Earticle

This paper explores stage monarchs’ spiritual and homosocial relations with their subjects and rivals. Focusing on Shakespeare’s The Tempest, this paper describes spiritual homosociality as one of the ways in which male Renaissance stage monarchs strengthen authority. To examine ruling power through the lens of spiritual homosociality is to reveal inherent difficulties in the humanity of rulers of a society saturated with supernatural environments. Particularly, psychological and supernatural elements of a sovereign’s emotional exchange with his subjects in a spiritually saturated realm contribute to his self-empowerment. Prospero’s spiritual and homosocial relations, the elements of spiritual homosociality in the resultant representation of politics, happen partly in a human realm stripped of divine association, and partly in a spiritually saturated realm full of occult connections. Therefore, Prospero’s attempt to be a morally influential ruler in his territory presents spiritual homosociality as a necessary quality for successful rulers in the interpersonal and institutional relations, but it also reflects Shakespeare’s theatrical representation of the extent to which early political science overlaps with political theology and the supernatural.

This study analyzes the motif of magic in Christopher Marlowe’s Doctor Faustus (1604, 1616) through Mikhail Bakhtin's theory of carnival and proposes the concept of “carnivalesque heresy.” Carnivalesque heresy refers to a form of cultural tension that temporarily permits heretical thought and forbidden questions through festive laughter, without directly overturning orthodox theology. Focusing on the six key scenes in which festive laughter and heresy operate simultaneously, this paper examines a structure in which festive transgression and doctrinal prohibition coexist. It argues that Doctor Faustus should be re-evaluated as a new form of tragedy in which doctrinal warning and comic parody coexist through the dual mechanism of carnivalesque heresy.

본 논문은 W. B. 예이츠가 20세기의 주요 작가인지를 다시 고찰하려한다. 더 나아가 그가 지난 세기뿐 아니라 금세기의 가장 위대한 시인인지를 보기 위 해 그의 “주요” 시를 재조명하려고 한다. 지난 세기의 대작가들인 T. S. 엘리엇과 W. H. 오든을 포함하여 예이츠가 1939년 사망 20-30년간 주요 평론가와 시인들이 내린, 예이츠는 대시인이다, 라는 평가가 있었으니까 지금의 평가가 더 자세할 필요는 없어 보인다. 단지 엘리엇과 오든이 가졌던 이 평가에 대한 의심에 초점을 맞추려한다. 그 들은 예이츠의 신화에 대한 의심이 있었지만 본 저자는 긍정적이다. 그들의 의심은 예 이츠가 “마술”의 시인이라는 데 기인한다. 그가 마술의 시인이었다는 점은 문제가 되 기보다는 20세기의 불모성의 시학이라는 장애물에 대한 해답을 제시한 것으로 보아야 한다. 이를테면, 엘리엇의 신화의 사용은 예이츠와는 다르다. 그는 황무지 에서 보듯 이 그는 신화를 빌려다 사용하는데 신화를 신화로 다루고 있다. 본 논문은 예이츠가 그의 주요시에서 신화를 어떻게 사용하는지, 이 사용이 그의 시들을 어떻게 위대하게 만들고 20세기의 큰 시인들과 차별성을 만드는지 고찰하는데 역점을 둔다.

This essay aims at rethinking W. B. Yeats as a major poet of the 20th century; and will further evaluate his major poems to determine if he could be called the greatest poet of the last and current century. The reading of the “major” poems is not to be exhaustive—and needs not to be so—because it seems to me that as the evaluation of Yeats as a major poet in the last century seems to have already been made by major critics and poets, in the mid-20th century, during the two or three decades after his death in 1939. including T. S. Eliot and W. H. Auden, themselves major or great poets of the last century. My perspective is focused on the suspicion of Yeats as a great poet as held by T. S. Eliot and Auden; they seem to be dubious while I am affirmative as far as mythology is concerned; their doubt is based on the very fact that Yeats is a poet of “magic” (Hall 1). That Yeats has been a poet of magic does not present any problem, but rather offers a great solution to the obstacle of sterile 20th century poetics. Eliot’s use of mythology, for instance, differs from Yeats’s. He treats mythology qua mythology as exemplified in “The Waste Land.” This essay is an attempt to focus on how Yeats’s major poems make use of mythology, which makes him different from the rest of major poets of the last century.

