Earticle

This study modern dance pole in a general discussion about realism, contemporary dance understanding(and implied extension, post-modernism), on the basis of aesthetic discussion of the general nature of its modern dance through the scaffolding required for the search was done. Pole and its contents, while the convergence of aesthetic realism and modern dance by combining all of the content on the aggressive nature has meaning. Specifically, the forward movement of the body or the intentional or unintentional, and it appears that, in fact, as the expression of inner feelings that reproduces exposed to the outside world seems to be with the delivery system, Who delivered it (creator), and pass it on to whom (the audience) to pass between the meaning of the will that is related to the premise. And beyond parody of creative freedom and the ability to interpret and specifically, representational expression is that the introduction of a new sense. The unity of a modern dance other genres represented will be likely to feature in the important, dramatic realism, each based on a combined set of his own unique theme is that. It's artists (actors), and its own unique perspective of the individual is to show that the methodology. Also appearing in the representation of the body through movement aesthetic form appears as realistic controls, Who delivered it (creator), and pass it on to whom (the audience) to pass between the meaning of the premises consists of Artists (creators) and the listener (perfume characters) that takes place in between is a representation of realistic description.

본 연구는 현대 패션에 나타난 하이퍼리얼리즘 표현의 마네킹을 시뮬라시옹 관점에서 분석하고, 그 유형과 의미를 고찰하는 데 목적이 있다. 하이퍼리얼리즘은 단순한 현실 재현을 넘어 이미지가 현실 인식에 개입하는 시각적 전략으로 이해되며, 이는 보드리야르의 시뮬라시옹 이론과 긴밀하게 연결된다. 본 연구는 이러한 이론적 틀을 바탕으로 현대 패션 브랜드의 전시, 스토어, 패션쇼 연출 사례를 분석하여 하이퍼리얼리즘 마네킹의 표현 유형과 의미를 도출하였다. 분석 결과, 하이퍼리얼리즘 마네킹은 현실 기반의 인물 재현, 순간 재현, 상상 재현으로 구분될 수 있으며, 이는 각각 신체의 사실성, 시간성, 그리고 비현실적 상황의 결합을 통해 관람자의 인식에 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이러한 마네킹은 단순한 의복 전시 도구를 넘어 신체 이미지 자체를 구성하고 의미를 생성하는 시각적 매개체로 기능하며, 패션 공간을 감각적 경험과 서사가 결합된 전시적 공간으로 확장시킨다. 또한 하이퍼리얼리즘 마네킹은 특수 분장, 라이브 캐스팅, 3D 스캔 등 기술 발전과 결합하여 인간 신체를 극도로 정밀하게 재현하며, 이는 현실보다 더욱 현실적으로 지각되는 상태를 형성한다. 이러한 신체 재현은 이상화된 신체 기준을 강화하고 신체의 대상화를 심화시키는 양가적 성격을 지닌다. 결론적으로, 하이퍼리얼리즘 마네킹은 예술, 기술, 사회적 신체 인식이 교차하는 지점에서 인간 신체의 의미를 재구성하는 매개체로 기능하며, 현대 패션이 신체를 재현하고 소비하는 방식이 이미지 중심으로 전환되고 있음을 시사한다. 따라서 본 연구는 하이퍼리얼리즘과 시뮬라시옹 이론을 패션 마네킹 분석에 통합적으로 적용함으로써 신체 재현과 인식 효과를 확장적으로 해석하였다는 점에서 의의를 지닌다.

