Earticle

오늘날 사회가 다양화·복잡화되면서 라이프 스타일이 변화하여 소비자 스스로가 자신의 스타일을 만들어 내고 창조해내기 시작하였으며, 자신의 욕구 충족이자 이미지 표출의 도구로 생각하는 현대인들의 사고는 남성 패션에도 다양한 변화를 가져오게 되었다. 현대사회의 남성들은 패션을 선택함에 있어서 능동적이고 개성적인 면을 중요하게 드러냄으로써 정형화된 틀을 벗어나 자신을 가장 잘 표현할 수 있는 패션을 선호하고 있다. 또한 남성 패션 상품에 대한 소비자들의 욕구가 다양해지는 가운데 남성 패션의 시장도 점차 변해가고 있다. 21세기 패션에 있어서 현대 남성복의 원류라고 할 수 있는 19세기 서양 남성복의 댄디즘(Dandyism)은 18~19세기에 대두되어 현대 남성 복식 근대화의 계기를 마련하고, 19세기의 사회·문화적 맥락으로부터 자유로운 수 없으며 댄디즘의 유행을 불러일으킨 당시의 예술적 맥락은 중요한 요인이 된다. 본 연구는 19세기 서양 남성 복식이 미친 영향을 실루엣, 색채, 소재로 구분하여 이미지 자료를 통해 분석하였다. 19세기 남성복의 댄디즘의 미적 특성과 조형적 특징의 접목을 통해 남성 재킷에 응용하여 활용함으로써 현대 남성의 재킷의 다양성을 새롭게 제시하는데 목적이 있다. 따라서 본 연구는 댄디즘의 미적특성을 살려 독창적이고 창의적인 현대 의상디자인으로 재탄생시키는데 의의가 있으며, 현대 패션의 특징적 흐름에 착안하여 19세기 남성복의 요소를 기성복을 넘어서 조금 더 창의적인 스타일을 재창출할 수 있는 표현방법을 모색하고, 감각 있고 창의적인 제시하며, 새로운 디자인을 창조하는 새로운 패션 경향의 기초 자료가 되는 시발점이 되었으면 한다. 앞으로 19세기 남성복의 댄디즘을 다각적인 시각에서 연구·분석하고 다양한 패션 경향과 연계하여 패션디자인에 적용할 수 있는 효율적이고 창조적인 방법이 다양하게 제시되기를 바란다.

In the current climate of today’s world, lifestyle has changed and presented changing factors requiring a necessity for social diversification. Individuals as lone sole persons and/or customers need to possess a stronger element of independence in relation to fashion style(s). Thinking of modern persons regarding it as a tool for satisfying their desire and expressing the image will bring out a variety of changes in men's fashion. Men in the modern society prefer fashion that is able to show them at their best, displaying the more active individual and allowing for a wearer to step out of the concept of the fixed frame. In addition, the modern customer's desire for men's fashion goods is gradually beginning to vary accordingly to what is seen across the male fashion market. The study reviewed the dandyism of the 9th century's men's clothing that is most likely the origin of the 21st century's modern men's clothing. The 18th and 19th centuries' arrangement of modern men's clothing culturally formulized the desire and opportunity for modernization; this did not happen outside of the standard sociological and cultural aspects of the 19th century. The effect of 19th century's men's clothing on modern men's clothing was additionally analyzed using imagery, materials, silhouette, color and fabric work. Based on such a study, the aspects of 19th century's dandyism and emerging modern fashion can be seen. This allowed for the factoring in the men's clothing on the basis of the characteristics of modern fashion, the suggestion of sensual creative designs and the creation of new designs.

