Earticle

저작물과 저작권에 대한 의존도가 매우 높은 뮤지컬 시장에서 법적 계약에 의한 법적 분쟁이 빈번히 발생 된다. 이에 본 연구는 뮤지컬 산업에서의 저작권 발생구 조와 공연예술 및 뮤지컬의 대표적 사례들을 통해 법적 분쟁 요인을 도출하는 것에 목적이 있다. 연구목적을 달성하기 위해 뮤지컬 저작물의 대표적 제작방식인 창작 뮤지컬, 라이선스 뮤지컬의 대표적 사례들의 분석 결과를 토대로 뮤지컬 저작물의 분쟁 요인을 도출하였다. 분석 결과에 따르면, 결합저작물인 뮤지컬은 각각의 저작 물의 보호 및 각각의 안정된 권리행사를 위하여 개별로 계약이 진행해야 한다. 또 한, 우리 법원은 단독적인 저작물인 2차적저작물의 저작권 침해의 객관적 요건으로 실질적 유사성을 기준으로 하고 있으며, 이를 통해 2차적저작물인지에 대한 여부 확인도 가능하다. 본 연구는 선행연구가 부족한 공연저작권 분야에 기반이 되는 자 료로써, 또, 저작권법에 대한 인식을 높임으로써 올바른 저작권 사용의 환경을 정 립해나가 공정한 공연예술의 시장이 만들어지기 위한 근거를 만들기 위해 연구하였다

In the musical industry, where the dependence on works and copyrights is extremely high, legal disputes due to contractual agreements frequently occur. Therefore, the purpose of this study is to derive factors of legal disputes through the generating structure of copyright in the musical industry and representative cases of performing arts and musicals. In order to achieve the purpose of the study, I derived factors of disputes in musical works based on the analysis results of representative cases of creative musicals and licensed musicals, which are typical production methods of musical works. According to the analysis results, musicals, which are combined works, must be contracted individually to protect each work and exercise each stable right. In addition, our courts use substantive similarity as a criterion for the objective requirement of copyright infringement of secondary works, which are independent works, and it is possible to confirm whether they are secondary works. This study was conducted to establish a basis for performance copyright, which lacks previous study, and to create evidence for the establishment of a fair market for performing arts by raising awareness of copyright law and establishing an environment for proper use of copyrights.

본 연구에서는 현재까지 국내에서 진행된 '저작권침해 소송', '손해배상청구 소송' 중에서 음악저작물에 관한 판례들을 통해 법적인 측면에서 판단의 근거를 기반으로 표절여부 판단에 대한 명확한 기준을 정립하여 소송 이전에 논란이 되는 두 곡의 유사성 여부를 판단할 수 있게 하는데 목적이 있다. 연구는 문헌연구와 판례(음악저작물의 요소에 의한 표절 판결 1건, 현재 항소심 진행중인 사건 1건)를 통해 이루어졌다. 연구결과 '음악저작물 표절 판단 기준'은 크게 (1) 창작성, (2) 의거성, (3) 실질적 유사성으로 나타났다. 창작성과 실질적 유사성의 판단방법은 거의 동일하다. 음악저작물의 구성요소인 가락, 화성, 리듬으로 비교분석을 하는 것이다. 하지만 창작성의 경우 원작자의 곡과 또 다른 비교대상물을 분석하고, 실질적 유사성은 사건에 해당하는 두 곡을 분석하는데 차이가 있다. 현재 창작성의 판단기준은 유사성이 인정된 비교대상물의 수를 설정하는 것이 필요하다. 또한 의거성은 객관적인 기준을 수립하는데 한계가 있다. 마지막으로 실질적 유사성은 과거 공연윤리위원회의 사전심의제도를 기반으로 수치화된 기준을 수립해야 한다.