본 연구는 기형도의 텍스트가 모순된 현실을 전복하는 수단으로써, 혹은 억압된 내면으로의 회귀와 욕망의 표출 방식으로써 환상이라는 프리즘을 통과한다고 보았다. 기형도의 시에서 유령, 소리, 거울에 주목하게 되는 것은 반복되는 삶의 구조들이 이러한 표상들에 의해 나타나고 있기 때문이다. 이러한 표상들은 현실과 환상의 경계를 넘나들고, 초자연적 질서 또는 마술적 사고방식 내에서 삶과 죽음의 경계를 무너뜨린다. 초자연적이고 비가시적인 요소들, 그리고 반사상으로 기능하는 모티프들은 욕망의 여러 변이형태로 나타난다. 이러한 요소들은 ‘나’와 ‘세계’, 그리고 그것들의 상호관계에 대한 의미론적 요소의 변이체들로서 자아와 세계 사이의 구별 자체를 제거하고, 삶과 죽음의 통합성을 보여준다. 세계는 보는 것만으로 쉽게 전유되지 않는다는 그의 ‘불가시성’에 대한 사유는 ‘보는 것’을 마치 ‘이해한다’와 동의어로 인식하게 하는 체계에 대한 전복이라고 볼 수 있다. 주어진 것을 변화시키고 현실을 넘어서려는 환상 충동은 상투적인 삶의 권태로부터의 탈출이자 놀이이다. 이는 신화적 분위기 · 마법 세계의 이미지들 · 불가시성의 영역 · 반사상의 모티프들 속에서 발현된다. 현실과 상상의 세계를 연결하는 환상은 결핍된 것에 대한 갈망이자 욕망의 결과물로서 일상의 현실에 비일상의 자리를 마련한다. 기형도의 시쓰기는 환상(幻想)을 통해 현실과 정면대결하여 절망을 극복하는 힘을 얻고, 억압된 내면으로의 회귀를 꿈꾼다. 그의 이러한 시적 표현 방식은 개인과 공동체의 관계 속에 잠재되어있는 억압된 족쇄의 일부를 풀어내는 무의식의 발화이며, 개인과 공동체의 관계 속에 잠재되어있는 섬세한 징후들을 포착한다는 점에서 기형도 시의 다양한 독해는 현시점에서 여전히 유효하다.

The study recognized that deformed text passes through the illusion of prisms as a means of destroying contradictory reality, or as a way of expressing regression and desire into the oppressed inside. The ghosts, sounds, and mirrors can be found in his poems, because the repeated structures of life are represented with various fantasy images. These expressions transcend the boundaries of life and death with supernatural order or magical thinking beyond the boundaries of reality and fantasy. The subject of self embraces consciousness, the problem of vision and perception, the subject of the other implies the problem of unconsciousness, and the relationship of self and others is mediated through desire. The supernatural and invisible elements, and the motifs that function as reflections, appear as variants of desire. These elements are variants of the semantic elements of 'I' and 'non-existence', and their interrelationships, which remove the distinction between self and others and show the unity of life and death. The reason for his 'invisibility' that the world is not easily justified by seeing can be regarded as an overthrow of the system which makes 'seeing' as synonymous with 'understand'. The fantasy urge to change what is given and to transcend reality is an escape from playful boredom and play, and can be found in the mythical atmosphere, the images of the magical world, the domains of invisibility, the motifs of reflection. These illusions provide an unexpected place in everyday reality as a result of desire and desire for lack. Ki Hyungdo passes reality through fantasy. He also gains the power to overcome despair and the dream to return to the oppressed inner self. The methods of his poetic expression are presently meaningful in that they represent a universal sensitivity of modern people.

근세 일본의 전통연희는 가부키, 닌교조루리로 대표되는 무대공연이 크게 발전했다. 이런 연희를 볼 수 있는 상설공연장이 생기고, 입장료를 내고 관람 할 수 있었다. 이와는 별도로 번화한 대로나 사원의 경내에서 단순한 기예를 보여주고 돈을 받거나 물건을 파는 사람들도 나타났다. 이를 다이도게(大道 藝)라고 하며 연희자는 다이도게닌(大道藝人)이라고 한다. 한편 전국을 유랑 하며 명절이나 세시풍속 의례로 카도즈케게(門付藝)를 연행하던 유랑예인도 있었다. 카도즈케게는 집집마다 방문해서 기예를 보여주고 미전(米錢)을 받 는 것이다. 다이도게를 하다가 유명해지면 무대시설이 갖춰진 곳에서 연행을 하기도 했으며, 반대의 경우도 있었다. 다이도게나 카도즈케게는 대개 천민계층에 속한 사람들이 연행했으며, 닌 교조루리나 가부키와 같은 ‘예술’으로서는 그다지 대접받지 못하였다. 현재에 도 지방의 축제나 대도시의 길거리, 번화가 등에서 다이도게닌들을 만날 수 있다. 근세의 유랑예인이 행했던 연희들 중에는 오늘날에도 코미디나 대중오락 으로 남아있는 것이 있다. 메이지유신 이후 극장에서 행해지게 된 대중 예능 도 원래는 이렇게 길모퉁이에서 출발한 것이다. 유랑예인이 연행한 기예 중에는 당시 일본 서민들에게 큰 인기를 얻어 무 대예술로 승화된 것도 있었다. 천민 계층 연희자인 히닌⋅고무네⋅사루카이 등과 약장수⋅엿장수 등은 여러 지역을 돌아다니며 기예를 팔아 생활했는데, 도시의 세련된 연희를 모방한 것도 있지만 자체적인 연구와 발전을 통해 새 로운 분야를 개척하기도 했다. 또한 유랑예인의 기예는 사루가쿠 이후 중앙 에서 사라져가는 곡예류⋅환술류 기예를 전승했다는 점에서 의의가 크다. 일본 근세의 유랑예인들은 한국의 유랑예인집단과 마찬가지로 산악백희와 민속 예능을 결합하여 자국화를 이루었다는 점에서 유사성이 있다. 일본의 유랑예인은 종교적인 것에서 비롯된 것도 많은데, 간닌(願人)이라는 집단은 불사를 명목으로 기예를 보여주고 돈이나 쌀을 받았다는 점에서 남사당패 같 은 유랑예인집단과 매우 유사하다.

