Earticle

올해로 서거 500주년을 맞이하는 레오나르도 다 빈치(1452-1519)는 이탈리아 르네상스를 대표하는 예술가로 흔히 잘 알려져 있다. 그런데 사 실 그는 우리가 지금 생각하는 예술가라기보다는 발명가, 군사전문가, 무 기제조자, 해부학자, 식물학자, 천문학자, 음악가, 요리사 등 실로 광범위 한 영역에서 창의적인 활동을 벌인 일종의 근대적 선각자라고 스스로에 대해 생각하고 있었다. 그의 방대한 기록들과 스케치는, 20여 점이 채 되 지도 않는 그의 회화 완성작과 비교해보더라도 이 점을 충분히 증명해준 다. 레오나르도는 특히 평생에 걸쳐 자연과학의 여러 분야에 관심을 가지 고 연구에 깊이 몰두했으며, 인체와 생명의 신비에 대해서도 근대의 과학 적 태도로 접근하고 규명하려고 노력했다. 그런데 소설 『다빈치 코드』는 레오나르도의 작품을 반기독교적 도상으로 해석하며, 기존의 미술사 서술 과는 대치되는 주장을 펼친다. 이와 관련된 여러 분야에서 소설의 오류들 을 반박해왔으나, 본 연구에서는 소설이 다루는 주요 작품 중에서 ≪비트 루비우스의 인체비례≫가 갖는 근대과학의 의미와 더불어, ≪모나리자≫ 와 ≪최후의 만찬≫의 도상과 의미 규명을 통해 그의 작품들이 지닌 미술 사적 위치를 재점검하고자 한다.

At the quincentenary of Leonardo da Vinci's death this year, he needs to be re-evaluated more than as an artist we would usually think: as an inventor, militarist, armorer, anatomist, botanist, astronomer, musician, cook as he recognized himself. In fact, Leonardo had performed his creation in extensive fields. It is simply proved with his enormous records and sketches in comparison to his completed paintings less than 20 works. Particularly, through his entire life, Leonardo devoted himself to the investigation of many areas in natural science, and attempted to figure out the mystery of human body and life with modern scientific mind and attitude. Insisting confrontational claims against academic results in art historical discipline, however, Dan Brown's worldly best-selling novel and movie, The Da Vinci Code, interprets Leonardo's works as antichristianism. Art works of the past, I believe, should be examined and clarified in the basis on accurate sources and facts. At the 500 anniversary years after Leonardo da Vinci's death, I feel an obligation to research and clarify the genuine facts around art. Since the author’s brand new interpretations on Leonardo’s works are due to the different suggestions of their backgrounds, there are numerous books published to confute the religious faults. Therefore, this research focuses on comparing Brown’s alleged claims with the “canonical” interpretations of art by reputable art historians. By cracking details of what Brown stated, this study is expected to reach the truths and to serve to those who want to enjoy the genuine truths in art and literature.

