Earticle

시대가 흐를수록 변화하는 사회의 흐름에 사회의 구성원들은 점점 더 개인중심주의적으로 변모하고 있으며, 이에 기인한 가족 간의 소통의 부재는 심화되고 있으며, 이는 가족의 붕괴로까지 연결되어 사실 상 그 기능을 제대로 수행 하지 못하고 있다. 이와 더불어 산업화 시대를 거쳐 자본주의로 발생한 개인 주의의 팽배로 인하여 인간의 가치를 물질적으로 매도하는 문제점들도 부각되어지고 있다. 연극계에서는 이러한 사회 문제를 다루고자 하는 움직임이 있었으며 이를 소재로 다루는 연극들이 다 양하게 제작되어지고 있다. 연극은 시대적 정신 및 사회성을 반영하고 있으며, 이러한 연극의 특징은 관 객들에게 그 시대의 사회적 문제점과 삶을 되돌아 볼 수 있게 해주는 교육적, 사회적인 기능을 수행하게 만드는 매체가 될 수 있다. 연극의 기능 중 사회적 특성을 반영하는 본 논문의 텍스트인 아서 밀러의 《세일즈맨의 죽음》은 자 본주의 폐단인 물질만능주의 속 사회에서 살아가는 평범한 시민인 주인공 ‘윌리’가 겪는 갈등과 비극을 다룬 작품이다. 그는 자신이 겪는 갈등과 비극의 원인을 사회와 가정에서 찾는다. 아서 밀러는 《세일즈 맨의 죽음》에서 주인공 윌리가 겪는 사건을 중심으로 현대사회의 잘못된 가치관에 대한 비판과 더불어 가족 간의 갈등으로 인한 소통의 부재로 고통 받는 평범한 소시민인 현대인의 비극을 다루고 있다. 이에 작품 속 주인공 ‘윌리’를 통하여 아서 밀러의 비극 개념과 희곡의 시대적 배경을 고찰하고 그 인물의 성 격 구축 과정, 관계 및 갈등을 공연에 실제적으로 어떻게 반영할 수 있는지를 고찰해보고자 한다.

With civilizations developing rapidly, the modern world is confronted with diverse social problems such as an ageing population and environmental issues. As society is changing with the years members of society are also becoming more and more self-centered, and the lack of communication with family is getting worse; it has led to family breakdowns where it’s actually hard to expect a family to function. Along with this change, our society is overflowing with individualism that came with capitalism throughout the industrial age, and there has emerged a variety of problems where human values are decried materially. Given this reality, there were moves to deal with these social issues in the theatrical world, and many plays have been produced in various ways to tell of them. Plays reflect the spirit and the social aspects of the times, so this medium performs the educational and social functions allowing audiences to look back on social problems and lives of the age. Accordingly, directors are advised to appreciate the importance of such functions and have a correct understanding of social aspects the work talks about and what the author suggests. 《Death of a Salesman》, the focus of this paper, depicts conflicts and tragedies of ‘Willy’ who is an ordinary citizen living in the material world that came as the evil of capitalism. He found the reason of the conflicts and tragedies he had to suffer in the society and his family. Focusing on the events and troubles between the protagonist and his family, 《Death of a Salesman》 criticizes the wrong values of the modern society that the audience could catch and features the tragedy average citizens of modern times are undergoing due to the lack of communication based on family troubles. This study is aimed at studying the role of plays as a medium reflecting social problems by analyzing and examining directors’ approach method of 《Death of a Salesman》 while focusing on the process of staging and presenting the play. I hope this paper can be reference materials for directors who will give a production of 《Death of a Salesman》.