This study deals with the precedents regarding music works among 'The suits to claim an infringement of copyright' and 'Suits to claim indemnification for damage' that have been filed in Korea up so far in order to establish clear criteria to judge plagiarism based on the ground of legal judgment and judge the similarity of two works that have been in controversy previously. The study has been performed through literature review and also precedents. According to the study result, 'criteria to judge music works on plagiarism' are largely classified into (1) creativity, (2) access, and (3) substantial similarity. It is almost the same to judge creativity and substantial similarity. With the components of music works, say, melody, harmony, and rhythm, comparative analysis is conducted. About creativity, the original composer's song is analyzed with another object to be compared whereas about substantial similarity, two songs in controversy get to be analyzed. Regarding the current criteria to judge creativity, it is needed to set the number of objects to be compared which have been regarded similar. And access has limitations in setting up objective criteria for it. Lastly, we should develop digitized criteria for substantial similarity based on the preliminary review system of the Committee on Performance Ethics in the past.

본 연구는 뮤지컬 무용교육현황과 작품분석을 통해 현대무용의 필요성을 알아보기 위해 뮤지컬관련학과를 조사하고 외국뮤지컬 4편과 한국창작뮤지컬 4편에 나오는 현대무용의 빈도, 한국뮤지컬의 안무동향을 살펴보았다. 그결과 현재 대학 뮤지컬교육과정에서 단 한 곳만이 현대무용 수업을 하는 것으로 나타났고 국내외뮤지컬에서 현대무용의 사용빈도가 대중무용보다 많음을 알 수 있었다. 이를 통하여 현대무용이 대학 뮤지컬학과에 필요한 교과목임을 확인하였으며 그 이유는 다음과 같다. 첫째, 움직임을 통해 극의 상황을 신체연기로 표현할 수 있다. 둘째, 자유로운 상상의 이미지를 신체로 표현할 수 있다. 셋째, 현대무용을 이용한 안무는 극적 효과를 극대화 시키고 의미를 확장시킬 수 있다. 넷째, 다른 장르의 무용과 결합하여 기능적ㆍ창조적인 움직임을 만들어 낼 수 있다. 다섯째, 현대무용을 통하여 움직임의 본질과 신체를 인식할 수 있다. 그러므로 현대무용을 교육과정 속에서 훈련하고 지속적인 교육을 하는 것이 한국창작뮤지컬의 안무가 한층 더 발전될 수 있다는 가능성을 시사하고 있다.

This study is to understand the necessity of modern dance by understanding the current status of musical dance education and also analyzing works. Researching the college musical-related departments in the whole nation, and understanding the frequency of modern dance shown in four foreign creative musicals and four Korean creative musicals premiered in 2016, the choreographic trend of Korean musical was examined. In the results, in the current college musical curriculum, only one place had the modern dance course. In foreign musicals and Korean creative musicals, the frequency of using modern dance was more than popular dance. Through this research method, the necessity of modern dance to the department of musical was verified, and the reasons are like below. First, modern dance can express the dramatic situations with physical performance through movements. Second, modern dance can express the image of free imagination with body. Third, choreography using modern dance can maximize the dramatic effects and extend the meaning. Fourth, modern dance can make functional/creative movements through the combination with other genres. Fifth, the essence of movement and body can be perceived through modern dance. Therefore, the continuous education including training in curriculum and collaboration with other genres implies the possibility of development of Korean creative musical choreography.

이 연구는 창작 음악극과 라이선스 뮤지컬의 비교분석을 통해 신과 인간의 관계를 조명하며 인간으로서 생존 필연적 법칙, 존재 원인과 이유, 숙명과 운명, 의지와 선택의 문제 사이에서 그 갈등과 고민이 여전히 우리에게 해결되지 않는 중대한 것임을 상기시킨 것에서 출발한다. 그만큼 오랫동안 고대 그리스 비극과 신화는 기록과 구전으로 전해 내려와 과거부터 현재까지 예술적 장르로서 무대극의 형식으로 인간의 신체를 빌려 몸과 언어를 사용해 표현해냄으로써, 그 궁금증을 표출해왔다. 시간의 흐름에 따라 현대사회의 발전과 대중문화의 번성으로 종교적 의미의 제의는 연극으로, 연극은 순수예술에서 상업예술로 점차 몸집을 키워 견고한 성벽처럼 느껴지던 고전마저도 젊은 예술가들의 상상력을 더해 새 유형의 음악이 조화를 이뤄 기존의 것과는 전혀 다른 모습으로 대중 앞에 등장하였다. 이 연구는 사례연구로서, 현재 공연예술계에 나타나는 현상학적 사례분석을 통해 위 두 작품을 가까이서 느끼고 직접 관람하며 관련 분야 전문가들의 인터뷰와 선행연구 등을 바탕으로 고전에 더한 음악의 중요성에 관한 고찰에 이르게 되었다. 특히, 앞서 제시한 두 작품의 비교연구에서 주목할 만한 공통점으로 첫째, 극 중 해설자 역할의 등장과 둘째, 그리스 비극과 신화를 작품의 소재로 활용한 점 셋째, 신과 인간의 관계를 주제로 다루고 넷째, 타 극과 달리 코러스와 앙상블의 적극적 개입을 꼽을 수 있다. 반면에 차이점으로는 첫째, 음악적 스타일 둘째, 안무의 표현법 셋째, 형식적 측면에서 원작의 재해석과 창작극이라는 점 넷째, 창작진의 결말에 대한 해석 등이 필자가 본 연구를 통하여 밝히는 바이다.