The traditional performances of the modern Japanese era have greatly developed stage performances represented by Kabuki(歌舞伎) and Ningyo-Joruri(人形淨瑠璃). There was a permanent theater where you can see such performances and could pay the admission fee. Apart from this, there were people who showed simple performances in the bustling streets or temple grounds, received money, and sold goods. This is called Daidoge (大道藝) and the performer is called Daidogenin(大道藝人). On the other hand, there were wanderers who wandered all over the country and carried Kadozukege (門付藝) as a holiday or ceremony of customs of the year. Kadozukege visits every house and shows his skills and receives rice or money. When he became famous while playing the Daidoge, he could have a performance in a fully-equipped-stage, and there were the opposite cases. Daidoge and Kadozukege were usually taken by people belonging to the lowly people, and they were not treated as ‘arts’ such as Ningyo-joruri and Kabuki. Even now, you can meet Daidogenins in local festivals, big cities, and downtown areas. Among the performances by modern wandering people are still a comedy or a popular entertainment today. The popular entertainment that was performed in the theater after the Meiji Restoration originally started from the street corner. Among the performances that the wandering person carried out, there was a stage art which became very popular with the Japanese people at that time and became the stage art. Hinin, Rubber, Sarukai, and other medicine-seller, who have been living in various areas, have been selling their arts, imitating the sophisticated performances of the city, but have pioneered new fields through their own research and development. In addition, the art of the wandering artist is significant in that he has handed down the acrobatics and the typical magics disappearing after Sarugaku(猿樂). The wandering artist of the early modern Japanese are similar in that they have made their own country by combining professional arts and folk arts like the Korean wandering group. Many Japanese wanderers come from religious ones, and the group called Ganin (願人) is very similar to the group of wanderers such as Namsadang in Korea in that they show their art in the name of buddhist temple and receive money or rice.

부산은 개항장으로서 근대문물의 유입통로였다. 근대적인 것에는 외국의 공연예술도 포함되어 있었다. 20세기 초 옥내무대형 연희장의 성립과 같은 공연문화의 외적 변화와 더불어 열강의 세력과 함께 끼어들어온 중국과 일본 등 주변국의 연극에 의한 자극은 근대 연극의 주요한 변화 요인으로 꼽힌다. 그런데 이 주변국의 연극 중에는 연극이라고 부르기 힘든 잡희(雜戱), 즉 곡예와 묘기를 위주로 하는 종목들이 많이 포함되어 있었다. 이 종목들의 특징은 언어적인 전달력은 거의 없고 신체나 도구를 사용해 이목을 집중시키는 오락적 기능에 충실하다는 점에서 외국인이 연행하더라도 부담감이나 거부감이 덜했다. 본고에서는 부산에 유입된 외국 공연물들과 그 연희단의 정체를 집중적으로 고찰하고자 한다. 그간의 연구성과에서 상세히 다루지 못했던 공연물의 구체적인 내용과 양상에 대해 접근할 것이다. 특히 근대 일본의 공연예술계에서 작지 않은 역할을 차지했던 요세(寄席)과 곡마단에 주목해 보았다. 요세와 곡마단은 19세기 말과 20세기 초에 걸쳐 일본을 비롯 피식민국가였던 조선과 대만, 만주 등에서 크게 유행했던 공연물들이다. 근대 외국에서 유입된 공연예술을 알려줄 만한 자료는 많은 편이 아니지만, 당시 신문기사들과 동시기 외국 자료들 속에서 부산을 다녀간 외국 연희단의 소식을 찾아볼 수 있다. 단편적이나마 그 편린들을 엮어 근대를 맞은 조선의 공연사를 더욱 구체적으로 살펴보고자 한다. 본고에서는 근대가 막 시작되던 무렵 개항장 부산에 유입된 외국 공연예술의 유입과정과 공연의 특징 등을 살펴보고, 당시 신문기사를 적극적으로 참고해 외국 연희단의 정체와 공연내용을 구체적으로 천착하였다.