This study analyzes hyperrealistic mannequins in contemporary fashion from the perspective of simulation and examines their types and meanings. Hyperrealism is understood not merely as the reproduction of reality, but as a visual strategy through which images shape perception, and it is closely related to Jean Baudrillard’s theory of simulation. Based on this theoretical framework, the study investigates exhibitions, retail stores, and fashion shows of contemporary fashion brands to identify the expressive types and meanings of hyperrealistic mannequins. The findings reveal that hyperrealistic mannequins can be categorized into three types: realistic human representation, moment-based representation, and imaginative representation based on reality. Each type influences viewers’ perceptions through the combination of bodily realism, temporality, and nonrealistic situations. These mannequins function not merely as tools for displaying garments but as visual media that construct bodily images. In doing so, they transform fashion spaces into exhibitionary environments where sensory experiences and narratives intersect. Furthermore, hyperrealistic mannequins reproduce the human body with extreme precision through technologies such as special makeup techniques, live casting, and 3D scanning. As a result, they create a condition perceived as more real than reality. Such representations of the body possess an ambivalent nature, simultaneously reinforcing idealized body standards and intensifying the objectification of the body. In conclusion, hyperrealistic mannequins function as mediating devices that reconstruct the meaning of the human body at the intersection of art, technology, and social perceptions of the body. They demonstrate that contemporary fashion has shifted toward an image-centered mode of representing and consuming the body. This study contributes by applying hyperrealism and simulation theory to the integrated analysis of fashion mannequins, thereby expanding the interpretation of bodily representation and its perceptual effects. The findings provide a foundation for future research on body representation, visual culture, and fashion exhibition studies.

코로나 19 시대에 다양한 미디어에 ‘디지털 휴먼’이 등장하게 되었다. 다만 ‘디지털 휴먼’의 정확한 정의 가 없으며,기술 연구와 활용은 많은 부분 사용되고 있지만, 학문 연구는 미진하다. 따라서 ‘디지털 휴먼’의 분류와 분석을 통해 다양한 분야에서 활동하고 있는 ‘디지털 휴먼’을 파악하고 활용할 수 있는 범위를 파악하여 ‘디지털 휴먼’의 메타버스와 다양한 미디어 플랫폼 환경에 적용될 수 있는 것을 파악할 수 있도록 기틀을 제시하고자 한 다. 본 논문은 ‘디지털 휴먼’을 역사적으로 고찰하였으며, 이를 기준으로 ‘디지털 휴먼’을 학문 자료를 통해 정의를 제시하였다 이를 통해 ‘디지털 휴먼’의 활용 분야를 고찰하여 분류하였다. 이를 통해 ‘디지털 휴먼’의 기술과 의미 를 알아보았다. 이에 본 연구는 ‘디지털 휴먼’에 대하여 새로운 정의와 사용분석 및 기술과 의미분석을 다양한 연 구자료를 수집해 분석한 연구이며, 각 ‘디지털 휴먼’의 사용장소와 ‘디지털 휴먼’ 수용자 인식의 차이를 분석하는 연구를 제시하고자 한다.

In the era of COVID-19, 'digital humans' appeared in various media. However, there is no accurate definition of 'digital human', and technical research and use are used in large part, but academic research is insufficient. Therefore, through the classification and analysis of 'digital humans', the framework is presented to identify the scope of 'digital humans' active in various fields and to identify what can be applied to the metaverse and various media platform environments of 'digital humans'. This paper historically examined 'digital human' and based on this, 'digital human' was presented with definition through academic data Through this, the field of use of 'digital human' was reviewed and classified. Through this, the technology and meaning of 'digital human' were investigated. Therefore, this study is a study that collects and analyzes various research data on new definitions, usage analysis, technology, and semantic analysis of 'digital human', and the next study aims to present the difference between the place of use of each 'digital human' and the perception of 'digital human' audiences.

Korean hyperrealism, a style that transfers photographic imagery and conventions to the medium of painting, is one of the few art forms of the late 1970s that has yet to receive substantive re-evaluation. Contrary to some critics’ derogatory dismissals, the style raises issues of cultural identity central to the aesthetics and critical theory of art after the Korean War. This study investigates how the hybrid forms and iconographical attention paid by Korean hyperrealism to common objects of everyday life reflect Korean society at a time when sophisticated encounters of opposing socio-political identities were taking place. After reviewing the history of this little known art form, especially of its critical discourse with prevalent social currents in the Korea of the period, the present study proceeds to define its iconography in relation to its “cultural other,” American hyperrealism. Many works of Korean hyperrealism engage some of the most pressing issues of Korea in the 1970s. In terms of subject matter, the works show complicated views of the character of the urbanization policies under President Park Chunghee (Pak Chŏnghŭi 朴正熙). Formally, the works present photographic details with a monochromatic tendency, a minimal surface infused with a sense of real-time theatricality, and an image of actual objects confluent with the illusionistic details. Juxtaposing and combining many antithetical concepts in an attempt to maintain a fragile balance, Korean artists struggled to create a culturally relevant mode of modernist expression and representation, and thereby translate their experience into a distinctive artistic language that is unique to their time period.

