Earticle

도시의 한계가 한 국가의 수도나 산업의 중심지로서의 역할을 넘어, 미래에서는 대도시 Big City의 양적 팽창을 넘어선 Global City라는 지역을 초월한 새로운 도시적 패러다임으로 진입했다. 이제 도시는 새로운 정체성을 확립하기 위해 시민들의 주거와 생활, 국가와 산업의 중심과 행동의 역할을 넘어서서 도시 자체가 브랜드화 되고 도시 자체로서 그 시대 문화가 표출되기도 한다. 공공미술은 산업화의 확산 이후 도시 형성의 확산으로 주거와 생활의 공간의 변화에 따른 문화 경험의 주체들이 다양화되면서 도시 중심부나 정부 단체 건물, 광장, 공원, 학교, 병원, 역사, 주택 외벽 등에 자주 등장하고 있다. 공공미술은 글로벌 시티의 앞으로의 시대에 있어서 더욱더 문화와 예술의 공공적 역할에 대해 확산될 것이다. 이러한 관점에서 공공미술로써의 화훼예술의 역할과 도시환경 속에서 나타난 예술의 체험의 오브제로써 식물적 환경조형물의 역할에 대해 다시금 생각해 보고자 한다. 2009년 서울시는 한강 르네상스 정책을 발표하였다. 그리고 서울시청 앞 광장, 청계천 문화거리 조성, 광화문광 장, 인사동 문화지구 재정비 사업 등이 발 빠르게 전개되었다. 이러한 흐름 속에서 광화문광장의 ｢플라워 카펫｣은 광장의 목적을 공원화하면서도 새로운 관점에서 주목을 받았던 조형적 행위로 판단된다. 그러나 이러한 환경과 예술을 융합하는 과정에서 발생한 결과물들이 동시대의 미적 가치 판단으로 점검되어야 하며, 또한 공공의 자산으로 자연과 예술, 문화의 가치를 연구하고자 한다.

The function of a city has entered into the paradigm of Global city that is beyond the expansion of big city in amount, and beyond the regional notion in the future. It is beyond the limitation of function as the capital of Korea, and the metropolis of industry. Now, the city itself is branded, and becoming the expression of generational culture to set up the new Identity overcoming the function of place for habitation of citizen, and the center for the nation and industry. Public Art appears often in the central of the city, public collective architecture, plaza, park, school, history and external wall of residence. And these appearances are due to the expansion of city after the industrialization, with diversifying of the cultural entities according to the change in spatial habitation. Public Art, as for the Global city in the future, will be expended into public function for culture and art. From this point of view, the researcher would like to evaluate the function of Floral Formative Art as Public Art, and ‘objet’ as the artistic experience appeared in urban environment. In 2009, Seoul Metropolitan City, announced Han-gang Renaissance policy. And the composition of Seoul City Hall Plaza, cultural street of CheongGyeChun, KwangWhaMoon Plaza, and the rearrangement plan of Insa-Dong culture district were executed rapidly. In the course of this stream, ‘Flower Carpet’ in KwangWhaMoon Plaza, is thought to be estimated as the formative action that transforms the object of the plaza into the park, and to be gotten the attention from a novel point of view. Nevertheless, the result created by the process of combining the environment and art should be evaluated by the aesthetical value judgment. The researcher would like to investigate on the value of nature, art, and culture as public assets.

공공예술은 모두를 위한 예술이라는 별칭을 가지고 있다. 공공성이 자유롭고 평등한 모두의 접근을 허용하는 개방성을 갖고 있기 때문이다. 그렇다면 공공성을 평가하는 일 은 곧 ‘배제’의 흔적을 살피는 일이다. 이를 위해 이 글은 배제된 존재를 규정하는 서발터 니티라는 개념을 먼저 살펴본다. 여기서 서발터니티는 ‘임계’와 ‘전복성’을 드러낼 것이 다. 이것은 공공예술계 내부의 전복성과, 공공예술이 작동하는 사회를 향한 전복성과 연 결된다. 이어서 이러한 임계와 전복성의 감각을 드러내는 데 예술이 특화되어 있음을 보 여준다. 특히 서발터니티가 ‘장소성’과 관련되는데, 공공예술도 장소와 밀접한 관련이 있다는 점에서 두 개념은 연결될 여지가 많다. 서발터니티의 장소성은 주로 주변, 경계 등과 결부된다. 그래서 서발터니티의 장소는 경계지와 밀접한 연관을 맺기 마련이다. 그 대표적인 장소가 관문도시다. 따라서 이 글은 서발터니티의 장소성을 드러내면서, 이 글이 작성되고 있는 관문도시 부산의 서발터니 티를 추적하고 있다. 그 교점에서 완월동을 다루는 부산의 공공예술 사례가 언급된다. 이 글은 여기서 더 나아가 공공예술 전체가 그런 장소성을 주요한 임계의 감각으로 활용한 다는 것을 언급함으로써 다양한 공공예술의 사례와 임계적 공공성의 등장을 설명한다. 결과적으로 공공예술은 임계의 감각을 활용하여 새로운 감각을 보여주고, 이를 통해 새로운 의미 생성을 요구한다. 이는 기존 공공성에 임계를 제공하여 특정 지역과 사회에 새로운 공공성을 창출하도록 촉구한다. 이 지역과 사회의 스펙트럼은 매우 유동적이고 중층적이다. 공공예술은 임계적 공공성을 근간으로 합리성 중심의 공론장을 넘어설 뿐 만 아니라, 합리적 공공성에 우선한다. 그러므로 공공예술의 공공성은 임계적 공공성에 대한 감각 없이 자신의 공적 역량을 제대로 발휘할 수 없다.

