Earticle

올해로 서거 500주년을 맞이하는 레오나르도 다 빈치(1452-1519)는 이탈리아 르네상스를 대표하는 예술가로 흔히 잘 알려져 있다. 그런데 사 실 그는 우리가 지금 생각하는 예술가라기보다는 발명가, 군사전문가, 무 기제조자, 해부학자, 식물학자, 천문학자, 음악가, 요리사 등 실로 광범위 한 영역에서 창의적인 활동을 벌인 일종의 근대적 선각자라고 스스로에 대해 생각하고 있었다. 그의 방대한 기록들과 스케치는, 20여 점이 채 되 지도 않는 그의 회화 완성작과 비교해보더라도 이 점을 충분히 증명해준 다. 레오나르도는 특히 평생에 걸쳐 자연과학의 여러 분야에 관심을 가지 고 연구에 깊이 몰두했으며, 인체와 생명의 신비에 대해서도 근대의 과학 적 태도로 접근하고 규명하려고 노력했다. 그런데 소설 『다빈치 코드』는 레오나르도의 작품을 반기독교적 도상으로 해석하며, 기존의 미술사 서술 과는 대치되는 주장을 펼친다. 이와 관련된 여러 분야에서 소설의 오류들 을 반박해왔으나, 본 연구에서는 소설이 다루는 주요 작품 중에서 ≪비트 루비우스의 인체비례≫가 갖는 근대과학의 의미와 더불어, ≪모나리자≫ 와 ≪최후의 만찬≫의 도상과 의미 규명을 통해 그의 작품들이 지닌 미술 사적 위치를 재점검하고자 한다.

At the quincentenary of Leonardo da Vinci's death this year, he needs to be re-evaluated more than as an artist we would usually think: as an inventor, militarist, armorer, anatomist, botanist, astronomer, musician, cook as he recognized himself. In fact, Leonardo had performed his creation in extensive fields. It is simply proved with his enormous records and sketches in comparison to his completed paintings less than 20 works. Particularly, through his entire life, Leonardo devoted himself to the investigation of many areas in natural science, and attempted to figure out the mystery of human body and life with modern scientific mind and attitude. Insisting confrontational claims against academic results in art historical discipline, however, Dan Brown's worldly best-selling novel and movie, The Da Vinci Code, interprets Leonardo's works as antichristianism. Art works of the past, I believe, should be examined and clarified in the basis on accurate sources and facts. At the 500 anniversary years after Leonardo da Vinci's death, I feel an obligation to research and clarify the genuine facts around art. Since the author’s brand new interpretations on Leonardo’s works are due to the different suggestions of their backgrounds, there are numerous books published to confute the religious faults. Therefore, this research focuses on comparing Brown’s alleged claims with the “canonical” interpretations of art by reputable art historians. By cracking details of what Brown stated, this study is expected to reach the truths and to serve to those who want to enjoy the genuine truths in art and literature.

일반적으로 레오나르도 다 빈치는 르네상스가 낳은 최고의 화가이면서 그와 동시에 신비의 베일 속에 감추어진 역설적인 인물로 간주되고 있다. 그는 어떤 특정한 정치나 종교 세계와도 거리를 둔 채 자신만의 목적을 달성하기 위한 지식의 추구로 점철된 삶을 살았다. 본고는 이 점에 착목하여 이른바 ‘세계 시민’연했던 레오나르도의 발자취를 역사적 상상력을 동원해 추적해 가면서, 그의 삶에 나타난 이슬람 세계와의 관련성을 검토해보려는 시도이다. 아마도 30대 초반 그가 맘루크 술탄을 위해 중동 지역을 여행했을 가능성이 적지 않고, 그 경험을 바탕으로 이후 편견 없이 이슬람 세계와의 교류에 관심을 가졌으며, 그 영향이 1490년대 이후 독특한 매듭문양에 대한 집요한 관심으로 그의 예술세계에 나타나게 되었다는 것이다. 이러한 추론에 기초하여 본고는 르네상스를 전형적인 유럽적 현상으로 파악해 오던 기존의 르네상스 해석을 수정하면서, 문화적‧정치적 차원 모두에서 르네상스기에 동방과 유럽 사이의 경계가 불투명했다는 점을 강조한다. 한 마디로 레오나르도는 바로 이 점, 즉 유럽과 동방이 동일한 유산을 공유하며 서로 경쟁하던 “글로벌” 르네상스를 보여주는 상징적인 인물이었다.

Generally Leonardo da Vinci has been considered a paradoxical figure shrouded in a veil of mystery as well as one of the most famous painters of the times. By distancing himself from any specific politics and religion, he led his own life in pursuing knowledge itself. By putting an eye on this aspect of his life and chasing the footsteps of Leonardo who assumed to be a world citizen with the help of historical imagination, the present study attempts at investigating his relationship with the Islamic world. This study argues that he was likely to travel the Middle Eastern region for the Mamluk sultan in his early thirties and, based on this experience, to be interested in the cultural interaction with Islam. His tenacious concern for the knot pattern represented in his artistic works after 1490’s proves its impact upon him. Consequently this study revisits the established interpretation of the Renaissance which has regarded it as a typical European phenomenon, and claims that during the Renaissance the barriers separating both culturally and politically Europe from East were so fuzzy. In a word, Leonardo da Vinci was a symbolic figure showing this, namely, the “global” Renaissance in which East and West, sharing the same heritage, competed with each other.