도상체계(Iconography system)를 바탕으로 해석해 본다면 퇴계의 <천명도>와 레오나르도 다 빈치의 <인체비례도> 간에는 부합하는 유사성이 존재한다. 우선 하늘과 땅이라는 대우주의 실현체로써 소우주, 즉 인간을 중심에 두고 그 관계성을 규명하고 있다는 것이 공통된 유사성이다. 또한 도상의 형태로 보면 천원지방(天圓地方)의 형태를 갖는다. 원(圓)은 시간의 영속성, 정신, 천리(天理), 원만(圓滿), 평등(平等), 완전성을 뜻하고 방(方)은 땅의 순리, 고정성, 생명력, 대립, 자연물, 지속성을 뜻한다. 물론 사람을 형상화 하는데 있어 레오나르도는 인간의 육체(肉體)를 완벽한 비례로 표현했고, 퇴계는 사단칠정(四端七情)이라는 사람의 심체(心體)를 사용했다. 두 도상 모두가 하늘은 동그라미, 땅은 네모로 그 형상을 규정하고 사람은 세모의 형태를 바탕으로 확장하고 있다. 천지인(天地人)이라는 3분법의 세계관을 바탕으로 전체적인 체계를 이루고 있다. 15세기 이탈리아와 조선이라는 서로 다른 문화권에서 하늘과 땅 그리고 사람을 인식하는 도상(Icon)이 같다는 것은 동그라미, 네모, 세모(◯ □ △)가 인간이 인지하는 본능적인 심상지리라는 반증이기도 하다. 그것으로 인간의 심성이 서로 상통한다는 증거를 찾을 수 있으며, 또한 여기에서 부각되는 차이는 동서양 역사발전의 서로 다른 행로의 시작점으로도 볼 수 있다. <인체비례도>가 서구유럽 ‘르네상스인’의 표상이었다면, <천명도>는 조선 ‘선비’의 대표적 표상이었다. 15-16세기 서양 르네상스인의 대표적인 인물 레오나르도 다 빈치와 한국 선비정신의 대표적인 인물 퇴계가 인식했던 세계관을 각자의 그림을 통해 비교함으로써 동서양 세계관의 차이를 인식해 보고자 한다. 서양이 현상학, 과학, 수학, 의학, 해부학, 건축학 등에 중심을 둔 물질적인 발전을 지속적으로 진행했다면, 서양에 비해 동양은 심학(心學)의 발전을 도모했다. 이러한 동서양 문명의 차이는 15세기부터 본격적으로 시작됐고, <천명도>와 <인체비례도>에 나타난 차이는 동서양 문화를 가르는 중요한 분기점으로 해석할 수 있다.

In the interpretation based on the iconography system, there are similarities between <TienMing Drawing> by Toegye and <The Vitruvian Man> by Leonardo da Vinci. First, the common similarity is to examine the relationship by focusing on a microcosm such as humans as the realization of the macrocosm like heaven and earth. Also, in the aspect of iconography, it is based on the form of circular heaven and square earth. The circle means temporal permanence, spirit, the law of nature, amicability, equality, and completeness while the square means the flow of earth, fixation, vitality, confrontation, natural objects, and continuity. Of course, in order to represent human, Leonardo da Vinci expressed human’s body into the perfect proportion while Toegye used human’s main body of mind called ‘四端七情’. Both iconographies define the heaven as circle, the earth as square, and humans as triangle. The whole system is based on the trichotomous world view called ‘heaven-earth-human’. The same icons of heaven, earth, and human perceived by the different cultural areas in Italy and Joseon of the 15th century, are the counter-evidence showing that such circle, square, and triangle(◯ □ △) are the instinctive imaginative geography cognized by humans. This is a proof showing that humans’ nature has many things in common, and the differences highlighted here might be the starting point of different paths to the historical development of the East and the West. <The Vitruvian Man> was the symbol of ‘Renaissance man’ in the Western Europe while <TienMing Drawing> was the representative symbol of classical scholars ‘Sun-bi’ in the Joseon Dynasty period. This study aims to cognize differences in the world view between the East and the West, by comparing the world views of Leonardo da Vinci who is the representative Renaissance man of the West in the 15th-16th century and Toegye who is the representative man with the spirit of virtuous scholars in Korea. The West continuously proceeded the material development focusing on phenomenology, science, mathematics, anatomy, and architecture while the East promoted the development of practical ethics. Such differences in the civilization between the East and the West fully started in the 15th century, and the differences shown in <TienMing Drawing> and <The Vitruvian Man> could be interpreted as an important point separating the cultures of the East and the West.

일반적으로 레오나르도 다 빈치는 르네상스가 낳은 최고의 화가이면서 그와 동시에 신비의 베일 속에 감추어진 역설적인 인물로 간주되고 있다. 그는 어떤 특정한 정치나 종교 세계와도 거리를 둔 채 자신만의 목적을 달성하기 위한 지식의 추구로 점철된 삶을 살았다. 본고는 이 점에 착목하여 이른바 ‘세계 시민’연했던 레오나르도의 발자취를 역사적 상상력을 동원해 추적해 가면서, 그의 삶에 나타난 이슬람 세계와의 관련성을 검토해보려는 시도이다. 아마도 30대 초반 그가 맘루크 술탄을 위해 중동 지역을 여행했을 가능성이 적지 않고, 그 경험을 바탕으로 이후 편견 없이 이슬람 세계와의 교류에 관심을 가졌으며, 그 영향이 1490년대 이후 독특한 매듭문양에 대한 집요한 관심으로 그의 예술세계에 나타나게 되었다는 것이다. 이러한 추론에 기초하여 본고는 르네상스를 전형적인 유럽적 현상으로 파악해 오던 기존의 르네상스 해석을 수정하면서, 문화적‧정치적 차원 모두에서 르네상스기에 동방과 유럽 사이의 경계가 불투명했다는 점을 강조한다. 한 마디로 레오나르도는 바로 이 점, 즉 유럽과 동방이 동일한 유산을 공유하며 서로 경쟁하던 “글로벌” 르네상스를 보여주는 상징적인 인물이었다.