Institutions of modern theatrical performances were founded in beginning of the 20th century. It enables traditional performances to be performed at the indoor theater. Performing arts of Joseon was undergoing a transition with qualitative improvement at that time. Category so-called modern performing arts in this period includes circus or magic from Japan, China, and the occident that have the different way of doing performing in traditional society of Joseon. Especially, Circus troupes from Japan make traditional performing arts world of Joseon to be deprogrammed about different way of theatricals. In this paper, I intensively consider the foreign entertainment that flowed into Busan and the identity of that group. I access specific contents and aspects of outpatient entertainment which could not be explained in detail by the research results so far. In particular, I looked at the vaudeville and bands that occupied a small role in modern Japanese performing arts circles. They are performing arts that had become popular in Korea, Taiwan, Manchuria, etc, which were colonized countries including Japan, from the end of the 19th century to the beginning of the 20th century. Historical materials on the performing arts that flowed in modern foreign countries are not many, but you can find news from the foreign entertainment group who visited Busan in the same period as the newspaper articles of the time and foreign materials at the same time. I knitted it and explained it more concretely about the history of the performance of Korea that came into modern times. In this paper, I looked at the influx process of foreign art entering Busan in Busan just after the beginning of the modern era and the characteristics of the performance, actively refer to the newspaper article at that time, and show the identity of the foreign performances and the contents of the performances I dug in detail deeply.

『에머의 유일한 질투』에서 나타나는 고스트를 통해 예이츠가 만드는 분 위기는 귀괴하고 섬뜩한데, 이것은 르네상스시대 때에 고스트 이야기를 하는 방법으로 획기적으로 여겨졌던 셰익스피어의『햄릿』에서와 유사하다. 이 논문은 『에머의 유일한 질투』에서 예이츠의 고스트의 사용을 논하고 이제는 고전이 되어버린 『햄릿』의 기법 과 비교하고자 한다.

The mood Yeats creates through the ghost in The Only Jealousy of Emer is uncanny and eerie and is similar to what Shakespeare does in his play, Hamlet, which was considered to be an innovative way of telling a ghost story at the time of its composition in the Renaisance. In this paper, I will discuss Yeats’s use of ghost in The Only Jealousy of Emer and compare it with Shakespeare’s use of ghost in Hamlet, the technique of which has now become classical.

이 글은 최근 한국 현대시의 장르 해체적 징후와 그 구체적 양상을 살펴보는 것을 목적으로 한다. 21세기를 전후해서 한국시단에서는 그 어느 시기보다도 장르의 분열적 양상들이 다양한 방식으로 나타난다. 이러한 시 장르의 해체적 징후는 재래적인 전통서정시의 문법으로는 21세기적인 새로운 도시의 정서와 체험을 온전히 담을 수 없으며, 그로 인해 새로운 시대에는 새로운 어법과 새로운 양식이 필요하다는 신진 시인들의 문제의식에서 출발한다. 이 같은 시단의 상징적 ‘해체’ 작업은 젊은 시인들의 개별적인 욕망과 단독자적 의지에서 촉발된 것이라기보다는 문학예술 전반의 변화에 대한 시대정신의 요청이 개입되어 있다. 이에 따라 이 글에서는 먼저 이른바, ‘해체론 시대’의 언어철학과 시 장르의 본질적 관계를 대략적으로 점검하고 이후 김중일과 김이듬의 구체적 작품세계를 분석하였다. 그 결과, 90년대와 이천 년대를 전후해서 나타난 문단의 장르 해체적 징후와 그 표지들은 대개의 경우, 이른바 ‘해체론 시대’의 인식 구조의 변화 혹은 동시대의 철학적 사유와 유사성을 띠며 전개됨을 확인할 수 있다. 예를 들면 현대 생활세계를 ‘불편’한 시선으로 바라보는 김중일 시인에게 그것은 마법의 시간 혹은 환각의 세상에 대한 제시를 통해서 나타난다. 의식과 무의식, 기억과 망각, 꿈과 현실, 가상과 실재 사이의 경계에서 무한 상상력을 발산하는 김중일의 시적 공간은 그 자체로 오늘날의 왜곡된 현실 담론에 대한 부정이고 저항이다. 이러한 시적 경향은 김이듬의 경우에도 마찬가지로 발견된다. 특유의 자폐적이고 불연속적인 언어를 밀도 있게 행사하며 서정적 주체의 분열을 감내하는 그녀의 시쓰기는 위계 없는 질서세계를 꿈꾸는, 그리하여 본원적 삶의 가치를 환기하고자 하는 ‘아름다운 팜 파탈’의 노래이다. 한편, 21세기의 새로운 시공간에서 장르 해체의 징후 혹은 새로운 장르의 생성과 소멸은 그야말로 자연스러운 일일 것이다. 이런 측면에서 최근의 젊은 시인들이 각자의 개성 있는 상징체계를 마련하고 이를 통해 차이의 스펙트럼을 보여주며 생산해 낸 시편들은 나름의 의미를 부여할 수 있다. 그러나 이 과정에서 기성의 시 양식에 대한 무조건적인 거부행위는 결코 용납될 수 없다. 어느 시대이건 서정시의 존재론은 다양한 음역을 확보할 때, 그 가능성을 인정할 수 있는 까닭이다.