예술 장르의 경계가 갈수록 모호해지고 관객이 새로운 의미를 창출하는 제4의 창조자로서 또는 수행 자로서 역할이 확대되고 있는 시대와 더불어 4차 산업혁명 시대의 인공지능이라는 개념과 함께 로봇 배 우가 공연문화의 새로운 패러다임을 만들어내고 있는 현실을 살아가고 있다. 비재현적 연극들이 다양하 게 시도되고 있는 요즘, 과거 재현과 비재현의 경계사이, 과도기를 겪은 과정의 경계선을 허물어버린 대 표주자가 바로 고든 크레이그라 할 수 있다. 텍스트 중심의 전통적 희곡 개념을 거부하고 공연텍스트라 는 새로운 의미 창출과 ‘연출’이라는 개념과 중요성을 적극 활용 한 그를 통해 오늘날의 ‘연출’이라는 개 념의 의미를 다시금 새겨 볼 수 있다. 오래된 역사를 형성해온 연극, 특히 르네상스 이후 현실의 재현을 향한 발전의 서구 근대 연극사에서 고든 크레이그는 자연주의 연극과 계몽주의적이며 합리주의적 원칙 에 반기를 들며 저항하였다. 사실주의를 거부하고, 연극을 일상적 존재의 현실을 넘어선 현실의 표현을 위한 매개체로 변형시키고자 노력한 크레이그는 상징주의에 속하지는 않지만 상징주의 전통 안에 있었 다. 이처럼 비재현적 연극에 대하여 이론적 체계를 부여하는데 지대한 공헌을 한 크레이그는 자신의 혁 명적인 사상을 많은 저서를 통해서 독자들로 하여금 연극예술을 재평가하도록 하였다. 연출가로서 뿐만 아니라 연기자, 미술가, 작가, 그리고 무대디자이너였던 그는 상징주의적 양식무대의 초석을 만들어냈다. 이에 본 연구자는 새로운 현대적 무대 미학을 확립한 연출가, 고든 크레이그의 생애와 작품활동, 연극예 술론의 특징들에 대하여 알아보고 오늘날 공연예술분야에서 그가 가지는 의미와 앞으로의 오늘날의 무 대 발전 가능성을 고찰해 보고자 한다.

A theatre has been forming a long history, especially since Renaissance, western modern theatre has been in constant and reverse progress of reproducing reality. It reaches its peak when it comes to realism theatre. However, a dream of the reproducing reality ran into strong resistance by theatrical reformers who were against the principle of naturalism theater in early 20th century. Craig who tried to refuse the realism and transform the theatre into medium for expressing the reality beyond the ordinary reality is not sorted as symbolists but in traditional symbolism. Thus, Craig who is with respect to give a theoretical system of non-representational theory of theatre, he shocked people by writing a lot of books with his revolutionary ideas for re-evaluating the theatre arts. He advanced symbolic stage as a director, actor, writer, designer and artist. Through his concept of ‘space-light-movement-theatre’ and ‘space-light-direction’, Craig is beyond the naturalistic drama which focuses on a literal analysis. His interest is to form the visualization of the nature in accordance with the principle of musical composition. He checked an artistic characteristic of the theatre once again and criticized Europe drama that had lost its own artistic character at that time. Also he questioned of the nature of the drama in directing to improve the situation in Europe. He emphasized the direction because of the down grading the importance of text, created a new theory of the future that is the movement concept centered and directed by the director. Although his theory remains only drawing or idea, yet it can be said that the idea is alive and has great significance because they help establish other theatrical theory or give an inspire to the other artists.

현재 한국 영화는 주로 현실주의 소재이며, 실생활에서 벌어지는 실화를 원형으로 하고 있다. 이 영화 들은 미래를 전망하면서 인간성을 심층적으로 분석하여 국제 사회의 많은 관심을 끌었다. 그러나 한국 영화를 심층적으로 분석하는 지존 연구가 많이 부족하다. 이에 따라 본 연구는 한국 영화의 발전을 바탕 으로 한국 영화의 배경과 특성을 분석하고자 한다. 향후 영화 제작에 대한 재안을 제공하기를 바란다.

The current Korean films are mainly based on realism, and are adapted from real events in real life. These films, while looking into the future, deeply analyzed human nature and caused widespread concern in the international community. However, there is currently no material for in-depth analysis of Korean movies. Based on the development of Korean film, this article analyzes its background and characteristics, with a view to providing more reference for future film production.

