Earticle

이 글은 문화를 논의하는 다양한 영역들 중에서도 예술의 분야, 특히 예술비평의 문제와 관련하여 기독교적 예술비평은 가능한가의 문제를 해명하는 데 목적이 있다. 기독교적 예술비평이 가능하다면, 우리는 그 근거로서 어떤 원칙과 방법을 제시해야만 한다. 그리고 그것이 철학이나 예술 일반에서 통용되는 비평의 방식과 비교하여 어떤 차이점이 있는지, 나아가 어떤 설득력을 지닐 수 있는지가 설명되어야만 한다. 그래서 나는 이 문제를 기독교 세계관과 성경적 관점에 근거하고 있는 프란시스 쉐퍼(Francis A. Schaeffer 1912-1984)와 윌리엄 로마노프스키(William D. Romanowski)의 견해를 중심으로 논의하고자 한다. 현재 국내에 소개된 기독교적 예술비평에 관한 전문적인 연구가 거의 없는 상황을 감안한다면 이 연구는 나름의 의의를 충분히 가질 수 있을 것이다.

On the Christian Criticism of Art ― Focused on the F.A. Schaeffer and W.D. Romanowski ― Shin, Eung-Chol ― This article aims to elucidate the problem what is the Christian Criticism of Art in terms of the Criticism of Art. If it is possible, we have to supply a principle and method of Christian Criticism of Art as a basis of Criticism. And we have to explain the difference in relation to Criticism of Art in general. I will discuss this problem on basis of christian world view point and the biblical view point. In order to this discussion, I will suggest the Christian Criticism of Art centered on the theory of Francis A. Schaeffer and William D. Romanowski. In this context, first of all we will deal the relation of christianity and culture. And we will discuss the basis of Christian Criticism of Art, especially the biblical basis of Art centered on Francis A. Schaeffer. Next we will discuss the principle and method of Christian Criticism of Art, especially Criticism of Popular Art centered on William D. Romanowski. Finally we will suggest the practical view point of Christian Criticism of Art.

Im 18. Jahrhundert stritt man um allgemeingültige Kriterien für die Kunstkritik, welche ebenda aufzblühen begann. Im Zent ru, dieser Auseinandersetzung die uns als "Laokoon-streit" bekannt ist, befanden sich Johann Winckelmann einerse its und ein französischet Bildhauet Etienne-Maurice Falconet(1716-1791) andererseits. Die beiden waren von gamz unterschied lichen Kunstideen überzeugt. Obwohl sie niemals zusammentraf, fielen sie in eine hegtige schriftliche Diskussion. Wie bekannt, vertrat Winckelmann den aufkommenden Klassizismus. Er setzte die griechische Kunst auf die höchste Rangstufe auf und bezeichnet sie als Träger der sogenannten "edlen Einfalt und stillen Größe, doe sonst in der Natur verborgen bleibe. Nach Winckelmann sollte der Künstler die griechischen Vorbilder wie Apollo von Belvedere und Laokoon nachahmen, um das wrsentlich Schöne zu erlernen. Falconet übte eine scharfe Kritik gegen die Meinung Winckelmanns und die Diletantismus in der Kunstkritik aus. Selbst als Theoretiker warf er vor, dass die Klassizisten um ihr dogmatisch struktuiertes Lehrgebäude willen alle andere Eigenschagten der Kunst sowie Kunstwerke übersahen und ihre Apotheose der klassischen Kunst auf die Entwicklung der Kunst eher als Hindernis wirkte. Im besonderen Hinblick auf den Aus druck der menschlichen Leidenschaft distanzierte Falconet sich von der Lehrmeinung des Klassizismus, nämlich Zurüakhaltung derselben Leidenschaft wegen der idealen Schönheit. Vor dem Laokoon teilten Falconet und die Klassizisten ihre Meinung unüberbrückbat coneinander. Für diese war der Laokoon die Repräsenta- tion des erhabenen Menschen, der leidet, ohne seinen Affekt zu en- thüllen. Im Gegensatz sah Falconet in demselben Werk einen erlungenen Ausdruck des menschlichen Gefühls. Sein Debütwerk <Milon von Croton> ist also die Visualisierung seiner Kunstauffassung. Unter Einfluss Pierre Pugets sowie seines Lehrers Jean-Baptiste Lemoyne bemüht er sich darum, den Ausdruck der menschlichen Leidenschaft durch kunsttechnische Lestung und wissensch aftliche Forschung zu erstarken. Daraus ergab sich die expressive Ausdrucksform des Affekts. In diesem Fall verband sich Falconet mit der Tradition des barocken Kunstwollens, aber er ging einen Schritt weiter, indem er die Ausdrucksweise noch realistischer und lebendiger zu machen vermag. Faconet war vielleicht der einzige Künstler, der Vorteile der barocken Kunst ausnut zen konnte, ohne dabei die klassische und realistische Formensprache zu verlieren. Dutch sein Werk und seine theoret ischen Schriften eröffnete er neue Prinzipien sowohl für die Kunstpraxis als auch für die Kunstkritik, deren wesentliche Sinn jedoch erst in der Romantil anerkannt wurde.

