Earticle

이 연구는 한국창작춤 안무 모티프(motif) 발견을 위하여 <한국무형문화재 춤 전자문화지도>의 활용성을 탐구하 는 것에 목적이 있다. 이에 따라 변민주(2009)가 제안한 콘텐츠 아이디어 도출방법을 매직이프(Magic If), 원형조사, 무용수의 역할, 주제, 표현 매개체, 시대 및 장소, 작품 제목, 시각적 이미지의 8개 한국창작춤 안무 모티프 발견 유형으로 재구성 하였다. 연구결과 첫째, ‘지도 검색’ 메뉴의 ‘분류별’, ‘지역별’, ‘지정일별’ 검색을 통해 ‘매직이프’ 및 ‘원형 조사’와 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 둘째, ‘통합 검색’ 메뉴의 ‘키워드 검색’, ‘태그 검색’을 통해 ‘무용수의 역할’, ‘주제’, ‘표현매개체’, ‘시대 및 장소’ 와 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 셋째, 전체 종목명 리스트를 통해 ‘작품제목’과 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 넷째, ‘미디어’ 메뉴를 통해 ‘시각적 이미지’와 관련된 안무 모티프를 발견할 수 있다. 다섯째, ‘데이터 분석’ 메뉴를 통해 춤을 구성하고 있는 모든 부분에서 안무 모티프를 발견할 수 있다.

This study aims to explore the availability of the < Electronic Cultural Map of Korean Intangible Cultural Heritage Dance> for the discovery of Korean creative dance choreography motifs. According to this, content idea derivation methods presented by Byeon(2009) were reorganized as the 8 Korean creative dance choreography motif discovery types of Magic If, circular methods, dancer roles, themes, mediums of expression, time period and place, work title, and visual images. Research results show that first, choreography motifs related to 'Magic If' and ‘circular methods’ were discovered through searches ‘by classification’, ‘by region’, and ‘by specified date’ of the ‘map search’ menu. Second, choreography motifs related to ‘dancer roles’, ‘themes’, ‘mediums of expression’, and ‘time period and place’ were discovered through ‘keyword searches’ and ‘tag searches’ of the ‘integrated search’ menu. Third, choreography motifs related to ‘work title’ were discovered through the overall item name list. Fourth, choreography motifs related to ‘visual images’ can be discovered through the ‘media’ menu. Fifth, choreography motifs related to all parts that compose dances can be discovered through the ‘data analysis’ menu.

본 연구는 초기 한국창작춤이 태동하였던 시기의 창작춤의 형태를 구분하고 올바른 시대사조를 연구하는데 목적이 있다. 1970년대 형성된 창작춤의 발생양상을 신무용류 창작춤과 한국창작춤으로 구분하여 살펴보고 두 가지 양상으로 분류된 초기 한국창작춤의 형태에 대한 분석을 통해 한국창작춤의 시대정신이 무엇이었으며 한국창작춤이 갖는 진정한 의미가 무엇이었는지 규명 짓는 연구가 될 것이다. 본고는 지금 이시대의 우리춤을 추고 있는 젊은 무용인들이 한국 창작춤의 시대정신과 그 가치를 되새겨보는 것을 통해 어떠한 정신을 가져야하며, 자신의 춤 철학에 대해 생각해 보고 또 새로운 춤 예술장르를 구축해 나갈 수 있는 방법을 찾는 기회가 되길 기대하며 연구의 의미를 두고자 한다. 나아가 무용사의 새로운 계보정리가 되는 초석이 되길 바라며 보다 심도 있는 논의가 지속되길 기대한다.

This study aims to classify the forms of creative dance during the time when the Korean creative dance began and look into the trend of the times, correctly. It will divide the developmental patterns of the creative dance formed during the 1970s into new dance style creative dance and Korean creative dance and examine them. Also, through an analysis of the forms of the early Korean creative dance classified into the two aspects, it will investigate and reveal the spirit of the times in the Korean creative dance and its true meaning. This paper has significance that, through meditating the spirit of the times in Korean creative dance and its value, it can allow young South Korean dancers who do Korean dance in this day and age to think about what spirit they should have, think about their own philosophy of dance, and hopefully, it allows them to have a chance to find a way to establish a new genre of dance art. Moreover, hopefully, it can be the foundation on which the genealogy of dance history can be reorganized, and it is expected that more in-depth discussions will continue in the future.

본 연구는 무용공연에 협업 되는 다양한 예술장르 중 영상미디어의 역할과 관계를 고찰 하고자 한다. 2004년부터 2015년까지 민간단체인 부리푸리무용단 6개의 작품과 2017년 부터 2022년까지 직업단체인 강원도립무용단의 12편의 작품으로 총 18편의 무용공연에 서 영상이 활용되었던 안무자의 작품을 분석하였다. 영상이 사용된 18개 작품과 작품에 서 사용된 41개의 무비클립을 기록하고, 공연장면을 분석하여 무용과 영상의 관계를 고찰하였다. 본 연구는 18편의 작품에 사용된 영상 클립 전체를 수집 기록하고, 작품 분석을 위해 6편의 선행연구에서 공통적으로 제시된 내용을 바탕으로 영상미디어의 사용 목적과 방법을 무대, 무용수, 관객의 관점에서 구분할 수 있는 12가지 표현방법을 제시하였다. 12개의 세부 항목은 작품 속에서 영상의 사용 목적과 특성을 구분할 수 있는 기준이 된다. 결과적으로 이번 연구에서 밝혀진 무용공연과 영상의 관계에서 가장 중요한 기준점은 결국 안무자의 안무 의도이다. 또한 안무자와 영상디자이너의 밀접한 협업은 공연의 작품성을 높일 뿐만 아니라 관객의 관점에서 작품의 이해와 몰입도를 높일 수 있다. 따라서 본 연구는 작품성 높은 무용공연을 만들기 위한 안무자와 영상디자 이너의 20년의 사례를 기록한 연구이다.

This study examines the role and relationship of moving image among various art genres collaborating on dance performances. Six works by the Buripuri Dance Company, a private organization from 2004 to 2015, and 12 works by the Gangwon Provincial Dance Company, a professional organization, from 2017 to 2022, were analyzed 41 moving image clips were used in 18 dance performances. In this study, we collect and screen capture shots of 41 moving image clips out of 18 dance performace. We presented 12 expression methods that can distinguish the purpose and use cases of moving images from the perspective of stages, dancers, and audiences based on the contents commonly presented in six previous studies for work analysis. The 12 expression methods can distinguish the purpose and characteristics of the moving images for the dance performance. As a result, the most important reference point in the relationship between dance performances and Moving Images revealed in this study is the choreographer's intention. In addition, close collaboration between choreographers and video designers can not only improve the work's workability but also increase the understanding and immersion of the work from the audience's view. Therefore, this study is a records 20 years of choreographers and Moving image designers to create dance performances with high workmanship.