Public art is nicknamed art for everyone. This is because publicness has openness that allows free and equal access to all. In that case, evaluating publicness means examining traces of ‘exclusion.’ In this way, this article first examines the concept of subalternity, which defines excluded beings. Here, subalternity will reveal its ‘criticality’ and ‘subversiveness.’ This will be connected to the subversiveness within the public art world and the subversiveness toward the society in which public art operates. Next, this article shows that art specializes in revealing this sense of criticality and subversiveness. In particular, since subalternity shows that it is related to ‘placeness,’ there are many public art works that are connected to placeness. Placeness of subalternity is mainly associated with marginal places or boundaries. Therefore, places of subalternity are closely related to borderlands. The representative place is the gateway city. Therefore, this article reveals the placeness of subalternity and traces some of the subalternity of Busan, the gateway city where this article is written. At that intersection, an example of public art in Busan dealing with Wanwol-dong is mentioned. This article goes further to explain various examples of public art and the emergence of critical publicness by mentioning that public art as a whole utilizes such sense of place as a major criticality. As a result, public art shows new senses by utilizing critical senses, and through this, requires the creation of new meaning. This provides a threshold for existing publicness and urges the creation of new publicness in specific palces and societies. The spectrum of this palces and society is very fluid and multi-layered. I defined this as critical publicness, which not only goes beyond the rationality-centered public sphere, but also takes precedence over rational public sphere. Therefore, the publicness of public art cannot properly demonstrate its public capacity without a sense of critical publicness.

This study discusses the community of participants in new media-based art of Taeyoon Choi, Wafaa Bilal and Mushon Zer-Aviv in relation to current discourses on social functions of art by Nicolas Bourriaud and Jacques Rancière. Focusing on these artists' participatory projects which aim to provide alternative perspectives on wars between countries, to raise awareness about expanding surveillance systems in city spaces, or to create new public spaces on the web, this paper argues that their works hybridize entertainment culture and political activism to suggest a new model for political art.

이 연구는 화예조형작품의 외부 설치의 가능성을 실험하고 조경 작업의 일부로서 영구 전시의 가능성을 실험하였다. 연구의 방법은 수원대학교 미술대학원 화예조형학과가 세계도자비엔날레의 초대를 받아 이천 설봉 공원 내 도자 센터 외부환경에 화예조형 작품 2005년에 38작품, 2007년에 29작품, 2009년 10작품 총 77작품을 설치한 작품을 분석, 환경작품의 가능성을 연구하였다. 작품의 전시 기간과 참가작품 수, 작품의 조형적 특성, 작품에 사용한 재료, 작품의 크기, 환경과의 통합성, 관객 참여를 기준으로 분석하였다. 분석결과 6년간 전시하는 작품이 1점, 4년간 전시하는 작품이 16점 등으로 비교적 전시 기간에 관한 영구 전시의 가능성도 확실하게 예견되었다. 철재의 사용이 많은 것은 철판과 철 환봉이나 철선 및 스텐리스 스틸이나 동선은 비교적 견고한 성향으로 규모 있는 외형 구성이 쉬운 점과 일정한 기간 내에 도색과 보수만 하면 장기간 전시가 가능한 장점을 이용한 것이다. 조형 형태는 기하형태, 오브제작품, 자연의 이미지를 추상화하여 표현한 작품이 크게 두드러지며 규모가 비교적 큰 작품이 많은 것이 특성이다. 2007년 전시에서는 뿌리가 있는 채로 작품에 식재할 수 있도록 한 것이 특성이다. 식물은 작품 내에서 활착하여 작품의 질감과 색채의 변화를 보이며 성장하여 작품의 조형적 특성을 극대화 하고 양감을 충만하게 하였다. 작품들은 자연에 통합되어 살아 숨 쉬며 성장하고 충분한 양감과 질감, 색채의 변화를 유도하였으며, 이 공원을 찾은 수많은 관객들에게 새로운 환경을 제공하고 작품 내에서 사진을 찍기도 하고 들여다보고 만지고 두드려도 보고 함께 즐기는 모습이었다. 환경 작품은 관객과의 소통이라는 이러한 특성으로 인해 견고성과 안정성에 특별히 신경을 써야만 하는 작품임으로 견고와 안정성에 대한 특별한 주의가 요구된다. 뿐만 아니라, 비바람, 강풍 또 관객들이 만지거나 참여할 수 있는 견고한 작품설치가 화예작가들이 심각하게 고민해야 할 문제이다.