한국의 근대 예술사에 있어서 ‘문학’과 ‘미술’이 서로 조응하면서 동일한 예술적 이념을 공유하며 상호적인 예술적 실천을 꾀했던 몇 가지 시대상의 계기들 중에서 한국에서 근대 문예가 최초로 시작되었던 문예지인 『창조』의 사례를 가장 첫 손에 꼽을 수 있다. 이는 이 시기가 근대 문학과 근대 미술이 각각 스스로 자기 예술 영역 을 규정해나갔던 시기였다는 의미에서도 그러하지만, 잡지 『창조』 속에서 문학과 미술 영역이 서로 영향을 주고받으면서 동일한 미학적 기반 아래 공유지점을 형성해 나갔다는 사실을 간과하기 어렵다. 비록 지금까지 그 중요성이 간과될 수밖에 없었지만, 이처럼 문학과 미술이라는 각각의 근대적 예술 영역이 서로 공통된 미학적 기반을 발견해나가는 데 있어서 『창조』의 핵심적 실무자이자 미술론 을 썼던 김환이라는 존재는 여러 모로 중요한 위 치를 차지하고 있다. 비록 지금까지 김관호나 김찬영에 비해 박한 평가를 받고 있었 으나 김환은 『창조』의 초창기에 종합예술적 이념을 구성하는 데 중요한 역할을 했다 는 점에서 재평가의 지점이 분명 존재한다. 본 논문은 바로 최초의 전문적인 근대 문예잡지로서 『창조』가 구성했던 종합예술적 이념을 해명하고자 하는 첫 번째 구체 적인 과제로 바로 이 김환의 미술론을 재론하고자 하는 목적을 갖는다. 이를 위하여, 본 논문에서는 우선 김환이 와세다 대학의 교수로서 주로 미학과 미술사를 전공하고 가르쳤던 키노 토시오가 세운 일본미술대학에서 수학했던 바 있 다는 사실을 밝히고, 그의 미술론이 시마무라 호케츠나 마츠모토 코지로 등이 저술한 미학 관련 서적들의 영향 하에서 구축된 것이라는 사실을 확인하였다. 말하자면, 김환이 『창조』에 발표한 소설 신비의 막 에서부터 강조했던 ‘자연’과 ‘자연’의 미란 칸트의 영향하에 성립된 서구 미학의 자연미와 인공미라는 구분으로부터 다소간 의 도적으로 오해된 것이었던 셈이다. 이러한 김환의 개념적 착종은 이후 김동인과 염상 섭 사이의 논쟁을 불러일으킬 만큼 문제적인 것이었지만, 이후 김찬영 등에 의해 보다 정교한 미술론이 등장하면서 그 설 자리를 잃게 될 수밖에 없었다. 그럼에도 불구하고 김환의 미술론은 근대 미술의 초창기 ‘론’의 형식으로 제출된 최초의 것이 었다는 점만으로도 충분한 의미가 있으며, 『창조』의 미학적 정체성을 규정하는 것이 었다는 점에서도 의미를 갖는다.

In the modern history of art in Korea, there are some cases with ‘Literature’ and ‘the Fine Art’ corresponding with each other, sharing the same artistic philosophy and seeking mutual artistic practice. Among them, maybe the literary magazine, “Chang-Jo”, which start with the modern literature, comes first to everyone's mind. Of course, this period seems particularly true in the meaning that it was a time that modern literature and modern fine art defined its own artistic area. But in the magazine, “Chang-jo”, each areas of literature and fine art have formed the sharing point under the same aesthetic base influencing each other. On the other hand, Kim Whan is significant with being a hands-on staff of “Chang-jo” and writing “Artistic Criticism” etc. So far, though, Kim Whan has been underrated than Kim, Kwanho and Kim, Chanyoung, there is obviously a point of re-evaluation in the way that he plays an important role in constituting a total art idea in the early days of “Chang-jo”. In this paper, I have purpose with review on the artistic criticism of Kim Whan's as the first specific challange to unravel the total art idea that “chang-jo” constituted as a professional modern literary magazine. Above all, in this paper, I found that Kim Whan has studied in Japan Art School that founded by Kino Toshio who majored and taught mainly Aesthetics and History of Art as a professor of Waseda University. Through this fact, I also found that his artistic criticism has been made under the influence of the books about Aesthetics written by Shimamura Hoketsu and Matsumoto Kojiro, etc. Kim Whan emphasized the beauty of the ‘nature’ and the ‘nature’ from ‘Mysterious Screen’ first published in “Chang-jo” to the writing on artistic criticism. So to speak, he misunderstood the concept of beauty intentionally from the natural beauty and artificial beauty of Western aesthetics established under the influence of I. Kant. Such a conceptual entangling of his was important and problematic enough to provoke a debate between Kim Dongin and Yum Sangseop then. His own artistic criticism was forced to lose its installation position as more sophisticated theory appeared by Kim Chanyoung. Nevertheless, his criticism had plenty of meaning just being the only first one submitted in the form of the early 'theory' on modern art.

이 논문은 예술작품의 가치, 기법, 상상력 등의 복합적 요소들을 분석하는 비평의 관점, 방법, 구성 등에 대해 살펴보고자 한다. 비평은 작품의 기법이나 가치를 형성하고 있는 사 상적 문화적 배경, 또는 작가가 무심코 행한 예술적 행위도 새로운 측면에서 해석하기 때 문에 또 하나의 창작이라고 말할 수 있다. 이 글에서 말하고자 하는 비평적 분석은 작품 속에 숨겨진 그와 같은 복합성의 요소들을 분석하고 그 열린 구조를 찾아내는 방법이다. 이런 측면에서 이 글은 ‘예술비평은 무엇을 분석하는가’, ‘예술작품을 철학적으로 어떻게 비평할 것인가’ 등에도 주요 초점을 갖고 작품 및 비평의 의미, 비평의 구성방법과 사례들 을 소개하고자 했다. 그리고 들뢰즈의 예술비평과 그 예시를 통해 작품을 읽고 생각할 수 있는 철학적 비평의 방법을 살펴보고자 했다. 그 결과 우리가 작품을 창의적으로 읽고 이 해한다는 것은 그 복합성을 분석하고 이해할 수 있는 통섭(通涉)의 시선을 필요로 한다는 점을 강조하고자 한다.

This article attempts to examine the viewpoint, method, and composition of criticism, which analyzes complex elements such as values, techniques, and imaginations of works of art. Criticism can be said to be another creation because it interprets the ideological and cultural background that forms the technique or value of the work, or the artistic actions that the artist inadvertently performed from a new perspective. The critical analysis that I want to talk about in this article is a method of analyzing the elements of complexity hidden in the work and finding the open structure. In this respect, this article attempted to introduce the meaning of works and criticism, methods of constructing criticism, and examples, focusing on ‘What does art criticism analyze?’ and ‘How to philosophically criticize works of art?’ And through Deleuze's art criticism and examples, I tried to look at how to read and think about his work. As a result, I would like to emphasize that creatively reading and understanding works requires an insight to analyze and understand the complexity.