본 연구는 본 연구자의 무용작품 『사이』에 관한 연구이다. 비움공간에 대한 노자 사상을 적용하여 현대 공간의 문제성과 인간관계라는 주제성을 표현한 작품이다. 철학적 관념을 몸으로 시지각화 과정과 안무방식은 다양한 안무적 방식에 하나의 자료로써 연구 목적을 가진다. 『사이』는 노자의 ‘도(道)와 명(名)’, ‘대(大)’, ‘현(玄)’을 적용하여 작품전개의 구성과 오브제, 음악, 공간의 표현성을 이루었다. 1장 생성의 공간으로 태아와 여성적 방향을 강조하였으며, 변각구도를 중심으로 비움과 채움을 안무하였다. 2장 차이의 공간으로 철학적 개념을 역으로 활용하여 고립된 공간에서의 인간관계를 설정하여 분리와 고립의 움직임성을 강조하였다. 3장 관계의 공간으로 오브제를 해체하고 관객에게 끈 오브제를 무용수가 전달함으로써 공간을 비우면서 관계를 이루도록 하였다. 이는 관객이 무대 안으로 들어오게 함으로써 직접적 관계를 표현한 것이다. 결론적으로 『사이』 무용작품의 특징적 안무방식을 살펴볼 수 있다. 첫째, 공연 장소인 홀Ⅰ을 원형적으로 그대로 비움으로써 극의 환상성이 아닌 일상의 공간을 활용했다. 그래서 오히려 공간에 있는 문과 거울을 활용하여 표현성을 다양화할 수 있게 했다. 둘째, 접촉이 아닌 상관적 관계의 즉흥적 군무를 통해 새로운 방식의 움직임 표현력을 구현하도록 했다. 셋째, 보기만 하는 관객과 무용수의 역할을 해체함으로써 관객은 극에 직접적으로 참여할 수 있도록 하였다. 어떠한 것에 중점을 두고 안무할 것인지는 안무방식에 직접적으로 영향을 미친다. 메타포가 강한 동양 사상을 중심으로 안무한 것은 안무법의 다양성에 한 부분을 차지할 것이며, 창작 역량에 본 연구가 도움이 되길 바란다. 더불어 본 작품은 그것을 해석하고 몸으로 시지각화 하는 안무법이다. 이는 관념의 시각화라는 하나의 안무법을 제시하는 데 목적과 필요성이 있다. 그리고 본 연구자의 안무방식을 구축하는데 기본적 연구로 의미를 지닌다.

This is a study on researcher’s dance work <Between>. It is a work that expresses the problem of modern space and the subject matter of human relations by applying Lao-tzu's idea on empty space. The process of visual perception and the choreography method on philosophical ideas with a body has a purpose for research as a material for various choreographic methods. <Between> applies Laozi's ideas of ‘way(道)’, ‘name(名)’, ‘greatness(大)’, and ‘mystery(玄)’ to achieve the composition of the work development and the expressiveness of object, music, and space. In Chapter 1, the fetus and the feminine direction are emphasized as a space of creation, and emptiness and filling are choreographed while centering on the changed angle. The space of the difference or Chapter 2 emphasizes the mobility of separation and isolation by establishing human relations in an isolated space with philosophical concepts in reverse usage. Chapter 3 is the space of the relationship and the boundary is dismantled by emptying the space when dancers deliver the object of string to the audience after the object is dismantled. It illustrates a direct relationship by allowing the audience to enter the stage. In conclusion, it is possible to examine the characteristic choreography method of the dance work <Between>. First, Hall 1, the performance venue is emptied in its original form to utilize the space of daily life, not the fantasy of the play. Rather, it allows the diversity of expressiveness by using a door and a mirror. Second, a new way of expressiveness of movement was implemented through impromptu group dance of correlational relationship rather than contact one. Third, by dismantling the roles of the audience and dancers, the audience were allowed to directly participate in the play. What to focus on in choreography directly affects the choreography method. The choreography of space and human relations centered on oriental philosophy will be a part of the diversity of choreography with Strong Metaphor, and this study hopes to be helpful for creative capacity.

본 연구는 후기현대춤적인 요소를 담은 한국창작춤의 용어태동에 기여하고 그 흐름의 경향적 특징을 찾아내고 기록한 김태원의 비평관을 중심으로 한 작업이다. 그는 비평가로 활동하면서 ‘한국창작춤’이란 용어를 처음 사용했다. 그러면서 후기현대춤으로서의 한국창작춤의 춤예술적 경향으로 ‘제의적 창작춤’, ‘스펙터클적 창작춤’, ‘자유 창작춤’ 세가지로 나누고 주요 안무가의 특성을 제시했다. 특히 그는 ‘한국창작춤’이 많은 우려에도 불구하고 독자적 장르화의 춤의 세력화를 이루며 한국 춤예술의 방향을 크게 현대화시켰고 절충적 흐름은 춤작업에서 현대무용수를 참여시키며 서구 현대무용적 미학을 자신들의 춤에 접목시켰다. 그는 이른바 현대무용에의 즉흥적 테크닉을 한국춤에 끌어들이며 다양한 장르의 등장으로 어떤 테두리나 형식을 벗어나기 시작했다고 보았다. 이어 한국창작춤은 한국 전통춤의 언어를 새롭게 변화시키는 운동으로 번졌으며 전통춤(민속춤)을 현대적 춤과 구별 짓지 않으면서 그것을 융합시켜 가는 작업을 시도했다고 하였다. ‘한국창작춤’은 한 장르로서 40년이 되었고 현재 4세대까지 이른 지금, 이 장르는 여전히 진화하고 있다.