Generally Leonardo da Vinci has been considered a paradoxical figure shrouded in a veil of mystery as well as one of the most famous painters of the times. By distancing himself from any specific politics and religion, he led his own life in pursuing knowledge itself. By putting an eye on this aspect of his life and chasing the footsteps of Leonardo who assumed to be a world citizen with the help of historical imagination, the present study attempts at investigating his relationship with the Islamic world. This study argues that he was likely to travel the Middle Eastern region for the Mamluk sultan in his early thirties and, based on this experience, to be interested in the cultural interaction with Islam. His tenacious concern for the knot pattern represented in his artistic works after 1490’s proves its impact upon him. Consequently this study revisits the established interpretation of the Renaissance which has regarded it as a typical European phenomenon, and claims that during the Renaissance the barriers separating both culturally and politically Europe from East were so fuzzy. In a word, Leonardo da Vinci was a symbolic figure showing this, namely, the “global” Renaissance in which East and West, sharing the same heritage, competed with each other.

레오나르도 다 빈치의 ‘최후의 만찬’ 벽화에서 나타난 공간구성에 관한 연구의 결과로서 다음과 같은 결론을 도출하였다. 1. ‘최후의 만찬’에서의 1점 소실점 원근법의 이용은 실제로 경험할 수 있는 공간의 형태와 깊이를 표현하기도 하고, 내부공간을 구성하는 바닥과 벽 및 천정의 요소가 공간의 경계로서 명확하게 표현되었다. 2. 전체적인 화면은 대칭축을 중심으로 가로변과 세로변이 4:3의 비례체계로서 구성되었고, 실제적으로 그려진 그림의 화면은 2:1의 비례체계로서 구성되었다. 이외에도, 전체와 부분 및 부분과 부분사이의 구성은 1:3, 1:4, 2:3으로서 르네상스시대에 고전주의를 기초로 이루어진 이상적인 비례체계에 의해 이루어졌다. 3. 전체적인 화면과 실제적으로 그려진 화면은 건축의 기본적인 구성원리를 통해 축에 의한 규칙적이고 대칭적인 배치, 연속적인 배열의 반복과 율동, 완벽한 수학적인 비례체계를 중심으로 조화와 질서, 균형과 통일에 의해 표현되었다. 4. ‘최후의 만찬’은 예수의 머리를 중심으로 원근법의 중심과 구도의 중심이 일치하면서 완벽한 균형감과 안정감 있게 구성되었다. 이러한 그림은 건축에서의 내부공간의 구성요소인 기둥과 같은 벽걸이의 수직요소와 함께 이루어진 벽과 천정 및 바닥과 같은 평면요소에 의해 볼륨을 이루는 건축적인 공간구성으로 형성되었다.

The purpose of this paper is the study on the spatial composition appeared in the 'Last Suffer' mural painting of Leonardo da Vinci. The results of study are as follows: 1. The use of one point perspective on 'Last Supper' is expressed by the form and the depth of space which we can actually experience, and the element of floor, wall, ceiling which is composed of space is to show precisely as boundary of space. 2. The width and the length of whole picture is composed of ratio of 4:3, the really painted picture is composed of ratio of 2:1. In addition to, the composition between the total and the part, between the part and the part consists of ideal ratio which is based on classicism of the Renaissance as 1:3, 1:4 and 2:3. 3. The whole picture and the really painted picture is expressed by the composition of space with harmony and order, balance and unity centering around systematic and symmetrical disposition by axis, repetition and rhythm of successive arrangement, perfect mathematical ratio through the basic principle of composition by order and system on architecture. 4. 'Last supper' is composed of perfect balance and stability on the center of perspective and composition with the centering by head of Jesu. Such picture is formed with the architectural space composition which is accomplished by wall with vertical element of tapestry as pillar, plain elements as floor and ceiling which are component elements of internal space on architecture.