This is a study on experiment of out door established contemporary floral sculpture. From 2005 Kyungi Ichon World ceramic exposition biennale in Korea organizer invited the group "contemporary floral formative art" in graduate school of Suwon University to create floral sculpture as environmental sculpture at SulBong park located on Ichon city Kyunggido Korea. The group created 77 works during 6 years in the park as public art with flower or plant materials. Purpose of this study testify the possibility of floral sculpture as public art. Durable of exhibiting, works, specifics of plastic form, unification with environment, and spectators participation were tested. Result is testified floral sculpture as public art. Futhermore the plant materials go very well with environment and bred together with plant growth make the works fulfill the plastic specialities. Most of the works created the shape with iron bar or iron plane and plant. Geometric forms, object art, images of nature, are expressed as abstract form in this floral sculpture. Time goes by the plant materials grow and filled the mass and maximized plastic shape and variation of seasons give the color, mass, and texture to the works and change the environment. If the floral artist study more on environmental art and attempt create environment works encourages the younger take floral art as professional job. We have to more careful of it's protection with children's touch, and heavy rain, cold weather strong wind, weather etc.

The direction of “public art” has changed according to changes in the way it views “public”. Today, “Public Art” aims to be a “new genre of public art” theorized by Susan Lacy. According to the report, ‘Public Art’ shows the value of art's existence to the audience in the most democratic way. In other words, we aim for art for everyone. In addition, public art can lead to various discourse to achieve the goal of contributing to public life. Therefore, many people expect that public art can play a big role in forming a democratic society. In fact, attempts are being made to actively utilize “public art” in Korea. However, it has not achieved as much as expected. Most of all, “sustainability” has emerged as an important topic. This paper noted the concept of ‘public environmental art’, which provided the basis for the way humans and nature can coexist, with the emphasis on ‘sustainable art’. Among them, we looked at Fritz Haeg's “Edible Estates”, which was recognized for its artistic value together while deepening and expanding the social functions of public art. It is a project that proved ‘Art for All’ by recognizing the importance of art museum, audience and work relationship. There is also an attempt to pursue “public environmental art” in Korea, which is meaningful to the Korean public art community. Public art should take precedence over planning that melts with the lives of places and citizens. As in the case of Korea, it is important to create an environment where citizens can induce participation not by vertical-oriented policies but by their own will. The “Edible Estates” succeeded in creating a place where people naturally gather, not artificially. Also, in order for public art not to lose its artistic value, we have to think about the diversity of public art themes. All methods should be considered in a way that is consistent with the region currently seeking to utilize public art. Above all, “Edible Estates”, which proves the role of public art that adds meaning to “art for all”, tells us what sustainable public art is and where to move forward. It conveys the importance of the role of public art for relatively marginalized citizens in art genres that only a few can enjoy.

The purpose of this study is to design a participatory framework for voxel-LED public art that integrates artificial intelligence for sustainable urban engagement. Using a Research through Design (RtD) approach, the framework combines a voxel-LED installation with an interactive kiosk, enabling citizens to co-create content through generative AI and to experience adaptive responses based on environmental data. The proposed system indicates both technical feasibility and design potential, offering two core scenarios: generative co-creation and environment-aware adaptation. While still conceptual in scope, the results specify a replicable model for participatory urban art and provide a roadmap for future studies to evaluate user interaction and advance placemaking-oriented practices.

Une des formes les plus visibles de l'interprétation est l'interprétation consécutive parce que l'interprète se retrouve devant l'auditoire auquel s’adresse le véritable orateur. Mais prendre la parole en public est une chose à laquelle même les novices font face - certains avec plus de succès que d'autres. Parler en public est enseigné dans les écoles secondaires, les collèges et dans le cadre de formations en entreprises afin d'aider les gens ordinaires à surmonter les diverses difficultés qu'ils rencontrent lors de leur prise de parole devant un auditoire. Ces problèmes que les gens ordinaires connaissent sont les mêmes que ceux que les interprètes doivent affronter lors de l'interprétation consécutive. Cet article examine quatre éléments impliqués dans la prise de parole en public - le trac, le contact visuel, la voix, les pauses et la prononciation. En prenant ces quatre éléments de la prise de parole en public et en les appliquant à l'interprétation consécutive, il est possible d’enseigner aux interprètes les moyens pour améliorer leur prestation d’interprétation consécutive, cette dernière constituant un excellent outil de relations publiques pour la profession.

With the proliferation of generative AI painting technology, “AI painting” has sparked widespread discussion on social media. The Weibo platform, with its large user base and high interactivity, provides an ideal context for exploring public attitudes and topic dynamics. This study combines sentiment analysis and topic modeling to quantitatively analyze 13,379 relevant Weibo posts published between October 2024 and March 2025. For sentiment analysis, we constructed a BERT-based model incorporating a dynamic attention mechanism. After pre-training and fine-tuning on 1,487 domain-specific texts, the model achieved an accuracy of 95.12% and an ROC-AUC of 0.9818. The results reveal a polarized sentiment among Weibo users toward AI painting: 75.9% expressed positive emotions, while 24.1% expressed negative emotions. Positive content tended to combine images and text and received more reposts, whereas negative content was more often original text-only posts but demonstrated a greater capacity to drive interaction, reflecting the "negativity bias" phenomenon. In terms of topic modeling, BERTopic identified five core themes: ethical controversies and industrial impact, technology-driven creation, artistic exploration and aesthetic innovation, digital preservation of cultural heritage, and vertical content operations. These themes highlight the multifaceted significance of AI painting across technological, artistic, and social dimensions. From the perspectives of communication studies and psychology, this study uncovers the emotional structure and communication mechanisms of “AI painting” on Weibo, offering empirical and methodological insights for understanding the social acceptance of generative AI and platform public opinion governance.