파쇼정권 초기 우체국은 전통주의건축을 바탕으로 시작되었고, 상당수의 우체국은 파쇼정권과 유착한 건축 가 마초니(Angiolo Mazzoni)와 나르두치(Roberto Narducci)가 담당하였다. 대형우체국의 설계는 파쇼정권 의 결정에 따라 신고전주의 건축경향의 작품들로 결정되었고, 지역의 건축가들이 설계한 소규모 우체국들도 대형우체국과 유사한 건축양식으로 대부분 설계되었다. 리베라와 데 렌치가 공동 작업한 경우, 일반적으로 데 렌치가 입면구성을, 리베라가 내부설계를 주로 담당하 였으나, 리베라가 아벤티노 우체국의 입면구성과 내부 상세까지 새로운 유럽건축의 영향을 받은 모던한 건 축 요소들을 적극적으로 도입하여 합리주의건축의 한 예로 평가 할 수 있다. 아벤티노 우체국은 1927년 밀라노에서 시작된 합리주의건축이 1933년 신고전주의건축의 중심지인 로마에 현상공모로 당선된 대표적 합리주의건축의 사례로, 파쇼정권의 몰락이후 합리주의건축의 발전과 고유한 이 탈리아 현대건축의 기반 확립에 기여한 것으로 판단된다.

In the early stage of the fascism regime, post office was begun with traditionalism architecture. Angiolo Mazzoni and Roberto Narducci who were coalescent with the fascism regime designed many post offices. In 1928, Giuseppe Vaccaro who was a rationalism architect was selected in the Napoli Post Office Competition. However, fascism regime decided the neoclassicism architecture for the most large scaled post offices. The small scaled post offices designed by local architect also were similar architectural style. The Aventine Post Office which was a representative rationalism architecture was selected in the Rome Competition where was a center of neoclassicism architecture in 1933. After the fall of fascism regime, this case established a basis of the rationalism architecture and the Italian modern architecture.

본 연구는 고대 그리스 건축과 조각에 남겨진 색상에 관한 역사를 다루고, 고대 채색 전통에 관한 연구에서 도출된 최근의 고고학적, 미술사학적 결과를 조명하고 그 미술사적 의의를 다루고자 한다. 고대 조형물에서 채색은 사실적인 표현을 구현하고 입체감을 강화해 조형물의 가시성을 높여 관람자에게 편의를 도모하도록 기능했다. 지난 몇 세기 간 백색의 그리스와 로마의 조형물은 서유럽의 문화적 우월성의 상징이자, 고전미의 정수로 간주되어 왔었다. 하지만, 이제 고전 미술의 채색 연구는 이러한 패러다임에 도전하고 있다. 이 도전은 국내 연구자들에게 유럽적 미술사관의 한계를 넘어서 고전 미술을 이해하고 연구할 수 있는 새로운 관점을 제사할 수 있을 것으로 보인다.

This study examines the use of colors in the ancient Greek sculpture and architecture and further investigates its significance by reviewing the recent archeological and art historical findings concerning ancient polychromy. The colorization in ancient architecture and sculpture was intended to bring about a three-dimensional illusionistic effect which enabled more realistic representation and thereby enhance the visibility of architecture and sculpture. The latest research on ancient polychromy poses a serious challenge against the conventional paradigm that deems the white marble architecture and sculpture of ancient Greece and Rome as the essence of classical aesthetics and also as a symbol of the superiority of the European culture. This study aims to provide the researchers with a new perspective which will help them overcome the Eurocentric paradigm and gain a better understanding of the classical art.

19세기 말과 20세기 초를 관통하는 시점의 서양사에서 가장 중요한 인 물이 나폴레옹임은 부정할 수 없다. 나폴레옹은 프랑스의 장교에서 출발 해 황제의 자리에까지 오르면서 유럽의 주인공으로 부상했다. 이 시기에 나폴레옹이 전 유럽에 끼친 영향은 압도적인 것이었으며 당연히 이탈리아 에서도 매우 큰 정치적 변화를 불러일으켰다. 서로마제국 멸망 이후로 단 한 번도 같은 민족으로 통합되었던 적이 없으며 봉건적 삶의 방식을 고수 해 오던 이탈리아에 나폴레옹의 등장은 매우 역설적인 상황으로 작용했 다. 나폴레옹이 통치했던 이탈리아 북부는 여전히 황제 및 왕의 통치라는 보수적 모습을 띄었지만 동시에 혁명의 여운을 이탈리아 반도 내에 전해 주면서 개혁적, 근대적 국가의 모습을 보여준 것도 나폴레옹이었다. 이러 한 나폴레옹의 등장과 몰락은 보수적 개혁과 진보적 반동이라는 매우 이 상한 성향을 동시에 띄게 되었고 이러한 경향성은 나폴레옹의 직접적 통 치 하에 있었던 이탈리아 북부의 롬바르디아, 그리고 나폴레옹에 대해 대 립각을 세우던 로마 교황청에서 서로 다른 모습으로 나타났다. 구시대를 종결하고 새로운 근대 국가로의 비전을 보여줄 구원자로서 나 폴레옹을 받아들인 밀라노의 대표적인 신고전주의 화가 안드레아 아피아 니는 프랑스 본국에 전혀 뒤지지 않을 만큼 나폴레옹에 대한 찬양과 숭배 의 모습을 화폭에 담았다. 반면 교회와 가톨릭 세력의 속권을 경감시키는 적으로서 나폴레옹을 인식한 로마 교황청에서는 나폴레옹의 이탈리아 통 치 기간 동안 교황들이 적지 않은 고초와 수모를 당하기도 하였다. 이에 로마와 이탈리아만의 고전 전통 미술을 추구했던 로마의 빈첸초 카무치니 는 나폴레옹에 대립각을 세운 비오 7세의 초상화를 통해 교황청의 진보적 반동에 승리한 모습을 전통적 방식으로 표현하며 자국의 예술에 대한 존 경과 동시에 전통성의 유지에 대한 의지를 드러내었다.