이 연구의 목적은 하이퍼 리얼리즘의 대표 조각가 듀안 핸슨의 작품에 나타나는 일상성 표현 양상을 고찰하고 그 결과를 토대로 베트멍 작품에 나타난 일상성의 표현 특성을 규명하였다. 이 연구를 통해 도출된 특성은 기존의 패션디자인에서 추구하는 표현과 상반된 특성으로 현대패션에 나타나고 있는 트렌드의 새로운변화에 관한 기초 자료를 제공하는데 그 의의를 두고자 하였다. 연구의 방법은 첫째, 문헌 연구를 통해 하이퍼 리얼리즘 조각가 듀안 핸슨의 이력과 작품 세계를 고찰하였다. 연구의 범위는 평범한 일상을 본격적으로작품의 주제로 표현하기 시작한 1970년대에서 1990년대까지의 작품으로 제한하여 사례를 분석하였다. 듀안핸슨은 전형적인 인물 표현, 일상 공간으로의 편입, 일상적 시간 표현, 만들어진 오브제의 사용을 통해 인체에 일상성을 표현한 것으로 나타났다. 둘째, 컬렉션 분석은 베트멍이 파리 패션 컬렉션에 참가하기 시작한2015 S/S부터 2019 F/W 시즌까지로 제한하였으며, 컬렉션 사진 이미지 총 463점을 선정하여 분석하였다. 베트멍에 나타나는 일상성 표현의 특성은 다음과 같이 4가지로 요약될 수 있다. 첫째는 현실성 표현이다. 다양한 사회적 삶의 고정적 관념들을 찾아내 현실 속 실제 하는 인물처럼 재현하여 보편적이고 전형적인인간상을 표현하였다. 둘째는 실재성 표현이다. 도시인들이 매일 경험하는 일상의 공간을 런웨이로 편입하여일상적인 상황에 보편적 의미를 부여해 ‘옷이란 실재적으로 그들이 입는 것이다’라는 옷에 대한 본질을 표현하였다. 세 번째는 일시성 표현이다. 빈티지 소재나 의복을 재사용하거나 해체한 후 재조합하는 방식으로경험되어진 것에 대한 기억의 순간을 반복하였다. 매일의 일상에서 사진을 찍듯 일시적인 장면을 포착하고그 일시적 장면들의 반복을 통해 일상의 지속성을 표현하였다. 넷째, 보편성의 표현이다. 생활 주변의 오브제들을 있는 그대로 재현함으로써 보편적 일상성을 상징화하였다. 이상과 같이 베트멍은 인물의 전형화를 통한현실성, 일상의 공간과 시간을 통해 실재성과 일시성을 표현하고 일상의 오브제 사용으로 보편성을 나타내었다. 이와 같은 방법으로 현대 도시의 일상 이미지를 패션에 반영하여 일상성을 표현하였다.

The purpose of this study is to consider expressive characteristics of everydayness in works of Duane Hanson who is a representative sculptor of hyper realism and to investigate characteristics of everydayness in works of Vetêments based on the characteristics from Duane Hanson’s works. The characteristics derived from this study is opposed to expression that existing fashion design pursues and the goal of this study is to provide basic data on new changes of trends appearing from modern fashion. First of all this study examined the history and work of Duane Hanson by literature review and case studies that were limited to his works after the 1970s because he began to express a common everyday life as a theme of his works in earnest since the 1970s. After analyzing expression of everydayness in Duane Hanson’s sculpture works, characteristics from the analysis were everyday character representation, everyday space production, everyday time representation and the use of everyday objects. Second, objects of the collection analysis were limited to the collections from the 2015 S/S season to the 2019 F/W season when Vetêments began participating in the Paris Fashion Collection and a total of 463 pieces of collection photo image were selected and analyzed. Characteristics of everydayness in modern fashion derived from the study are reality, actuality, temporality and universality.