이 연구에서는 대구광역시의 공공도서관과 문예회관에서 운영하는 문화교육프로그램에 대한 수강자들의 인식과 만족도에 대한 조사를 실시하였다. 조사결과 도서관 수강자들은 전반적인 만족도와 충성도, 프로그램 내용 및 강사 품질을, 문예회관 수강자들은 기관의 지원 및 제반서비스와 시설 및 환경에 대해 더 높게 인식하고 있는 것으로 나타났다. 도서관 수강자의 고객만족도(LCSI)는 78.02점으로 나타났으며 문예회관 수강자의 고객만족도는 77.22점으로 산출되었다.

This study investigates the participants' perception and satisfaction score for culture and education programs operating in public libraries and culture & art centers in Daegu Metropolitan City. Attendees of the public libraries' programs have higher overall satisfaction, customer loyalty on the contents of the program and lecturers than those of the culture & art centers' programs. Attendees of the culture & art centers' programs rated staff supports and services, facilities and educational equipments higher than those in the public libraries' programs. This study calculates the LCSI score in public libraries(78.02) and culture & art centers(77.22).

1990년대 수잔 레이시의 ‘새로운 장르 공공미술’ 이후 현대의 공공미술은 기술을 적 극적으로 수용하기 시작했다. 실제 세계와 가상의 특성을 융합하여 다양한 감각체계를 활용하는 증강현실 공공미술 역시 그 중 하나이다. 이에 본 연구는 공공미술이 증강현 실에 의해 표현되는 특성을 분석하고, 그에 대한 전망을 제시하고자 하였다. 이를 위해 레이시의 새로운 장르 공공미술을 분석틀로 활용하였으며, 다양한 관점과 해석을 깊이 이해하기 위해 심층인터뷰를 시행하였다. 분석 결과, 첫째, 공공미술이 증강현실과 접 목될 경우 관람자의 자발적인 개입으로 ‘주체성’이 강조된다. 둘째, 전통적인 공공미술 에서는 구현하기 어려웠던 ‘초월성’을 나타낼 수 있다. 셋째, 다양한 주제를 다룰 수 있 으며, 작품의 메시지를 직관적으로 전달하여 ‘이해성’이 향상된다. 넷째, 관람 지역의 제한이 없어 시민들의 예술 향유 기회를 확대함으로써 ‘연결성’을 강화하고, 범지구적 동료애를 형성할 수 있다. 다섯째, 작품과 상호작용을 통해 ‘유희성’이 강화된다. 결과 적으로 증강현실과 접목된 공공미술은 음향이나 진동과 같은 공감각적인 기술을 활용 하여 특수계층의 예술 감상에 대한 진입장벽을 낮추는 기회를 제공할 것으로 전망된 다. 본 연구가 공공미술이 대중과의 상호작용을 통해 그 영역을 확장하는데 기여할 수 있기를 기대한다.

After Suzanne Lacy’s ‘New Genre Public Art’ in the 1990s, modern public art started embracing technology actively, including augmented reality (AR). AR public art merges physical and virtual elements, engaging multiple senses. This study analyzes AR public art’s attributes and potential. Using Lacy’s new genre framework, in-depth interviews were conducted for diverse insights. The analysis reveals several key points. Firstly, AR-based public art underscores ‘subjectivity’ due to viewer interaction. Secondly, it achieves ‘transcendence’, a challenge in traditional public art. Thirdly, it tackles various themes, enhancing ‘understanding’ by intuitively conveying messages. Fourthly, it’s not limited by viewing locations, expanding art access, enhancing ‘connectivity’, and fostering global unity. Fifthly, it enhances ‘playfulness’ through interactive experiences. AR-based public art offers potential to utilize synesthetic tech (sound, vibration) for inclusive art appreciation. This study advances public art, creating a platform for real-space interaction with the public.

1990년대 수잔 레이시의 ‘새로운 장르 공공미술’ 이후 현대의 공공미술은 기술을 적 극적으로 수용하기 시작했다. 실제 세계와 가상의 특성을 융합하여 다양한 감각체계를 활용하는 증강현실 공공미술 역시 그 중 하나이다. 이에 본 연구는 공공미술이 증강현 실에 의해 표현되는 특성을 분석하고, 그에 대한 전망을 제시하고자 하였다. 이를 위해 레이시의 새로운 장르 공공미술을 분석틀로 활용하였으며, 다양한 관점과 해석을 깊이 이해하기 위해 심층인터뷰를 시행하였다. 분석 결과, 첫째, 공공미술이 증강현실과 접 목될 경우 관람자의 자발적인 개입으로 ‘주체성’이 강조된다. 둘째, 전통적인 공공미술 에서는 구현하기 어려웠던 ‘초월성’을 나타낼 수 있다. 셋째, 다양한 주제를 다룰 수 있 으며, 작품의 메시지를 직관적으로 전달하여 ‘이해성’이 향상된다. 넷째, 관람 지역의 제한이 없어 시민들의 예술 향유 기회를 확대함으로써 ‘연결성’을 강화하고, 범지구적 동료애를 형성할 수 있다. 다섯째, 작품과 상호작용을 통해 ‘유희성’이 강화된다. 결과 적으로 증강현실과 접목된 공공미술은 음향이나 진동과 같은 공감각적인 기술을 활용 하여 특수계층의 예술 감상에 대한 진입장벽을 낮추는 기회를 제공할 것으로 전망된 다. 본 연구가 공공미술이 대중과의 상호작용을 통해 그 영역을 확장하는데 기여할 수 있기를 기대한다.