The main purposes of this paper contributes to the term origin of korean creative dance with postmodern dance elements and the work focuses on Kim Tae-won’s critical view of finding and recording the trending characteristics of the flow. It was the first time that he used the term ‘korean creative dance’ as a critic. In the meantime, dance artistic trend of korean creative dance as a postmodern dance divided into three categories: ‘ritual’ creative dance, ‘spectacular’ creative dance, ‘free’ creative dance and presented main choreographer traits. In particular, despite many concerns about "Korean Creative Dance," he has greatly modernized the direction of korean dance art by influencing the dance of its single genre, the eclectic flow participated modern dancers in dance work and incorporated western modern dance aesthetics into their dance. That is to say, the impromptu techniques of modern dance have drawn into korean dance and the emergence of various genre has begun to deviate from certain boundaries and form. Moreover, the korean creative dance is spreaded as a new movement to change the language of traditional korean dance and attempted to fuse traditional dance(folk dance) without distinguishing it from modern dance. ‘Korean Creative Dance’ has been 40years as a single genre and now it reached to 4th generation so far, the genre is still evolving.

한국무용은 19세기말 신무용의 탄생으로 연희 형태에서 무대와 객석이 분리된 극장식 무용으로 재. 이런 변화는 기존의 형식적이고 기교적인 한국전통무용이 예술적 측면을 강화시키면서 , 독창적이고 창작적인 한국 창작무용으로 성장하는 계기가 되었다 . 따라서 이 논문에서는 이런 과정에서 양산된 한국 창작무용의 의상디자인이 어떻게 전통적 미의식과 , 재생성으로 이어져왔는지 그 변모의 과정을 살펴보고자 한다 .그 내용은 다음과 같이 요약된다 . 첫째, 신무용기에서 한국 창작무용으로 넘어가면서 무용작품은 예술적 무용을 지향하는 종합예술로 발전하게 되었다 . 이 때 무용의상의 변화의 특징은 전통적인 무용의상에 비해 장식적인 요소가 많아졌고 서구화된 디자인 형태도 나타나게 되었다 . 둘째, 포스트모더니즘의 출현으로 무용계의 국제문화교류가 활발해지고 네트워크화 되어 한국 창작무용 의상은 해체화 , 단순화, 개방화, 퓨전화, 다양화라는 특징을 보였다. 셋째, 급격한 변화 양상은 특히 , 신인 안무가들의 무용작품의상에서 발견되고 있다. 긍정적 측면에서 그 대표적인 변화는 다양화를 들 수 있다 . 그 결과 한국 창작무용 의상디자인을 위한 창작 연구 범위가 일반의상 디자인을 포함 , 훨씬 더 광범위해졌다. 16 한국패션디자인학회지 제6권 제2호반면에 부정적인 측면에서는 한국무용만이 갖는 고유한 전통적 미의식 개발의 소홀함으로 현대무용과의 차별성이 점차적으로 소멸되는 변화양상을 띄게 되었다 .

Korean Dance has been newly established into the Theater-type Dance from banqueting since the new type of creative dance appeared at the end of 19th century as a composite art. This change allows intensifying marvelous improvement of the artistic phase and has been an important beginning of originative and creative of Korean Creative Dance. Based on the aspect, this paper focuses on careful consideration and look into how the costume of Korean creative dance has been changed and growth though the combination and formation of aesthetic sense between traditional and modern. The question resolves itself into the following three points. First, in the state of turnover from Neo Dance era to Korean Creative Dance, dancing performance has been alternated to composite type of art. At the time, the dancing costume identified as very decorative with various ornaments than before, and also show westernizing influence in the design. Second, as a result of the Post Modernism appear, Korean Dancing field make cultural exchange worldwide lively and build a network with countries, the Korean Creative Dance has been disorganize, simplified, be candid, and diverse. Third, through the dramatic change and improvement, a lot of new choreographer bring multiform of directing in an affirmative concept so that let the costume design to be extensive to general clothes. On the other hand, been remiss to find the peculiarity of Korean traditional Dance has been gradually and hard to distinguish with Contemporary dance in a negative concept.

한국사회는 1920년대와 1930년대를 지나면서 근대화의 과정을 거치게 되고 예술 장르에서도 근대적 성격이 두드러지게 되었다. 무용도 예외는 아니어서 서양춤의 도입과 서구식 극장의 설립 등 문화시설의 확충은 근대창작무용인 신무용과 무용극이라는 새로운 형태를 발전시키는 계기가 되었다. 1926년경에 이르러 최승희, 조택원 같은 소수의 선각자에 의해 서구적인 신무용이 시도되었으며, 1940년 조택원은 서구식 무용기법에 바탕을 두고 한국적 무용극을 최초로 시도한 ｢학｣을 발표하였다. 그러나 외세의 강요에 의한 문호개방은 주체적인 근대문화의 수용을 가로막았으며, 우리 전통에 대한 철저한 반성의식에서 비롯된 수용도 아닌 상태에서 서양무용의 도입이 불완전하게 이루어졌던 것이었다. 이러한 시대적 흐름은 전통적 기법보다는 서구적 방법을 받아들였으며 1973년에 가서야 국립무용단에 의해 서구의 발레무용극에서 탈피한 한국적 무용극을 모색하게 된다. 이처럼 조택원으로부터 1970년대 초까지의 무용극은 서양식 기법에 기반을 둔 작업이었으나 그 시기에 김천흥이 발표한 무용극인 1969년 ｢만파식적｣은 전통에 근거한 창작세계의 면모를 보인 작품이라는 점에서 주목할 필요가 있다. 이에 본 연구에서는 삶과 몸짓 그 자체가 한국춤의 역사라고 할 만큼 전통춤에 근거한 창작, 무용극 창작, 궁중정재 복원 및 재현을 위해 일평생을 살았던 김천흥의 창작무용극 ｢만파식적｣의 분석을 통해 한국무용창작에서의 의의를 찾고자 하였다. 이에 대한 분석결과는 다음과 같다. 첫째, 우리나라에 현재까지 전해진 역사와 전통을 간직한 국악기로서 가장 우수한 악기인 대금을 소재로 한 ｢만파식적｣의 설화를 5막의 무용극 대본으로 작성하였다. 둘째, 전해져 온 춤들을 정리하고 다듬고 간추리거나 전통춤을 취사선택하고 이 자료를 바탕으로 새롭게 창작한 춤으로 사자의 춤, 선의 무, 선녀무, 음양의 조화를 표현한 2인무, 용무, 지친 무리의 춤, 무녀무, 신기의 무, 환희의 춤, 전승무 등이 있었다. 셋째, 궁중춤과 불교의식무용을 소재로 시간성과 형태를 다양화한 선유희와 나비춤, 바라춤, 타주, 목어, 법고춤 그리고 ｢처용무｣, ｢학무｣, ｢연화대무｣, ｢학처용연화대무｣ 등이 있었다. 넷째, 전통음악을 춤의 특성에 따라 재편성하고 시간성을 재조정하여 창작한 진양, 도드리, 중머리, 타령, 굿거리, 휘모리, 수제천, 향당, 세영산, 길군악 등의 음악을 사용하였으며, 국립국악원 아악사들이 실제 무용극 공연에서 대합주로 연주했다. 다섯째, 무대장치는 사실적으로 꾸미고 효과음을 사용하여 극적 분위기를 살림으로써 무용극의 내용이 잘 전달되도록 하였다. 이상에서 ｢만파식적｣을 통해 본 김천흥의 창작방식이 신무용과 무용극으로 대표되는 근대무용사에서 유일하게 한국의 전통문화를 기반으로 한 안무였던 점과 그의 안무과정에서 당시 무용가들은 음악을 먼저 작곡한 후에 음악에 맞춰 안무하는 것을 선호했으나 김천흥은 춤을 먼저 완성시킨 후에 작곡자에게 음악을 의뢰하였다는 것, 즉 작곡자에게 각 춤장면의 장단수, 변하는 대목, 속도, 그 춤들에 들어있는 사상과 정신, 내용까지를 자세히 설명하며 춤에 맞는 작곡이 되도록 의뢰함으로써 춤과 음악과의 완벽한 조화를 위해 새로운 작업방식을 선택하여 철저하게 창작에 임했다는 점에서 그 당시 여타의 창작무용극과 차별화 된다는데 그 의의를 찾을 수 있었다. 김천흥(1909~2007)은 이왕직아악부 시절 가무희를 섭렵했을 뿐만 아니라, 민속춤의 대가 한성준과 교분을 나누며 가르침을 받고 당시로서는 드물게 궁중무용과 민속무용의 경계를 넘나들며 창작작업을 할 수 있는 유일무이한 안무가였다. 우리나라의 정서와 정신을 밑바탕에 두고 새로운 음악과 춤을 창작해야 깊이 있는 우리만의 예술로 승화될 수 있다는 예술적 신념을 실천한 김천흥의 창작무용극 ｢만파식적｣은 오늘날 까지 전통춤의 재창조 또는 창작 한국춤이 나아갈 방향의 초석으로서 그 의미 또한 크다 하겠다.