본 연구는 방법파의 원기과 분화에 대한 소개를 통해 주요 대표 인물의 주요 경력과 가장 특징이 있 는 교수훈련 방식에 대해 비교연구를 진행하여 독자들이 ‘방법파’에 대해 명확하게 이해하도록 한다. 중 국 예술가과 ‘방법파’ 훈련 워크샵 수강생의 시각에서 미국 공연 ‘방법파’의 연기 교수에 대해 연구하고 자 한다. 스트라스버그의 이론은 중국인의 사고에 더욱 가깝다. 연기자가 자신이 진실한 느낌을 찾을 수 있도록 하는 것을 더욱 중시한다. 이것은 진정한 쇼에서 더욱 신속하고 사실적으로 반응할 수 있으며, 공 연의 생동감과 실감에 유익하다. 애들러는 특유의 섬세함과 예민함을 지녔다. 삶을 면밀히 관찰하고 반 복적인 훈련을 통해 배우들은 모든 일이 일어나는 순간순간의 구체적인 감각을 기억할 수 있다는 배우의 자신감 조성을 매우 중요하게 생각한다.

This paper, by introducing the origin and differentiation of “method acting”, the main working experience of the main representatives and the comparative study of the most characteristic teaching and training methods, lets readers arrive at the higher level in terms of understanding of “method acting”. Starting from the multiple identities of Chinese artists and members in the training workshop of the performing “method acting”, this paper makes an original thinking on the performance teaching and training of the American “method” acting. Strasberg’s theory is closer to the Chinese thinking, at least I agree with his point of view. I think he pays more attention to the actors to make himself find the real feeling, which will make him respond more quickly and truly in the real performance, a fact is beneficial to the vividness and reality of the performance. Adler has her distinct delicacy and sensitivity. She attaches great importance to the establishment of actors’ self-confidence, and believes that as long as they observe life carefully and carefully, and through repeated training, actors can be very sensitive to remember the specific feelings of every moment when everything happens.

장르영화연구와 개별사건연구의 방법을 응용하여 한국 재난을 소재로 한 영화를 탐구하고, 한국이 재 난을 소재로 한 영화를 발전시키는 과정에서 할리우드 재난영화의 모델을 벤치마킹한 것을 발견한다. 또 한 한국 토종문화가 녹아 있어 독특한 소재화 수단과 뚜렷한 현지색을 형성하고 있다. 한국 정부는 영화 에 많은 창작 공간을 정책적으로 주었고 한국 재난 장르 영화들이 재난 서사를 통해 사회 현실을 반영할 수 있다는 점에서 비판적이다. 재난을 소재로 한 영화는 예술적 표현이자 삶의 실제 사진이며 그것은 실 제 세계의 예술적 표현이다. 재난에 임하는 인간의 공포심에 대한 예술적 묘사이며 재난이 닥쳐오는 순 간의 인간성에 대한 영화예술인의 해부다. 한국 재난을 소재로 한 영화는 사람과 사회 자연의 갈등과 갈 등을 잘 보여준다. 이 글은 한국 재난 영화의 호황에 대해 깊이 있게 탐구하였다. 구체적인 사례 분석을 통해 한국 재난 장르 영화 연구의 몇 가지 틀에 박힌 이론을 요약하고 한국 재난 소재 영화의 형성과 발 전을 체계적으로 정리했다. 서사 내용과 예술 수용, 표현 수단의 세 가지 관점에서 한국 재난 영화의 심 미적 가치를 분석하는 데 중점을 두고 있다.

Using the methods of theme film research and case studies to explore Korean disaster film, it is found that in the process of developing disaster film, South Korea has not only borrowed from the model of Hollywood disaster film, but also incorporated Korean culture to form its unique theme. Means and distinctive local characteristics. The Korean government has given policy a lot of creative space for the film, which also makes it possible for South Korean disaster-type films to reflect social reality through disaster narratives, and it has certain social criticism. Disaster film is not only an expression of art but also a true portrayal of life. It is an artistic expression of the real world, an artistic portrayal of the fear of human beings facing disaster, and an artistic analysis of the human nature in the event of a disaster. Korean disaster-themed films more profoundly show the contradictions and conflicts between people, society and nature. This article makes an in-depth discussion of the prosperity phenomenon of Korean disaster films, summarizes several framework theories of Korean disaster film research through specific case analysis, and systematically sorts out the formation and development of Korean disaster movie films, focusing on narrative Starting from three perspectives: content, artistic acceptance and means of expression, the aesthetic value of Korean disaster films is analyzed.