After Suzanne Lacy’s ‘New Genre Public Art’ in the 1990s, modern public art started embracing technology actively, including augmented reality (AR). AR public art merges physical and virtual elements, engaging multiple senses. This study analyzes AR public art’s attributes and potential. Using Lacy’s new genre framework, in-depth interviews were conducted for diverse insights. The analysis reveals several key points. Firstly, AR-based public art underscores ‘subjectivity’ due to viewer interaction. Secondly, it achieves ‘transcendence’, a challenge in traditional public art. Thirdly, it tackles various themes, enhancing ‘understanding’ by intuitively conveying messages. Fourthly, it’s not limited by viewing locations, expanding art access, enhancing ‘connectivity’, and fostering global unity. Fifthly, it enhances ‘playfulness’ through interactive experiences. AR-based public art offers potential to utilize synesthetic tech (sound, vibration) for inclusive art appreciation. This study advances public art, creating a platform for real-space interaction with the public.

본 연구는 데이터 아트를 공공미술의 한 형태로 탐구하며, 시각적 추상성과 복잡성에 중점을 둔다. 최근 몇 년간 설치미술과 미디어아트 같은 뉴미디어 작품들이 공공공간과 건축물을 변화시키며, 도시 공간을 새로운 경험과 영감을 제공하는 장소로 변모시키고 있다. 그러나 데이터 아트를 공공미술로 활용하는 사례는 여전히 제한적이다. 데이터 아트는 방대한 데이터를 시각적으로 표현해 독특한 통찰을 제공하며, 다양한 표현을 통해 새로운 의미를 전달할 수 있다. 예를 들어, 실시간 기후 데이터를 통합한 데이터 아트는 중요한 메시지와 미적 경험을 동시에 가능하게 한다. 공공장소에 설치된 데이터 아트의 기술적 및 예술적 측면을 분석한 결과는 다음과 같다. 데이터 아트의 추상성과 복잡성은 공공장소에서 시민들에게 몰입과 새로운 경험을 제공하며, 정신적 재충전을 가능하게 한다. 기하학 추상이나 추상표현주의 스타일로 표현되는 데이터 아트는 시각적 흥미를 유발하며, 작가의 설계에 따라 질서와 균형을 갖춘 복잡성으로 시민들에게 놀라움과 새로움을 제공한다. 다양한 원데이터를 실시간으로 시각화한 데이터 아트는 디지털 스크린이나 LED를 사용한 설치형 작품으로 제작되며, 건물 로비, 버스 정류장, 공원 등 다양한 장소에 설치되어 더 많은 사람이 일상에서 예술을 경험할 수 있도록 한다. 따라서 공공미술로서 데이터 아트는 그 추상성과 복잡성 덕분에 시민들에게 몰입과 정신적 환기를 제공하며, 시민들의 감성을 자극하고 열린 사고를 도모할 수 있다.

This study explores data art as a form of public art, focusing on visual abstraction and complexity. In recent years, new media works such as installation art and media art have transformed public spaces and architecture, turning urban areas into places that offer new experiences and inspiration beyond mere transit or commercial uses. However, the utilization of data art as public art remains limited. Data art visually represents vast amounts of data, providing unique insights and conveying new meanings through various forms. For instance, data art that integrates real-time climate data can offer both important messages and aesthetic experiences. The analysis of the technical and artistic aspects of data art installed in public spaces reveal the following: Data art’s abstraction and complexity provide citizens with immersive and novel experiences, enabling mental rejuvenation. Data art, expressed in geometric abstraction or abstract expressionist styles, captivates viewers and offers a balanced complexity designed by the artist, delivering surprise and newness. Utilizing diverse raw data and visualized in real-time, data art is created as installation pieces using digital screens or LEDs. These artworks are installed in various public places such as building lobbies, bus stops, and parks, allowing more people to experience art in their daily lives. Therefore, as public art, data art, with its abstraction and complexity, can engage citizens emotionally and promote open-minded thinking.

