Earticle

이 연구의 목적은 애정 편향의 현대 대중가요(1960년대부터 2000년대 초)가 고전시가의 연장선상에 있음을 확인하고 대중가요를 음악적 연구 대상으로뿐만 아니라, 향후 문학적 연구의 대상으로 삼을 가능성을 열어 두기 위해서이다. 본 논문은 한국 대중가요와 고시조가 내용 측면에서 공유하고 있는 제재를 ‘애정’ 이라고 보고, 60년대 이후 대중가요의 애정 제재 편향 현상이 전통 시가와 어떻게 연계되는가를 살펴본 것이다. 애정 제재 대중가요 중에서 고시조의 애정 형상화 양상과 같은 연장선 상에 있는 작품들을 유형화하였는데, 크게 갈등하는 애정관계 와 갈등을 넘은 애정 관계로 나눌 수 있었고, 세부 유형으로는 ‘남의 님 : 이룰 수 없는 사랑(불륜)’ , ‘짝사랑’, ‘연상연하의 사랑’, ‘이별’, ‘고백 : 너만 있으면’ ,‘사랑의 세레나데’로 나누었다. 고시조에서 보였던 애정에 대한 솔직한 표현이 최근의 대중가요에 다시 나타난다는 점과 양 장르에서 애정 제재가 차지하는 비중이 높다는 점에서 고시조와 현대 대중가요의 만남 가능성은 논의될 수 있다. 표면적으로는 성을 마음껏 노출한다는 점에서 최근의 가요 가사와 사설시조는 맞닿아 있다. 하지만 이면의 제요소들을 문학성이라는 측면에서 살핀다면, 상업 성에 기반을 둔 현대 대중가요와 예술성에 기반을 둔 시조는 그 문학적 성격을 달리할 수밖에 없다는 점을 이 논문의 한계로 제시했다.

The purpose of this study is to ensure that love-biased contemporary pop songs are an extension of classical poetry and to leave open the possibility of using pop songs as a subject for future literary research as well as for musical research. This paper considers the topic shared by Korean pop songs and Goshijo in terms of content as “love,” and looks at how the love theme bias phenomenon of k-pop since the 60s is linked to traditional poetry. Among the popular songs, it was divided into three types: “Other's Lover: Unachievable Love (An affair)”, “One-sided love”, “Love of Older woman and young man”, “Parting” and “Confession : as long as I had you”, “Serenade of Love”. The possibility of meeting sijo and modern pop songs can be discussed in that the honest expression of affection seen in Goshijo reappears in recent popular songs, and the importance of affection topics in both genres is high. Superficially, the lyrics of recent songs are in contact with SaseolSijo(辭說時調) in that it exposes sex to the fullest. However, if we look at the elements behind the scenes in terms of literary nature, it is suggested as a limitation of this thesis that modern popular songs based on commerciality and Sijo based on artistry have no choice but to have different literary characteristics.

인도의 대중적 종교음악인 바잔(bhajan)과 끼르딴(kirtan)은 사랑과 헌신을 중시하는 범종교적 박띠(bhakti) 전통에서 필수적인 종교적 실천이다. 본고는 종교와 연계된 인도의 음악적 논의를 살 펴보고 박띠 음악의 배경과 특징을 악곡 분석과 함께 논의함으로써 현 대중적 종교음악의 양상을 파악하였다. 바잔과 끼르딴에 대한 대중의 열렬한 지지는 사원과 사제와 전문음악가의 영역이 가정과 개인과 비전문가의 주도적 범위로 전이되었음을 반증한다. 영적 예배로 여겨지는 바잔과 끼르딴 연행은 일 반 신자가 영적 의식을 깨우고 종교적 실천을 행하는 목적에 기하고 있다. 두 음악 간 상호 공유하는 음악적 특징은 박띠 사상의 가사ㆍ단순한 음악적 구조ㆍ반복이며, 연행 방식에서는 양자 간 차이가 있었다. 바잔은 개인의 자유로운 영적 수행을 지향하는 데에 비해 끼르딴은 집단 참여와 공동체 영 적 분위기 고양을 더 중시한다. 두 음악은 음악적 특징을 공유하면서도 개별적 특성을 가지는 공존 의 양상을 지닌다. 바잔과 끼르딴의 역사와 전개는 인도 종교음악이 전통과 새로움의 공존을 통해 대중적으로 확장 되어왔음을 보여준다. 즉 힌두교가 전통을 유지하면서도 범종교적인 박띠 사상으로 확장된 변화와 동일하게 종교음악 또한 전통적 기조는 고수하는 동시에 대중적 성향과 시대적 요구에 부합한 변화 를 적극적으로 수용해왔음을 파악할 수 있었다.