감상을 목적으로 하는 예술작품은 감상자와의 관계에 있어서 상식적인 차원이 배제되면 자주 소통의 어려움을 겪는다. 세계적인 베스트셀러인 댄브라운의 <다빈치코드>는 종교적 진리를 왜곡했다는 의미에서 기독교계의 반발을 샀다. 종교적 진리와 예술적 허구의 세계를 혼동했기 때문이다. 댄 브라운의 허구적 상상력에 설득력의 옷을 덧입히기 위해 이용한 작품이 레오나르도 다 빈치의 <최후의 만찬>이다. 본 글은 레오나르도의 <최후의 만찬>의 본래적 의미를 상식적인 차원에서 되짚어본 것이다. 자주 감상의 대상이 되었지만 아는 것을 본 것으로 치부하는 타성적 보기로 인해 ‘유다의 배반’이 주제로 알려졌다. 그러나 도상학적 전통을 통해 알 수 있듯이 아가페적 사랑이라는 카타콤의 묘사가 레오나르도에게 까지 이어져 예수의 죽음을 통해 이루어지는 “성찬의 의미”가 <최후의 만찬>의 주제임을 알 수 있었다. 예수의 시선이 향하는 그의 왼손이 바로 베푸는 손길에 해당하기 때문이다. 상식적 차원의 이미지 읽기를 위해서는 첫째, 작품의 해석은 보는 것으로부터 출발한다는 것이며, 둘째, 작품이 생성된 예술적 조건을 도외시하지 말아야 한다는 것이다.

Ein Kunstwerk, das zum Genuss geschaffen wird, führt uns oft zum Unverständnis, wenn man die allgemeine Grundlage für ein Kunstwerk verliert. Dan Browns Roman “Da Vinci Code”, ein weltberühmter Bestseller, löst heftige Kritik von der Seit der Christen her aus, weil er gegenüber dem christlichen Glauben und der Bibel Aussage macht. Nach dem Roman habe sich Jesus nicht für den Tod auf dem Kreuz, sondern für die Heirat mit Maria Magdalena entschieden. Bei dieser Abhandlung geht es um die Bedeutung des “Letzten Abendmahls” von Leonardo da Vinci, das in “Da Vinci Code” die erfundene Geschichte zum Überzeugung bringen hilft. Leonardos Werk wird oft zum Gegenstand der Betrachtung, aber so oft zum Missverständnis geführt, weil man das Wissen statt das Sehen zur Betrachtung des Werkes nimmt. Gemäß der ikonographischen Tradition ist die Eucharistie das Thema des "Letzten Abendmahls" seit der Darstellung in der Katakombenmalerei. Wenn man im Leonardos Werk die Stellung Jesus, vor allem die Gestik und den Blick genau beobachtet, wird es klar, dass es sich um die Agape durch das Abendmahl handelt, nicht um den Verrat Judas.

