Pictures Animation, shows no sign of fading. As an American-produced global content infused with Korean themes and styles, it occupies an ambiguous position that makes it difficult to classify unequivocally as “K-content.” This study focuses on the expression “Koreanism,” used by Korean Canadian director Maggie Kang, who stated that she sought to make the film “as Korean as possible.” Specifically, the research explores how KPop Demon Hunters embodies Koreanism, how this relates to the characteristics of K-content, and what significance it carries. To this end, the study examines both the academic and media discourses on Koreanism as well as the conceptual framework of “the Korean.” It then analyzes the narrative and stylistic elements of the film in order to identify features of Koreanism and evaluates them in relation to the traits of K-content. The findings suggest that the Koreanism of KPop Demon Hunters manifests a level of “Koreanness” that even surpasses existing K-content. This is rooted in the Korean identity of diasporic creators dedicated to realizing Koreanism and in the global system that enabled such a project. Ultimately, KPop Demon Hunters can be regarded as a new type of K-content that, while advancing the notion of ‘K’ embodied in the idea of ‘Koreanism,’ demonstrates the capacity to transcend national boundaries and thereby secures both particularity and universality. However, just as K-pop negotiates the tension between the particularity of ‘K’ and global universality, the rising popularity of foreign-produced global K-content such as KPop Demon Hunters inevitably indicates the necessity for a serious reconsideration of the boundaries and conceptual definition of K-content.

케이팝의 세계적인 흥행으로 국내 음악산업은 크게 성장했다. 하지만 그 이면에 아이돌 음악으로 편중된 시장이라는 부정적인 결과도 나타났다. 이러한 편중 현 상은 오랜 기간 해결되지 못했고, 이를 해결하기 위해 다양한 장르의 음악과 뮤지션 배출을 제고하기 위한 연구가 시급하다. 이에 본 연구의 목적은 음악 인프라 지 원사업 및 활성화를 통한 음악 장르 다양화를 중심으로 편중 현상 해결 방안을 제언하는 것이다. 연구 방법으로 음악 장르 다양화의 중요성과 균형발전의 이론적 기반 확립 및 편중 현상 해결을 위한 지원 필요성 고찰, 영국의 음악 인프라 지원 정책의 사례와 국내 사례를 비교하여 정책의 문제점 및 개선 필요성을 입증한다. 연구를 통해 음악 인프라와 장르 다양화의 연관성을 조명하였고, 영국의 직접적인 지원에 비해, 한국은 공연 중심의 간접 지원에 한정되어 있었으므로 한국의 경우 더 직접적인 지원의 필요성이 확인되었다. 본 연구가 공연장 지원사업의 개선과 이를 통한 소규모 대중음악 공연장 활성화 및 편중 현상 해소에 기여함으로서 문화 강국의 기틀을 다지는데 도움이 되길 기대한다.

The global box office success of K-pop has significantly contributed to the growth of the domestic music industry. However, this success has also led to a disproportionate focus on idol music, resulting in a biased market structure. To address this issue, there is an urgent need for research aimed at promoting the production of music and musicians across a wider range of genres. Accordingly, the purpose of this study is to propose solutions to this genre bias by focusing on the diversification of musical genres. As a research method, this study reviews the importance of genre diversification, establishes a theoretical foundation for balanced industry development, and examines the necessity of policy support to mitigate the current bias. In particular, the study compares the United Kingdom’s music infrastructure support policies with those of South Korea, highlighting the limitations of domestic measures and identifying areas for improvement. Through this comparative analysis, the study underscores the relationship between music infrastructure and genre diversity. While the UK implements direct forms of support, Korea's support remains largely indirect and focused primarily on performances, thereby revealing the need for more direct and comprehensive support mechanisms in the Korean context. It is hoped that the findings of this study will contribute to laying the groundwork for Korea to become a cultural powerhouse by improving concert hall support initiatives, revitalizing small-scale popular music venues, and ultimately addressing the issue of genre imbalance in the domestic music market.