벨기에의 영화 전통과 관련해서, 본고는 샹탈 애커만 감독의 영화세계를 조망한다. 회화의 전통뿐 아니라, 아 방가르드 다큐멘터리 학파의 전통, 그리고 프랑스 영화계와의 연계, 페미니스트 영화인으로서 독특한 입지 등 을 우리는 이와 더불어 살필 것이다. 이 과정에서 본고는 1975년 완성된 영화 <잔느 딜망>에서 보이는 ‘하이 퍼 리얼리티’의 특성을 중심으로 애커만의 영화세계를 파고들려 한다. 뒤늦게 영화계에 뛰어들었지만, 명확한 목표를 가지고 독특한 색채의 작품들을 선보인 것은 애커만 초기영화의 특징이다. 이후 70년대에 미국으로 이 주하면서 그녀는 변화한다. 실험영화 작가들의 구조주의적 형식의 영화들에 영향을 받았기 때문이다. <호텔 몬트레이>를 비롯한 70년대 초반의 롱테이크 단편작업이 그렇게 탄생했다. 이후 다시 유럽으로 돌아와서 만 든 74년 작 <나, 너, 그, 그녀>는 현실을 넘어 ‘대단히 현실적인’ 뉘앙스를 취하는 작품인데, 본고는 이를 ‘하이 퍼 리얼리즘’이란 용어로 취합해 설명한다. 이 극사실주의적 관습은 <잔느 딜망>에서 극대화된다. 카메라나 스토리 모두, 이 영화가 취하는 전략은 미니멀리즘적이다. 하지만 영화 전체를 보면 지나치게 비현실적으로 미니멀하기 때문에, 이 영화의 미니멀리즘 전략은 정확히는 ‘하이퍼 리얼’이라고 보는 편이 옳다. 게다가 2000 년 작 <갇힌 여인> 역시 이러한 흐름의 경향으로 보면 설명된다. 이를 설명하기 위해 본고는 ‘장치의 드러남 이 아니라, 오히려 장치의 현존을 지우는 방식을 통해 관객을 봉합하는’ 하이퍼 리얼리즘의 전략을 파악해 영 화와 연결시킨다.

This study analyzed the films of Chantal Akerman in relation to the tradition of Belgian films. In this process, her films were affected by Belgian original painting, cultural heritage of avant-garde documentary films, and influences of the French films. First, Akerman’s early films Blow up My Town(1968) and The Beloved Child, or I Play at Being a Married Woman(1971) are like pre-punk movie where the girl expressed explosively release its vital needs. In the second place, at Anthology Film Archives in New York, Akerman were influenced by artist Michael Snow. Films Hotel Monterey(1972), La Chambre1 (1972), La Chambre2 (1972), Hanging Out Yonkers(1973) reveal the influence of structural filmmaking. Meanwhile, this article explored through Jeanne Dielman, 23 Quai du Commerce, 1080 Bruxelle(1975) characters of hyperrealism film. Another film The Captive(2000) is also an hyperrealism film by the strategy of minimalism. Therefore this study tries to concatenate the films of Chantal Akerman and the strategy of hyperrealism who conceals the identity of a subject through an extension of the painted visual illusion.

Korean web drama are undergoing changes before and after the popularization of the OTT platform. The previous web drama were mainly aimed at teenagers, with school content as a genre feature, and the active casting of new idols and the use of B-grade emotions as production characteristics. After the popularization of OTT represented by YouTube and Netflix, there are signs of significant change. This study examined the hyperrealistic content characteristics of the web drama <Zot-Zot-So>, which can be the center of the change. Through this, it was considered that <Zot-Zot-So> has a greatly changed aspect from previous web dramas through stereoscopic typification, emphasis on detailed expression, active use of experiential narrative characteristics, and a new media creator-centered production method.