본 논문은 미술비평계가 2000년대 이후 끊임없이 반성과 성찰을 요구하는 ‘미술비평의 위기’의 실상을 알아보고자 하는 시도이다. 우리 사회 일각에서도 미술비평 무용론이 60년대 이후 간간히 있어왔지만, 미술비평의 위기가 문제의식으로 전면적으로 부각된 것은 2005년 한국미술평론가협회가 『미술평단』에서 비평의 위기를 그 해의 특집으로 다루면서 부터이다. 『미술평단』의 많은 논문들은 미술비평 위기의 원인을 큐레이터의 영역확장에서 찾았다. 본 논문은 『미술평단』의 바로 이러한 문제의식으로부터 출발하여 미술비평이 무엇이며, 미술비평의 위기가 무엇인지 과연 그러한 현상이란 있는 것인지 되물어 보고자 하는 시도이다. 기실 미술비평 위기에 관한 이러한 논의의 대부분은 미술비평 자체의 위기에 관한 것이라기보다는 ‘미술비평가’의 위기에 관한 것들이라는 것을 밝히고자 한다. 따라서 본 논문은 우리사회가 비평의 위기를 이해하는 방식을 비평해 봄으로써 비평의 영역과 역할 그리고 비평 본연의 가치를 재고해 보고자 한다.

The crisis in art criticism surfaced in the early 21st Century. Athough we have heard occasionally of the obsolescence of art criticism since the 60’s it is not until 2005 in Korean Art Criticism Association’s journal “Mi-sul-pyong-dan” that the crisis of art criticism has been the main topic of discussion. Most writers of “Mi-sul-pyong-dan” found expansion of curator’s role as the core of problem of the crisis in art criticism. This paper attempts to re-direct the questions of art criticism and crisis in art criticism from the viewpoint of “Mi-sul-pyong-dan”; to ask if such crisis actually exists? I want to illuminate on the fact that the crisis talked about in most cases is the crisis of art critics, rather that art criticism itself. I want to ask the fundamental question of method and role of art criticism.

본 논문은 미술가 정규(鄭圭, 1923-1971)의 미술비평에 나타난 시대의식을 통해 그가 구상한 전후 새로운 한국 현대미술을 분석하여 규명하는 데 목적을 둔다. 창작 활동 이외에도 비평, 교육, 행정 등 미술의 다방면에서 활약한 그의 예술관 중심에는 전전(戰前)에 대한 종합적 반성을토대로 전후(戰後)라는 새 시대에 적합한 한국 현대미술의 모색이 있었다. 전후 한국미술계는 거대한 흐름을 형성한 한국 앵포르멜을 중심으로 실존주의의 불안과 부조리를 내적으로 탐구했다. 반면 정규는 실존주의의 휴머니즘에 주목하여 극복의 징후로 이해한 뒤 동시대 한국의 현실에 반응한 미술을 모색하고자 했다. 이러한 지점은 그가 회화를 중심으로 재편되어가던 한국미술계에서낮은 장르로 취급되던 판화, 도예 등 독자적인 활동을 펼치게 추동했다. 본 연구는 초기 한국 현대미술이 형성되어 가는 과정을 다각도로 이해하기 위하여 전후 시기 새로운 차원의 미술을 시도한정규를 주목하면서 시작됐다. 이에 전후 시기 주요 논객으로 활동했던 그의 저술을 분석하여 그가궁극적으로 정립하고자 했던 한국 현대미술을 체계화하고자 했다. 이를 통해 한국 현대미술의 형성기인 전후 시기 미술에 관해 보다 입체적으로 해석할 가능성을 제안할 수 있을 것으로 기대한다.

This study analyzes how Chung Kyu (1923-71) envisioned Korean modern art in the post-Korean War period. It involves a critical analysis and interpretation of his art from the standpoint of his consciousness of time. After the war, the Korean art scene innately explored the catastrophic anxiety and absurdity of existentialism, accounting for the Korean Informel movement, which formed a main trend. In contrast, Chung Kyu noted that humanism should be existentialism’s primary concern, and sought to produce art accommodating the realities of contemporary time. In this context, he engaged independently in printmaking and ceramics, which at the time were considered inferior genres to painting, and put forward his own vision for Korea modern art. As a prominent commentator during the postwar period, he laid out his vision in his extensive writings. This study will present a new meaningful interpretation of the formative period of Korean modern art.

이 글은 대중문화의 시대 문화수용자의 비평역량의 중요성을 인식하면서, 통일 예술론의 구조 속에서 ‘비평’(criticism)의 자리를 확립하고, 통일예술론을 토대로 대중문화비평을 수행하기 위한 기본관점을 검토하였다. 통일예술론이 지향하는 새로운 심정문화창조를 위해서도 미디어 환경의 변화와 대중문화의 흐름, 대중문화 시스템과 사회에 대한 비판적 인식과 성찰, 즉 비평적 관점이 필요하기 때문이다. 통일예술론은 예술활동을 창작과 감상의 영역으로 구분하고, 창작을 전체목적 을 추구하는 가치실현욕에 의해 가치(미)를 실현하여 기쁨과 유익을 주고자 하 는 행위로, 감상을 대상인 작품에서 가치(미)를 추구하고 발견하고 행위로 설명 한다. 본 논문은 이러한 구도에서 감상활동으로 언급된 ‘부가창조’에 주목하고, 비평을 이러한 적극적이고 창조적인 감상으로 볼 수 있음을 논의하였다. 이와 같 은 비평의 자리는 문화 수용자의 능동성이 증대된 현대 대중문화의 흐름에서 통 일예술론에 근거한 대중문화비평의 열린 지평이라 할 수 있다. 통일예술론에 입각한 대중문화비평은 현대문화의 퇴폐화, 저속화와 물질주의 풍조를 비판할 뿐 아니라, 창조본연의 기쁨을 자극하는 심정예술의 창조를 위해 새로운 문화기술과 미디어의 감각적, 수평적, 대중적, 쌍방적 소통의 기능을 창조 본연의 선한 용도로 회복시키고 비판적으로 향유할 수 있는 대중문화론을 구축 하는 것이 될 것이다. 또한 그러한 비평은 지정의의 완전한 조화로서의 미를 추 구하는 예술의 본래적 지향을 끊임없이 상기시킴으로써, 단지 예술을 위한 예술 지상주의적 예술, 문화지상주의적 문화 개념을 넘어, 이론과 실천윤리적 지평을 아우르며 예술과 삶의 통일성을 지향하는 작업으로서 의미를 가진다.