This study illuminates the relationship between God and humans through comparative analysis of creative musical plays and licensed musical, and the conflicts and concerns between the laws of survival as humans, the cause and reason for existence, fate and fate, and the problems of will and choice are still to us. It starts with a reminder that it is a serious unresolved issue. For that long, ancient Greek tragedies and myths have been handed down through records and oral traditions, and from the past to the present, they have expressed their curiosity by borrowing the human body and expressing them using body and language within the form of stage plays as an artistic genre. As time goes by, with the development of modern society and the flourishing of popular culture, religious rituals are transformed into plays, and plays have grown from pure art to commercial art. In harmony with the music, it appeared in front of the public in a completely different form from the existing ones. This study is a case study. Through phenomenological case analysis that appears in the current performing arts world, it is possible to feel and directly view the above two works, and to consider the importance of music in addition to the classics based on interview with experts in related fields and previous studies. In particular, noteworthy commonalities in the comparative study of the two works are the appearance of the narrator in the play and the use of Greek tragedies and myths as the subject matter of the work. Dali mentions the active intervention of the chorus and ensemble. On the other hand, the differences are first, musical style, second, expression of choreography, third, reinterpretation of the original work in terms of formality and creative play, and fourth, interpretation of the ending of the creative team, etc are what the author reveal through this study.

국내 뮤지컬 시장은 2010년 1천5백억원 규모에서 2012년 3천억원 규모로 급속히 성장하였으며 년간 2천여편 이상의 작품이 제작되어지고 있다. 하지만 대규모 자본의 지원 하에 제작되는 해외 라이센스 뮤지컬, 블록버스터 영화, 드라마 등에 밀려 창작 뮤지컬 제작 여건은 여전히 어려운 상황이다. 미디어 기술의 발전 및 매체 간 융합이 가속화 함에 따라 뮤지컬 시장의 성장 가능성은 더욱 높아졌으나 구체적 발전 방향에 대한 연구는 부족한 실정이다. 이에 본 연구는 최근 작품 사례를 중심으로 시대적 트렌드 반영(브랜드화, 미디어아트 기술 적용)과 원 소스 멀티 유즈(One Source Multi Use)의 적용을 통한 콘텐츠 개발 및 창작 환경의 활성화 방안을 연구 하였으며, 해당 결과는 향후 뮤지컬 업계의 발전 방안으로 새로운 시사점을 제공 할 수 있을 것으로 생각한다.

The size of domestic musical market is reached to 300 million dollar in 2012 year from 150 million dollar in 2010 year and 2000 musical content and over per year have been produced. But the content producing circumstance of creative musical contents is difficult to being pushed by foreign license musical and blockbuster film, dram which are produced by support of mass capital. With the development of media technology and accelerating of media convergence, the possibility of growth potential for musical content market become higher, but we still lack research on more detail ways of development strategy. In this study, content development and activating method of creative environment are investigated by application of current trend( branding, media art technology application) and OSMU( One Source Multi Use) based on the recent musical contents. It is considered that this research result would provide musical market a new way of development in future.