It is undeniable that Napoleon is the most important figure in Western history at the time of passing through the late 19th and early 20th centuries. Napoleon emerged as the main character of Europe, starting from a French officer and ascending to the Emperor's place. The impact Napoleon had on Europe in this period was overwhelming and, of course, it also brought about very large political changes in Italy. Napoleon's appearance in Italy, which has never been united into the same people since the fall of the Sovereign Empire, and adhered to a feudal way of life, served as a paradoxical situation. Napoleon's reign in northern Italy still retained the conservative form of emperor and king rule, but at the same time it was Napoleon that showed the reform and modern state by conveying the aftermath of the revolution within the Italian peninsula. The appearance and fall of Napoleon simultaneously led to a very strange tendency of conservative reform and progressive reaction, and this tendency appeared differently in Lombardy in northern Italy, under Napoleon's direct rule , and in the Pope's conflict with Napoleon.

아리스토텔레스는 자신의 『시학』에서 비극에 대한 정의와 성격규정을 자세하게 기술하고 있는데, 그의 『시학』에 의하면 비극의 모방의 대상은 행동이고, 이 모방되어진 행동을 플롯이라고 하며, 이 플롯의 주체인 인간의 면면을 규정짓는 것이 바로 성격이라는 것이다. 이 플롯과 성격이 바로 아리스토텔레스가 말하는 비극의 두 가지 주된 요소이다. 그리고 16-17세기 서구에서 시작된 신고전주의는 이 아리스토텔레스의 『시학』으로 대변되는 고전주의에 대한 철저한 모방과 준수를 주된 미학적 정체성으로 삼으며 탄생한 문예사조이다. 그런데 이 신고전주의에는 간과할 수 없는 문제가 있었는데, 바로 지나치게 외형적인 고전주의 법칙에만 몰입한 나머지 고전주의 법칙의 본질에 대한 오해나 지극히 자기 편의적 해석이 만연하는 문제가 발생하였던 것이다. 한편 18세기 스페인의 극작가 우에르따의 비극 『라껠』은 이러한 신고전주의적 비극의 특징을 온전히 반영하고 있는 가장 대표적인 작품으로 평가되어져왔는데, 삼단일성의 원칙 준수, 비극적 인물의 배제, 장중한 11음절의 작시법 구사 등, 외형적인 부분에서는 아리스토텔레스의 『시학』에서 나타나는 고전적 법칙들을 철저하게 준수하는 것으로 보인다. 그러나 아리스토텔리스적 비극의 본질적인 성격이나 주제 등과 관련해서 자세히 작품을 살펴보면 『라껠』 에도 역시 명백한 비(非)아리스토텔레스적 요소들을 적지 않게 발견할 수가 있고, 이를 통해서고전주의법칙의 준수에 대한 본질적인 한계를 감지하게 된다. 특히 눈에 띄는 것은 『라껠』에 나타난 ‘시적 정의’와 급전, 발견, 하마르티아의 부재(不在)이다. 『라껠』에서 묘사된 시적 정의는아리스토텔레스가 말하는 ‘단일한 결말’에 위배되는 것이고, 『라껠』에서 나타나지 않는 급전, 발견, 하마르티아는 오히려 아리스토텔레스가 비극에서 반드시 있어야할 필수적인 요소라고한 것들이다. 또한 남녀주인공인 알폰소 8세 왕과 그의 연인인 라껠의 성격도 비(非)아리스토텔레스적이다. 이들의 성격을 구체적으로 살펴보면, 아리스토텔레스가 주장하는 ‘적합성’과 ‘일관성’이라는 비극적 주인공의 성격 기준에 부합하지 않음을 알 수 있다.