This article examines the role and meanings of popular culture criticism from the views of unification theory of art, recognizing the importance of our critical competence in the era of popular culture. To create a new Shimjeong(heart) Culture which the unification theory of art aims for, it is also necessary to understand the changes in the media environment, the trends of popular culture, and cultural systems critically. That is, a critical viewpoint is needed. According to the unification theory of art, human artistic activities are divided into creation and appreciation. The former is an act of creation of beauty giving delights and benefits for the entire purpose, and the latter is an act of seeking and discovering values(beauty) in works of art by the individual purpose. This thesis focuses on “additional creation” of appreciation activity in this framework, suggesting such an active and creative appreciation as a ‘culture criticism’. In particular, securing a place of criticism from the viewpoint of the unification theory of art will be a good starting point for popular culture criticism to more active cultural consumers or creative culture agents. Popular culture criticism from the unification theory of art have a critical viewpoint on decadent and vulgar modern popular culture and its materialism. Furthermore, It should establish a popular cultural theory that will be able to use and enjoy new culture technologies and medias capable of horizontal, democratic, and interactive communication, critically, and restore them into original good use for the creation of Shimjeong art stimulating original joy of creative nature. Such criticism also recalls the original direction of art pursuing ‘beauty’ as a complete harmony of intellect, affection, and will, constantly. Therefore, it can be a work that seeks for the unity of art and life, beyond the concept of art for art’s sake, culture for culture’s sake, encompassing practical and ethical horizons as well as theoretical horizons.

Criticism of today finds itself in an awkward situation, for it is now being transformed in the same way that literature and the arts were transformed by the avant-garde movements at the end of the 19th century and the beginning of the 20th century. It is characterized predominantly by a break with harmony and with the values of realism. As such, it is driven by a post-modem ethos, an artistic, social, and cultural phenomenon that veers toward open, fragmentary, and indeterminate forms. In this paper, I examine today's most urgent social and cultural issues with reference to artistic production and criticism, in order to illuminate the true nature of criticism. The outstanding questions in the world of art criticism are given in five categories: the lack of critical reality in argumentative criticism; the problem of artistic and literary production in global capitalism; the artistic mind and its consciousness of socio-historical ideology; anxiety of the rise of cyberjournalistic criticism; and the question of subordination to western systems in the field of interpretation and criticism. For my analysis, I have tried to formulate a three-dimensional critique structure that will help us organize the relationships between the points of argument: 1) criticism as a creative force behind the artist; 2) criticism as critique of artistic production; and 3) criticism as critique of other critics. This multi-layered structure will be appropriate to our task of interpretation and evaluation, as the proposed complex structure of criticism will be able to embrace the diverse aspects of our problematic argument. In the final analysis, my argument resolves itself into a question of art, more specifically into a question of criticism as a protective device of art in an age threatened by globalization and cultural monopolization.

중국미술계에서는 개혁개방이 불과 30여년밖에 되지 않았음에도 불구하고 세계적으로도 유래가 없을 만큼 많은 논의가 봇물처럼 쏟아져 나왔다. 미술계에서는 여러형태로 ‘민족성’ ‘정체성’에 대하여 매우 활발한 논의가 진행되었다. 형식 또한 논문, 세미나, 칼럼 등을 통한 논쟁과 함께 작가들의 직접적인 참여를 통하여 자신들의 예술세계를 토로하고, 그 정신성, 방향을 모색해가는 모색이 빈번하게 이루어졌다. 본 논문에서는 개혁개방 이후 중국 당대미술에서 민족주의적 의식이 대두되고 애국주의, 국가주의적인 형태로까지 진전되어 왔던 다양한 관점들을 정리하였다. 최근들어 점진적으로 국수적, 민족주의적 요소에 대한 비판이 제기되고, 글로벌 시대의 보편성을 획득하기 위한 작가, 비평가, 학자들의 논의를 연구, 분석하였다. 용어사용과 범위에 있어서는 가급적 ‘민족주의’라는 말 보다는 ‘민족주의적 요소’를 선택하여 사용하였다. 이를 통하여 중국미술계의 ‘문화적 대국굴기(大國屈起)’의 큰 흐름을 파악하고, 한국미술계와는 갈수록 밀접해지는 동아시아 미술계 상황과 세계적인 미술사조를 가늠해가는 계기를 마련하고자 하였다.