본 연구는 도시 공공미술에 관한 연구로, 미술과 건축의 접점을 이루는 공간인 현대의 파빌리온을 중심으로 새로운 도시 공공미술과 도시의 기능에 관한 융. 복합적인 논의의 필요성에서부터 연구가 발현되었다. 건축과 미술을 비롯한 시각예술 분야에서 파빌리온은 경계를 허무는 유연하고 다층적인 매개체이다. 파빌리온의 의미는 영구적 건축물이 아닌 가설 건물이나 임시 구조체를 의미하는 것이다. 따라서 뚜렷하고 고정적인 용도를 담지 않는 건축물이기에 역으로 현대 사회의 다양한 논의와 요구들을 시기적절하게 담아낼 수 있는 공간이기도 하다. 도시 공간은 유동적이며 자생적이라는 특성을 지닌 일상적인 삶에 의해서 이루어지는 곳이다. 그렇기에 도시 공공미술은 우선적으로 유기적인 ‘장소’의 구축을 실현하는 방향으로 전개되어야 할 것이다.이러한 이유에서 현대 도시 공공미술에서 파빌리온이 새로운 대안으로 제시되고 있다. 파빌리온은 일상과 다른 축제를 담는 공간 이상으로 도시를 탈바꿈하는 기회를 제공하고 있다. 파빌리온이 가지고 있는 임시성, 가변성, 융통성 등의 본질적인 속성들은 여러 전문 분야들과의 협업이 가능하게 하는 중요한 요소이기에 2000년도 이후 파빌리온 공간이 여러 분야에서 중요한 화두로 등장하게 되었다. 건축의 영역을 확장하는 매체이자 주류 건축의 대안으로서 시작된 파빌리온은 도시가 가지고 있는 소통과 유동성의 결핍을 채우고, 특히 공간과 그 공간을 점유하는 관람객 혹은 참여자들의 관계의 매개자 역할을 수행 할 수 있게 되었다. 동시대 미술 속에서 파빌리온 구조물은 사회적으로 자기 반영적인 속성을 지니면서 건축이나 미술이라는 한 지점에 머무르지 않는 서로의 접점을 찾아가는 확장하는 매개체로 나아가고 있다.

In the field of visual arts, including architecture and art, Pavilion is a flexible and multi-layered medium that breaks boundaries. Pavilion means temporary buildings or temporary structures, not permanent buildings. In itself, it has a temporary and ambiguous nature that allows for variable deformation in its applications. Therefore, it is a place where various discussions and demands of modern society can be captured in a timely manner, as it is a building that does not contain clear and fixed purposes. Traditional public art was focused on quantitative improvement of public life in urban space and society with monumental, separated works from the place, and large outdoor sculptures. However, urban space is a place where everyday life is characterized by fluidity and self-sustaining. Therefore, urban public art should first be developed in the direction of realizing the establishment of an organic “place”. For this reason, Pavilion is proposed as a new alternative in modern urban public art. Pavilion offers opportunities to transform the city beyond the space for everyday life and other festivals. The essential attributes of Pavillion, such as temporality, variability, and flexibility, are important factors that enable collaboration with various specialized fields, so since 2000, In contemporary art, the Pavilion structure is moving toward an expanding medium that has socially self-reflective properties and finds each other's contacts that do not stay at a single point, such as architecture or art.

본 연구는 도시 공공미술에 관한 연구로, 미술과 건축의 접점을 이루는 공간인 현대의 파빌리온을 중심으로 새로운 도시 공공미술과 도시의 기능에 관한 융. 복합적인 논의의 필요성에서부터 연구가 발현되었다. 건축과 미술을 비롯한 시각예술 분야에서 파빌리온은 경계를 허무는 유연하고 다층적인 매개체이다. 파빌리온의 의미는 영구적 건축물이 아닌 가설 건물이나 임시 구조체를 의미하는 것이다. 따라서 뚜렷하고 고정적인 용도를 담지 않는 건축물이기에 역으로 현대 사회의 다양한 논의와 요구들을 시기적절하게 담아낼 수 있는 공간이기도 하다. 도시 공간은 유동적이며 자생적이라는 특성을 지닌 일상적인 삶에 의해서 이루어지는 곳이다. 그렇기에 도시 공공미술은 우선적으로 유기적인 ‘장소’의 구축을 실현하는 방향으로 전개되어야 할 것이다.이러한 이유에서 현대 도시 공공미술에서 파빌리온이 새로운 대안으로 제시되고 있다. 파빌리온은 일상과 다른 축제를 담는 공간 이상으로 도시를 탈바꿈하는 기회를 제공하고 있다. 파빌리온이 가지고 있는 임시성, 가변성, 융통성 등의 본질적인 속성들은 여러 전문 분야들과의 협업이 가능하게 하는 중요한 요소이기에 2000년도 이후 파빌리온 공간이 여러 분야에서 중요한 화두로 등장하게 되었다. 건축의 영역을 확장하는 매체이자 주류 건축의 대안으로서 시작된 파빌리온은 도시가 가지고 있는 소통과 유동성의 결핍을 채우고, 특히 공간과 그 공간을 점유하는 관람객 혹은 참여자들의 관계의 매개자 역할을 수행 할 수 있게 되었다. 동시대 미술 속에서 파빌리온 구조물은 사회적으로 자기 반영적인 속성을 지니면서 건축이나 미술이라는 한 지점에 머무르지 않는 서로의 접점을 찾아가는 확장하는 매개체로 나아가고 있다.

In the field of visual arts, including architecture and art, Pavilion is a flexible and multi-layered medium that breaks boundaries. Pavilion means temporary buildings or temporary structures, not permanent buildings. In itself, it has a temporary and ambiguous nature that allows for variable deformation in its applications. Therefore, it is a place where various discussions and demands of modern society can be captured in a timely manner, as it is a building that does not contain clear and fixed purposes. Traditional public art was focused on quantitative improvement of public life in urban space and society with monumental, separated works from the place, and large outdoor sculptures. However, urban space is a place where everyday life is characterized by fluidity and self-sustaining. Therefore, urban public art should first be developed in the direction of realizing the establishment of an organic “place”. For this reason, Pavilion is proposed as a new alternative in modern urban public art. Pavilion offers opportunities to transform the city beyond the space for everyday life and other festivals. The essential attributes of Pavillion, such as temporality, variability, and flexibility, are important factors that enable collaboration with various specialized fields, so since 2000, In contemporary art, the Pavilion structure is moving toward an expanding medium that has socially self-reflective properties and finds each other's contacts that do not stay at a single point, such as architecture or art.