Korean society went through the procedure of modernization in 1920s and 30s and modern features also became remarkable in artistic genres. Dancing was no exception and expansion of cultural facilities with introduction of Western dance and establishment of Western theaters served as an opportunity to develop new forms such as new dancing, the original modern dancing, and dance drama. By the year 1926, new Western dancing was attempted by a few pioneers including Choi Seung-hee and Jo Taek-won and Jo Taek-won presented the Crane in which Korean dance drama was first tried based on Western dancing techniques. However, the open door forced by foreign powers hindered autonomous acceptance of modern culture and the Western dancing was imperfectly introduced while the acceptance did not originate from thorough self-examination on our tradition. This stream of the times embraced Western means rather than traditional techniques and it was not until 1973 that National Dance Company came to seek Korean dance drama which broke from the Western ballet dance dramas. In this way, western techniques were foundations from the dance drama of Jo Taek-won to ones in early 1970s and the dance drama work Manpasikjeok presented by Kim Cheon-heung in 1969 is worth noticing in that it demonstrates the world of originality based on tradition. This study, therefore, intends to find significance in creation of Korean dancing through an analysis on Kim Cheon-heung’s original dance drama Manpasikjeok who devoted his life to creation of dance drama, restoration and reproduction of royal dancing and creation based on traditional dance in which life and movement itself is the very history of Korean dance. The analysis result is as follows. First, the story of Manpasikjeok with Daegeum being its material which is the best instrument that keeps history and tradition handed down up to date is written in the form of dance drama script with five acts. Second, dances handed down are organized and summarized or traditional dances are chosen and there are newly created dances based on the materials including dance of lion, dance of goodness, fairy dance, two-person dance to express harmony of Yin and Yang, dragon dance, dance of the exhausted, dance of shaman, dance of magic, dance of joy, transmitted dance, etc. Third, there are dances which diversify temporality and forms including game of lines, butterfly dance, bara dance, Taju (one form of Buddhist dance), Mokeo (wooden drum in the shape of a carp), dance of Beopgo (drum used in Buddhist rituals), Cheoyong dance, dance of crane, Yeonwhadaemu (one form of court dancing), crane-Cheoyong Yeonwhadaemu, etc. Fourth, music forms created by reorganizing traditional music depending on features of dances and readjusting the temporality e.g. Jinyang, Dodri, Jungmori, Taryeong (traditional Korean ballad), Gutgeori, Hwimori, Sujecheon (one form of royal music), Hyangdang (music of Korea and Tang), Seryeongsan, Gilgunak (music played on a street) etc are used and those forms of music used are played by court musicians of National Gugak Center in the actual dance drama performances as grand ensemble. Fifth, the contents of dance drama are to be well delivered through setting the stage in a realistic manner and properly producing the dramatic atmosphere by using sound effect. As above, Kim Cheon-heung’s way of creation observed in Manpasikjeok is the only choreography based on Korean traditional culture in history of modern dancing which is represented by new dancing and dance drama. In addition, Kim Cheon- heung commissioned music to a composer after completing the dance first in his procedure of choreographing while other dancers at that time preferred to choreograph to music already completed, which demonstrates that he commissioned music to fit into the dancing by explaining the number of beats in each dance scene, passage subject to change, speed, thoughts, spirits and contents within the dances in detail. This way, he created the work thoroughly by selecting a new way of work for the perfect harmony of dance and music, which displays its significance that the work is differentiated from other original dance dramas at that time. Kim Cheon-heung (1909~2007) was well-versed in the music and dance of Buddhist ritual practices while being in Iwangjik Aakbu and he was taught by Han Seong-jun, the master of traditional dance, within a good relationship with him and, at the same time, he was the only choreographer who could create works going over the border of royal and traditional dances. As the foundation stone for the recreation of traditional dance or the future direction for original Korean dance, Kim Cheon- heung’s original dance drama ｢Manpasikjeok｣ where his artistic belief is fulfilled that music and dance newly created only on the basis of the country’s own emotions and spirits can be sublimated to art with depth of our own is evaluated as having a great significance.