在中国艺术世界上，改革开放的时期虽然已经过了30年左右，但是国际上也倾注了大量的辩论。在艺术界对‘民族性’与‘整体性’以多种的方式正在进行一个非常激烈的辩论。通过论文，研讨会，论坛等的形式展开了争论，同时以艺术家的直接参与透露了自己的艺术世界，并且被频繁地进行探索了其精神性和方向性。 在本论文中，改革开放以来中国當代艺术兴起了民族主义意识，以此来审视了以爱国主义与国际主义的状况为推展到的多样的观點。近年来逐步地被提出对于国粹的，民族主义因素的批判。为了获得全球时代的普遍性而研究和分析了作家、评论家、学者的讨论。在这样用语的使用和范围方面尽量被用为‘民族主义’的话，更被用来选择了‘民族主义的要素’。 由此可以把握中国艺术世界‘文化的大国屈起’的大趋势，在与韩国美术界变得越来越密切的东亚美术界的情况下，将成为打造契机而衡量世界美术思潮。

본 연구는 전민족적 항일운동인 3.1운동 이후 일본은 무단정치에 대한 노선을 변경하고 문화정치를 표방한 많은 회유정책 중 1922년에 창설한 조선미술전람회와 조선의 자연, 풍속, 풍물 등 조선의 미적 정조(情調)로 간주되는 향토적인 색채를 의미하는 조선향토색의 의미가 어떻게 해석되고 있는지 그 비평적 관점을 살펴본 것이다. 조선미술전람회는 많은 신진작가들이 등용하게 되고, 그들의 작품 세계를 넓힐 수 있는 기회를 가지게 된 것은 긍정적인 평가를 받지만, 반면 부정적 비판도 받고 있다. 그것은 조선향토색은 국가의 색채라기보다는 일제시기를 말해주는 일제강점기에 나타난 향토적 표현을 말하기 때문이다. 이와 같은 두 가지 의미는 일제 탄압 속에서 그나마 활발한 활동이 전개될 수 있는 제도적 장치와 독자적인 색채를 이루었다는 미술사적 의의와 회유정책에 동참했다는 비판적 평가를 받는다는 비평의 모순을 갖기도 한다. 이에 연구자는 조선미술전람회의 작품을 통해 조선향토색의 비평적 관점을 객관적 시각으로 분석하였다.

본 연구는 전민족적 항일운동인 3.1운동 이후 일본은 무단정치에 대한 노선을 변경하고 문화정치를 표방한 많은 회유정책 중 1922년에 창설한 조선미술전람회와 조선의 자연, 풍속, 풍물 등 조선의 미적 정조(情調)로 간주되는 향토적인 색채를 의미하는 조선향토색의 의미가 어떻게 해석되고 있는지 그 비평적 관점을 살펴본 것이다. 조선미술전람회는 많은 신진작가들이 등용하게 되고, 그들의 작품 세계를 넓힐 수 있는 기회를 가지게 된 것은 긍정적인 평가를 받지만, 반면 부정적 비판도 받고 있다. 그것은 조선향토색은 국가의 색채라기보다는 일제시기를 말해주는 일제강점기에 나타난 향토적 표현을 말하기 때문이다. 이와 같은 두 가지 의미는 일제 탄압 속에서 그나마 활발한 활동이 전개될 수 있는 제도적 장치와 독자적인 색채를 이루었다는 미술사적 의의와 회유정책에 동참했다는 비판적 평가를 받는다는 비평의 모순을 갖기도 한다. 이에 연구자는 조선미술전람회의 작품을 통해 조선향토색의 비평적 관점을 객관적 시각으로 분석하였다.

다문화 시대에 비교문화적 맥락에서 비평적 탐구 방법은 서양 중심의 미술비평과 감상교육의 이론과 교수학습 방법의 틀을 넘어서 동양 문화에서 학습자가 타 문화를 통해서 자신의 문화를 이해할 수 있는 미술비평 및 감상교육 방법이다. 이 연구는 첫째, 미술교육에서 미술비평 및 감상교육의 현황을 검토한다. 둘째, 미술비평 방법론이 다양하게 연구된 서양에서 타문화 이해를 위한 미술비평 방법론을 논의한다. 셋째, 한국에서 비교문화 관점에서 미술비평 교수 학습에 관해 논의한다. ‘지금,’ ‘여기’에서 서양과 한국의 미술을 이해할 수 있는 미술비평 및 감상교육의 교수 학습 방법에 따라 학생들의 비평적 사고력 향상에 관해 실제 미술교육 현장에서 측정한다. 비교문화적 미술 비평의 탐구는 서양 중심의 사고에서 벗어나 다문화(multicultural) 사회 속에서 다양한 문화에 대한 이해를 증진시킬 뿐만 아니라 서양미술과 문화에 대한 보다 폭넓은 이해를 가능하게 해 준다.

Research on art criticism and appreciation has been conducted and applied in the filed of art education in Western countries, has been applied to the field of art education. However, in Korea, studies on art criticism and appreciation have been discussed as a separate research area, not within the practical field of art education. In the process of reforming Korea’s national curriculum, the national curriculum includes a focus on art criticism and appreciation with the recognition of appropriate means searching visual language and expressive capacity. Educational art criticism has been at the forefront of theoretical and practical concerns in the field of art education in its reconsideration of the limitation of studio-based art education and enlargement of the field of art education to include content-based approaches to art education such as art history, art criticism, and aesthetics. This study examines the models and methodologies of art criticism and appreciation in the non-Western culture. Critical inquiry is emphasized as the significant process of art criticism and appreciation in art education. Additionally, this study investigates the model of cross-cultural art criticism practiced in the art classes of middle school, since cross-cultural understanding of artworks provide students with a better understanding of both their own and others’ cultures.

본 연구는 학습자의 능동적이고 적극적인 비평학습 활동을 통해 학습자의 미술비평능력을 신장시키는 증강현실을 활용한 어플리케이션의 설계와 구현 가능성의 탐색에 있다. 이를 위해 첫째, 선행연구 분석을 통해 증강현실 기술의 미술비평학습활동에의 적용 가능성에 대해 논의한다. 둘째, 증강현실 기술이 미술비평학습활동에 어떤 교육적 가능성을 가지고 있는지 살펴본다. 셋째, 증강현실 기술을 미술비평학습활동 단계별로 활용 방안을 제시한다. 그리고 마지막 장 에서는 증강현실의 미술비평학습활동 활용 가능성과 활용 방법을 제안하였다. 어플리케이션의 세부 내용과 메뉴의 흐름은 묘사-분석-해석-평가를 기본으로 하고 미술비평과정에서 학습자가 스스로 개념을 발견할 수 있도록 하는 것에 역점을 두고, 비평 모델의 단계를 필요에 따라서 중간 중간 건너뛰거나 되돌아 갈 수 있도록 어플리케이션에서 각 단계를 선택 가능한 메뉴(menu)화를 통해 학습자가 자유롭게 순서에 얽매이지 않고 선택할 수 있도록 한다. 또한 스마트기기의 모든 기능을 적극적으로 활용함과 동시에 소셜 네트워크서비스를 통한 소통을 통해 작품과 삶의 연결을 모색할 수 있도록 설계하였다.