This paper has an intention to re-read a most famous picture of Leonardo da Vinci, Mona Lisa. According to the first critic, G. Vasari, her smile should be a pleasing one, and his pleasing smile discours is until now wildly accepted, and it is by no means easy to be disproved. But E. H. Gombrich proposed not long time ago that da Vinci’s picture Mona Lisa should be re-readed on the whole, and he expressed his sentiments that her smiling should have even a sad look. It can be highly evaluated that he revealed at last that a discours of G. Vasari could be a myth. At this point my critical question begins: Even though E. H. Gombrich was right to find out the new meaning of her smile, his evidence for that assertion has to be retrospective. In other words, what is the evidence that is necessary enough to prove the sad smile of Mona Lisa? In order to answer this question, I shall suggest three important points. First, I think that the critic of G. Vasari has only the half truth. His detailed descriptions are very helpful to interpret the aura of the masterpiece, but those have vulnerable points. Then he explained even about her eyebrows, although there was no eyebrow in her face. It has raised the question that he had never seen the picture, and from then on his appreciation has been considered as a myth. At this very point a new reading of Mona Lisa begins as the art historian E. H. Gombrich suggested it. According to him, her smile could be interpreted even as a sad one. Second, the reason why her countenance could be red as sad is to be analysed at three points as follows―contraposto, sfumato, and the natural background. Of these points the most important thing is the natural background. To perceive that da Vinci painted two faces of the nature at the both sides of Mona Lisa, it is the point of the view. The two natures hold respectively three factors in common―the road, the water, and the mountain. The road at the left is curve, the road at the right is straight. The lake at the left is placid, the lake at the right is dangerous. The mountain at the left is tender, the mountain at the right is rough. On the whole, the nature at the left is masculine, and the nature at the right is feminine. It is natural that Mona Lisa looks ambiguous around this double environment. Lastly, the sad smile of Mona Lisa is in connection with the sad memories of the painter and the model. Da Vinci was born as an illegitimate child, and at five he had to be separated from his own mother, who married again to another man. This sad life during his childhood remained in his unconsciousness as a trauma. This trauma revived again when he met Mona Lisa. On the other hand, Mona Lisa had also the same trauma. When she was seated as a model in front of the famous painter, she was really happy because her husband’s business was flourishing, settled rightly in a new house, and gave birth to a another child. But at this very happy instance she remembered her child’s death three years ago. In this meaning it is said that Mona Lisa’s sad smile means ‘the aesthetic of sadness and downfall.’

도상체계(Iconography system)를 바탕으로 해석해 본다면 퇴계의 <천명도>와 레오나르도 다 빈치의 <인체비례도> 간에는 부합하는 유사성이 존재한다. 우선 하늘과 땅이라는 대우주의 실현체로써 소우주, 즉 인간을 중심에 두고 그 관계성을 규명하고 있다는 것이 공통된 유사성이다. 또한 도상의 형태로 보면 천원지방(天圓地方)의 형태를 갖는다. 원(圓)은 시간의 영속성, 정신, 천리(天理), 원만(圓滿), 평등(平等), 완전성을 뜻하고 방(方)은 땅의 순리, 고정성, 생명력, 대립, 자연물, 지속성을 뜻한다. 물론 사람을 형상화 하는데 있어 레오나르도는 인간의 육체(肉體)를 완벽한 비례로 표현했고, 퇴계는 사단칠정(四端七情)이라는 사람의 심체(心體)를 사용했다. 두 도상 모두가 하늘은 동그라미, 땅은 네모로 그 형상을 규정하고 사람은 세모의 형태를 바탕으로 확장하고 있다. 천지인(天地人)이라는 3분법의 세계관을 바탕으로 전체적인 체계를 이루고 있다. 15세기 이탈리아와 조선이라는 서로 다른 문화권에서 하늘과 땅 그리고 사람을 인식하는 도상(Icon)이 같다는 것은 동그라미, 네모, 세모(◯ □ △)가 인간이 인지하는 본능적인 심상지리라는 반증이기도 하다. 그것으로 인간의 심성이 서로 상통한다는 증거를 찾을 수 있으며, 또한 여기에서 부각되는 차이는 동서양 역사발전의 서로 다른 행로의 시작점으로도 볼 수 있다. <인체비례도>가 서구유럽 ‘르네상스인’의 표상이었다면, <천명도>는 조선 ‘선비’의 대표적 표상이었다. 15-16세기 서양 르네상스인의 대표적인 인물 레오나르도 다 빈치와 한국 선비정신의 대표적인 인물 퇴계가 인식했던 세계관을 각자의 그림을 통해 비교함으로써 동서양 세계관의 차이를 인식해 보고자 한다. 서양이 현상학, 과학, 수학, 의학, 해부학, 건축학 등에 중심을 둔 물질적인 발전을 지속적으로 진행했다면, 서양에 비해 동양은 심학(心學)의 발전을 도모했다. 이러한 동서양 문명의 차이는 15세기부터 본격적으로 시작됐고, <천명도>와 <인체비례도>에 나타난 차이는 동서양 문화를 가르는 중요한 분기점으로 해석할 수 있다.