연구는 인류 예술의 미적 가치에 대한 철학적 사유를 ‘전통의 재창조’라는 의미적 기능에 관해 주목하고 예술의 근원과 가치를 탐색한다. 이에 한국춤의 상징형식을 보다 일반적이고도 보편적 가치에 주목함으로서 한국적 미의 특수성을 정의적 개념으로 축소하고 있다. 미로 통용되는 한국예술의 미의 개념에 대해 재현과 창조라는 하부구조의 형식들을 나열함으로써 한국적 미의 특수한 개념을 체계화할 수 있었다. 이러한 개념화의 상징 이미지는 한국적 미의 재인식의 태도를 확장할 수 있고, 글로벌과 로컬의 개념만큼 한국예술과 한국춤의 관계를 다양화 할 수 있다는 시각이다.

The study focuses on the philosophical reasoning for the aesthetic value of human art in terms of the semantic function of 'recreation of tradition' and explores the origin and values of art. Therefore, by focusing on the more general and universal values of the symbolic form of Korean dance, the specificity of Korean beauty is reduced to the concept of definition. By arranging the forms of the infrastructure of representation and creation of the beauty concept of Korean art, which is commonly used as a maze, the specific concept of Korean beauty could be organized. This symbolic image of conceptualization can extend the attitude of re-recognition of Korean beauty and diversify the relationship between Korean art and Korean dance as the concept of global and local.

본고는 전통춤의 창조적 계승과 무형문화재 제도라는 충돌하는 두 개념이 양립할 수 있는 해법을 제시하는데 목적을 둔다. 우리나라의 무형문화재는 2016년 법개정을 통해 ‘원형’에서 ‘전형’으로 용어 가 바뀌고, 실질적으로 사용되고 있던 ‘인간문화재’를 법제화하였다. 전형은 무형문화재 개념과 예술 개념과의 간극을 좁힌 진일보한 개념이고 인간문화재는 춤과 사람간의 불가분적 용해성을 인정한 개 념이다. 기본적으로 무형문화재에 대해 예술적 시각을 견지하면서 이를 침해하지 않고 창조적 계승을 도모하기 위해 다음과 같이 제안한다. 첫째, 40~50대 젊은 보유자를 적극 발굴하여 인정한다. 이는 춤에 활력을 주고 일찌감치 독자적인 직업군을 형성할 수 있다. 둘째, 인간문화재를 종목당 2명 이상 인정하여 폭넓고 다양한 창조적 계승을 수용한다. 이는 권력의 독점을 견제하고 서로간의 경쟁을 유 도하는 효과도 있을 것이다. 셋째, 전승 수업료를 문화재청에서 일원화하여 회계의 투명성과 공공성을 확보한다. 이러한 방식은 무형문화재 제도 안에서 전통춤을 창조적으로 계승하는데 기여할 것이라 생각한다.

The purpose of this study is to suggest a way to reconcile two conflicting concepts: the system of intangible cultural assets and creative succession of traditional dances. Among the terms for intangible cultural assets in Korea, ‘prototype’ was changed into ‘typifier’ because of the legal revision in 2016. In addition, the term, ‘human cultural assets’, which has been actually used was enacted. Typifier is an advanced concept which makes a bridge between intangible cultural assets and artistic notion, while human cultural assets are also a concept that acknowledges an indissolubility between dance and human being. In order to encourage creative succession, while maintaining and preserving the artistic view on intangible cultural assets, this study proposes the following suggestions. First, we should actively find and appreciate holders of human cultural asset in their 40s-50s. It would help activating the dances and forming an independent job field. Second, we should acknowledge more than two people as human cultural assets for an item, accepting various and creative successions. It leads to restraints power monopoly and to promote competition among them. Last, succession fees should be unified by the Cultural Heritage Administration for securing transparency and fairness of accounts. These would contribute to creative successions of Korean traditional dances in the system of intangible cultural assets.

본 연구에서는 재일코리안 2세 예술가들의 개인별 활동 및 의의, 그리고 그들의 창 작 다고무에 관해 고찰해 보았다. 일본에서 활동하고 있는 재일코리안 2세의 예술가 들은 대부분 한국에서 전통예술을 전수받았다. 그리고 일본으로 귀국한 후에는 개별 활동을 전개하며 각각의 특징적인 영역을 구축하였다. 한편, 재일코리안 2세 예술가 들의 다고무는 승무의 북장단인 자진모리와 휘모리로 이루어져 있으며, 비교적 짧은 시간에 많은 동작 변화를 보여준다. 게다가 한국에서 초기에 유행하던 몇몇 동작은 물 론 그들만의 특징적인 움직임을 담지하고 있다. 본 연구가 재일코리안들의 전통예술 전승은 물론 그들의 예술이 한국 전통예술사의 한 가지로서 공존하고 있음을 알리는 데 도움이 되기를 희망한다.

This study examined the individual activities, significance and creative multiple drums dance(Dagomu) of the second-generation Koreans in Japan. Most of them were passed on Korean traditional arts in Korea. After returning to Japan, individual activities were conducted to build each characteristic area and image. On the other hand, multiple drums dance of the artists of the second -generation of Koreans in Japan consists of the drum beats of Seungmu(Monk dance), Jajinmori and Huimori, and shows many changes in movement in a relatively short time. In addition, the works include some movements that were popular in Korea in the early period of multiple drums dance, as well as their characteristic movements. It is hoped that this study will be helpful in not only the transmission of traditional arts by Koreans in Japan, but also that their arts coexist as a part of the history of Korean traditional arts.

춤은 공연되는 순간에 흔적도 없이 사라지는 무형체성의 예술로써 춤의 보존, 재감상, 재창조를 위해서 기록이 필요하다. 과거로부터 춤의 기록은 춤의 인상적인 장면을 포착하고 이미지와 텍스트로 기록하는 그림, 사진, 무보 등의 고정매체나 춤의 전체 과정을 기록하는 동영상 매체에 보존되어 왔다. 그러나 이러한 매체에 의한 기록은 춤창조에 연관된 사람들의 기억이나 언어에 대해서는 무관심했다. 자연히 이들 자료를 활용한 한국무용사의 서술에서도 춤의 생산자이자 춤역사의 동력인 무용가들의 소리는 소외될 수 밖에 없었다. 최근 무용사 연구의 한 방법론으로 대두된 무용구술사는 무용가의 몸, 춤, 삶의 기억을 기반으로 하며, 무용가 스스로 말하고 역사 서술에 참여한다는 점에서 무용가와 연구자 모두로부터 신뢰성을 확보할 수 있다. 구술사 연구자들은 구술채록문에는 구술자들이 인식하는 사회적 관계망들이 배여 있다고 한다. 이 가설을 무용구술사에 적용시켜 본다면, 무용구술채록문에는 무용가들이 인식하는 다양한 관계망들이 배여 있다고 할 수 있다. 따라서 무용구술채록문을 근거로 무용계의 관계망을 도출하는 여러 도식을 작성해 낼 수 있을 것이다. 이에 본 연구자는 2008년과 2009년 사이에 한국문화예술위원회 예술자료원이 ‘예술사 구술채록사업’을 통해 생산한 무용인들의 구술채록문을 활용하여 20세기 한국의 춤문화사와 관련한 여러 가지 도식, 즉 20세기 무용교육기관에 대한 차트, 1950년대 서울 충무로 일대의 무용학원촌 지도, 그리고 무용장르별 계보도를 고안하여 보았다.