This paper provides a logical and methodological design of the concept of Augmented Reality(AR) technology based art criticism education application. It starts with an analysis of the notion of Augmented Reality, and the applicability of augmented reality technology to art critic learning activities through previous research analysis. and examine the educational potential of augmented reality technology in art critic learning activities that leads to the construction of a conceptual model of Augmented Reality(AR) based art criticism education application. This is followed by a detailed conceptual suggestion of major functions of smart devices that contribute to art critic activities. Finally, the possibility of using art critic learning activity and the utilization method of augmented reality were suggested. The details of the application and the flow of the menu is performed by Description – Analysis – Interpretation – Judgement. Learner can follow or skip or select these step on their purpose. Learner also perform their critic by various sensor functions of smart device and communication method through social network service. The paper puts a strong emphasis on the effective and adequate using of the Augmented Reality(AR) and smart device in order to promote a better comprehension in art critic sequence.

This paper critically evaluates cognitivism, which is aposition that a work of art can provide knowledge. As far as propositional knowledge is concerned, I think that cognitivism in its traditional framework is flawed. Noёl Carroll claims that a work of literature may well be a sourceof propositional knowledge. I argue against Carroll on the basis of the assessment that some objections against cognitivism have not been answered convincingly. After discussing the issues concerning non-propositional knowledge, I eventually pursue the possibility of obtaining propositional knowledge from a novel by changing some elements constituting the traditional framework. My suggestion is that what we should check is not the epistemic status of the belief that ‘p’, but the belief that ‘W asserts p.’ My point is that this is a better candidate for propositional knowledge if we have to think about propositional knowledge concerning art at all. This paper further explains why this is so.

For centuries, the Bible’s essential identity as a book has been taken for granted as a self-evident truth by scholars and lay people alike. But should it be? Is the Bible a book? Well, it is, and it is not ? it is much more than a book. For significant portions of its history, the narrative contents of the Bible were not primarily encountered in written form, but rather through embodied recitation by a performer or a group of performers, who incarnated the story before a live audience. Biblical performance criticism (BPC) is an emerging, interdisciplinary approach to interpreting the Bible that takes seriously both the Bible’s oral history and its vitality as the Word of God. It provides a process whereby scholars, pastors, and lay people alike can come to deepen their understanding of a biblical text through embodied performance. In this article, I argue that the cultural realities of ancient Israel combined with a reassessment of the biblical narratives from the perspective of BPC suggest that the art practiced by the biblical composers was not of an essentially literary character, but rather of a dramatic character, which came to expression in performance. The narrative texts contained in the Hebrew Bible are more akin to dramatic scripts than a purely literary form of writing. The ancient crafts of drama and performance are evident in the texts we receive. Embodied reenactments of the biblical dramas ? through body and voice in space and time before a gathered audience ? demonstrates the “living and active” character of the word(s) of God (Heb 4:12). The art of biblical performance is to show, rather than tell. Thus, I will argue that a fuller understanding of Israel’s performance tradition will lead to a greater appreciation of Israel’s dramatic and theological achievement. I will demonstrate this by applying BPC to the brief story of Moses striking the rock in the wilderness, found in Exodus 17:1?7. Embodied engagement with this drama through performance clarifies the conflict that drives the story; attends to the critical role played by dialogue, gestures, spacing, and tone of voice in shaping the theological affirmation of the story. Further, I will demonstrate how the bodies of actors responding to the stage directions embedded in the “script” reveal a surprising act of love on the part of God, which stands at the heart of the drama’s climax and resonates with the heart of Christian theology ? a climax that will be missed if it is not seen.

본고는 아도르노의 놀이 (게임)와 예술의 관계가 어떻게 규정되는지를 집중적으로 고찰한다. 이는 그의 저작인 『미학이론』을 통해 이뤄질 것이며, 이를 통해 아도르노가 단순히 놀이와 예술의 상호 구성적인 관계를 발견했다는 것뿐만이아니라, 동시에 근본적인 차이점에 대해 논증했다는 사실이 드러날 것이다. 이러한차이점을 드러내기 위해서 아도르노는 Huizinger (이하 하위징아)의 고전적인 놀이이론 (Homo Ludens)을 끌어 오며, 여기서 아주 흥미롭게도, 특히 오늘날의 게임학에서 다방면에서 논의되는 테제인 “마법적인 원”을 비판적인 검토한다. 본고의 상세한 고찰은 다음과 같이 진행될 것이다. (1) 아도르노에 있어 놀이와 예술 개념에대한 결정적인 차이점을 부각한다. (2) 놀이가 근본적으로 일상적인 현실과 분리되어 있다는 하위징아의 테제 (“마법적인 원”, Magic Circle)에 대한 아도르노의 비판이 면밀하게 검토하며 체계화한다. (3) 더 나아가 “마법적인 원”에 대한 아도르노의 비판을 『미디어의 이해』 저작에 있는 맥루한 (McLuhan)의 놀이 개념과 체계적인 비교를 통해 더 자세하게 상술한다. 여기서 동시에 드러나는 것은 어느 정도까지 놀이 자체가 예술로서 이해가 될 수있는지에 관한 질문에 관한 답이다. 따라서 본고의 목적을 두 가지로 정립할 수 있다. 첫째로, 아도르노에게 있어 왜 놀이가 예술일 가능성이 있으며, 불가능하게 보이는지에 대한 이유를 모두 규명한다. 둘째로, 아도르노와의 연관성 속에서 그럼에도 불구하고 결론적으로 어떠한 개념적 조건 아래서 놀이가 예술로서 다뤄질 수있는지가 정당화될 것이다. 즉, 아도르노의 미학적 관점을 통해 놀이가 예술로서다뤄질 수 있다는 주장에 대한 개념적 전제조건을 규명하는 것이 본고의 목적인것이다.