Bhajan and Kirtan, as contemporary popular religious music in India, are essential religious practices within the broader interfaith Bhakti tradition, which emphasizes love and devotion. This study examines the musical discourse associated with religion in India, analyzing the background and characteristics of Bhakti music through a detailed analysis of musical compositions to understand the current state of contemporary popular religious music. The enthusiastic public support for Bhajan and Kirtan reflects a shift from the domain of temples, priests, and professional musicians to that of households, individuals, and non-professionals. The performance of Bhajan and Kirtan, considered forms of spiritual worship, serves the same purpose of awakening spiritual consciousness and conducting religious practices among ordinary devotees. While they share common musical features such as lyrics, simple musical structures, and repetition, there are differences in their performance styles. Bhajan is oriented towards individual spiritual practice, whereas Kirtan places a greater emphasis on collective participation and fostering a communal spiritual atmosphere. This demonstrates a coexistence of shared musical traits alongside distinct individual characteristics. The historical development of Bhajan and Kirtan illustrates how religious music has expanded popularly through the coexistence of tradition and novelty. Specifically, Hinduism has evolved by preserving traditional elements as it has expanded into the interfaith Bhakti ideology. Similarly, religious music has maintained its traditional foundations while actively embracing changes that align with contemporary trends and societal demands.

Today, when reiniscing the achievement of Korea’s economic development over the past decades, it is easy to find positive recognitions of President Park Jung-hee's national management throughout the 60s and 70s. Similarly, when assessing the success of Korean populace culture worldwide, very few would expect that the forerunner of the appealing entertainment industry was once restricted for the protection of political stability. The policy of banning popular music was influenced by the policy of suppressing Korean culture during the Japanese colonial period. Songs that are banned due to its negative effects are called keumjikok (prohibited song), which restricts the singer's artistic activities consequently. This paper is written to study mainly on the process of forming and implementing the policy related to keumjikok. Thereby, the authors attempted to historically present the societal and political features of Korea during President Park Jung-hee period.

Ngày nay, nhìn lại thành công về phát triển kinh tế của Hàn Quốc, không ít những nhận định tích cực về đường lối quản lý nhà nước của Tổng thống Park Jung-hee trong thập niên 60 và 70. Tuy nhiên, trước thành công hiện nay của văn hoá đại chúng Hàn Quốc trên phạm vi thế giới, ít ai tin được tiền thân của nền giải trí đang lôi cuốn giới trẻ thế giới từng một thời bị cấm đoán để bảo vệ sự ổn định chính trị của thể chế. Chính sách cấm đoán âm nhạc đại chúng chịu ảnh hưởng từ chính sách đàn áp văn hoá Hàn Quốc thời Nhật trị cùng nhiều yếu tố nội tại và ngoại lai khác. Các bài nhạc bị cấm đoán do ảnh hưởng tiêu cực của nó được gọi là Keumjigok (nhạc cấm), kéo theo hoạt động nghệ thuật của ca sĩ bị hạn chế. Bài tham luận này tập trung phân tích các yếu tố chính trị và bối cảnh xã hội dưới thời Tổng thống Park Jung-hee, ảnh hưởng đến văn hoá đại chúng và đồng thời phân tích hiện tượng Keumjigok để làm sáng tỏ thêm lý luận về văn hoá đại chúng Hàn Quốc trong thời kì này.