오늘날 케이팝에서 한국식의 “스크린 페미니즘”의 일환인 여성주의 문화적 산물이 증가 하고 있는 것으로 보인다. 이 스크린 페미니즘은 서구식 “페미니스트”라는 비난을 받지 않기 위해 예술이라는 이름으로 그럴듯하게 부정할 수 있는 “부캐”를 사용하는 기호학적 위장 하에서 작동되어야 한다. 나는 “호의적인 행위주체성”의 개념을 상정하는데, 이는 “순종적인 행위주체성”처럼 형식적이고 가시적인 저항을 불러일으킬 수 없는 분야에서 필요한 기술이나 수단을 기꺼이 습득하는데 동의하는 의미를 포함하면서도, 적극적으로 번성하고 감정적으로 그 분야의 기준과 행동양식에 순응하는 것으로 보이는 것이다. 이 “호의적인 행위주체성”의 기만적 위장을 통해서 공연자들은 복종의 지배적 서사에 연루되는 것처럼 보이는 문화적 산물을 무대에 올릴 수 있다. 그러나 이런 문화적 산물은 저항을 불러일으킬 잠재력을 가지고 위반의 장소가 될 수 있는 트로이의 목마같은 기능 을 한다. 케이팝에서 여성의 권한축소 속에 연루되는 서사에 대항하여 나는 이 논문에서 일부 케이팝 아티스트들이 한국 사회에서 여성을 둘러싼 새로운 비전을 생산하는데 참여하는 방법을 조사한다. 이를 위해 사회적 정보를 제공하는 참여관찰적 문화기술지 및 사진 이미지 분석을 실시한다.

In contemporary K-pop there seems to be a rise in the amount of womanist cultural products that are part of a wave of home-grown, Korean-style “screen feminism” that must operate under semiotic cover, using the plausible deniability of the bukae in the name of art to not be accused of being a western-style “feminist.” I posit the notion of a “complaisant agency” that, like “docile agency” encompasses the meaning of willingly consenting to acquiring skills or the requisite tools needed in a field in which one cannot mount formal, visible resistance, while yet appearing to actively flourish and emotionally comply to standards and behaviors in the field. It is through the deceptive cover of “complaisant agency” that performers can stage cultural productions that are seemingly complicit in master narratives of subjugation but yet contain Trojan horses that explode with the potential to mount semiotic resistance and become a means to transgress. Counter to narratives that ascribe complicitly in the disempowerment of women to K-pop, in this paper I identify how some K-pop artists are engaged in the production of a new vision around women in Korean society.

본 연구는 고전시가와 대중가요에 대한 그간의 주요 연구사를 검토하고 이 과정 에서 확인할 수 있는 유의미한 쟁점이나 생산적 담론의 방향성을 탐색해 보고자 한 것이다. 기본적으로 시와 노래의 속성이 공존해있던 과거의 고전시가와 오늘날 대 중가요의 접점은 ‘우리말로 된 노래’라는 점에 있다. 시대와 매체 환경의 엄청난 이 질성에도 불구하고 ‘모국어 노래’라는 접점에 유의함으로써 우리가 확보할 수 있는 문제 의식은 적지 않다. 고전시가 작품들에 반영된 노래의 속성에 주목했을 때 확 인되는 생명력과 문화적 효용성은 모국어 노래가 지닌 근원적 예술성, 연속성의 문 제에 대한 고찰을 가능케 한다. 또한 1920년대 가요에서부터 근래 세계적 인기를 누리고 있는 케이팝에 이르기까지 한국 대중가요의 문학성과 예술성에 대한 학술 적 논의도 진전되고 있는 상황이라 국문학계에서도 보다 적극적인 논의가 필요한 시점이 된 것으로 보인다. 연구사를 검토한 결과 20세기초 시가 문학은 오늘날 현대시, 고전시가, 음악학 등으로 분절된 학문 영역의 학자들에 의해 깊이 있게 분석되었음을 알 수 있었다. 특히 전통 시가 문학이 단절되거나 소멸된 것이 아닌 유의미한 ‘의미체’로 기능했음 이 다양한 방식으로 논증되고 있어 20세기 초반의 고전시가와 대중가요는 교집합 의 범위가 매우 넓었음을 확인해 볼 수 있었다. 오늘날 고전시가와 대중가요, 근현 대시로 구획된 성격의 자료들이 열린 경계를 넘나들며 ‘노래’로 향유된 사례가 많았 음이 논증되고 있는 것이다. 그러므로 1920년대는 학문적으로 시와 노래가 결별한 시기로 볼 수 있으며 다시 시와 노래가 만날 수 있도록 혹은 이미 접속해 있을 수도 있는 부분들을 앞으로 연구자들이 찾아가야 할 것으로 보인다. 그리고 이 과정에서 고전시가와 대중가요 의 현상적 유사성보다는 생산적인 문제 의식을 가능하게 하는 원근법적 시각에서 의 고찰이 요구됨을 확인해 보았다. 특히 한국의 대중가요를 향유하는 매체는 유성 기 음반에서 출발하여 오늘날 웹플랫폼에 이르면서 국내를 넘어 전세계적으로 소 통되는 노래 문화로 성장하였다. 그러므로 향후 50년, 100년 후에도 현재 고전시가 와 대중가요에 대한 학문적 분절 단위가 지속될 수 있을까의 문제를 생각한다면 양 자에 대한 연구가 경계를 넘어 다양한 방식으로 고찰될 필요가 있어 보인다.