This paper explores the question of how Adorno determines the relationship between play and art. The aim is (based on Adorno’s “aesthetic theory”) to show that Adorno not only sees a constitutive connection between play and art, but also argues that there is a profound difference. To clarify the difference, Adorno falls back on the classical game theory of the cultural theorist Huizinger (“Homo Ludens”), and interestingly, he subjects Huizinger’s thesis of a “magic circle”, which is much discussed today in the context of game studies, to a critical revision. The following study will (1) work out the conceptual differences between the concept of play and art that are decisive for Adorno; (2) Adorno’s criticism of Huizinger’s thesis that games are genuinely separated from everyday reality (“magic circle”) is examined more closely and systematized; (3) Adorno’s criticism of the “magic circle” is further specified in a systematic comparison to McLuhan’s game theory in “Understanding Media”, which at the same time raises the question of the extent to which games themselves are understood as art. The aim of the study is twofold: On the one hand, it should be shown that and why for Adorno the thesis that games can be art seems impossible; on the other hand, at the end it should become clear under which conceptual conditions, following Adorno, this thesis of ‘game as art’ could nevertheless be possible. It is intended, from the perspective of Adorno’s aesthetics, to help to clarify the conceptual prerequisites for the thesis that video games can be art.

오늘날 예술에 대한 비평은 쇠퇴하고 점차 그 자리를 이론이 대체하고 있다. 이러한 현상은 예술비평 그 자체의 문제에서 기인한 것이라고 하기보다 예술의 보다 근본적인 문제, 즉 예술정의의 문제에 그 원인이 있다고 할 수 있다. 해석학, 특히 존재론에 기반한 가다머의 철학적 해석학은 예술정의와 예술비평이 안고 있는 문제들을 근원적으로 해결하는데 새로운 전망을 내놓고 있다는 것이 본 연구의 출발점이다. 연구의 핵심은 그의 해석학적 경험과 이해가 전통적인 예술비평이 매달려온 타당한 규준의 마련이나 형식주의, 또는 주관적인 인상비평이 안고 있는 해묵은 비평의 난제들을 근본적으로 해결할 수 있는가 하는데 있다. 가다머는 예술작품에 대한 비평이 인간적일 수밖에 없다는 사실에 기초하고 있으면서도 그것이 주관주의적 혹은 역사적 상대주의에서 벗어나서 보편타당한 해석을 가능하게 해 줄 수 있는 빛을 밝혀준다. 예술작품에 대한 우리의 이해는 더 이상 미적 의식에 바탕을 둔 주관-객관의 이분법의 전제 위에서 이루어지는 것이 아니며, 오히려 우리의 해석학적 경험을 이끌어가는 것은 우리의 취미가 아니라 공통성-전통과 언어의 공통성-에 바탕을 둔 작품 그 자체의 사상, 즉 주제내용이라는 것이다. 이러한 통찰은 예술비평의 문제와 관련하여 적어도 두 가지 주목할 만한 전망을 지니고 있는 것으로 보인다. 우선 전통과 그것의 권위가 작품의 생산의 기반이 될 뿐만 아니라 예술이해의 선판단으로 작용한다는 가다머의 주장은 예술생산의 역사적-사회적 본질을 밝히면서도 그것을 시간성의 기초 위에서 재해석되는 전통과 그것의 권위에 근거 지움으로써 예술 그 자체의 고유한 역사성과 자율성을 종래의 인식론적 미학과는 다른 차원에서 유지시키고 있다는 점이다.

Today art criticism gradually falls off, but theory of art arouses instead. Such a situation seems to stem not only from art criticism itself, but also from more fundamental points in issue which modern aesthetics is facing by defining what art is. Hermeneutics, especially Gadamer's ontological 'philosophical hermeneutics enlightens to solve radically some problems that we confronts in defining and/or criticizing art. The core question this thesis touches is wether his conception of hermeneutic experience and understanding could be a sort of solution of problems we are facing by defining and/or criticizing art. Though he approved a inevitability of which art criticism could be on the basis, Gadamer asserted hermeneutic experience and understanding could enable us to define and/or criticize work of art above all aesthetic subjectivism and historical relativism. But he excluded modern subjet-object dichotomy from his hermeneutic experience of artwork as text. And what leads our experience is not our taste but Sache or contents of work of art itself on the basis of common factors such as tradition and language, he argued. His arguments seem to be of remarkable significance in relation to art criticism. they are reinstatement of tradition and prejudice, which are fundamentally responsible for art criticism, not negatively but positively.

2004년 수립된 문화예술교육정책은 그 성과에도 불구하고 많은 비판에 직면했다. 행정 중심의 정책 설계, 인력 정책에 흡수된 제도의 한계라는 비판보다 중요하게 지적되는 것은 문화예술교육의 과제와 방향에 관한 문제였다. 이는 허버트 리드(herbert read)를 이해하고 그의 한계를 인식하는 문제와 관련이 있다. 리드는 근대의 분절된 학문 체계와 지식 중심의 교육을 비판하고, 인성 교육을 위해 ‘예술을 통한 교육(education through art)’을 주장하였다. 통합적, 창조적, 개성적으로 미적 감수성을 고양하는 그의 예술 교육론은 심미 교육(asethetics education)으로, 개인과 외부 간의 통합과 조화를 통해 균형 있고 조화로운 인간을 지향한 것이다. 그러나 다양한 사회의 변화는 그의 예술 교육론이 가진 한계를 드러내었다. 리드의 한계는 오늘날 우리의 문화예술교육이 봉착한 문제와 놀라울 정도로 유사하다. 첫째, 문화예술교육의 역동성을 교육적 형식과 제도에 결합하는 문제, 둘째, 문화예술교육을 새로운 방식의 예술적 직관으로 통합하는 문제, 마지막으로, 다양한 문화적 토대를 가진 대중의 창의성을 끌어내는 문제가 그것이다.