The form of modern Korean popular music, represented by K-pop, was greatly influenced by American popular music. The place where American popular music was spread directly and in earnest for the first time in Korea, and where the search for Korean transformation took place, was around the U.S. military camptown. This paper is to anthropologically reconstruct the process of introduction and change of popular music in the vicinity of U.S. camptown. I believe that the characteristic of modern popular music is the change in cultural sense of sound. Therefore, it examines how Korean musicians have accepted and changed American popular music, especially music using electric instruments. It also reveals that human, physical, and technical relationships surrounding popular musical practice are working, not the achievements of individuals who are musicians. For this purpose, the oral life history of musicians, club officials, and residents who were active at the U.S. camptown in Dongducheon, Gyeonggi-do in the 1960s and 1970s were collected, and the technical and cultural characteristics of electric instruments and the history of at the time were comprehensively considered and analyzed. In here, the border area of the U.S. military camptown was revealed as a space that is neither here nor there. The U.S. camptown was hierarchically a prior space to transmit American popular culture to Korea, and at the same time, it was an inferior space where people who were more familiar with American popular culture had to be brought from Seoul for U.S. military entertainment. Therefore, the Koreanization of American popular music is a process of social, cultural, historical, and spatial interaction and a point that a reflective perspective to critically understand the aspects of cultural clashes and borders is required.

홍대가 한국대중음악에서 현재와 같은 인디음악 활동지역 으로 형성된 것은 이십여 년이란 시간이 경과하였다. 기존 서울의 음 악활동 장소가 이동하면서 역사적 흔적을 찾아보기 어려워진 반면, 홍 대는 비교적 오랜 기간 음악활동의 장소로 기능과 활동을 유지하고 있다. 창조계층은 창조적인 활동을 통해 경제적인 이익을 창출해 내는 집단인데, 본고에서는 이 개념을 대중음악에 적용시켜 창작자와 관련 산업종사자를 대중음악 창조계층으로 분류하였다. 특히 인디음악과 관 련된 창조계층과의 심층면접을 통해 홍대를 활동지역으로 선택하는 원인을 분석하여 보았다. 창조계층이 선택한 지역은 개성을 표출할 수 있으며, 개방적인 다 양성을 가지고 있다. 홍대의 인프라와 지형, 축적된 정서와 분위기는 대중음악 창조계층이 지속적으로 유입되고 활동이 지속된 원인이 되 었다. 선택할 수 있는 음악활동 장소가 넓지 않기 때문에 홍대를 선택 함으로써 장소 선택의 대안에 대해서도 약간 고심을 하였다. 대중음악 창조계층은 모두 홍대에 대한 경험과 추억을 가지고 있고, 또 지역에 대한 애착을 가지고 있음으로써, 이들의 음악활동을 통하여 ‘홍대’라는 장소 특성은 형성되었던 것이다. 이러한 점이 다시 홍대에 음악적 이 미지를 부여하고, 재생산을 거듭하고 있는 중이다.

It has been almost 20 years that Hongdae becomes the center-place in Korean popular music. Hongdae has been functioning as the central spot of Indie Music in many years, while it is hard to find any other place like Hongdae historically because hot places of music have all along been kept changing in Seoul. Music creative class is the group that creates economic wealth from their creative activities. This paper aims to analyse the reasons why Indie Music Creative class has chosen Hongdae area as their play-ground. Areas where creative classes choose have its own characters: Those areas can express their personality, and it has openness and diversity. In this regard, infrastructure, geography, accumulated sentiment, and atmosphere are the reasons why the popular music creative class continuously flow into Hongdae. On the contrary, there might be reasons why they cannot leave out from Hongdae as they may not have many choices to select other places as their playground. Creative class have been attached to Hongdae with memories and opinions. Consequently, indie music creative class develops Hongdae as the music center where they live and perform. This reproduces an image of Hongdae as the music center-point simultaneously.