급속하게 발전하고 있는 한국영화산업에서 프로듀서의 역할은 급격하게 신장하게 되었다. 사실상 1990년 이전의 한국영화제작방식은 제작 부장이나 감독에 의해 현장을 관리하는 정도의 수준으로 영화 를 기획, 개발하였다. 그러나 1992년을 기점으로 하여 영화제작에 있어서의 프로듀서의 시스템이 도입되 어 정착되었고, 현재는 영화제작에서는 없어서는 안 될 중요한 역할을 수행하고 있다. 현시점에서 프로듀서들은 한국영화산업의 허리를 지탱할 수 있는 중심적인 역할을 하고 있다. 새롭고 흥미로운 기획, 합리적이며 효율적인 프로덕션의 운영, 현실적이며 적정한 예산의 수립과 집행으로 완성 도 높은 작품을 기획하고 제작하여 한국영화산업을 지키고 있다. 본 논문은 이러한 프로듀서의 역할과 중요성을 장편영화《덕수리 5형제》의 제작과정 중 프리프로덕션의 실제 사례를 중심으로 연구한다. 또한 프리프러덕션에서의 작업 과정 속에서 프로듀서의 조화롭고 능동적인 작업 진행을 위한 7단계의 과정을 제시하여, 이에 따른 실제 사례를 연구한다. 이는 영화제작 과정에서의 필요한 과정으로 이를 통 해 한국영화시장의 현재에 프로듀서의 중요성과 필요성을 강조하였다. 앞으로 한국영화산업 부흥과 발전을 위해서는 프로듀서들이 안정된 기획개발을 위한 새로운 시스템 과 자본시장을 개척하고 투자사와의 관계를 새롭게 정립하며 합리적인 제작환경을 만들기 위해 노력해 야 하고, 창작적 요소와 자본이 조화와 균형을 갖출 때 완성도와 상업성을 모두 갖춘 영화가 만들어질 수 있음을 알아야 하고 예술가와 경영자의 시각을 조화롭게 유지하여 완성도 높은 작품을 이끌어 낼 수 있도록 해야 할 것이다.

The role of the producer in the rapidly developing Korean film industry has grown dramatically. In fact, before 1990, Korean film production methods were planned and developed to the extent that they were managed by the production manager or director. However, since 1992, the system of producers in film production has been introduced and settled, and now plays an important role in film production. At this point, producers are playing a central role in supporting the waist of the Korean film industry. New and exciting projects, rational and efficient production management, realistic and appropriate budget planning and execution, the company has designed and produced high-quality works to protect the Korean film industry. This paper focuses on the role and importance of such producers in the production process of the feature film “Deoksuguri 5 Brothers”, focusing on actual cases of pre - production. In addition, we present a 7-step process for the harmonious and active work progress of the producers in the work process in the pre-production, and study actual cases accordingly. This is a necessary process in the film production process, emphasizing the importance and necessity of the producer in the present of the Korean film market. In order to revitalize and develop the Korean film industry in the future, producers should strive to create new systems and capital markets for stable planning and development, to establish a new relationship with investors and to create a reasonable production environment, It is necessary to know that a movie with both perfection and commerciality can be created when it is equipped, and it is necessary to keep the artist and manager'