Since its inception in 2004, the Policy of Art & Culture Education has been confronted with a lot of criticism, even if it has provided certain results. Other than a criticism based on limitations of a system which has been absorbed in the designing process of the administrationoriented policy and the policy for the human force, there is one important matter related to the task and direction of art & culture education. Such a thing is related to the understanding of Herbert Read and recognizing his limitations. Read criticized the separated academic system and the knowledge-oriented education of our modern society, focusing on the ‘Education through Art’ for personality education. His educational theory for art, which focuses on the aesthetic sensitivity by considering general, creative and characteristic aspects, is known as ‘Aesthetic Education’. It focuses on the balanced and harmonized human beings through the combination and harmony between the person and one’s external environment. However, the change of society exposes the limit of his educational theory for art. Read’s limit is very similar to the problems confronted by art & culture education these days. Firstly, there is a problem related to the combination between the dynamic capacity of art & culture education and educational type and system. Secondly, there is a problem related to the combination of art & culture education from the new artistic point of view. Lastly, there is a problem related to public creativity based on various cultural foundations.

본고는 김현 시 비평의 고유한 방법론 및 그 구체적 양상을 살피는데 목적이 있다. 『한국문학의 위상』을 통해 자신의 문학론을 정립한 그는 텍스트 분석에 요구되는 방법론을 구체화하게 된다. 『한국문학의 위상』을 전후로 시 비평에 나타나는 변화 양상에 주목해야 하는 것은 이 때문이다. 본고는 당대의 시와 시인을 대상으로 한 김현의 실제비평의 방법론적 특징을 유형화하고 그러한 특징 간의 내적 연관성을 밝히고자 한다. 김현의 시 비평은 시인의 상상 세계를 이루는 기원을 고찰하는 데서 이미지의 형태적 변용 및 텍스트의 구조를 분석하는 방향으로 진화된다. 전자는 작품에 내재된 원초적 경험의 형상과 그것의 시적 변용을 탐색하는 것을 주된 방법론으로 삼는다. 하지만 작가의 사실과 작품의 진실이 동일시되었을 때의 오류를 체험하면서 문학적 진실에 대한 그의 사유는 점차 심화된다. 이 과정에서 후자가 비평의 주된 과제로 인식된다. 『한국문학의 위상』에서 작가와 세계의 전이성적 관계, 원초적 세계체험의 의의, 세계관과 진실내용 등이 주의 깊게 다루어진 것은 우연이 아니다. 특히 ‘내용형식’으로서의 형태 개념의 정립은 비평의 방법을 다양화하는 이론적 토대가 된다. 시적 이미지의 형태 분석과 언어의 통사적 기능에 대한 재고, 이를 텍스트의 무의식과 연결지어 통합하는 방식은 형태와 구조의 관계를 재인식함으로써 정교화된다. 작가와 작품의 관계를 상동적인 것으로 파악하는 구조주의적 관점의 수용 또한 방법론을 공고히 하는 계기가 된다. 텍스트 비평으로의 이러한 전환은 대위법의 탐색이 시 비평의 방법으로 자리하면서 더욱 뚜렷해진다. 김현은 작품의 심층적 구도인 이미지의 교차와 반복, 그에 따른 의미들의 대립항을 대위법이라 명명한다. 그리고 이러한 대립 관계의 모순적 통합이 내적 구조로 발견될 때, 그것의 의미작용의 분석을 비평의 가장 중요한 과제로 의식한다. 모순적 구조로서의 대위법은 시인에 의해 의도된 것이 아니라 텍스트의 분석 과정에서 발견되는 것이라는 점에서 이를 방법화한 김현의 시 비평은 모순의 발견술이라 할 수 있다. 텍스트에 내재된 대립관계의 모순성을 날카롭게 통찰한 그는 그러한 모순성을 세계와 자아의 근원적 균열을 가리키는 징표로 인식하였고, 그에 따라 대위법의 구조적 탐색을 시인에 의해 의식되지 않는 세계관과 작품의 진실내용을 파악하는 최선의 기술로 활용하였다.

The purpose of this study is to examine the unique methodology in Kim Hyun’s poetry criticism. He establishes his literary theory while writing the status of Korean literature and embodies the methodology for text analysis based on it. For this reason, the changes that occur after the status of Korean literature should be noted. This study typifies the methodology of his criticism of poetry and poets of the time and reveals the connection between those typified. Kim Hyun’s poetry criticism evolved from examining the poet’s imaginary world and its origins to analyzing the variations in poetic imagery and the structure of text. The former methodology is to explore the primitive experiences inherent in the work and its poetic variations. The former methodology is to explore the relationship between the primitive experiences inherent in the work and its poetic variations. However, his perception grows deeper and deeper as he realizes that there is a difference between the facts told by the author and the truth shown by the work. This results in the latter being recognized as an important task for criticism. In the status of Korean literature, it is no coincidence that the writer’s relationship with the world, the importance of the primitive experience, and the writer's view of the world are explained. In particular, the establishment of the concept of form serves as a theoretical foundation for diversifying the methods of criticism. His methodology becomes more sophisticated as the relationship between form and structure is re-recognized and the relationship between the author and the work is understood to be homologous. This transition to textualism becomes more pronounced as the analysis of the counterpoint becomes the method of poetry criticism. He refers to the contrast between poetic images and the repetition of such contrasts as counterpoint. When conflicting things in poetry are found to be contradictoryly integrated, he recognizes analyzing them as the most important task of criticism. The counterpoint, as an in-depth structure of the poetry is not a technique intended by the author, but it is found during the analysis of text. His poetry criticism, which uses analysis and search of this as a method of criticism, can be called the art of discovering contradiction.