This article is a recent genre of Korean modern poetry and dismantling scanning purposes, embodiment of signs and aspects. The 21st century at the genre in Korea: only profitable constitute appears in a variety of ways. These signs are as follows: by genre of de-constructing. Traditional-traditional lyric’s grammar is not a new experience for the city's sentiment toward the fence untouched. As a result, the new era is the need for a new law and a new form is budding poets from the expression in question. This is symbolic of the ‘de-constructing’, such as: the young poets from all of the individual desires and only sole is not triggered. It is a literary arts-wide change request to intervene for the Zeitgeist. The Eagle, the first language of philosophy: ‘Deconstruction theory’ relationship check the approximate nature of the genre. Since I have analyzed Kim, Jung-il and Kim, Ee-dum’s concrete work world. As a result, the so called age of recognition of change or ‘Deconstruction theory’ contemporary philosophical reason and can confirm that the unfolding similarities. For example, the poet’s magic hour or hallucinations of the world appears through the present for. Also, Kim has another autistic and discontinuous language and lyric subject’s cleavage, density to endure. She is not dreaming the world order in this process to life in this weonjeog in the way of value added to the beautiful Pampa of the no-harm. Meanwhile, in the 21st century a new poetry or a new genre, the signs of disintegration of the genre of space creation and destruction are indeed natural. In this regard, the recent young poets laid the symbolic of their unconventional and this shows the spectrum of differences. They can grant their own meaning of Psalms. However, in the process, rejecting the older forms of poetry is never tolerated cannot be unconditional. Which era it Lyric to free various transliteration of the ontology is, when he is likely to accept the account.

As the industrial development is accelerated, a new machining process and system are keenly required to achieve super precision surface finish. Especially to get ground surface finish fer complicated and narrow inner shape of molds, it is impossible with the existing methods so that a new method is being required to be developed. A new material, called Magic(MAGnetic Intelligent Compounds), is finally made and it is called Magic machining that uses this material. There is a way to make a material as follows, the mixture of magnetic particles, bonding material and particles of abrasive grain should be melt down by proper heat, and then this mixture put in a mold and cool down in magnetic field which has a uniform direction. This new polishing method is spotlighted as an excellent solution to the existing problems. However it hasn't reported any study about the influence of the machining conditions of polishing velocity, amplitude and polishing pressure to the surface roughness yet. This study would examine closely the influence of polishing conditions of the Magic polishing tool to the surface finish to decide the optimum polishing condition and to standardize the Magic polishing work.

본 논문은 산문 “Magic,” “Swedenborg, Mediums, and the Desolate Places,” Per Amica Silentia Lunae와 A Vision에 나타난 예이츠의 영성에 대한 생각 을 살펴보는데 그 목적이 있다. 우선 본격적인 논의에 앞서, 이 논문은 예이츠가 유년 시절에 접했던 민담과 아버지의 기성 종교에 대한 비판과 같은 예이츠 특유의 영성을 형성한 여러 가지 요소들에 대하여 살펴본다. 이러한 유년 시절의 영향은 예이츠로 하 여금 기성 종교와 대비되는 대안적인 형태의 영성을 추구하게 만들었으며 이는 신지학회와 황금여명회 가입으로 이어진다. 이는 또한 예이츠가 아일랜드의 민담과 전설 등 아일랜드의 고유한 전통에 바탕을 둔 특유의 영성 이론을 발전시키는데 도움을 준 다. 다음으로, 논문은 예이츠의 1901년 에세이 “Magic”부터 영성에 대한 추구가 집대 성 되어 있다고 볼 수 있는 A Vision에 이르기까지의 예이츠의 산문을 살펴봄으로써 예이츠가 어떠한 방식으로 영성에 대한 생각을 글로써 표현하고자 하였는지에 대하여 논의하고자 한다.