This paper has an intention to re-read a most famous picture of Leonardo da Vinci, Mona Lisa. According to the first critic, G. Vasari, her smile should be a pleasing one, and his pleasing smile discours is until now wildly accepted, and it is by no means easy to be disproved. But E. H. Gombrich proposed not long time ago that da Vinci’s picture Mona Lisa should be re-readed on the whole, and he expressed his sentiments that her smiling should have even a sad look. It can be highly evaluated that he revealed at last that a discours of G. Vasari could be a myth. At this point my critical question begins: Even though E. H. Gombrich was right to find out the new meaning of her smile, his evidence for that assertion has to be retrospective. In other words, what is the evidence that is necessary enough to prove the sad smile of Mona Lisa? In order to answer this question, I shall suggest three important points. First, I think that the critic of G. Vasari has only the half truth. His detailed descriptions are very helpful to interpret the aura of the masterpiece, but those have vulnerable points. Then he explained even about her eyebrows, although there was no eyebrow in her face. It has raised the question that he had never seen the picture, and from then on his appreciation has been considered as a myth. At this very point a new reading of Mona Lisa begins as the art historian E. H. Gombrich suggested it. According to him, her smile could be interpreted even as a sad one. Second, the reason why her countenance could be red as sad is to be analysed at three points as follows―contraposto, sfumato, and the natural background. Of these points the most important thing is the natural background. To perceive that da Vinci painted two faces of the nature at the both sides of Mona Lisa, it is the point of the view. The two natures hold respectively three factors in common―the road, the water, and the mountain. The road at the left is curve, the road at the right is straight. The lake at the left is placid, the lake at the right is dangerous. The mountain at the left is tender, the mountain at the right is rough. On the whole, the nature at the left is masculine, and the nature at the right is feminine. It is natural that Mona Lisa looks ambiguous around this double environment. Lastly, the sad smile of Mona Lisa is in connection with the sad memories of the painter and the model. Da Vinci was born as an illegitimate child, and at five he had to be separated from his own mother, who married again to another man. This sad life during his childhood remained in his unconsciousness as a trauma. This trauma revived again when he met Mona Lisa. On the other hand, Mona Lisa had also the same trauma. When she was seated as a model in front of the famous painter, she was really happy because her husband’s business was flourishing, settled rightly in a new house, and gave birth to a another child. But at this very happy instance she remembered her child’s death three years ago. In this meaning it is said that Mona Lisa’s sad smile means ‘the aesthetic of sadness and downfall.’

본 논문은 미술 이론과 실기 양쪽 분야에 모두 기여할 수 있는 유용한 교육적 담론을 확장하기 위한 논의에서 출발했다. 대상의 묘사와 생각의 표현을 모두 포함하는 드로잉drawing은 실기의 중요한 분야를 구성하면서 동시에 예술가의 의도를 분석할 수 있는 시각적 사료(史料)라는 점에서 이론을 구성하는 과정에서도 중요한 역할을 담당한다. 한국 미술 교육에서도 이 주제의 유용성은 이미 2001년 서울여대에서 개최된 워크숍을 통해서 확인할 수 있다. 여러 대학의 미술 이론 및 실기 교육에 종사했던 연구자들은 미술 교과 과정에 기여할 수 있는 개념으로서 드로잉의 의미와 사유의 접점을 찾기 위한 시도를 진행했으며, 이후 한국미술연구소와 서울여대 조형연구소에서 『드로잉』이라는 제목으로 결과물을 출간한 바 있다. 이 워크숍은 동서양의 드로잉이 지닌 개념적 차이, 현대 미술의 드로잉과 문화적 의미, 미술 실기 교육을 위한 다양한 프로그램을 검토하고 있다는 점에서 한국 미술 교육사적 관점에서도 중요한 선행 연구를 구성한다. 본 연구는 이 같은 선행 연구를 토대로 드로잉이 사유를 담게 되었던 문화적 형식invention의 출발점을 역사적으로 분석하고자 한다. 근대 유럽의 표현 방식을 수용하는 과정에서 들어온 서양화의 ‘드로잉’은 르네상스 시대에 등장한 미술품의 가치 판단을 바탕으로 구성된 아카데미 교육의 가장 중요한 교과를 구성했으며, 이 시기부터 대상의 묘사와 사유의 표현을 포함한 드로잉의 개념으로 발전했다.

Questa ricerca nasce dalle interesse rivolto ai materiali utili per l'educazione artistica sia sulla teoria che sulla pratica dell'arte. La tesi affronta lo studio dei disegni nei quali sono stati interpretati come un’invenzione culturale per la progettazione di un lavoro d’arte in modo personale, percio si e cercato di costruire le diverse formule delle idee cercando di una proposta interpretativa del rapporto tra scienza e arte in Leonardo da Vinci, come uno degli artisti pionieristico. Leonardo supero la riduttiva idea di utilizzare la tradizione ‘la prospettiva lineare’ che e uno strumento per dare rigore formale all’idea di bellezza e all’estetica. Egli invento un processo lavorativo di costruire proprio le sue idee tramite i disegni nei quali esprime i momenti di durata qualitativamente diversa di differenti stati d'animo. In questo modo egli creo le diverse narrazioni consente di integrare la configurazione spaziale con quella temporale finalizzando un’opera finale come un luogo delle memorie prese dalle osservazioni dirette alla realta.