본 논문은 배우가 극 중에서 인물을 형상화해나가는 과정이 어떠한 방향으로 진행이 되어야 배우에게 도움이 될 것인가에 중점을 둔다. 오늘날 유명한 영화가 개봉을 하거나, 스타배우가 출연하는 영화가 개봉 하는 날이면 극장은 관객들로 가득차기 마련이다. 이에 따라 영화와 연극의 전문용어들마저도 대중화되었 으며 배우의 연기를 평가하는 기준과 그 안목이 높아지고 있다. 영화의 기술은 많은 발전을 이루었고 앞 으로는 더 큰 발전을 해 나아갈 것이다. 인공지능이 사회를 지배하는 가늠조차 불가능한 미래에서도 분명 인간만이 가져갈 예술은 연기라고 생각을 한다. 기계 기술적인 부분은 인공지능으로 대체가 가능하지만 화면에 나타나는 배우, 즉. 인간만이 나타낼 수 있는 고유한 감정들까지는 인공지능이 대체하기가 힘들다 고 생각이 되기 때문이다. 그렇기에 본 연구자는 이번에 단편영화 <종을 섬기는 왕>에서 동생 ‘도진’ 역할 로 프리 프로덕션(pre-production)부터 프로덕션(production), 포스트프로덕션(post- production) 까지 참여 하면서 처음 시나리오를 받았을 때 배우가 어떻게 캐릭터 구축을 해 나아가야 하는지, 촬영에 들어갔을 때 구축된 캐릭터를 어떻게 연기하게 되는지 접목시켜보았다. 그리고 촬영 후 스스로의 모습을 모니터링 하면서 텍스트속의 인물을 어떠한 방법으로 형성화하는 것이 배우가 연기함에 있어 도움이 되는지 알아 보고 분석한다. 더불어, 단편영화 <종을 섬기는 왕>의 촬영을 통해 다시금 배우에게 있어 캐릭터구축이 연기력과 직접적으로 연관이 되며, 영화의 흐름과 정보전달에 막중한 영향을 미치는 것을 알게 되었다. 따라서 배우에게 캐릭터구축이 가지는 그 가치에 연구 목적과 필요성을 둔다.

The current study focuses on what direction of the process in which the actor formalizes the character in a performance will help the actor. As the economy develops, the public are engaged more in cultural activities. When famous Hollywood films open or films starring celebrity actors are released, the theaters are filled with audience members. With this trend, the professional jargons in film and theater have become popularized, with the public more capable of evaluating acting and judging the performance. From black-and-white silent films to glamorous 3D films in the modern era in the midst of the Fourth Industrial Revolution, the film technology has advanced greatly, with more developments to come in the future. Even in the possible future in which artificial intelligence rules our societies, the author believes that acting is the only form of art that humans are certain to dominate. While technical and mechanical parts can be replaced with artificial intelligences, but the actor on the screen, that is, the emotions inherent to humans, will be extremely difficult for artificial intelligence to replace. When film technology advances even further in the future, the audience’s requirement and standards for the performance of the actors will be on a much higher level than it is today. Formalizing figures in texts of scenarios, that is, to establish a character, is the process of an actor giving an identity to a flat text character, in addition to breathing in a personality and life. It is the most basic stage of acting, but also the most profound one at the same time. With this in mind, the author of the current study participated in the pre-production, production, and post-production stages of the making of the film “A King Serving the Servant” as the character “Do-jin.” In doing so the author applied knowledge on how the actor establishes a character in a scenario, and how he or she plays the established character in front of the camera. In addition, the author studies and analyzes what methods of formalizing characters in the text are more helpful to the performance of actors, by monitoring the his or her own performance after the scenes were filmed.

중국 영화는 새로운 세기에 다원화된 추세를 보인다. 생존과 발전을 위해 영화 포스터는 다양한 영화 형식이 병존하는 가운데 각자의 영화 경영 전략과 자체 영화 소비 시장으로 홍보에 중요한 역할을 해야 한다. 문장은 장이머우의 영화 포스터를 예로 들자면 그 영화 포스터의 디자인 스타일에서 중국 문화를 탐구하고 그 영화 포스터의 디자인 스타일에서 영화 포스터 디자인의 예술성과 상업적 균형을 찾아본다. 훌륭한 영화 포스터는 영화의 에센스를 농축하고, 강렬한 시각적 기호 충격을 통해 빠르게 관객들의 주 의를 끌어 영화 홍보의 목적을 달성하는데, 이는 영화 포스터의 상업적 구현이다. 그러나 영화 포스터는 단순한 상업광고도 아니고, 관객의 물질적 욕구를 충족시키는 것 외에 매슬로의 수요층 이론으로부터 인 지적 욕구(need to know)와 심미적 욕구(aesthetic)를 충족시킨다.