Dance is an intangible art that disappears without a trace at the moment of performance, and it is necessary to record it for preservation, re-appreciation, and recreation of dance. From the past, the record of dance has been preserved in a fixed medium such as pictures, photographs, dance notations, etc., which capture impressive scenes of dancing and record images and texts, and a moving image that records the whole process of dancing. However, the recording by these media was indifferent to the thoughts and voices of the people involved in the dance creation. Naturally, in the writings of Korean dance history using these materials, the voice of dancers and the people who are related to dance creation are avoided. The dance oral history emerged as a methodology of dance research is based on the dancer's memories of the body, dancing, and life, and can be used as reliable date for dancers and researchers in that dancers speak for themselves and participate in writing dance history. In order to increase utilization of the dance oral history, this paper seeks creative way for application of 48 dance people's oral history transcripts produced by the Korea Arts Council in 2008 and 2009. Accordingly, three types of diagram related to the Korean dance scene in the 20th century, such as a chart for the 20th century dance educational institutions, a map of dance studios in Chungmu-ro, Seoul in the 1950s, and genealogy charts by dance genres were created.

이 연구는 현상의 흐름과 연구의 경향이 맥락적으로 일치한다는 가정을 바탕에 두고 있다. 이에 텍스트 마이닝을 활용하여 한국창작무용 연구의 주제 분석을 통해 춤의 경향을 탐색하는 것에 목적이 있다. 이에 논문 검색 웹사이트에 구축되어 있는 616편의논문제목에서 1,291개의 단어를 분석하였다. 데이터의 수집 및 정제, 분석은 모두 R 3.6.0 SW을 사용하였다. 연구결과 첫째, 2000년대 이전에는 시대를 나타내는 키워드가 높은 빈도를 나타내었으나 교육 및신체훈련 측면에서의 한국창작무용 연구유형도 발견되었다. 둘째, 2000년대 이후에는 무용단의 공연활동과 관련된 키워드의 빈도가 높게 나타났으나 최승희가 여전히 한국창작무용 연구에서 중요한 위치에 있다는 것이 확인되었다. 셋째, 한국창작무용 연구의전체 연구주제를 분석한 결과‘근대시대 최승희의예술’,‘현대 전통의 수용 양상과 가치’,‘전통춤의 안무적 표현 및 활용’,‘국립무용단의 공연 활동’,‘시대별 춤 표현’,‘교육 프로그램의 적용’ 으로 총 6개의 토픽이 추출되었다. 이 중‘근대시대최승희의 예술’에 관한 연구가 가장 높은 비중을차지하고 있는 것으로 나타났다. 넷째, 2000년을 기준으로 상승하고 있는 Hot 토픽은‘국립무용단의 공연 활동’과‘전통춤의 안무적 표현 및 활용’으로나타났다. 그러나 최근 국립무용단의 공연 기조가‘전통을 기반으로 한 현대화’를 표방하고 있으므로 2000년대 이후 한국창작무용의 경향이 전통춤을모티프로 한 안무적 표현과 그 활용에 공통적으로집중되어 있음이 확인되었다. 다섯째, 2000년을 기준으로 하락하고 있는 Cold 토픽은‘시대별 춤 표현’ 에 관한 연구로 나타났다. 이것은 한국창작춤의 장르적 정착 이후 다양한 춤 스타일의 혼재에 따른 경향으로 연구에 대한 관심도 역시 저하된 것으로 판단되었다.

The study is based on the assumption that the trend of phenomena and trends in research are contextually consistent. Therefore the purpose of this study is to explore the trend of dance through the subject analysis of the Korean creative dance study by utilizing text mining. Thus, 1,291 words were analyzed in the 616 journal title, which were established on the paper search website. The collection, refining and analysis of the data were all R 3.6.0 SW. According to the study, keywords representing the times were frequently used before the 2000s, but Korean creative dance research types were also found in terms of education and physical training. Second, the frequency of keywords related to the dance troupe's performance was high after the 2000s, but it was confirmed that Choi Seung-hee was still in an important position in the study of Korean creative dance. Third, an analysis of the overall research subjects of the Korean creative dance study showed that the research on‘Art of Choi Seung-hee in the modern era’was the highest proportion. Fourth, the Hot Topics, which are rising as of 2000, appeared as 'the performance activities of the National Dance Company' and 'the choreography expression and utilization of traditional dance'. However, since the recent trend of the National Dance Company's performance is advocating 'modernization based on tradition', it has been confirmed that the trend of Korean creative dance since the 2000s has been focused on the use of traditional dance motifs. Fifth, the Cold Topic, which has been falling as of 2000, has been shown to be a study of 'dancing expressions by age'. It was judged that interest in research also decreased due to the tendency to mix various dance styles after the establishment of the genre of Korean creative dance.

본 연구는 한국의 전통춤의 형태 중 궁중무용, 민속무용, 신무용을 활용해서 유아를 위한 동작교육프로그램을 재구성하여, 프로그램이 만 5세 유아의 창의적 신체표현력에 미치는 영향을 살펴보고자 하였다. 5주간의 총 10차시에 걸쳐 실시된 프로그램의 효과를 검증하기 위해 이질통제집단 전후검사 설계를 적용하였으며, 프로그램 처치 전․후에 실시한 창의적 신체표현력검사의 결과를 공분산분석의 방식으로 통계처리 하였다. 분석결과, 유아의 창의적 신체표현력의 하위요인인 동작의 다양성, 표현성, 방향성, 흐름변화, 시간성과 이를 포괄하는 창의적 신체표현력 전체 점수가 유의미하게 증가한 것으로 나타났다. 이를 통해 유아의 창의성 함양에 전통춤이 유용한 교수․학습의 매개가 될 수 있음을 확인하였으며, 나아가 유아 전통춤 교육의 다양한 접근방안이 모색될 필요가 있음을 시사 받을 수 있었다.