Aristotle minutely describes definition and formation of characters on tragedy in his Poetics. According Poetics, a target of imitation of tragedy is an action. The imitated action is called a plot. To define various sides of a human as a subject of the plot is just a character. The plot and character are twomain factors of tragedy which is said by Aristotle. Neoclassicism that was started in the West in the 16th to 17th century is a literary trend, which was created while making thorough imitation and obedience to classism that is represented by Poetics of Aristotle as main aesthetic identities. By the way, in this Neoclassicism, there is a problem which cannot be overlooked. Too much indulged in external rules of classicism, problems such as misunderstanding of the essence of the classical rules and self-centered interpretation became rampant. On the other hand, Raquel as a tragedy of Huerta, a Spanish play writer in the 18th century, has been evaluated as the most representative work reflecting properties of neo-classical tragedies. In external parts such as observance of the principle of syllogism, exclusion of tragic people, and good command of solemn hendecasyllabic versification, it seems that the classical rules represented in Poetics of Aristotle are observed thoroughly. However, when seeing the literal work in detail related with essential characters or topics of Aristotelian tragedies, clear non-Aristotelian factors can be found out in Raquel. Through this, fundamental limitation on the observance of the classical rules comes to be detected. Poetic justice described in Raquel is against ‘simple ending’ that Aristotle said. Turnabout, discovery, and hamartia which are not shown in Raquel are essential factors that should be certainly in Aristotelian tragedies. Plus, personalities of King Alfonso and his lover Raquel, the hero and heroine, are non-Aristotelian. If their personalities are examined concretely, it can be known that they do not meet the standards of personalities of tragic main characters, ‘suitability’ and ‘consistency’, which were suggested by Aristotle.

The metaphor, mirror and lamp, set by M. H. Abrams has been used as an easy tool to distinguish between Neoclassicism and Romanticism. Although this dichotomy is not as influential as it was after the emergence of Deconstructionism, it still seems to serve as a useful touchstone. Because of the connotation of the metaphor that lamp is superior to mirror, however, it has left a misconception that Neoclassicism depends on imitation and thus is less creative than Romanticism. When we look into the poetry of the two literary periods, we can see that the dichotomy of reflector and projector does not work very well. For instance, Pope’s “Eloisa to Abelard” is all about the emotions between the two lovers. Other eighteenth century poets like Young, Collins, Crabbe and Cowper did not try to imitate external world but to express it in a creative way. On the other hand, the Romantic poets like Wordsworth, Byron, and Shelley tried to reflect the society in their poetry.

신고전주의의 경향은 제1차 세계대전이후 전 유럽의 작곡가들에 의해 나타났으며, 인상주의 사조, 표현주의 사조로 확산되어져갔다. 그 확산되어진 사조의 중심에는 폴란드 출신의 많은 작곡가들이 있었고, 그들은 20세기 현대사조를 준비하는 음악사적 위치에서 나름 중요한 차지하고 있었음으로 이에 관한 연구는 중요한 작업이라 사료된다. 폴란드 음악의 신고전주의는 파리에서 유래되었고 스트라빈스키가 아닌 오네게르와 미요의 사조를 따랐다. 카롤 시마놉스키를 비롯한 당시 중요한 폴란드 신고전주의 악파들은 폴란드 민속음악의 다양한 요소들을 가미하여 그들만의 독자적인 신고전주의 기법에 의한 작품들을 쏟아내는데, 훗날 이들에 의한 신고전주의 작풍은 전후 40~50년대까지 폴란드 현대음악 전반에 걸쳐서 주류적인 기반이 되었다. 이는 20세기 폴란드 현대음악 사조의 대표적 특징들인 ‘새로운 선법’·‘새로운 조성’·‘새로운 민속주의’·‘새로운 단순화주의’ 등의 작품기법들이 루토스왑스키·펜데레츠키·구레츠키·킬라르 등 많은 폴란드 출신의 세계적인 작곡가들의 작품사조에 중요한 기여를 했다는 점에서 폴란드 음악의 신고전주의는 20세기 폴란드 현대음악의 역사와 그 맥을 같이 하고 있다고 말할 수 있겠다. ‘폴란드 음악의 신고전주의’에 관한 역사적인 고찰을 위하여 그 당시 주요 작풍이었던 ‘민속주의’·‘다양한 리듬형태’·‘다양한 선율형태’·‘구조’ 등을 세계적으로 많은 활동을 한 주요 작곡가들의 작품을 통하여 살펴보았다.