In the interpretation based on the iconography system, there are similarities between <TienMing Drawing> by Toegye and <The Vitruvian Man> by Leonardo da Vinci. First, the common similarity is to examine the relationship by focusing on a microcosm such as humans as the realization of the macrocosm like heaven and earth. Also, in the aspect of iconography, it is based on the form of circular heaven and square earth. The circle means temporal permanence, spirit, the law of nature, amicability, equality, and completeness while the square means the flow of earth, fixation, vitality, confrontation, natural objects, and continuity. Of course, in order to represent human, Leonardo da Vinci expressed human’s body into the perfect proportion while Toegye used human’s main body of mind called ‘四端七情’. Both iconographies define the heaven as circle, the earth as square, and humans as triangle. The whole system is based on the trichotomous world view called ‘heaven-earth-human’. The same icons of heaven, earth, and human perceived by the different cultural areas in Italy and Joseon of the 15th century, are the counter-evidence showing that such circle, square, and triangle(◯ □ △) are the instinctive imaginative geography cognized by humans. This is a proof showing that humans’ nature has many things in common, and the differences highlighted here might be the starting point of different paths to the historical development of the East and the West. <The Vitruvian Man> was the symbol of ‘Renaissance man’ in the Western Europe while <TienMing Drawing> was the representative symbol of classical scholars ‘Sun-bi’ in the Joseon Dynasty period. This study aims to cognize differences in the world view between the East and the West, by comparing the world views of Leonardo da Vinci who is the representative Renaissance man of the West in the 15th-16th century and Toegye who is the representative man with the spirit of virtuous scholars in Korea. The West continuously proceeded the material development focusing on phenomenology, science, mathematics, anatomy, and architecture while the East promoted the development of practical ethics. Such differences in the civilization between the East and the West fully started in the 15th century, and the differences shown in <TienMing Drawing> and <The Vitruvian Man> could be interpreted as an important point separating the cultures of the East and the West.

The historians of the late nineteenth and the twentieth centuries echoed and exalted the modernity of St. Francis of Assisi as the initiator of the Renaissance and the modern world. So was he a Renaissance man? What did he have these factors? Through this thesis I want to compare St. Francis's world view with Leonardo da Vinci's one. What kind of connection with them? Or difference? At first, I found that they have several things in common. The first, they recognized new natural world views. The distinctive features of St. Francis, freedom of spirit, love, pity, joyful serenity and familiarity were long to form the originality of Italian Christianity. Also Leonardo was the first artist who, by demanding a synthesis of nature and intellect, established a fundamentally new creative principle. St. Francis and Leonardo were filled with compassion toward animals and other creatures. The second, they moved to more popular people. St. Francis as an imitation of Jesus Christ went to the poor and the marginalized, whereas monks stayed in the cloisters. Furthermore Leonardo should have quarreled with the classical and literary Renaissance in which he was brought up and should have turned to a more popular and naturalistic Renaissance. The third, they did not train enough formal education. Though they knew a little Latin or nothing classics, they used mother tongue. Through these they could represent their own world ideas. The fourth, moreover St. Francis and Leonardo's understandings were based on four factors of Aristotelian nature view. And they believed in God's creation of the universe and nature. It seems that such thinking way had continued to Renaissance time. However, they had very different world views. The first, St. Francis discerned the hidden things of nature in his sensitive heart, whereas Leonardo da Vinci, who is scientist and artist, analysed the nature and light through his eyes. The second, they had different life goals. The former tried to achieve imitation of Christ, while the latter attempted to attain new style and way of thinking by experiment and analyse. In conclusion, even though they lived in different ages and life style, they are really Renaissance men as well as moderns

감상을 목적으로 하는 예술작품은 감상자와의 관계에 있어서 상식적인 차원이 배제되면 자주 소통의 어려움을 겪는다. 세계적인 베스트셀러인 댄브라운의 <다빈치코드>는 종교적 진리를 왜곡했다는 의미에서 기독교계의 반발을 샀다. 종교적 진리와 예술적 허구의 세계를 혼동했기 때문이다. 댄 브라운의 허구적 상상력에 설득력의 옷을 덧입히기 위해 이용한 작품이 레오나르도 다 빈치의 <최후의 만찬>이다. 본 글은 레오나르도의 <최후의 만찬>의 본래적 의미를 상식적인 차원에서 되짚어본 것이다. 자주 감상의 대상이 되었지만 아는 것을 본 것으로 치부하는 타성적 보기로 인해 ‘유다의 배반’이 주제로 알려졌다. 그러나 도상학적 전통을 통해 알 수 있듯이 아가페적 사랑이라는 카타콤의 묘사가 레오나르도에게 까지 이어져 예수의 죽음을 통해 이루어지는 “성찬의 의미”가 <최후의 만찬>의 주제임을 알 수 있었다. 예수의 시선이 향하는 그의 왼손이 바로 베푸는 손길에 해당하기 때문이다. 상식적 차원의 이미지 읽기를 위해서는 첫째, 작품의 해석은 보는 것으로부터 출발한다는 것이며, 둘째, 작품이 생성된 예술적 조건을 도외시하지 말아야 한다는 것이다.