This essay aims to look into Yeats’s theories on spirituality in his four essays: “Magic,” “Swedenborg, Mediums, and the Desolate Places,” Per Amica Silentia Lunae, and A Vision. Before moving on to the main discussion, this article briefly examines the several factors that helped shaped Yeats’s thoughts on spirituality, not least of which was his exposure to folklore and his father’s repudiation of established religions. Such childhood influences led Yeats to join first the Theosophical Society and then the Golden Dawn in search of alternative forms of spirituality. It also contributes to Yeats’s unique theories on spirituality that is based on Irish traditions such as Irish folklore and legends. Then, this essay discusses Yeats’s prose writings, starting from his 1901 essay, “Magic” to A Vision, which can be considered as the culmination of his lifelong search for spirituality in order to talk about how Yeats tried to formulate his thoughts on spirituality over time.

영화는 항상 실재(reality)와 허구(imagination)를 바탕으로 시대의 문화를 반영해 왔으며 영화에서의 시각 효 과는 주로 현실을 더욱더 현실감 있게 표현하거나 가상을 현실로 인식시켜주는 역할을 해 왔다. 본 연구는 환상적 사실주의가 갖는 이미지를 이창동 감동의 오아시스를 통해 내표된 의미와 그 작용에 대해 알아보았다. 환상적 사실 주의는 이미지로서 영화내의 시간과 공간에 영향을 미치며 인간의 보고자 하는 욕망과 보이고자 하는 욕망을 거울이 라는 이중적 의미의 도구를 사용하여, 현실과 상상의 공간을 분리하였다. 또 비둘기라는 매개를 통해 현실 세계에 재현되었다. 영화 내러티브 구조에서 가시화된 공간과 비가시회된 공간을 분리시키고, 현실과 비현실적 공간의 분리, 의식과 무의식의 공간의 분리, 현실과 현실공간을 권력 구조로 분리하여 사용되었다. 기술의 발전과 함께 황상의 이 미지는 우리에게 더 실재처럼 다가오고, 이는 우리가 생각하지 못한 무의식의 공간을 표현해 낼 것이다.

The film has always reflected the culture of the era based on reality and imagination. The visual effect in the film has mainly played a role of expressing the reality more realistically or recognizing the virtual as reality. This study examines the meaning and the effect of fantasy realism through Oasis of Lee Chang-dong. Fantastic realism has separated the reality from the imaginary space by using a dual meaning tool that affects the time and space in the film and reflects the human desire and desire to see. It was also reproduced in the real world through the medium of pigeons. In addition, it separates visualized space from non-visualized space in film narrative structure, separation of real and unreal space, segregation of consciousness and unconscious space, and separation of reality and reality space into power structure. With the development of technology, the image of the yellow image comes closer to us like reality, which will express the space of unconsciousness that we could not think of.

Previous studies have examined the quantitative results of using an or-ganized approach of teaching and learning magic tricks—a therapeu-tic magic camp—but set aside the qualitative aspect. The purpose of this qualitative study is to explore the interpretation of the lived experi-ence of children with hemiparesis after they have participated in a ther-apeutic magic camp. Six children, aged between 11 and 14 years old, with hemiparesis who completed the magic camp program 3 months prior were invited to participate in an in-person individual semistructured interview. The interviews were audio-recorded and transcribed verba-tim for content analysis. Results from the initial qualitative analysis yield-ed categories of enjoyment, positive social and learning experience from participation in the camp, increased confidence, and self-motiva-tion to use the affected upper limb. These categories were grouped into two themes: “having fun with others while learning” and “helping my arm perform.” Having fun with others while learning was an amalgama-tion of fun, and positive social and learning experience. Helping my arm perform reflected a sense of increased competence and self-belief, and a willingness and motivation of the children to attempt challenging daily activities. The lived experiences of children with hemiplegia who partic-ipated in an organized delivery of learning to perform magic tricks yield-ed positive outcomes. These themes are consistent with the limited lit-erature that is available suggesting that further research is needed to confirm the efficacy of the therapeutic magic camp intervention.

예이츠는 “마술”에서 마술과 문학 사이의 상호관계를 설정하여, 그의 신비주의 사상에 대한 구체적인 구상을 제시한다. 그에 따르면, 대기억은 인간과 역사에 영향을 미친다. 고대 아일랜드 시골사람들은 그 대기억에 더욱 쉽게 접근할 수 있었다. 그는 시인들과 예술가들이 대기억으로부터 이미지를 얻어서 그것을 작품에 형상화한다고 주장한다. 그는 『죽 냄비』에서 신비주의 사상의 변형을 다룬다. 냄비는 음식을 만드는 도구이다. 또한 그것은 대기억의 일부분으로써 연금술적 변형을 불러일으키는 원형을 상징한다. 사유, 느낌, 감정을 융합한 냄비는 개인의 지혜와 국가의 정체성을 상징하는 새로운 ‘물질’로 변형된다.