본 연구는 카리브의 대중음악 칼립소를 그들의 역사와 관련해서 살펴보고 있다. 먼저 2 장에서는 칼립소의 기원과 형성과정을 플랜테이션 노예노동 및 노예해방의 역사와 관련지어살펴보고 있는데, 그것은 한마디로 노예선을 타고 전파된 아프리카의 음악 카이소가 칼린다를거쳐 칼립소로 정착되는 과정에 대한 분석이다. 플랜테이션 농장 및 노예해방 이후까지 지속된백인 엘리트계층의 다양한 억압과 규제를 극복하고 살아남아, 카리브 하위주체의 목소리를 대변하는 음악으로 정착한 과정에 대한 연구이다. 3장에서는 20세기 그중에서도 특히 1930년부터 64년까지 발표된 칼립소 음악들을 중심으로, 특히 대표적인 노래들의 가사에 나타난 카리브통합의 꿈과 좌절에 대해 고찰해 보았다. 그 기간은 바로 1933년 로조회담에서부터 트리니다드토바고 독립 직후까지로, 카리브연방공화국이 구체적으로 논의됐다가 실패했던 시기이기 때문이다. 본 논문에서는 그로울링 타이거의 노래에서부터 아틸라, 로드 비기너, 로드 키치너, 루이스 베넷, 마이티 스패로우 등의 노래를 중심으로, 카리브 민중들이 꿈꿨던 카리브 통합과 그좌절 등을 간략하게 분석해 보았다.

This present work examines the Trinidadian Popular Music Calypso from two historical perspectives: the origin and the times of the Caribbean Unity Movement. The origin and formation process of Calypso related to the Trinidadian black history is first demonstrated. It is the process in which the African music Kaiso, known throughout the slave-ship, turns into Calypso throughout Kalinda. During the process, Calypso represents the voice of the public, getting over the diverse oppression and restriction of the white ruling elite class. Then it examines the dreaming and breakdown of Caribbean Unity in the Calypso music between 1930 and 1964. That is to say, it examines the calypso lyrics released between Roseau conference and Trinidadian Independence: Atilla, Growling Tiger, Lord Beginner, Lord Kitchener Mighty Sparrow Louise Bennett.

본 고에서는 포크음악과 힙합(랩)음악의 기본정신에 대하여 알아보고, 이에 따른 시대적 호응에 따른 저항의식을 알아보고 그러한 저항의식이 시대적으로 포크와 힙합(랩)음악에 얼마나 그리고 어떻게 적용이 되고 묻어나 있는지에 대하여 비교분석하여 알아보고자 한다.

조용필은 가수로서 대한민국 가요계의 살아있는 역사, 전설, 가왕, 국민가수 등의 여러 호칭으로 불리며 한국의 대중음악을 크게 발전시킨 인물로 평가 되고 있다. 그의 음악적 능력은 가수로서 뿐만이 아니라 1980년대에 우리 대중음악사에서 가장 뛰어난 작곡가이자 편곡가이기도 했다. 그로 인해 우리 대중음악의 음악적인 스펙트럼을 확장시키고 이후 우리 대중음악의 편곡에 지대한 영향을 미친 인물이다. 본 논문은 조용필의 음악적인 색채가 본격적으로 구축된 것으로 평가받는 3집과 4집의 음악에 나타난 그의 편곡 테크닉을 중심으로 분석해 보고, 아울러 우리 대중음악에 끼친 영향에 대해 알아보는 논문이다.