This study aims to review the major research on classical poetry and popular songs and explore significant points of contention and productive directions in the discourse that can be identified through this process. The intersection between classical poetry from the past, where the attributes of poetry and song coexisted, and modern-day popular songs lies in the fact that they are “songs in mother tongue.” Despite the tremendous differences in era and media environment, the awareness that we can obtain by paying attention to this point of contact is not insignificant. When we focus on the attributes of songs reflected in classical poetry works, we can explore the vitality and cultural usefulness found in the intrinsic artistry of native language songs and the continuity problem. Furthermore, there has been progress in scholarly discussions of the literary and artistic aspects of Korean popular songs, from 1920s songs to K-pop, which has recently gained global popularity. It is, therefore, an opportune time for more active discussions in the Korean literary community. As a result of reviewing the research, it was revealed that the literature of poetry at the beginning of the 20th century has been deeply analyzed by scholars in various fields such as modern poetry, classical poetry, and musicology. In particular, it has been argued in many ways that traditional poetry and literature functioned as a significant "semantic body" rather than being discontinued or extinct, and the intersection between classical poetry and popular songs in the early 20th century had a very broad range. It has been proven that there are many cases where materials categorized as classical poetry, popular songs, or modern poetry have crossed the open boundaries and have been enjoyed as “songs.” Therefore, the 1920s can be seen as a period in which poetry and song were separated academically, and it is necessary for future researchers to find parts that can reconnect or may already be connected between poetry and song. Through this process, it has been confirmed that a perspective based on a perspectival vision that enables productive problem consciousness is required rather than focusing on the phenomenological similarity between classical poetry and popular songs. In particular, media that enjoy Korean popular songs have grown from the golden age of records to today's web platforms, becoming a song culture that communicates globally beyond the nation. Therefore, if we consider the question of whether the current academic segmentation units of classical poetry and popular songs will continue in the next 50 or 100 years, there is a need for research beyond the boundaries in various ways on both topics

In recent years, K-pop idols have increasingly served as ambassadors of Korea to a world audience. One novel aspect of this ambassadorship is their role as presenters of Korean traditional culture, even though they frequently know little about the traditions in question. In this paper, I conduct a close reading of the K-Community Festival 2021 as an example of a program in which K-pop idols introduce their viewers to traditional Korean arts by presenting themselves as inexpert learners. This festival, with its contradictory positioning of the idols as spokespeople for Korea who need instruction in Korean tradition, appeals to viewers by inviting the audience to identify with the idols, emphasizing its entertainment value, and using the idols as cultural intermediaries. I argue that in doing so, it devalues cultural expertise and the essentialization of tradition. Nevertheless, this and similar programs serve an important function for fans in that they offer a cultural product that can be consumed in opposition to the hegemonic cultural flows from the United States.