20세기 전반기에 제작된 극사실주의 진영은 형식화에 빠져 전통양식의 답습에 머물러 있던 진영에 획기적인 변화를 가져왔다. 이러한 변화는 불교가 민족종교로써 위상을 회복하고 대중과 함께 하는 종교로 거듭나기 위해 노력하는 가운데 일반회화에서 일어났던 변화를 적극 수용하였기 때문이다. 진영에 일반 초상화양식을 수용할 수 있었던 것은 진영이 불화 가운데 가장 일반회화와 친연성이 있고 초상화와는 오래 전부터 서로 영향을 주고받았던 것과 관련이 있다. 극사실주의 진영은 오랜 진영의 역사에서 보면 표현 기법, 형식에 있어 가히 획기적인 변화라고 할 수 있다. 근대기에 그려진 극사실주의 진영 가운데 반신상으로 제작된 선암사 소장 극사실주의 진영은 현재 조사된 바로는 가장 먼저 나타난 양식으로 일반화가에 의해 그려졌다. 선암사 극사실주의 진영은 반신상을 그린 것인데, 반신상 진영은 몇 점 되지 않으며, 1930년 이후에는 그려지지 않았던 것으로 추정된다. 여러 요인이 있겠지만 아마도 오랜 전통과 전혀 다른 양식과 진영의 원래 취지 즉 감계, 추모, 예배, 존숭의 대상이라는 것에서 볼 때 반신상은 널리 받아들여지기 어려웠던 점이 있었던 것으로 보인다. 선암사 극사실주의 진영은 근대적 사실주의에 입각한 새로운 양식이라고 할 수 있다. 즉 이 진영들은 사진을 기반으로 하고 있으며, 면 위주의 정밀한 묘사로 객관적 사실성을 추구하는 근대 미술의 보편적 특성을 보이고 있다. 이렇게 전통양식과는 전혀 다른 면을 보이는 선암사 극사실주의 진영은 이전의 형식주의에서 벗어나 근대 진영으로의 새로운 변화를 주도했다는 점에 큰 의의가 있다. 오래 전부터 초상화와 진영은 서로 영향을 주고받으며 발전해왔던 것을 고려하면 근대기의 진영이 형식화에 빠진 안일한 태도에서 벗어나기 위해 새로운 일반초상화의 양식을 수용했던 것은 자연스러운 일이라고 하겠으며, 결국 극사실주의 진영양식은 전통 진영과 일반회화와의 연계 속에서 하나의 시대 양식으로 성립되면서 현대 진영으로 이어져왔다고 하겠다.

본 논문의 목적은 한국 동시대 극사실 회화의 가치평가 방법론을 제시하고 실제 어떻게 평가가 가능한지 그 사례를 들어 설명하는데 있다. 극사실 회화는 언뜻 보면 사진처럼 보이나 예술적 가치를 얻기 위해서는 실제 대상이 만들어낸 표상과는 다른 환영을 만들어내야 한다. 극사실 회화작품의 가치를 평가하기 위해서는 모더니즘 시대의 평가 기준인 ‘훈련된 눈’으로는 불가능하고 새로운 평가 기준이 시급히 요구되는 상황이다. 연구 내용으로 비평철학 문헌 연구를 통해 ‘성공 가치’와 ‘서사’ 개념이 극사실 회화의 가치 평가에 유용하다는 점을 제시하고, 2000년대 이후 한국 동시대 극사실 회화 작품들의 사례 연구를 통해 실제 가치 평가가 어떻게 가능한지 설명한다. 연구 결과, ‘성공 가치’와 ‘서사’ 개념이 극사실 회화작품 평가의 객관성과 다양성을 합리적으로 설명할 수 있다는 점을 주장한다. 한국 동시대 극사실 회화 작품을 평가할 수 있는 3가지 유형의 대표 서사를 제시한다. 본 연구를 통해 아트 페어에서 인기를 끌고 있는 극사실 회화에 대한 가치 평가의 적절한 기준을 제공하는 데 기여할 수 있을 것이다.

The purpose of this paper is to present a methodology for evaluating the value of Korean contemporary hyperrealism paintings and to explain how they can be evaluated with examples. At first glance, hyperrealism paintings look like photographs, but in order to gain artistic value, they must create an illusion different from the representations created by the actual object. In order to evaluate the value of hyperrealism painting works, it is impossible to use the ‘practiced eye’, which is an evaluation standard in the modern era, and a new evaluation standard is urgently required. As a research content, it is suggested that the concept of ‘success value’ and ‘narrative’ is useful for evaluating the value of hyperrealism paintings through literature research in philosophy of criticism, and explains how actual value evaluation is possible through case studies of Korean contemporary hyperrealism paintings since the 2000s. As a result of the study, it is argued that the concepts of ‘success value’ and ‘narrative’ can reasonably explain the objectivity and diversity of evaluation of hyperrealism paintings. It presents three types of narratives that can evaluate Korean contemporary hyperrealism paintings. Through this study, it will be able to contribute to providing an appropriate standard for evaluation of hyperrealism paintings that are popular in art fairs.