In the digital age, technological advancements and evolving user behavior have significantly reshaped popular music consumption patterns. However, existing studies primarily focus on technological innovations or user behavior trends, lacking a systematic exploration of how these factors interact to shape user needs and industry strategies. This study combines grounded theory and the Analytical Hierarchy Process (AHP) to identify and quantify key factors influencing music consumption to fill this gap. Grounded Theory offers qualitative insights into digital music consumption, while AHP quantitatively evaluates the identified factors, achieving a complementary balance between theoretical depth and decision-making data. The study first conducted semi-structured interviews with 10 users, applying open, axial, and selective coding to extract four core categories: intelligent recommendations, social interaction, fragmented consumption, and the fan economy. Subsequently, a questionnaire survey was administered to 7 field experts, and the AHP method was used to determine the relative importance of each category based on user preferences and expert evaluations. Results indicate that intelligent recommendations hold the highest weight (46.6%), underscoring the pivotal role of AI-driven user preference analysis. Social interaction ranks second (27.7%), highlighting its significant influence on user engagement. Although fragmented consumption and the fan economy carry lower weights, they reflect the growing demand for instant music experiences and the importance of fan-driven ecosystems in user retention. This study bridges the gap between user behavior analysis and platform strategy development, contributing to both theoretical understanding and practical application. The findings offer actionable recommendations for optimizing music streaming services, enhancing recommendation algorithms, and strengthening interactive features, providing valuable guidance for industry stakeholders to improve user satisfaction and maintain competitiveness in the rapidly evolving digital music market.

러시아 대중음악은 그 뚜렷한 존재와 음악적 성과에도 불구하고, 이념적 이유로 인한 교류 차단, 이로 인해 발생한 문화적, 언어적 이질성, 지나치게 영미권에 치우친 한국 대중음악 취향의 편협성 등 다양한 원인에 의해 한국에서 잘 알려지지 않았다. 그러나 우리의 편견과 달리 러시아 대중음악은 세계 대중음악의 흐름과 활발히 교류하며 자신만의 독자적인 개성을 만들어나갔다. 특히 러시아 록은 저항으로서의 음악으로 탄생한 록의 보편적 자질을 그 어느 나라에서 보다 순수하고 치열하게 지켜내며, 80년대 러시아 대중음악을 ‘록의 시대’로 규정짓게 만들었다. 이글은 이렇게 세계 록의 역사에서 특별한 의미를 지니는 러시아 록의 역사와 그 특성을 살펴보고, 이러한 러시아 록이 한국에서 어떻게 수용되어 왔는지를, 러시아 대중음악 일반의 수용과정과 함께 살펴보는 것을 목적으로 하였다. 1960년대 영미록의 수입과 모방으로부터 출발한 러시아 록은 1970년대 중반부터 마쉬나 브레메니나 아크바리움과 같은 그룹을 중심으로 러시아 고유의 록을 만들어내었다. 러시아 록의 가장 큰 특성은 강한 ‘텍스트 지향성’이라고 말할 수 있는데, 이는 첫째로는 러시아 문화 특유의 강한 문학지향성, 두 번째로는 러시아 바르드의 음악적 전통, 세 번째로는 탄압으로 인한 음악기술적 측면의 약화와 밀접하게 관련된다. 탄압과 금지에도 불구하고 1980년대 러시아 록은 대표적인 대중음악 장르로 큰 인기를 얻었고, 80년대 말부터 90년대 초기까지의 개혁과정에서 그 절정을 이룬다. 그러나 90년대 이후 개혁정책의 실패 후 러시아 록도 쇠퇴의 길을 걷게 되는데, 이는 첫째로는 음악산업을 장악한 음악마피아들의 상업음악으로의 경도, 두 번째로는 대중의 음악 취향의 변화, 세 번째로는 록이라는 음악 장르의 본질과 밀접한 관련을 갖는다. 한편 러시아 록을 포함한 러시아 대중음악의 한국에서의 수용은, 드라마나 영화 삽입곡으로 인기를 얻은 곡, 한국가수에 의해 번안되어 불려진 곡, 러시아 대중음악계를 빛낸 한인가수의 곡 소개와 같이 우연적인 동기에 의해 지배되었다. 특히 러시아 록은 그 지나친 가사중심성과 음악적, 기술적 요소의 약화로 대중의 외면을 받았다. 그러나 러시아 대중음악 소개를 보다 전문적으로 담당하는 음반회사의 등장이나, 매니어를 중심으로 한 한국 대중음악 취향의 확장과 같은 긍정적인 변화들은 러시아 대중음악이 한국에 보다 적극적으로 소개될 수 있는 가능성을 높여줄 것이다.