한국에서 제작된 음악, 영화, 만화 등의 문화상품에 대한 수요가 세계적으로 증 가하면서 문화상품의 수출도 빠르게 증가하고 있다. 이와 같은 현상을 ‘한류’(韓流, Korean Wave)라고 일컫는데, ‘케이팝’(K-Pop)으로 불리는 한국 대중음악의 성공 이 특히 돋보인다. 본 소고는 음악산업에서 한류의 효과를 무역자료를 사용하여 실증적으로 확인하였다. 음악산업에서 한국기업의 경쟁력이 높아지면서 한국기업 의 수출이 증가하고 해외시장에서의 점유율이 증가한 것으로 나타났다. 또한 수출 시장의 다변화가 상당히 이루어졌다. 한국 시장에서는 수입대체가 일어나서 수입 의 비중이 감소하였다. 수출이 증가하고 수입이 감소하면서 흑자폭이 증가하였다. 이와 같은 수입대체, 수출증가, 무역수지 흑자 및 흑자 증가, 수출시장 다변화 등은 음악산업에서 한류의 효과를 실증적으로 보여주는 것으로 해석할 수 있다.

As the demand for cultural products, such as music, movies, and cartoons produced in Korea, increases worldwide, the export of cultural products is also increasing rapidly. This phenomenon is called the “Hallyu”(Korean Wave), and the success of Korean popular music called ‘K-Pop’ stands out in particular. This paper empirically confirmed the effect of Hallyu in the music industry with trade data. As the competitiveness of Korean companies increased in the music industry, exports of Korean companies increased and their share in overseas markets increased. In addition, the diversification of export markets has been made considerably. In the Korean market, import substitution occurred and the proportion of imports decreased. As exports increased and imports decreased, the surplus increased. Such import substitution, increase in exports, increase in trade surplus and surplus, and diversification of export markets can be interpreted as empirically showing the effect of Hallyu in the music industry.

본 연구의 목적은 관광동기로 작용하는 한국의 대중문화에 따라 관광객을 유형화하고 그 특성과 의사결정과정에 서의 관광행동 차이를 탐색하는 것이다. 2018 외래관광객 실태조사 자료를 활용하여 12,914명의 여가관광객 표본에 대해 다항로짓(MNL)분석 및 일원분산분석(ANOVA)을 실시하였다. 분석 결과, 음식, 패션, 팝으로 구분된 대중문화 관 광객 집단은 그 외 여가관광객 집단과 비교하여 인구통계학적 특성과 관광행동에서 유의미한 차이가 발견되었다. 대중 문화 관광객은 다른 여가관광객에 비하여 여성의 비율과 소셜미디어의 활용, 한국과 지리적으로 가까운 국가에서 방문 하는 비중이 높았다. 특히 K-pop 관광객은 목적지로서 한국을 선택함에 가장 주저함이 없었고, 한국 방문빈도가 가장 높았다. 또한 관광만족도와 재방문의도, 타인추천의도가 가장 높게 나타나 충성도와 성장 잠재력을 보였다. 본 연구는 세계적 영향력을 넓혀가는 한국 대중문화와 관광의 상호작용에 대한 이해 확장에 의의가 있다.

The purpose of this study is to categorize tourists according to the types of Korean popular culture as travel motives and to explore their characteristics and behavior in the tourism-related decision-making process. A sample of 12,914 leisure tourists from the 2018 foreign tourist survey data was analyzed using MNL and ANOVA. The popular cultural tourists were categorized into K-food, K-fashion, and K-pop groups. They showed a higher percentage of female tourists, social media usage in the tourism information search, and visits from countries geographically close to Korea. K-pop tourists did not hesitate to choose Korea as the destination and visited Korea the most frequently. They showed the highest satisfaction, revisit intention and recommendation intention, suggesting loyalty and growth potential.

이 연구의 목적은 동남아시아의 한류동향을 고찰하여 신남방정책 관련 정책적 과제를 제 시하는데 있다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째, 한류 관련 유사용어를 구분하여 개념을 정립 하였다. 한류의 역사는 한류1.0, 한류2.0, 한류3.0 등 3개시기로 구분하여 각 역사의 흐름을 정리하였다. 둘째, 동남아시아 국가 전체를 포함하는 한류의 동향을 고찰하여 이에 대한 평 가를 하였다. 그 결과 한류의 확산기 평가를 받은 국가는 4개국으로서 인도네시아, 말레이 시아, 타이, 베트남 등이었다. 성숙기 평가를 받은 국가로는 2개국으로서 필리핀, 싱가포르 였다. 성장기 평가를 받은 국가는 2개국으로서 미얀마, 캄보디아였다. 신흥기 평가를 받은 국가는 3개국으로서 브루나이, 라오스, 동티모르 등이었다. 셋째, 한류의 지속적 확산을 위 한 과제로서, 한류의 소강상태의 진단과 대책, 한류담론 균형유지, 한류 관련 DB구축 및 저 작권보호 시스템 구축 등을 제시하였다.