이항대립적 사고에 저항하는 관점이 대두되면서 해외 대형미술관들은 LGBTQ 가시화를 주요 전략 요소로 삼고 블록버스터급 LGBTQ 전시를 기획하고 있다. 그러나 한국은 LGBTQ 미술을 특정할 만한 아트씬(art scene)을 찾기 힘들고 국공립미술관·사립 주류미술관에서의 한국 LGBTQ 미술전시의 자체적 기획 및 개최의 문은 닫혀있다. 본 연 구는 미술전시의 사회교육적 역할을 바탕으로 첫째, 행위자-연결망이론(ANT)을 바탕으로 한 사회적 행위자(social actor)로서 미술관과 행위자의 실천으로서의 LGBTQ 미술전시를 사례연구를 통해 논한다. 둘째, 한국의 LGBTQ 미술 에 대한 사회적 인식과 특성을 알아보고 혼합연구를 통해 LGBTQ 미술전시 경험과의 상호관계성을 정량적·정성적 으로 분석한다. 마지막으로 앞서 문헌연구, 사례조사 및 혼합연구 결과를 바탕으로 한국 미술관의 한국 LGBTQ 미술 전시 기획에서 고려할 점과 개선방향을 도출한다. 이를 통해 LGBTQ를 포함한 문화충돌적인 주제를 다루는 전시기획 과 운영에 유용한 전략과 방향을 제시하고자 하고 사회적 기관으로서의 역할을 재고찰한다.

With the rise of the perspective of resisting binomial confrontational thinking, large overseas art galleries are planning blockbuster LGBTQ exhibitions with LGBTQ visualization as their main strategic factor. However, it is difficult for Korea to find an art scene that can specify Korean LGBTQ art, and the door to the Korean LGBTQ art exhibition at the national and public art museums and the private main art museums is closed. Based on the social education role of art exhibitions, this study, first, discusses LGBTQ art exhibitions as a practical social action based on actor-network theory (ANT) through representative case studies. Second, it examines social perceptions and characteristics of LGBTQ art in Korea and quantitatively and qualitatively analyzes the interrelationship of diverse factors with LGBTQ art exhibition experience through mixed methodology. Finally, based on the results of literature research, case studies, and mixed research, considerations and directions for improvement are derived in the planning of the Korean LGBTQ art exhibition at the the national and public art museums as well as other main art museums in Korea. Through this, I intend to present strategies and directions useful for exhibition planning and operation dealing with cultural conflict topics, including LGBTQ, and reconsider our role as a social institution.

본 연구에서는 대전시 공공미술 프로젝트 <무궁화 꽃이 피었습니다> 사례연구를 통하여 열악한 주거환경에서 지역공동체를 만들기 위한 공공미술 프로젝트 운영방법을 모색한다. 문헌연구를 바탕으로 지역공동체를 모아내는 공공미술의 세 가지 측면으로 시각성, 특수 성, 소통성을 도출하였고, 이러한 요소들을 기반으로 방문자, 예술가, 지역주민, 기획자 등 연구대상 이해관계자를 심층 인터뷰하여 사례를 분석하였다. 분석결과로 첫째, 주민들의 재활용 쓰레기로 함께 만든 공공미술은 시민과 환경을 효과적으로 조화시키고 통합하고 있었다. 둘째, 프로젝트의 일환으로 운영되는 갤러리는 시민들이 지역의 역사와 상징을 이 해하게 함으로써 지역 정체성 강화에 상당한 역할을 하고 있었다. 셋째, 지역공동체와의 소 통공간으로 마련된 공방은 시민들의 자발적인 공동체 참여를 활성화하는 데 일조하고 있 었다. 상대적으로 기관과의 연구 협력에 관한 인식은 크게 부각되지 않았는데, 이는 열린 공동체라는 가치적 측면에서, 더 다양한 예술 형식에 열려있는 자세로 다른 지역과의 문화 적 연계를 구축하고 지속적인 협력이 필요하다는 점을 시사하고 있다.

The purpose of this study is to find methods for building the community in poor residential environments. We analyze the public art project, “The Rose of Sharon Blooms,” in Daejeon. To understand the project we interviewed artists, curators, local residents, and visitors, about three aspects of public art: visuality, speciality, and communication with citizens. These stakeholder interviews yielded valuable knowledge and insights: First, artworks created from the residents’ recycled junk effectively harmonizes and unifies the citizens and their environment. Second, managing a gallery in the neighborhood symbolically values and explicates the public art project and thus enhanced the local identity. Third, public workshops in the neighborhood provide a venue for local citizens to communicate with visitors about the public arts, which eventually led to the welcoming atmosphere of the community. However, we found relatively little awareness of the need for partnership aspects among our interviewees, which suggests the importance of ongoing cooperation with other arts institutions and researchers to build vital cultural linkages and introduce varied art forms.