The music industry of the digital age has witnessed seemingly endless battles involving copyright. Though continuous efforts to strengthen copyright under romantic understating have benefited major actors in the industry, it has threatened creativity and net activism in the digital age. This study argues rhetoric used by the industry regarding how file sharing and digital environments hurt music sales is inadequate. It has enabled the industry and its major labels to embolden copyright and protective legislation with the government's support. This article will reveal that the issue surrounding copyright under the romantic notion is not an outdated one confined to the early era of digital music This article will argue that major players in the industry are repeating the old strategic approach of controlling the music market. This is achieved by limiting practices of music audiences and future creativity such as the creation of amateur content and emergence of new business models.

This paper aims to examine the introduction of various forms of traditional and popular Western music to Korea. Western traditional and popular music had a significant impact on the development of Korean popular music beginning as early as the Japanese occupation. This paper has examined the origin, formation, specific forms, and meaning of jazz song, a representative genre of early popular music through considering the formation of Korean popular music and the ways in which Western music played a role in its development. This subject is discussed in detail referencing examples of adapted and original songs. Just as in the present, Korea was influenced by popular culture from all over the world, wherein the influence of foreign music is attested by the emergence of jazz song. To demonstrate this point, this paper reviews the specific characteristics of both adapted and original jazz song. Jazz song almost completely disappeared from the surface from the 1940s on, as Japan entered into a state of war and banned Western music from the U.S. and England considering it as music of the enemies. Consequently, much Western-influenced music, including jazz and jazz song, disappeared from the popular music scene. After Korea was liberated from Japan, Korean popular music was newly reorganized under the absolute influence of Western popular music. The music resulted from this reorganization has been settled as the mainstream popular music today and is being re-exported into the world boosted by the Korean-wave. In this light, jazz song from the first half of the twentieth century is meaningful in that it were the matrix of such music.

Sociological studies of the music industry emphasize the importance of mass media technologies in the birth of a new popular music genre. However, these studies have not fully explained the business structure of new media and new popular music. They also failed to predict K-pop’s global success via YouTube and iTunes. The emergence of Internet-based music stores and music video streaming sites, particularly YouTube, has a strong connection to Korean content as it allows Korean artists to bypass conventional music distributors who control business-to-customer music distribution channels in the United States and Europe. The emergence of the digital economy powered by PCs and smartphones, ushered in a new era of business-to-business music distribution, thus minimizing transaction costs of the global music business for Korean entertainment firms. This article argues that K-pop producers, with no alternative channels for distributing their music to global audiences for profit, actively chose YouTube for its free music distribution despite its low-profit margins from royalty fees. J-pop and American pop music distributors, however, avoided YouTube because the profit margin from YouTube was far lower than from traditional media, such as CDs and iTunes, giving K-pop primary standing in the niche market.

Although in-depth research on the topic is relatively rare, music and musical performances should not only be considered to be aural phenomena, but visual ones as well. This paper investigates one specific form of visuality and what can be learned about Korean culture by observing and analyzing album covers of popular female performers from the 1920s to the 1960s, including photographs, art work, and portraiture of the singers. Conclusions can be drawn about the changing society of the time, and the role that music?or more specifically musicians, producers, and the record companies who created the albums and album jackets?played in helping to solidify the notion of modernity in Korea in the first half of the twentieth century and the inextricable position of women in striking a balance between tradition and modernity.

In the early 2010’s, the expansion of South Korean popular culture around the world is led by popular music, usually known as Kpop. In this paper I seek to answer two questions. First, what are the sources of its success beyond the South Korean national border?Secondly, what does it say about contemporary South Korean society and culture?