The purpose of this study is to examine the current status of the Korean Wave in Southeast Asia and to present tasks for continuous development in the future. The results of the study are as follows. First, the concept was established by separating similar terms related to the Korean Wave. The history of the Korean Wave was divided into three periods: Hallyu 1.0, Hallyu 2.0, and Hallyu 3.0. Second, the trend of the Korean Wave, including the entire Southeast Asian country, was examined and evaluated. As a result, the four countries that received the assessment of the spread of the Korean Wave were Indonesia, Malaysia, Thailand and Vietnam. It was the Philippines and Singapore as the two countries that received the mature evaluation. The two countries that were evaluated for their growth periods were Myanmar and Cambodia. Countries rated as emerging countries were Brunei, Laos and East Timor. Third, as a task for the continuous spread of the Korean Wave, it proposed the diagnosis and countermeasures of the lull of the Korean Wave, the maintenance of the balance of Hallyu discourse, the establishment of a database related to the Korean Wave and the establishment of a copyright protection system.

본 연구의 목적은 데뷔 50년을 맞은 조용필 음악의 특징을 분석하고 한국 대중음악사적 의의를 평가하는 것이다. 조용필이 활동한 1960년대 후반부터 현재까지의 대중음악사는 세 시기로 구분된다. 1960년대 후반부터 1980년대 초반까지 는 기성세대의 트로트와 젊은이의 록이 유행했던 시기, 1980년대 중반부터 2000년대 초반까지는 소프트 록과 헤비메탈, 발라 드가 혼재했던 시기, 2000대 후반부터 현재까지는 후크 송 중심의 댄스음악이 음악시장을 석권한 시기이다. 음악사의 변곡점 마다 조용필은 다양한 음악 장르를 넘나들며 대한민국 대중음악의 발전에 기여하였다. 첫 번째 시기에는 트로트와 록을 접 목하여 한국 고유의 정서를 담은 록음악을 발표하였고, 두 번째 시기에는 록의 전성기와 발라드의 태동기에서 두 장르 모두 의 발전에 기여한다. 세 번째 시기에는 후크송을 발표해 논란을 일으키기도 하였으나 댄스 음악 장르에서도 보컬의 가창력 이 중시되는 분위기를 조성하는 데 기여하였다.

This study analyzes Cho, Yong- Pil’s contribution on K-Pop history as he celebrates the 50th anniversary of his debut. The history of K-Pop, when Cho has been active in, is divided into three periods. From the late 1960s to the early 1980s was a period when trots and rocks were popular. Soft rock, heavy metal, and ballads came in from the mid-1980s to the early 2000s. From the late 2000s to the present, dance music, mostly hook songs, has dominated. In every inflection point of K-Pop history, he contributed to the development throughout various musical genres. In the first period, he introduced rock music with the unique emotion of Korea by combining the trot and the rock genre. In the second period, he contributed to the development of both rock and ballad genres. In the third period, his hook songs were released to the controversy, but it contributed to creating an atmosphere in which the vocal ability of the vocalist in idol groups was emphasized in the K-pop scene.

The recent popularity of contemporary gugak (Korean traditional music) and performing arts in Britain is on the rise, and this is attributed to a combination of young Korean artists’ creativity and the aid of cultural agencies of both Korea and the U.K. with perfect timing. Along with the K-pop’s popularity, this resulted from the success of a series of the K-Music concerts (the fourth time in the 2017 season) performed by the young creative Korean performers who pursues global communications. These regular concerts initiated at the suggestion of strategic partnerships and cultural exchange between Korean and Britain by the UK government official in 2012. The year was momentous both for Korean music and Korean culture collectively called ‘Hallyu (Korean Wave)’ when Gangnam Style by Psy reached the top U.K. single chart through YouTube and the large scale of Korean festival took place in London during the London Olympic Games. These two crucial events fueled not only the spread of Hallyu, but the catalyst for major attraction of contemporary gugak in Britain. Shown in its recent concert series performed for the committed British audience, it will be a turning point in the history of Korean music. At present contemporary gugak is seen as great potential for the promotion of Korean cultural exports. This article examines the processes and background of contemporary gugak gaining the global status within the context of Britain.