디지털 미디어 환경에서 특정 사회집단을 풍자하거나 과장해 재현하는 하이퍼리얼리즘 기반 콘텐츠가 증가하며, 브랜드가 비의도적으로 부정적 이미지와 결합되는 현상이 두드러지고 있다. 본 연구는 IPI 이론을 바탕으로 브랜드 소비자 풍자 콘텐츠가 브랜드 회피에 미치는 영향을 분석했다. 특히 콘텐츠의 지각된 도달이 타인에 대한 영향 추정과 브랜드 태도를 순차적으로 매개하여 브랜드 회피로 이어지는지, 그리고 수용자가 지각한 하이퍼리얼리즘 수준이 해당 경로를 조절하는지 검토하였다. 이를 위해 2025년 5월, 관련 콘텐츠 시청 경험이 있는 20~40대를 대상으로 온라인 설문을 실시하고, 400명의 데이터를 PROCESS macro(Model 6, Model 85)를 활용하여 분석하였다. 분석 결과, 지각된 도달은 브랜드 회피에 직접 효과는 유의하지 않았으나, 추정된 영향과 브랜드 태도를 매개로 하는 간접 경로는 유의한 것으로 확인되었다. 지각된 도달이 높을수록 타인이 영향을 받을 것이라 추정하고, 이는 브랜드 태도를 부정적으로 변화시켜 브랜드 회피의도를 높이는 것으로 확인되었다. 하이퍼리얼리즘 수준은 지각된 도달과 추정된 영향 간의 관계를 유의하게 조절하였다. 특히 하이퍼리얼리즘을 높게 지각할수록 지각된 도달이 추정된 영향을 거쳐 브랜드 회피로 이어지는 간접 효과가 강화되는 조절된 매개 효과가 확인되었다. 본 연구는 하이퍼리얼리즘 콘텐츠의 재현 방식이 수용자의 사회적 인식 추정 과정을 통해 브랜드 평가에 영향을 미칠 수 있음을 확인하였다는 점에서 의의가 있다. 이는 디지털 환경에서 형성되는 사회적 인식이 브랜드 자산에 미칠 수 있는 부정적 전이 가능성을 시사하며, 향후 브랜드 이미지 관리 및 정체성 보호를 위한 커뮤니케이션 전략 수립의 필요성을 제안한다.

With the rapid expansion of the digital media environment, hyperrealistic content employing consumer satire or parody has proliferated, often leading brands to become unintentionally associated with negative images. Drawing upon the Influence of Presumed Influence (IPI) theory and social perception frameworks, this study examines how parody content that satirically portrays brand consumers affects brand avoidance. Specifically, it investigates whether perceived reach influences brand avoidance indirectly through presumed influence on others and brand attitude, and whether perceived hyperrealism moderates these relationships. An online survey was conducted in May 2025 among 400 adults aged 20?40 who had previously viewed parody content satirizing brand consumers. Sequential mediation and moderated mediating effect analyses were carried out using PROCESS Macro (Models 6 and 85). The results indicate that perceived reach did not have a direct effect on brand avoidance but showed a significant indirect effect via presumed influence and brand attitude. As perceived reach increased, respondents were more likely to believe that others would be affected by the content, thereby forming more negative attitudes toward the brand and greater intentions to avoid it. Moreover, perceived hyperrealism significantly moderated the relationship between perceived reach and presumed influence, reinforcing the indirect effect on brand avoidance when the content was perceived as more realistic. This study empirically shows that perceived hyperrealism in digital parody content shapes how consumers estimate social perceptions, indirectly affecting brand attitude and avoidance. Hyperrealistic satire reinforces specific social representations, influencing how audiences anticipate others’ views and thereby driving differences in brand evaluation and behavior. The findings highlight the impact of digital media representations on brand perception and underscore the need for strategic brand image and identity-based communication in hyperrealistic environments.