In his essay “Magic” (1901), Yeats talks about the mystic ideas, setting up the relationship between magic and literature and manifesting a concrete design of his mystical ideas. According to Yeats, the Great Memory influences man and his history; ancient religious rural people of Ireland could have easier access to the Great Memory. He insists that poets and artists get imagery from the Great Memory and portray it in their works. He deals with the transformation of mystic ideas in The Pot of Broth: the pot is a utensil in which makes food. It also symbolizes an archetype, part of the Great Memory to evoke an alchemic variation. The broth infused with thoughts, feelings, emotions is transformed into a new “matter” which emblematizes a person’s wisdom and national identity.

‘정체성’과 ‘뿌리’라는 개념은 식민지 시대부터 오늘날까지 지속적으로 탐구되어 온 주제이다. 식민지적 삶의 제약은 토착민들로 하여금 자신의 정체성의 가치를 인식하게 만들었다. 그러나 이주민들의 디아스포라 경험은 자기 인식의 관점을 변화시켰다. 탈식민 시대의 디아스포라적 상황 속에서 이주민들은 정체성 위기를 겪었으며, 타국에서 자신의 정체성을 확립하기 위해 노력하였다. 그들은 정체성을 획득하는 것이 평온한 삶을 가능하게 할 것이라 믿었고, 오랜 투쟁 끝에 결국 자신만의 정체성을 획득하게 된다. 그러나 그 이후에도 삶 속에는 내면의 공허감이 남아 있었고, 이는 다시 자신의 ‘뿌리’로 돌아가고자 하는 욕망을 낳는다. 이처럼 한때 정체성 탐색에서 시작된 여정은 점차 뿌리를 찾는 탐색으로 전환된다. 하지만 이러한 내면의 공허와 결핍은 끝내 사라지지 않으며, 그들의 탐색은 끝없이 지속된다. 본 논문은 이러한 끊임없는 탐색을 M.G. 바산지의 소설『세이다의 마술』를 통해 분석한다. M.G. 바산지는 케냐 태생의 캐나다 소설가이자 편집자로, 그의 작품 속 주요 인물들은 자신이 지닌 정체성과 함께 뿌리를 향한 끝없는 탐색을 살아간다. 본 논문은 이러한 인물들의 절망적 외침을 드러내고자 한다.

The terms ‘identity’ and ‘roots’ are frequently explored from the time of colonialism until today. The restrictive colonial life made the indigenous people recognize the value of their own identity. However, the diasporic experiences of the immigrant people influenced their perspective of self. During the diasporic phase in the postcolonial period, the immigrants faced the issues of identity crisis and they strived to attain their own identity in the foreign land. They believed, gaining an identity would help them lead a peaceful life and after a long struggle, they did gain an identity for themselves. Even after that, they felt a sense of inner void in their life, which developed a desire to connect back to their roots. The quest that once began with the search for an identity has now gradually shifted to finding their roots. Unfortunately, the inner void and emptiness stay with them throughout and their search remains endless. This perpetual search is analysed in this paper through the lens of M.G. Vassanji’s novel The Magic of Saida. M.G. Vassanji is a Kenyan-born Canadian novelist and editor. The major characters in his novels live through the endless search for the roots with the identity they hold within and this paper voices out their cry of despair.

본고는 프로이트의 정신분석 이론을 통해 디지털 시대의 표현 매체(i-Pad)를 재해석하고자 한다. 특히 1925년 프로이트가 쓴 소논문, “매직 블록에 대한 노트” (Notiz über den' Wunderblock)에 대한 세밀한 독법으로 프로이트의 매직 노트와 디지털 시대의 표현매체 사이에 존재하는 상동성을 발견하고자 한다. 이는 프로이트가 정신 기구의 개념화로써 마술 패드를 해석하고자 한 시도를 오늘날의 정신생활에서 정보의 함의가 갖는 의미에 대한 성찰과 연결하고자 하는 노력에서 비롯된다. 특히 본고는 ‘무의식은 언어처럼 구조화되어 있지 않다.’는 견해를 통하여 무의식은 그래픽적이며, 그라마톨로지적이며, 테크놀로지적이라는 주장을 하고자 한다. 특히 프로이트의 에크리튀르라는 보다 방대한 문제를 지향하고 있으며 기억과 지각 사이의 관계를 지각의 무의식과 기억의 흔적이라는 새로운 문제 설정을 통해 접근하는 시도를 지향한다.

In this article, I would like to address the usage of the computer tablet as macintosh i-Pad, which has a strange similarity to the writing tool described by Sigmund Freud in his famous small text of 1925 “Note on the magic block” (‘Notiz über den’ Wunderblock’”) : the English name of Wunderblock is the “Magic Pad”. This parallel between i Pad and Magic Pad seems particularly not only become our everyday tool also but our “mental prosthesis” in some way - Freud had elected the Magic Pad as a model to illustrate his conception of the psychic apparatus. If so, I'll deliver my reflexions on the implication of informatics apparatus in today's psychic life by tracing the evolution of the theoretical conception of the psychic apparatus in Freud throughout his work. In particular, I consider Freud not as abstract thinker as more engineer of the human soul. The Unconscious is not structured like a language, but it is structured like a cinematograph: it is graphic - grammatologic - and technologic.