Ein Kunstwerk, das zum Genuss geschaffen wird, führt uns oft zum Unverständnis, wenn man die allgemeine Grundlage für ein Kunstwerk verliert. Dan Browns Roman “Da Vinci Code”, ein weltberühmter Bestseller, löst heftige Kritik von der Seit der Christen her aus, weil er gegenüber dem christlichen Glauben und der Bibel Aussage macht. Nach dem Roman habe sich Jesus nicht für den Tod auf dem Kreuz, sondern für die Heirat mit Maria Magdalena entschieden. Bei dieser Abhandlung geht es um die Bedeutung des “Letzten Abendmahls” von Leonardo da Vinci, das in “Da Vinci Code” die erfundene Geschichte zum Überzeugung bringen hilft. Leonardos Werk wird oft zum Gegenstand der Betrachtung, aber so oft zum Missverständnis geführt, weil man das Wissen statt das Sehen zur Betrachtung des Werkes nimmt. Gemäß der ikonographischen Tradition ist die Eucharistie das Thema des "Letzten Abendmahls" seit der Darstellung in der Katakombenmalerei. Wenn man im Leonardos Werk die Stellung Jesus, vor allem die Gestik und den Blick genau beobachtet, wird es klar, dass es sich um die Agape durch das Abendmahl handelt, nicht um den Verrat Judas.

사회가 점점 복잡해짐에 따라 융합인재에 대한 요구가 커지고 있으며, 이를 반영한 다양한 융합 교육이 시도되고 있다. 그러나 융합교육 운영상의 한계도 꾸준히 지적되고 있다. 본 연구는 대표적 인 융합인재인 레오나르도 다빈치의 사고를 분석하고, 이를 바탕으로 융합학습모형의 개발 가능성 을 탐색하여 초안을 제안하는 것을 목적으로 한다. 이를 위해 레오나르도 다빈치 사고의 특징을 다 룬 선행연구를 분석하고 레오나르도 다빈치가 직접 작성한 노트를 검토한 결과, 레오나르도 다빈치 의 사고는 다양한 분야에 대한 호기심, 질문을 하면서 탐구할 문제 설정, 경험 중심의 관찰과 실험, 증명과 추론을 통한 일반화 도출, 지식의 적용과 확장 및 학문 간 융합, 반성적 사고, 끊임없는 시도 와 끝까지 해내는 의지라는 특징을 지니고 있었다. 이러한 특징이 융합학습에 주는 시사점으로 경 이와 호기심, 탐구질문 생성, 직접 경험, 귀납적 일반화, 근접 및 원거리 전이, 학습에서의 성찰, 회 복탄력성과 그릿이 도출되었다. 이를 바탕으로, 본 연구에서는 순환성과 지속성을 갖춘 융합학습모 형의 초안을 제안하였다. 연구 결과를 통해 융합인재가 갖춰야 할 특징을 규명하고, 융합학습모형의 보편화 가능성을 제고할 수 있었다.

As society becomes increasingly complex, the demand for convergent talents continues to grow, leading to various attempts at convergence education. However, limitations in its implementation have been consistently pointed out. This study aims to analyze the thinking patterns of Leonardo da Vinci, a representative example of a convergent talent, and explore the feasibility of developing a convergence learning model, ultimately proposing a preliminary framework. To achieve this, previous studies on Leonardo da Vinci’s cognitive characteristics were analyzed, and his own writings were examined. The findings revealed that his thinking was characterized by curiosity across various fields, problem-setting through exploratory questioning, experience-based observation and experimentation, generalization through proof and reasoning, application and expansion of knowledge, interdisciplinary integration, reflective thinking, and perseverance to see tasks through to completion. These characteristics provide key implications for convergence learning, including wonder and curiosity, the generation of inquiry-based questions, direct experience, inductive generalization, near and far transfer of knowledge, reflection in learning, resilience and grit. Based on these elements, this study proposes a preliminary convergence learning model emphasizing cyclicality and continuity. The findings contribute to identifying the essential qualities of convergent talents and enhancing the potential for the generalization of the convergence learning model.

레오나르도 다 빈치의 ‘최후의 만찬’ 벽화에서 나타난 공간구성에 관한 연구의 결과로서 다음과 같은 결론을 도출하였다. 1. ‘최후의 만찬’에서의 1점 소실점 원근법의 이용은 실제로 경험할 수 있는 공간의 형태와 깊이를 표현하기도 하고, 내부공간을 구성하는 바닥과 벽 및 천정의 요소가 공간의 경계로서 명확하게 표현되었다. 2. 전체적인 화면은 대칭축을 중심으로 가로변과 세로변이 4:3의 비례체계로서 구성되었고, 실제적으로 그려진 그림의 화면은 2:1의 비례체계로서 구성되었다. 이외에도, 전체와 부분 및 부분과 부분사이의 구성은 1:3, 1:4, 2:3으로서 르네상스시대에 고전주의를 기초로 이루어진 이상적인 비례체계에 의해 이루어졌다. 3. 전체적인 화면과 실제적으로 그려진 화면은 건축의 기본적인 구성원리를 통해 축에 의한 규칙적이고 대칭적인 배치, 연속적인 배열의 반복과 율동, 완벽한 수학적인 비례체계를 중심으로 조화와 질서, 균형과 통일에 의해 표현되었다. 4. ‘최후의 만찬’은 예수의 머리를 중심으로 원근법의 중심과 구도의 중심이 일치하면서 완벽한 균형감과 안정감 있게 구성되었다. 이러한 그림은 건축에서의 내부공간의 구성요소인 기둥과 같은 벽걸이의 수직요소와 함께 이루어진 벽과 천정 및 바닥과 같은 평면요소에 의해 볼륨을 이루는 건축적인 공간구성으로 형성되었다.