Polish musical neoclassicism, although oriented towards Paris, did not imitate the creative method of Igor Stravinsky, but rather the method of Arthur Honegger and Darius Milhaud. This was manifest in its poly-tonality, the harmonies of tonal centers, a limpidity of texture, the augmented role of rhythm(incidentally, more motive forces than metro-rhythmic complications), the reduced influence ofmelody, the emphasis on an ironic approach to ‘Romantic relics’, i.e. the melodic and the lyrical. Polish neoclassicists readily braided into their music dance rhythms or melodic motifs characteristic of Polish Folklore. In contrast to the model of neoclassicism presented by Stravinsky, Poles were not inclined towards parody, grotesque or pastiche. Neither did not they adhere to the technique of processing material derived from the work of composers from other ears; they employed neither quotation nor imitation. Their simplification of language and texture was not so radical as that of the French composers of the ‘Groupe des Six’. The shift in the center of gravity from the Romantic aesthetic in which the output of Karol Szymanowski took shape to the new aesthetic(neoclassicism) launched in Paris took place within his lifetime. After Karol Szymanowski, virtually almost Polish composers turned towards the neoclassical aesthetic, which also became dominant across Europe, in spite of quite strong opposition from dodecaphony.

In the second part of the nineteenth century, signs of the poetic revival were appeared most notably in the work of the Egyptian Mahm?d S?m? al-B?r?d? who was described as the true precursor of this revival. And his works are marked by a conscious return to the classicism of early medieval poetry, especially that of the Abbasid period(750-1258). And after B?r?d?, Neo-classical poets were the Egyptians Ahmad Shawq? and H?fiz Ibr?h?m, the Iraqis Jam?l Iidq? al-Zah?w?, Ma‘r?f al-Rus?f? and Muhammad Mahdi al-Jaw?hir?, and some of the Syrians and Lebanese. The Neo-classical poets accepted as their norm the old Arabic ode, Qasidah, with its monorhyme and monometer, its heavy reliance upon rhetoric and declamation, and the sonority of its music. But the Qasidah was not simply regarded as a sacrosanct ideal by the Neo-classicists, but was actually made to accommodate the modern poet's political, social, and indeed psychological needs.

Mahm?d S?m? al-B?r?d? was the true precursor of the modern poetic revival. Because in his works are abundantly clear the conscious return to the classicism of early medieval Arabic poetry, especially the poetry of the Abbasid period. This neoclassicism, or return to the Arab heritage of the past, marks the first stage in the modern literary revival. He is often referred to 'master of the sword and the pen' because he distinguished himself both as a soldier and as a poet. Also he is called as Sir Philip Sidney(1554-86) of the modern Arabic renaissance, the all-round figure who is a soldier, courtier and scholar in one. He managed to combine a return to the purity of diction, the forceful expression and the classicism of the Abbasids with the ability to express his own individual experience. Also he differs considerably from his Egyptian contemporaries or immediate predecessors in that he produced works which are free from artificiality, and in which there is a direct expression of an earnest mind and an impressive personality. That is why Arab critics and historians of literature are generally agreed that it is with al-B?r?d? that the renaissance of modern Arabic poetry truly begins. Above all, what makes al-B?r?d? the first poet of the modern Arabic renaissance, or the first modern Arabic poet, is his ability to express vividly his powerful and earnest personality through the old idioms. Later al-B?r?d?'s neoclassical manner of writing was followed by a large number of poets who until 1910's were the best-known modern poets in the Arab world.