본 연구는 기후 위기에 대한 인식을 반영하고 확산시키기 위한 매개로서 디지털 공공미술의 역할을 고찰한다. 기후 위기는 추상적이고 복합적인 특성으로 인해 개인이 그 긴급성과 심각성을 실감하기 어렵다는 한계가 있다. 이에 본 논문은 디지털 공공미술을 통해 기후 데이터를 시각화하고, 관객의 참여를 유도하며, 네트워크를 통해 기후 문제에 대한 인식을 확산 하는 방식을 분석한다. 구체적으로 TeamLab의 <Digitized Nature>, Michael Pinsky의 <Pollution Pods>, Gan Golan과 Andrew Boyd의 ‘<Climate Clock> 사례를 중심으로 분석 한다. 분석 방법은 기후 위기를 반영한 시적 디지털 공공미술, 참여적 상호작용을 통 한 문제 인식, 네트워크를 통한 확산이라는 세 가지 유형으로 나누어 고찰하였다. 사례로 제시된 작품들은 디지털 미디어를 통해 기후 위기를 감각적, 정서적으로 체 험하도록 유도하는 구성을 가진다. 이는 디지털 기술이 공공성과 예술성을 기반으로 하여 기후 위기의 체험을 가능하게 하는 통로가 될 수 있음을 보여준다. 또한 단순한 정보 전달을 넘어 감정적, 신체적 반응을 유발하고, 지속 가능한 행동을 촉진하는 역 할을 수행하고 있음을 증명한다. 따라서 본 연구에서는 디지털 공공미술은 시각적, 조형적 표현을 넘어서 기후 위기 에 대한 사회적 인식과 개인적 행동 변화를 유도하는 공적인 예술로서 기능할 수 있음을 제시한다.

This study examines the role of digital public art as a medium for reflecting and disseminating awareness of the climate crisis. Due to its abstract and complex nature, the climate crisis often fails to evoke a tangible sense of urgency and seriousness in individuals. In response, this paper analyzes how digital public art visualizes climate data, engages audience participation, and fosters widespread awareness through networked dissemination. Focusing on three representative cases—TeamLab’s <Digitized Nature>, Michael Pinsky’s <Pollution Pods>, and Gan Golan and Andrew Boyd’s <Climate Clock>—the study categorizes digital public art into three strategic types: poetic expression of the climate crisis, participatory interaction for awareness, and dissemination through digital networks. These artworks guide audiences to experience the climate crisis sensorially and emotionally through digital media. They demonstrate how digital technologies, grounded in publicness and artistic expression, can serve as conduits for experiencing environmental issues. Furthermore, they go beyond mere information delivery to evoke emotional and bodily responses, promoting sustainable behavioral change. Thus, this study proposes that digital public art functions as a form of public art that not only visualizes and materializes the climate crisis, but also fosters social awareness and encourages individual behavioral transformation.

이 연구는 대중공연장 운영에서 시민들의 참여를 높이기 위한 방안을 마련하고자 하는 인식에서 기초적인 질적연구를 진행한 것이다. 이 연구의 목적은 대중공연장의 운영방법 개선을 통한 활성화였다. 이 연구를 통해 다음과 같은 결론을 제시한다. 첫째, 대중공연장은 시민들이 문화소비 활성화를 통해 효과를 극대화할 수 있도 록 운영방향을 고려해야 한다. 둘째, 지역에서 활동하는 극단이나 공연단체에서 수준 높은 공연 프로그램을 개 봉할 수 있도록 지자체의 경제적 지원 노력이 필요하다. 셋째, 대중예술 공연의 활성화를 위해서는 운영시스템 의 긍정적인 효과를 낼 수 있는 부분을 벤치마킹을 통해 수용하는 태도가 중요하다. 넷째, 대중예술을 시민들 이 삶의 한 부분으로 인식할 수 있는 의식 개선도 필요하다고 본다. 개인의 적극적인 문화소비는 생활 속에서 이루어지는 것이 가장 효과적이다. 다섯째, 시민들이 대중예술을 적극적으로 소비하고, 누리고, 즐길 수 있는 상황으로 만들기 위해서는 소규모 문화예술에 대한 단체활동과 이를 적극적으로 지원해 줄 수 있는 지자체의 경제적 지원시스템이 구축되어야 한다. 여섯째, 지자체의 지원 시스템은 관객의 수준 향상과 참여의 활성화를 가져오는데 도움이 된다.

This study conducted basic qualitative research with the aim of establishing measures to increase citizens’ participation in the operation of public performance halls. The purpose of this study was to revitalize public performance halls through improving their operation methods. The following conclusions are presented through this study. First, public performance halls should consider the direction of operation so that citizens can maximize their effects through the activation of cultural consumption. Second, local governments need to make efforts to provide economic support so that regional theater companies or performing arts groups can open high-quality performance programs. Third, in order to revitalize public art performances, it is important to accept the parts of the operation system that can have positive effects through benchmarking. Fourth, it is also necessary to improve citizens’ awareness so that they can recognize public art as a part of their lives. Active cultural consumption by individuals is most effective when it occurs in their daily lives. Fifth, in order to create a situation where citizens can actively consume, enjoy, and enjoy public art, a local government’s economic support system should be established to actively support small-scale cultural and artistic group activities. Sixth, local government support systems help improve the level of audiences and activate participation.