The purpose of this paper is the study on the spatial composition appeared in the 'Last Suffer' mural painting of Leonardo da Vinci. The results of study are as follows: 1. The use of one point perspective on 'Last Supper' is expressed by the form and the depth of space which we can actually experience, and the element of floor, wall, ceiling which is composed of space is to show precisely as boundary of space. 2. The width and the length of whole picture is composed of ratio of 4:3, the really painted picture is composed of ratio of 2:1. In addition to, the composition between the total and the part, between the part and the part consists of ideal ratio which is based on classicism of the Renaissance as 1:3, 1:4 and 2:3. 3. The whole picture and the really painted picture is expressed by the composition of space with harmony and order, balance and unity centering around systematic and symmetrical disposition by axis, repetition and rhythm of successive arrangement, perfect mathematical ratio through the basic principle of composition by order and system on architecture. 4. 'Last supper' is composed of perfect balance and stability on the center of perspective and composition with the centering by head of Jesu. Such picture is formed with the architectural space composition which is accomplished by wall with vertical element of tapestry as pillar, plain elements as floor and ceiling which are component elements of internal space on architecture.

본 논문은 미술 이론과 실기 양쪽 분야에 모두 기여할 수 있는 유용한 교육적 담론을 확장하기 위한 논의에서 출발했다. 대상의 묘사와 생각의 표현을 모두 포함하는 드로잉drawing은 실기의 중요한 분야를 구성하면서 동시에 예술가의 의도를 분석할 수 있는 시각적 사료(史料)라는 점에서 이론을 구성하는 과정에서도 중요한 역할을 담당한다. 한국 미술 교육에서도 이 주제의 유용성은 이미 2001년 서울여대에서 개최된 워크숍을 통해서 확인할 수 있다. 여러 대학의 미술 이론 및 실기 교육에 종사했던 연구자들은 미술 교과 과정에 기여할 수 있는 개념으로서 드로잉의 의미와 사유의 접점을 찾기 위한 시도를 진행했으며, 이후 한국미술연구소와 서울여대 조형연구소에서 『드로잉』이라는 제목으로 결과물을 출간한 바 있다. 이 워크숍은 동서양의 드로잉이 지닌 개념적 차이, 현대 미술의 드로잉과 문화적 의미, 미술 실기 교육을 위한 다양한 프로그램을 검토하고 있다는 점에서 한국 미술 교육사적 관점에서도 중요한 선행 연구를 구성한다. 본 연구는 이 같은 선행 연구를 토대로 드로잉이 사유를 담게 되었던 문화적 형식invention의 출발점을 역사적으로 분석하고자 한다. 근대 유럽의 표현 방식을 수용하는 과정에서 들어온 서양화의 ‘드로잉’은 르네상스 시대에 등장한 미술품의 가치 판단을 바탕으로 구성된 아카데미 교육의 가장 중요한 교과를 구성했으며, 이 시기부터 대상의 묘사와 사유의 표현을 포함한 드로잉의 개념으로 발전했다.

Questa ricerca nasce dalle interesse rivolto ai materiali utili per l'educazione artistica sia sulla teoria che sulla pratica dell'arte. La tesi affronta lo studio dei disegni nei quali sono stati interpretati come un’invenzione culturale per la progettazione di un lavoro d’arte in modo personale, percio si e cercato di costruire le diverse formule delle idee cercando di una proposta interpretativa del rapporto tra scienza e arte in Leonardo da Vinci, come uno degli artisti pionieristico. Leonardo supero la riduttiva idea di utilizzare la tradizione ‘la prospettiva lineare’ che e uno strumento per dare rigore formale all’idea di bellezza e all’estetica. Egli invento un processo lavorativo di costruire proprio le sue idee tramite i disegni nei quali esprime i momenti di durata qualitativamente diversa di differenti stati d'animo. In questo modo egli creo le diverse narrazioni consente di integrare la configurazione spaziale con quella temporale finalizzando un’opera finale come un luogo delle memorie prese dalle osservazioni dirette alla realta.

절단면은 구조물의 깊이를 알 수 있도록 하여, 3차원적으로 구조물을 이해하는 데 도움을 준다. 현대 의학에서 사용하는 초음파 검사, 컴퓨터 단층 촬영, 자기 공명 영상 등의 의료영상은 단면을 기반으로 정보가 제공된다. 이와 같이 단면해부학은 인체의 구조와 기능을 이해하는 것뿐만 아니라, 의료영상을 통해 정확한 진단과 치료 계획을만드는 데 이용된다. 아울러 방사선학과 연계된 단면해부학의 중요성도 잘 알려져 있다. 15~16세기의 레오나르도 다빈치 (Leonardo da Vinci, 1452~1519)의 노트에 여러 개의 인체 단면도가 포함되어 있는데, 이는 단면해부도가 당시에 쓰인 해부학 교과서나 해부도에 보이지 않는 독창적인 묘사임을 알 수 있다. 그의 단면도를 살펴보면서, 레오나르도 다빈치가 단면해부도를 그린 이유에 대해 고찰하였다. 레오나르도 다빈치는 물체의 입체적 형태를 이해하기 위해, 여러 방향에서 물체를 이해하기 위한 기법을 개발했고, 이를 인체를 표현하는데 적용하였다. 그는 사람과 기계를같은 선상에 놓고, 움직임과 힘의 전달을 이해하고자 했다. 레오나르도는 종자뼈를 연구하는 과정에서 단면 연구의중요성에 대해 언급하였다. 당시에 사람의 영혼이 존재한다고 생각되는 ‘센소 코무네’의 정확한 머리뼈 내의 위치를파악하고자 단면해부학을 적극 활용한 것으로 보인다. 이러한 맥락에서 레오나르도는 인체의 구조와 기능을 연결하기 위해 처음으로 단면 해부학을 적용한 연구자로 볼 수 있다.