The purpose of this study is to analyze the influence of theory of Cusanus on the Leonardo's theory of the centralized plan. In Renaissance, Neo-Platonism was so popular that is wat influenced nearly every architecture, literature, painting, sculpture and so on. Theory of Neo-Platonism was so various that every Neo-Platonist had his own theory. Among them, Cusanus focused his theory on rationality, mathematics rather than the medieval symbolism and studied the relationship between the God and men. In the same age, Leonardo da Vinci studied the planning system influenced on many architects works, including Bramante s. His planning system came not from symbolic appearance but from his scientific and rational researches as the theory of Cusanus. This study is to compare Cusanus Neo-Platonism theory and artistie view shown in Leonardo da Vinci's memorandum and drawing and to ascertain the influential relationship, abstracting the common things, and to substitute the characteristics that are seen in his centralized space sketch, abstracting the key words. The study on Cusanus will take advantage of the issued books and will requote Cusanus's copied ones.

<Mona Lisa>, ein weltberuhmtes Bild, das Leonardo da Vinci ca. 1503-1506 schuf, ist in der Kunstgeschichte immer noch nicht genugend erlautert. Ein Grund dafur mag eine fiktive Aura des Werkes sein, die auf der Phantasie eines Vorgestellten gegenuber dem eigentlich Sichtbaren beruht. Weiterer Grund fur das Mißverstandnis der <Mona Lisa> liegt im Ubersehen deren Gattung. Das Werk gehort in erster Linie zu einem Portrat, das ein unausweichliches Ziel hat, die abwesende Person wie anwesend, sogar lebendig vor Augen des Betrachters darzustellen. Leonardo da Vinci, der bereits als ein Kind so talentiert und ehrgeizig war, wie Vasari uber das Schmucken eines Schildes mit fabelhaften Tieren berichtete, wollte sicher kein Routinenwerk, sondern ein Meisterwerk, das bis dahin niemand geschaffen hat, namlich ein lebensechtes Portrat wie <Mona Lisa>. In der vorliegenden Arbeit wird es vor allem versucht, <Mona Lisa> als ein Portrat zu betrachten, wofur sich die bisherigen Forschungen als ein marginales Problem interessierten. Im ersten Teil der Arbeit werden Leonardos Portrats erblickt, bei denen sich das korperliche sowie psychische Bewegungsmotiv immer mehr zum wichtigen Faktor entwickelt wird. Leonardo gebraucht dies im Portrat als ein wesentliches Milieu, um dem Betrachter den Portratierten moglichst lebensnah zu bringen. Der zweite Teil analysiert das Werk wieder in 3 Elementen, die <Mona Lisa> weltberuhmt machten: dem Lacheln, sfumato, dem Hintergrund. Erstens, das Lacheln ubernimmt eine grundlegende Funktion, den Dargestellten lebendig zu erscheinen, was seit Antike ein Hilfsmittel bevorzugt war (Beispiele: Anavysos Kouros und der Verkundigungsengel in Reims). Zweitens, sfumato, das eigentlich die Umrißlinie auslasst, gilt auch als eine Technik, durch die Leonardo vor dem Augen des Betrachters die Figur dreidimensional wirken lasst. Drittens, der uneinheitliche Blickpunkt des Hintergrundes lasst die Portratierte in unterschiedlichen Grossen erscheinen. Wenn man sich den hoheren Blickpunkt einnimmt(rechts), sieht die Frau kleiner aus, aber beim niedrigeren umgekehrt grosser(links). Durch die Analyse dieser drei Elementen wird die Absicht Loenardos in <Mona Lisa> offenschtlich, eine neue Era des Portrats ins Leben zu rufen.