As the South Korean government invests ever more heavily in its soft power, categories such as pop music, television dramas, and Korean cuisine—rebranded as K-pop, Kdramas, and K-food, respectively—become tools for furthering South Korean interests abroad, as well as for changing national identity at home. Although South Korea continues to be known as a land of excessive “education fever,” where children and teenagers go through a grueling school system in order to win acceptance at a handful of top universities, the growing pop industry gives hope to some children and parents that success may be found through other avenues. Elsewhere I have explored negotiations between parents and children over academics, artistic pursuits, and fandom activities; in this article I specifically examine discourse around the nostalgia-laden television dramas in the Answer Me franchise (which introduced South Korea’s first mass pop fandom era in Answer Me, 1997, and then reached back to 1994 and 1988 in subsequent series) and connections between the nostalgic pop fandom worlds presented on-screen and current K-pop desires and anxieties in South Korea. Drawing on interviews with mothers and daughters, analysis of media reports, and readings of the media texts in question, I argue that mothers and daughters utilize nostalgic media (Kdramas) and future-oriented media (K-pop) in the everyday to understand one another’s affective worlds, and to forge mother-daughter bonds. Evolving Korean screen cultures are shifting understandings of leisure, filial and maternal subjectivity, and productive citizenship in South Korea.

이 연구는 현재 진행되고 있는 공공부문에서의 대중음악 지원정책에 대하여 분석하고, 해외 선진 사례를 비교 하여 살펴봄으로써 한국대중음악의 발전 방안을 제안하는데 목적을 두고 있다. 그리고 다른 예술장르와 마찬가지로 우수한 콘텐츠를 지속적으로 시장에 공급하여 소비자인 대중들에게 선택 을 받도록 하는 것이 한국대중음악의 지속적인 발전을 담보하는 최선의 방안이며, 그것이 가능하기 위해서는 우수 한 콘텐츠가 만들어질 수 있는 창작기반을 강화할 수 있도록 지원해야 한다는 전제를 가지고 연구를 진행하였다. 또한 문화산업적인 효용성과 함께 동시대인들의 압도적 지지를 받고 있는 예술의 한 장르로서의 대중음악의 창작 기반 강화는 공공부문에서의 보다 적극적인 정책적 지원을 통해 이뤄져야 한다는 입장을 가지고 연구에 임 하였다. 문화산업은 이제 개인이나 기업 차원에 한정하여 논의할 대상이 아니다. 문화산업은 국가 핵심 산업의 하나로 정부 차원에서 전략을 수립하고 체계적으로 지원하여야 하는 부분이다. 그리고 K-pop을 필두로 한국대중문화가 전 세계적으로 확산 움직임을 보이는 지금이 한국대중음악에 대한 정책적 관심과 지원이 집중되어야 할 때이다. 다만 이번 연구는 대중음악을 문화산업적인 측면에서 접근하는데 그치고 있어, 대중음악이 가지고 있는 본질 적인 요소인 예술적･사회적 가치와 효용성에 대하여 깊이 있게 논의를 전개하지 못한 미흡함이 있어 이후의 연 구에서 이를 보완하여야 할 것이다.

This study focuses on the support for popular music in public sector policy. In addition, it suggests development strategies for Korean popular music based on a comparative case study of the overseas popular music support policy. It explores how it is pivotal to continuously provide qualified content to be selected from the public, sustaining development of Korean popular music as is the case with other art genres. To perform this, it is the presupposition that there should be support to reinforce the creative foundation in order to create qualified content. Furthermore, this study states the perspective that it is necessary to have positive supporting policies in the public sector about the reinforcement of creative foundations for popular music, as popular music is considered an art form that has strong public interests and utility in the cultural industry. The cultural industry is not a subject to be discussed separately on the individual level or organizational level. It should be discussed as one of the national core industries establishing strategies and having systematic support on a government level. Furthermore, it is time to focus on political interest and support of Korean popular music as it globally expands from K-pop to Korean culture. The limitation of this study is only discussing popular music as the perspective of the cultural industry and not covering popular music’s artistic and social value and utility. Therefore, further research can be performed on these topics.