Cross-sections allow us to better understand anatomical three-dimensional structures by providing depth perception. Cross-sections are also the basis for modern imaging technologies used in the medical field such as ultrasounds, computed tomography images (CT), and magnetic resonance imaging (MRI). Sectional anatomy is essential not only for understanding the structure and function of the human body, but for establishing accurate diagnosis and treatment planning. As shown, the importance of cross- sectional anatomy in conjunction with radiology is well recognized. Interestingly, numerous cross-sectional drawings were seen in Leonardo da Vinci’s anatomical notes from the 15th~16th century. Most these have distinctive descriptions of anatomy and were not seen in anatomy textbooks and atlases at that time. We studied Leonardo’s drawings to understand why he employed a sectional view of the human body. Leonardo da Vinci developed techniques to depict multiple angles of an object and applied these techniques in his drawing of the human body. By comparing the similarity of human and machine design, he aimed to comprehend the component’s movement and transmission of power into different parts. Further, he invented the technique of architectural cross-section drawing, and applied this method to anatomy study. He mentioned the importance of sectional view in the course of his patella research. It is assumed that his utilization of sectional anatomy was to locate ‘Senso Commune’ where human soul was presumed to be placed. In this context, we could see that Leonardo employed the sectional anatomy to analyze the structure and function of the human body.

레오나르도 다빈치는 르네상스 시대의 천재 예술가이다. 그는 예술가와 과학자, 발명가로서 뛰어난 업적을남겼고, 식물학과 수학, 지질학, 천문학, 기하학, 광학 등의 다양한 분야에서 최고의 반열에 올랐을 뿐 아니라 오늘날의 과학에까지 크게 기여하고 있다. 또한 레오나르도는 예술가와 과학자, 발명가, 철학자로도 잘 알려져 있으며, 사람과 동물들을 직접 해부하여 관찰한 후 많은 해부 그림들을 남긴 위대한 해부학자였다. 레오나르도가 해부학에 관심을 가졌던 이유는 - 화가는 해부학에 무지해서는 안 된다 - 라는 예술가의 관점에서 사람의 구조와 기능을 알기 위함이었다. 그는 사람 몸의 구조와 기능에 더욱 관심을 갖게 되었고, 시체를 구하기 어려운 상황에도 불구하고 많은 시체를 직접 해부하여 관찰하였다. 이러한 그의 해부학적 탐구와 심취로 말미암아 그는동시대의 사람들보다 100년 이상 앞선 위대한 해부학 업적을 남겼다. 레오나르도가 남긴 뼈대와 근육, 혈관, 신경, 비뇨생식계통에 관한 1,800여 개의 해부 그림들은 높은 예술성과 함께 과학적으로도 매우 가치가 높은 걸작들이다. 이 연구의 목적은 레오나르도의 해부학 분야의 업적과 사고를 살펴보고, 해부학 분야의 선구자인 레오나르도의 위대한 업적을 오늘날 사람들에게 널리 알리고자 하는 것이다.

Leonardo da Vinci is remembered as the greatest genius of the Renaissance. He left outstanding achievements as an artist, scientist and inventor, and contributes up to today’s science. He ranks the best in a variety of fields, such as botany, mathematics, geology, astronomy, geometry and optics. It has well known that Leonardo is an artist, scientist, inventor and philosopher. And he was a great anatomist that dissected dead bodies and animals directly and left many anatomical drawings. He took an interest in anatomy from the point of view of the artist, which is why the human body structure and function to know the sakes were “ignorant of the anatomy should not be upset.” Over time, he became interested in the structure and function of the body, even get the human body in a difficult environment; he dissected many the human bodies directly. His scientific inquiry and infatuation made him as an advanced pioneer for more than 100 years, and got enough level to surpass the artistry. Leonardo left about 1,800 anatomical figures of the muscular, skeletal, vascular, nervous and urogenital system, and they are also very scientific and high artistic achievements. The aim of this article is to take a look at Leonardo da Vinci’s anatomical achievements and thoughts. In addition, the goal is to knowledge today’s anatomists about Leonardo da Vinci’s astonishing achievements as a great pioneer in anatomy.