Vor der Zeit Leonardos da Vinci bestehen die Bilder von dem letzten Abendmahl meistens aus dem Motiv der Verteilung des Brotes und des Weins von Jesu, wobei die Künstler die Figur Juda allein ausschließlich getrennt von den anderen elf Schülern dem Meister Jesu gegenüber stehen lassen. Erst Leonardo da Vinci nimmt das Motiv 'Verratsszene im Laufe des Abendmahls' zum ersten Mal ordentlich auf. Der Verratsumstand wird für den fruchtbaren Augenblick der ganzen Handlung des Abendmahls gehalten, obgleich dieser Moment für sich selbst zu einem Nachteil führt, indem die ganze Schülergesellschaft ins Gefühlschaos gerät, was es kein richtiges christliches Heiligenbild macht. Dadurch steht die anthropozentrische Gedankenwelt der Renaissancekunst eigentlich im Vordergrund. Nach Goethes Interpretation, demonstriert Leonardo da Vinci die verschiedene menschliche Gefühlswelt mit diesem Werk, indem er die Bewegung, die Stellung und die Gestaltung des Körpers, ins besondere der Hände zum Ausdrucksmittel der inneren Unruhe wie Erschütterung, Argwohn, Angst, Haß, Schrecken, Entsetzen, Abscheu macht. Andererseits führt Da Vinci sowohl die geometrische Form des Dreiecks und des Vierecks als auch die Perspektive auf die harmonische Weise ein, was ziemlich naturwissenschaftlich genannt werden kann. Es ist die da Vincis meisterhaft künstlerische Leistung, dass er den Stoff 'Das Abendmahl' so durch die traditionell geschlossene Form wie durch die offene Form im Sinne des Kunsthistorikers Wölfflin ganz erschöpft zur Verfügung stellt, wobei besonders diese erst von da Vincis Werk richtig in der Stoffgeschichte des Abendmahls entwickelt wird. Die Welt des letzten Abendmahls von da Vinci besteht in der Verkörperung der Rationalität, der Menschlichkeit und der Autonomie der moderen Kunst.

융합적 사고는 생명과학교육에서 창의적 문제 해결의 가장 핵심이다. 융합적 사고에 대한 다양한 연구에도 불구하고, 융합적 사고의 실제 과정에 대해서는 알려진 바가 거의 없다. 이에 본 연구에서는 새의 비행을 생체모방하여 비행기구를 발명하는 과정을 작성한 레오나르도 다 빈치의 노트를 분석하여 융합적 사고의 과정을 제안하였다. 이를 위해서 융합과 이와 관련된 사고에 대한 문헌 분석을 통해 분석틀을 구성하고 이를 기반으로 노트를 분석하였다. 이 후, 사고 과정을 구성하는 요소와 논리적 순서를 기반으로 융합적 사고의 과정을 구성하였다. 융합적 사고는 크게 ‘탐색’, ‘설계’, ‘구현’의 세 단계이다. ‘탐색’단계는 문제 상황을 확인하고 목표와 관련된 지식을 조사하는 단계이다. ‘설계’단계는 목표에 도달할 수 있는 창의적인 산출물을 고안하고, 이를 대상으로 목표 달성을 평가하는 기준을 고안하는 단계이다. ‘구현’ 단계는 창의적 산출물을 직접 제작하고, 이를 활용해서 문제를 해결하면서 평가하는 단계이다. 본 연구 결과는 융합적 사고에 대한 기초적인 틀을 제공할 수 있으며 실제 융합적 사고의 증진에 효과적인 학습 프로그램의 개발을 촉진할 수 있을 것이다.

Convergence thinking is a real root of creative problem solving in science education. Despite of numerous study on convergence thinking, little is understood about actual process of convergence thinking. Therefore, in this study, we proposed process of convergence thinking, analyzing Leonardo Da Vinci Note composed with study flight machine based on bio-mimicking flight of bird. In progress, the note was analyzed by analysis framework developed via literature review on convergence and ?likewise thinking. Afterwards, we composed process of convergence thinking, considering constituent and its logical sequence. The results show three stages largely. ‘Exploration’ is stage investigating problem, and related knowledge to achieve the goal. ‘Design’ is stage composing the creative work and evaluation criteria. ‘Implementation’ is stage to make creative work and evaluate adjustment result. This results can provide basic frame on convergence thinking, and promote development learning program with actual effect.