In the new century, Chinese films show a trend of diversification. In order to survive and develop, film posters must play an important role in propaganda by virtue of their respective film business strategies and their own film consumption market in the coexistence of various film forms. Taking zhang yimou's film poster as an example, this paper explores the Chinese culture in his film poster design style, and tries to find the balance between artistic and commercial through his film poster design style. An excellent movie poster focuses on the movie's essence, and draws viewers' attention through powerful visual symbols to attract viewers to the goal of making movies. However, the movie poster is not a simple commercial advertisement, but it needs to satisfy people's cognitive needs and the need to judge.

이 연구는 Abbas Kiarostami를 대표로 이란 감독은 아동 의식의 영화를 위해 그의 영화 속에 인성의 진선미를 붙잡아 온 작품에 나타나는 영화 스타일은 순박하며 주로 일상생활 속에서 차츰 찾아보고 생명 의 철리를 체득한다. 소인물이 가장 순박한 행동과 인성 속에 있는 원시적인 선량을 통해 소란스러운 세 계 속에 조용함과 편안함을 느끼게 된다. 이런 아동 영화를 통해서 감독 Abbas Kiarostami가 우리에게 인 성의 진성미를 전달하려고 한다. 이란 영화의 대표주자인 Abbas Kiarostami는 당대 이란의 새 영화의 기 수로 꼽힌다. 그는 1987년 영화 어디가 내 친구의 집을 만들어 특유의 미학적 관념과 주제적 시각으로 국제 영화계의 주목을 끌면서 이란 영화를 국제적인 시야에 넣었다. 이 글은 Abbas Kiarostami 영화 속에 아동의식 분석과 영화가 보여주는 연출 스타일과 미학의 추구를 통해 중국 영화에 대한 귀감의 의미를 탐구한다.

Abbas Kiarostami, a representative of Iranian directors, had created many films of children's consciousness. By capturing the truth, goodness and beauty of human nature, his whole works presented an unsophisticated style and focused on finding and appreciating the philosophy of life slowly in the most ordinary life. Moreover, the films made us feel the peace and tranquility in this noisy world through the most simple acts of the smallest characters and the most primitive kindness of human nature. Therefore, we can feel the truth, goodness and beauty of human nature in these children's films that the Director Abbas wanted to convey to us. Abbas Kiarostami has been considered as a flag bearer in the development of contemporary Iranian film industry. By Summing up the unique features of his films, the author will conclude the reasons why Abbas Kiarostami's films made a huge impact. Hopefully, this dissertation will provide some beneficial effects for Chinese film industry.

스타니슬랍스키는 공연예술에 대해 체계적으로 과학적 연구를 진행한 최초의 예술가이자 공연예술의 본질에 대해 전반적으로 설명하였다. 스타니슬랍스키는 스타니슬랍스키 시스템의 창립자이며 이 시스템 은 현대 예술 공연 체계에 깊은 영향을 미쳤다. 본 연구는 스타니슬랍스키가 확립한 스스타니슬랍스키 시스템에 대한 검토하고자 하고 그중에 포함된 주요 내용을 분석하면서 오페라와 현재의 오페라 공연예 술 교육을 결합하여 분석한다. 또는 이 시스템은 오페라 공연에서 어떻게 작용하는지를 분석하고, 어떻 게 활용하여 공연학에 도움이 되는 것에 대해 연구하고자 한다. 오페라 공연예술에서 스타니슬라프스키 시스템의 운용과 탐구를 통해 공연예술의 발전을 촉진할 수 있기를 바란다.

Stanislavski is the first artist carrying out systematic scientific research on performing arts in the world today, and has provided a comprehensive explanation on the most essential issues of performing arts. Founded and developed by Stanislavski, this performing system has exerted impact great and far-reaching on the contemporary art performance system. This paper explores the performing system created by Stanislavski, and analyzes the main contents of the system. It further probes into the role of the system in opera performing and the issue on how to make full use of the system to strengthen its supporting role in the construction of the performance discipline based on the analysis of opera and the current teaching of opera performing arts. Hopefully, the application and exploration of Stanislavski system in opera performing arts will further promote the development of performance art.