저자는 「레오나르도 다빈치의 해부학 업적과 사고」 [1]에특별한 관심을 갖고 좋은 평가와 함께 참고문헌까지 조사하여 “처음으로 눈이 시각신경에 의해 뇌로 연결된 것을확인한 사람이 기원전 6세기 Croton 지역에 살았던 Alcmaeon이었고, 눈이 시신경에 의해 뇌로 연결되는 것을 기록으로 남긴 사람이 Galen이다 [2,3].”라고 의견을 보내준독자에게 진심으로 감사를 드립니다. 또한 “다빈치가 뇌와눈을 연결하는 시각신경을 처음 기술한 것은 아닌 것 같고, 처음으로 시각교차를 기술하고 그림으로 도해했다.”라는 편집위원장의 의견에도 감사를 드립니다. 저자는 「레오나르도 다빈치의 해부학 업적과 사고」 (대한체질인류학회지 2016; 29:35-46)의 39쪽에서 “눈 (안구eye)의 구조에 대한 다빈치의 사고 역시 당시의 수준에 비해 비교적 앞서 있었음을 그림을 통해 살펴볼 수 있는데시각신경이 눈의 뒤쪽에 있으며, 뇌와 연결되어 있다는 사실을 역사상 가장 먼저 관찰한 해부학자이기도 하다.”라고기술하였다. 독자가 제시한 참고문헌 [2,3]과 편집위원장의의견을 참고하여 저자는 아래와 같이 다른 문헌들 [4-11]을고찰한 결과, 역사상 가장 먼저 시각신경이 뇌와 연결됨을관찰한 사람은 기원전 6세기 크로톤 (Croton) 지역에 살았던 알크메온 (Alcmaeon)으로 추정할 수 있었다. 알크메온은 철학자이며 의사로 기원전 6세기 무렵 이탈리아 남부 지역에 위치한 고대 그리스 식민지 영토인 크로톤에 살았으며, 동물을 해부하여 의학의 기초적 발판을 마련했다 [4-6,10]. 그는 시각신경 (optic nerve)과 후대에 유스타키관 (Eustachius tube)으로 명명된 귀속에 있는 관 (귀관, auditory tube)을 처음으로 관찰하였고, 태아의 형태로부터추리하여, 머리 부분이 다른 부분보다 먼저 발달한다고 기술하였다 [10]. 그래서 ‘뇌가 감각의 중추이며, 영혼과 지능을 담당하는 곳’이라고 주장했다 [10,11]. 그리고 알크메온은 눈 (eye)이 시각신경을 통해 뇌 (brain)와 연결되고 [6,7], 눈을 구성하는 물질은 ‘물과’ ‘불’이며 [6,8], 눈이 뇌와 연결됨은 해부를 통해서 관찰한 결과로 시각신경이 뇌까지도달한 것을 알고 있었다 [6,9]. 이에 저자는 「레오나르도다빈치의 해부학 업적과 사고」 [1]의 39쪽에 있는 문구에서‘...역사상 가장 먼저...’를 삭제하고, “다빈치는... 시각신경이 눈의 뒤쪽에 위치하며 뇌와 연결되어 있다는 사실을 관찰한 해부학자이기도 하다.”로 바로잡고자 한다. 사실 역사와 관련된 내용을 기술하기 위해서는 많은 문헌 고찰과 더불어 과거의 일을 사실대로 해석하는 것도 매우 중요하다고 생각한다. 역사와 관련된 옛 문헌들은 책으로 출판된 것이 많아서 구하기 어렵고, 인터넷에서 검색된문헌들도 대부분 간추림만 볼 수 있거나 영어가 아닌 여러국가의 언어로 기록되었기에 문헌고찰이 매우 어려운 것도 사실이다. 그럼에도 불구하고 앞으로 해부학의 역사에기여한 사람들을 재조명하는 문헌들이 많이 게재되기를 희망한다.

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<Mona Lisa>, ein weltberuhmtes Bild, das Leonardo da Vinci ca. 1503-1506 schuf, ist in der Kunstgeschichte immer noch nicht genugend erlautert. Ein Grund dafur mag eine fiktive Aura des Werkes sein, die auf der Phantasie eines Vorgestellten gegenuber dem eigentlich Sichtbaren beruht. Weiterer Grund fur das Mißverstandnis der <Mona Lisa> liegt im Ubersehen deren Gattung. Das Werk gehort in erster Linie zu einem Portrat, das ein unausweichliches Ziel hat, die abwesende Person wie anwesend, sogar lebendig vor Augen des Betrachters darzustellen. Leonardo da Vinci, der bereits als ein Kind so talentiert und ehrgeizig war, wie Vasari uber das Schmucken eines Schildes mit fabelhaften Tieren berichtete, wollte sicher kein Routinenwerk, sondern ein Meisterwerk, das bis dahin niemand geschaffen hat, namlich ein lebensechtes Portrat wie <Mona Lisa>. In der vorliegenden Arbeit wird es vor allem versucht, <Mona Lisa> als ein Portrat zu betrachten, wofur sich die bisherigen Forschungen als ein marginales Problem interessierten. Im ersten Teil der Arbeit werden Leonardos Portrats erblickt, bei denen sich das korperliche sowie psychische Bewegungsmotiv immer mehr zum wichtigen Faktor entwickelt wird. Leonardo gebraucht dies im Portrat als ein wesentliches Milieu, um dem Betrachter den Portratierten moglichst lebensnah zu bringen. Der zweite Teil analysiert das Werk wieder in 3 Elementen, die <Mona Lisa> weltberuhmt machten: dem Lacheln, sfumato, dem Hintergrund. Erstens, das Lacheln ubernimmt eine grundlegende Funktion, den Dargestellten lebendig zu erscheinen, was seit Antike ein Hilfsmittel bevorzugt war (Beispiele: Anavysos Kouros und der Verkundigungsengel in Reims). Zweitens, sfumato, das eigentlich die Umrißlinie auslasst, gilt auch als eine Technik, durch die Leonardo vor dem Augen des Betrachters die Figur dreidimensional wirken lasst. Drittens, der uneinheitliche Blickpunkt des Hintergrundes lasst die Portratierte in unterschiedlichen Grossen erscheinen. Wenn man sich den hoheren Blickpunkt einnimmt(rechts), sieht die Frau kleiner aus, aber beim niedrigeren umgekehrt grosser(links). Durch die Analyse dieser drei Elementen wird die Absicht Loenardos in <Mona Lisa> offenschtlich, eine neue Era des Portrats ins Leben zu rufen.