The purpose of this study was to examine the effects of movement education program with Korean traditional dance on the creative physical expression abilities of young children. The program included 35 five-year-old young children from ‘K’ kindergarten in Busan and the results were compared with comparison group. The results are as follows. All of the following criteria showed a significant difference between experiment group and comparison group that experienced Korean traditional dance: Move diversity(a subordinate factor for the creative physical expression ability); move direction; move time; move flows change; and finally, move expressivity. It was therefore concluded that the movement education program with Korean traditional dance enhance creative physical expression ability of young children.

우리 가면극 텍스트를 공연텍스트라고 보고 연극학적 입장에서 연구하여야 할 필요성이 절실하며, 그래서 복원작업은, 실상을 제대로 알아 궁극적으로 연극학적 접근을 위한 토대를 마련하자는 데에 있다고 전제하고 ‘양반무’를 중심으로 전개하였다. 장면 분절은, 대사에 의하여 인지되는 사건, 인물의 행위, 인물의 등퇴장, 춤과 노래와 음악의 시작과 멈춤 등으로 하였다. 이렇게 할 때에 공연 상황이 보다 선명하게 드러날 것으로 보았다. ‘양반무’의 연극적 장치는, 노인탈, 장년탈, 소년탈, 말둑이탈에 의하여 전개된다. 노인탈, 장년탈, 소년탈은 양반 삼형제로 인지되며, 말둑이탈은 하인으로 인지된다. 춤은 굿거리장단에 ‘두어춤’, ‘거드름춤’, ‘발림춤’ 등이 활용된다. 대사들은 ‘언어유희’, ‘마나님 사통’, ‘술병, 술안주 치레’, ‘기물 치레’, ‘운자놀이’, ‘수수께끼’, ‘파자’ 등을 원용하고 있다. 결국 ‘양반사회의 일상사’가 주요 연극적 장치가 된다. 아울러 ‘계획된 욕 먹이기’가 활용되고 있다. 이같은 복원 작업을 통하여, ‘양반무(兩班舞)’는, 파자놀이로 도입단계를 열면서, 양반사회의 일상사를 주요 관심거리로 삼는 代喩적이고 提喩적인 장면으로 인지되면서 ‘탈’들은 양반 삼형제와 하인으로 드러난다. 극적 전개는 반복과 열거가 지배적인 언어유희를 다채롭게 활용하여 해학적인 분위기를 조성한다. 또한 쾌활하고 활달하며 희학적인 춤이 극적 양상을 고조시킨다. 끝으로, 우리 가면극의 ‘양반무’는, 주기적 반복에 의한 축제성을 기본 토양으로 한다는 점을 놓쳐서는 안 된다는 것이고, ‘풍자가(諷刺歌)’이기 이전에 ‘송축가’이며, 그래서 조소(嘲笑)・악매(惡罵)는, 관중에게는 지복(至福)에 찬, 그리고 정화(淨化)적이고 유쾌한 행위acting라고 여겨지는 것이다.

There is a duty to study at the theatrical point of view of regarding mask dance text as performance text. Therefore restoration is progressed on the basis of "instructing" the way to approach the ultimate goal of dramatics by grasping the reality and mainly composed of ‘Yangban (korean nobles)-Scene’To clarify the performance’s circumstances, the scene segmentation is done by incidents based on the script; actions of the characters; in and out of the characters; start and pause of the music and choreography. ‘Yangban-Scene’`s theatrical devices are composed of ‘Old man mask’, ‘Mid-life mask’, ‘Boy mask’ and ‘Maldugi (the name of the servant) mask’. ‘Old man mask’, ‘Mid-life mask’, ‘Boy mask’ are recognized as three brothers, ‘Maldugi mask’ is recognized as a servant. Gutgeori-beat is used as a Duo choreography, Geodrem choreography, Balim choreography which are of the Korean mask choreography. Lines are cited with word games, matron’s adultery, giving a bribe, rhyming word, riddles, and telling fortune. After all, nobles’ lives are the main theatrical tools. Also there are premeditated denunciation at the same time. Through this restoration progress, “Yangban-Scene” starts by “fortune telling”, which is recognized as a interest of yang ban in synecdochic way, and masks are separated by their characteristics: three yangbans and one servant, maldugi. Dramatic development is composed of dynamic wordplay, mostly based on repetition and enumeration, to arouse humorous atmosphere. Also, cheerful, enthusiastic and comic choreography build up the theatrical conditionIn the end, ‘Yangban-Scene’, one of the Korean mask dance, we should not miss that it is based on festivities with periodical repetition. Also it is a song of blessing before a song of satire. These aspects of play makes mocking and scolding the “Yangban mask”, ‘acting’ of full of supreme good purifying and joyful.

This study regarded the Korean mask dance as one of the anthropological products and made a start at the potential establishment of "creative restoration" concept to restore the so-called "Miyal Scene" of the Ocheong Chaerokbon. For scene segmentation based on the stage performance units, the study set the criteria of "unit scene" segmentation as events perceived by the lines, acts of characters, entrance and exit of a character, and beginning and stop of dance, song, and music. Scenes of stage performance units were turned into sentences by combining lines with texts. The investigator took all the theatrical elements characterizing the stage performance of Miyal Scene as theatrical devices and described them. Finally, the study described theatrical significance in the dimension of the field since it would present the performance situations more clearly. The results are summarized as follows: The theatrical device of the Miyal Scene has a basic axis in the triangular relations among Miyal, Yeonggam, and Yongsansamgaedoelmoeri-woman. Lines or conversation reactions were the combinations of dances and songs based on Ungdoengi-choreography, Sinayi-music, and Gutgoeri-beat, developing in a repeating symmetrical structure among scenes. The format of lines being exchanged between the court musician and character was particularly used. Based on the basic axis of triangular relations, Miyal Scene creates a lively atmosphere with exciting, vigorous, and firm beats through conversation reactions in a repeating symmetrical structure combined with the Ungdoengi-choreography, Sinayi-music, and Gutgoeri-beat. It also wraps up the finale by wishing for the well-being of the community members with a scene that reaches an ecstatic state and delivers vitality with excitement.