본 연구의 목적은 마술을 활용한 집단상담 프로그램이 남자 쉼터 청소년의 삶의 만족도, 자기효능감 및 희망에 미치는 효과를 검증하는 것이다. 프로그램 개발을 위해 선행연구를 분석하여, 남자 쉼터 청소년에 적합하도록 마술을 활용한 집단상담 프로그램을 재구성하였다. 프로그램의 효과는 남자 쉼터 청소년 26명을 대상으로, 실험집단에 주 2회 총 8회기 마술을 활용한 집단상담 프로그램을 실시하였으며, 통제집단에는 사전조사 후 무처치를 실시하여 확인하였다. 두 집단 간 동질성은 독립표본 t 검증을 통하여 분석하였다. 삶의 만족도, 자기효능감 및 희망에 대한 사전-사후-추후 시점에 따른 프로그램 효과를 검증하기 위해 반복측정분산분석(Repeated Measures Analysis of Variance) 및 대응표본 t 검증을 통하여 분석하였다. 분석 결과, 마술을 활용한 집단상담 프로그램에 참여한 남자 쉼터 청소년들은 통제집단 청소년에 비해 삶의 만족감, 자기효능감 및 희망이 유의하게 향상되어, 마술을 활용한 집단상담프로그램이 남자 쉼터 청소년의 정신건강 증진에 효과적인 것으로 나타났다. 마지막으로 본 연구의 의의, 제한점 및 시사점이 논의되었다.

The purpose of this study is to examine the effect of the magic-aided group counseling program on the life satisfaction, self-efficacy and hope of shelter youth. To this end, a magic group counseling program with a total 8 sessions based on the previous studies was reorganized. To evaluate the effectiveness magic group counseling program, 26 male shelter youths were selected, and the experimental group was conducted twice a week for a total of 8 sessions. And control group was done no treatment. To determine the effect of the program, pretest and post test were conducted to evaluate the life satisfaction, self-efficacy, and hope of the experimental and control groups, and data were analyzed by repeated measures analysis of variance and paired t-test. The findings of the study were as follows: The experimental group that participated in the magic group counseling program showed better improvement in satisfaction with life, self-efficacy and hope than the control group. The findings demonstrated that the magic group counseling program contributes to promote levels of mental health of shelter youth. Implications for and limitations of the current study are discussed.

본 논문은 디즈니 만화영화 "겨울왕국"에서 특이한 마술적 힘을 가지고 있는 엘사를 주인공으로 놓고, 그녀가 왜 두려움과 분노의 감정을 가지게 되었고 이런 감정을 어떻게 마술로 표출하는 지를 분석하는 것을 일차적 목표로 정한다. 마술을 걸기만 하고 풀지 못하는 자유롭지 못한 엘사가 자신의 왕국을 떠나가는 것이 그녀의 두려움과 분노에 찬 얼어붙은 왜곡된 감성을 스스로 얼음성에 갇히게 만드는 상징적 행위로 해석한다. 둘째로는 디즈니의 여성성에 대한 새로운 양상을 보여주는 본 "겨울왕국"은 환상적 애니메이션이 실제 사회의 여성적 억압에 대한 분노와 그 두려운 해방감에 관한 문제해결과 얼마나 유사한 패턴을 가지고 있는 지를 시청자가 엘사와의 감정이입을 통한 감정 상호작용을 통해 분석하고자 한다. 마지막으로 본 논문은 스토리텔링 기법을 통해서 엘사를 중심으로 시청자의 두려움이나 분노가 어떤, 그리고 얼마나 증폭적인 감정 상호작용을 함으로써, 인간 보편적인 분노와 두려움의 감성인 엘사의 감성이 어디서 근원되었고, 왜 마술로 독특하게 상징적 재현이 되며, 그 감성을 어떻게 해결하는 지의 과정을 독자와의 스토리텔링 상호작용을 통해서 분석한다.

This paper has the first aim to analyze Elsa's magic power of why and how she, as a heroine in the animation of Frozen, is in the emotion of fear and anger. This paper will explain why these two emotions are twisted compound to identify Elsa's iced emotion in the ice kingdom. And secondly, this paper attempts to connect Elsa's fear emotion in her real life is the other flip with that of anger throughout the characters' network in Frozen, which symbolically reflect the feminine pattern of real society that Walt Disney prospects for the dream society. Through the cognitive process for Elsa's ice kingdom between emotion status and social network, we can assume the pattern of social network with emotional chart and the archetype of human emotion through the cognitive-emotional storytelling on the emotion of Elsa in Frozen.