최근 종설 (대한체질인류학회지 29권 2호 35-46)로 발표된 “레오나르도 다빈치의 해부학 업적과 사고” [1]는 위대한 예술가이자 과학자인 다빈치의 성장배경과 해부학에기여한 역사적 사실을 서술하면서, 16세기 해부학 연구의현황과 한계를 기술한 의미 있는 논문이다. 이 논문에서저자들은 다빈치가 “눈이 시각신경을 통해서 뇌로 연결되는 것”을 처음으로 관찰한 해부학자로 기술하고 있다 [1]. 그런데 이 내용은 의학사나 과학사에 관심이 있는 사람들에게 널리 알려진 바와 차이가 있는 것으로 사료되어 보다 구체적인 논증이 필요하다고 생각한다. 기원전 6세기 Croton 지역에 살았던 Alcmaeon은 자연철학자로서 당시로는 획기적으로 신경과학에 대한 중요한 내용을 기술하였으며, 그는 기존의 정신이 심장에서 기원한다는 생각에서 벗어나 정신이 뇌와 관련 있음을 주장했다. 모든 감각이 뇌로 연결되어 있으며 이는 관 (Channel (ποροτ))으로 연결된다고 설명했다. 이 관은 당시로서는신경을 지칭하는 표현이기도 하다. 특히 Alcmaeon은 눈이신경에 의해 뇌로 연결되어 있음을 경험적으로 생각하고있고, 이에 근거하여 처음으로 눈이 시각신경에 의해 뇌로 연결된 것을 확인했을 것으로 추정하는 논문도 있으나[2], 직접적인 기술을 찾을 수 없다고 보고한 논문도 있다[3]. 그러나 다른 자료에는 안구와 시신경을 절단하는 동물실험을 통해 시각에 대한 연구를 하였고, 시신경이 시각교차까지 연결되어 있음을 명확하게 기술하고 있다 [4,5]. 이후 다빈치시대 이전의 연구자로 Alcmaeon 이후 700년 후의 의사인 Galen이 눈이 시신경에 의해 뇌로 연결되었음을 보고한 논문을 확인할 수 있다 [3].

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융합적 사고는 생명과학교육에서 창의적 문제 해결의 가장 핵심이다. 융합적 사고에 대한 다양한 연구에도 불구하고, 융합적 사고의 실제 과정에 대해서는 알려진 바가 거의 없다. 이에 본 연구에서는 새의 비행을 생체모방하여 비행기구를 발명하는 과정을 작성한 레오나르도 다 빈치의 노트를 분석하여 융합적 사고의 과정을 제안하였다. 이를 위해서 융합과 이와 관련된 사고에 대한 문헌 분석을 통해 분석틀을 구성하고 이를 기반으로 노트를 분석하였다. 이 후, 사고 과정을 구성하는 요소와 논리적 순서를 기반으로 융합적 사고의 과정을 구성하였다. 융합적 사고는 크게 ‘탐색’, ‘설계’, ‘구현’의 세 단계이다. ‘탐색’단계는 문제 상황을 확인하고 목표와 관련된 지식을 조사하는 단계이다. ‘설계’단계는 목표에 도달할 수 있는 창의적인 산출물을 고안하고, 이를 대상으로 목표 달성을 평가하는 기준을 고안하는 단계이다. ‘구현’ 단계는 창의적 산출물을 직접 제작하고, 이를 활용해서 문제를 해결하면서 평가하는 단계이다. 본 연구 결과는 융합적 사고에 대한 기초적인 틀을 제공할 수 있으며 실제 융합적 사고의 증진에 효과적인 학습 프로그램의 개발을 촉진할 수 있을 것이다.

Convergence thinking is a real root of creative problem solving in science education. Despite of numerous study on convergence thinking, little is understood about actual process of convergence thinking. Therefore, in this study, we proposed process of convergence thinking, analyzing Leonardo Da Vinci Note composed with study flight machine based on bio-mimicking flight of bird. In progress, the note was analyzed by analysis framework developed via literature review on convergence and ?likewise thinking. Afterwards, we composed process of convergence thinking, considering constituent and its logical sequence. The results show three stages largely. ‘Exploration’ is stage investigating problem, and related knowledge to achieve the goal. ‘Design’ is stage composing the creative work and evaluation criteria. ‘Implementation’ is stage to make creative work and evaluate adjustment result. This results can provide basic frame on convergence thinking, and promote development learning program with actual effect.