This discussion, in this tradition, our mask dance severe distortion to the premises had taken place, trying to find throughout our theater it would be regarded as an essential starting point for discussion was prepared. The goal of the evidence near the existing forms of work to restore the original text about finding a reliable allowed. So 'creative restoration' of the concept of establishing a provisional and mask dance to watch performances in anthropological terms, we seek to restore mask dance assumed, aim at the development debate was over. This stance, while 'Bongsan' local mask dance 'Chapter 3 sadangmu' actually tried to restore the creative. Explored these options and, saw that might be contributing to the restoration of the text in this discussion. As a result 'Bongsan' local mask dance of the 'Chapter 3 sadangmu', the 'sadangpae' made by performance, a unique performing style, the Buddhist culture originated based 'sadangchum' reproduction, or of its dramatic invoked to have been saw.

이 논의는 우리 가면극이 전승 과정에서 심한 왜곡 현상이 일어났다고 전제하고, 그 원형질을 찾고자 하는 노력이 우리 공연 문화 전반에 걸쳐 필수적인 일이라고 간주하면서 논의의 출발점을 마련하였다. 이에 따라서 기존 논의들을 충분히 정리하면서 ‘창조적 복원(creative restora- tion)’의 개념을, 자료가 영성한 불가시적인 텍스트를, 다양한 방증 자료를 바탕으로 가시적인 세계로 펼쳐놓음으로써 본래의 모습에 다가가고자 하는 일련의 연구 과정이라고 정의하고 다음의 몇 가지 조건을 세워 전개하였다. 첫째, 세시 행사로서의 주기적 반복성, 둘째, 언어적 특성, 셋째, 연극적 층위, 넷째, 공연현장, 다섯째, 채록 자료 읽기, 여섯째, 유형성, 일곱째, 연행 원리, 여덟째, 공연 양상과 연행자층과 관객층의 유기적 관련 등이다. 이에 입각하여 봉산탈춤의 보정, 주석 등의 내용으로 복원 작업을 시도하였다. 이 논의는 우리 가면극의 정체를 드러내고자 하는 노력의 일환으로 전개한 것이다. 이념 편향적 성향의 시각을 토대로 연행되어 오면서 문화의 이단아 취급을 받아온 우리 가면극이 이제는 제자리를 찾아야 한다는 것이다. 이 논의의 성과를 출발점으로 하여 여러 면에서 검토를 거친 다음 양주별산대, 오광대, 야류, 하회별신굿탈놀이 등으로 확대할 예정이다.

Presuming that our mask play was severely perverted in the succession, this discussion prepared its starting point by considering that the effort to find the prototype is indispensable in our overall performance culture. Fully arranging the existing discussion on the basis of this, the author defined a series of research course approaching original shape by displaying visible world on the basis of the concept of ‘creative restoration’, invisible text formed by materials and diverse verifying materials. Then, this definition was spread on the following some conditions. First, periodic repetition as seasonal events, second, linguistic property, third, dramatic hierarchy, fourth, performance site, fifth, reading the collected materials, sixth, pattern, seventh, principle of performance, eighth, organic relation of performance aspect, performer and audience. Based on this, restoration work was attempted with the contents of revising and commenting Bongsan mask dance. This discussion was spread as a way of effort to reveal the identity of our mask play. The intention is that our mask play which has been recognized as heathen of culture in the performance based on vision in the propensity biased to ideology should be fixed to its original place. Taking the result of this discussion as starting point, it will be expanded to Yangjubyeolsandae, Ogwangdae, Yaryu and Hahoebyeolsingut mask play after checking in diverse aspects.

이 글은 한국과 중국 여성 장애인의 자서전적 소설 『불꽃춤』과 『휠체어의 꿈』에 나타난 자의식 발현의 양상을 살펴보았다. 즉, ‘장애를 가진 여성’ 창작자의 자의식이 어떻게 구성, 발현되며 무엇을 어떻게 드러내고자 한 것인지를 탐색한 것이다. 『불꽃춤』의 ‘민성’은 이상주의자인 아버지가 거제도포로수용소에서 살해되며 겪은 이데올로기 대립과 갈등, 아버지 부재의 상처를 5.18광주민주화운동에서 총탄을 맞고 잠적한 사촌 동생 ‘민진’을 찾음으로써 치유 받는다. 민진의 장애는 권력의 폭압과 갈등을 해소하는 역할로 갱생의 삶을 매개하고 권력이 조장한 분열과 대립에 저항하며 삶의 비정형성의 공간을 구성하였다. 『휠체어의 꿈』의 ‘방단’은 일관되게 자신의 장애를 극복의 ‘과제’로 삼고 있다. ‘쓸모 있는’ 사람이 되고 싶다는 기대는 문화대혁명을 겪으며 더욱 구체화되고 적극적으로 구성되는 양상이다. 두 소설의 주인공을 통해서 드러나는 창작자의 자의식은 장애를 매개로 긍정적 미래를 기대하는 점에서는 공통적이었으나 권력 이데올로기와의 조응은 저항( 『불꽃춤』)과 순응(『휠체어의 꿈』)의 방식으로 다르게 표출되었다.

This article explores how self-consciousness is expressed in the autobiographical novels, “Firework Dance” and “The Dream of a Wheelchair”, of Korean and Chinese women with disabilities. It examines how this self-consciousness in women with disabilities has been formed, as well as how this has been expressed and revealed to the reader. In “Fireworks Dance”, Minseong’s idealist father is murdered in the Geoje island prison camp. Through this experience, Minseong experiences ideological conflicts as well as deep grief for the loss of her father. She is healed through reuniting with her cousin, ‘Minjin’, who had disappeared during the 5.18 Kwangju Uprising. Minjin’s disability plays a sacrificial role in eliminating conflict and segregation as well as acting as a mediator in the rise of a new area of a typical life. ‘Bangdan’ in “The Dream of a Wheelchair” consistently thinks of her disability as an obstacle she must overcome. During the Cultural Revolution, her desire to become someone ‘useful’ actively shapes her identity. Her self-consciousness, as depicted by her disability, finds its meaning through reconnecting conflict divided communities as well as recognizing and highlighting the potential in an uncertain future. In addition, the self-narrative style of writing used in the novel plays a significant role in questioning and confronting the dominant power relations and state of the culture. The two novels are common in the way in which the lead character’s disability helps to resolve conflicts and creates hope for a positive future. However, the novels are different in the way they respond to authoritarian ideologies.