다드(J. Dodd)에 따르면, 음악작품은 창조되는 것이 아니라 발견된다. 필자는 ‘발견’이라는 개념이 함축하는 내용을 중심으로 다드의 입장을 비판한다. ‘발견’이라는 개념은 적어도 다음 두 가지 사실을 함축한다. 첫째, 잘못된 발견이 있어야 한다. 둘째, 발견되는 대상은 우리와 독립적으로 존재해야 한다. 다드는 첫 번째 함축을 부정하는데 그것은 잘못이다. 그는 두 번째 함축을 받아들이지만, 그것을 정당화하는데 실패한다. 필자는 I절에서 작곡이 발견이라는 다드의 입장을 간략하게 서술할 것이다. II절에서는 첫 번째 함축 내용을 제시한 샤프(R. A. Sharpe)의 비판을 옹호할 것이다. 나머지 두 절에서는 발견의 두 번째 함축 내용을 정당화하는 다드의 논증이 합당하지 못하다는 것을 보일 것이다. III절에서는 작곡되기 전에 음악작품이 이미 존재하고 있다는 주장에 대한 다드의 논증이 건전하지 않다는 것을 논증할 것이다. IV절에서는 그가 새롭게 받아들인 속성의 존재 기준이 가진 문제 때문에 새로운 논증도 건전하지 않다는 것을 논증할 것이다.

According to J. Dodd, a musical work is discovered, not created. I criticize this view by considering what are implied in the concept of 'discovery'. The concept of 'discovery' implies at least two facts: first, if an action is a discovery, it could turn out to be false; second, the object of discovery exists independent of our discovery. What I argue in this paper is the following: first, Dodd is wrong in denying the first implication; second, he fails to justify the second implication by his arguments. In the section I, I will present Dodd's view such that a musical work is discovered. In the section II, I will defend R. A. Sharpe's criticism. He criticizes Dodd by suggesting the first implication. I will argue that Sharpe's suggestion is right and Dodd's response to Sharpe's criticism is improper. In the sections III and IV, I will discuss the second implication. I will argue that Dodd does not sucessfully support that a musical work exists before a composer composes it. In discussing old and new arguments he provides, I will show that both have problems. His modified criterion of the existence of properties still does not help him to support the second implication.

음악 작품이란 어떤 존재자인가? 필자는 음악 작품이 유형이라는 점에는 동의하나, 그것이 영원하다는 플라톤주의에는 반대한다. 다드(J. Dodd)는 음악작품이 유형이며 영원한 존재자라는 주장을 옹호한다. 그는 세 가지 논증을 제시하는데 모두 문제가 있다. 그의 첫 번째 논증은 속성의 영원성으로부터 유형의 영원성을 도출하는 논증이다. 두 번째 논증은 작곡가가 음악작품을 작곡하기 이전에 그것이 이미 존재한다는 논증이다. 세 번째 논증은 음악작품은 인과관계에 들어갈 수 없다는 논증이다. 모든 논증이 합당하지 않다. I절에서 필자는 다드의 음악작품에 대한 플라톤주의를 간단하게 소개한다. II절에서는 첫 번째 논증을, III절에서는 두 번째 논증을 비판한다. 첫 번째 논증의 문제점은, 속성의 존재가 실체의 존재를 함축하지 않는다는 것이다. 두 번째 논증의 문제점은, 속성의 존재 기준이 명확하지 않아 이로부터 속성의 존재를 주장할 수 없다는 점이다. IV절에서는 세 번째 논증을 비판한다. 그는 인과 관계에 대해 존재론적으로 분석하지 않는다. 따라서 유형이 추상적이라는 이유만으로 그것이 인과관계에 들어가지 못한다고 주장할 수 없다.

What kind of entity is a musical work? I do not accept musical platonism, according to which it is an eternal type, although I think it is a type. J. Dodd presents three arguments for musical platonism. The first one is that of inferring the eternity of a type from that of a property. According to the second one, a musical work has existed before its composer composes it. According to the third one, a musical work cannot enter into the relation of causation. I argue that all arguments are implausible. I briefly present Dodd's musical platonism in I. I criticize the first argument in II, the second argument in III. The trouble of the first one is that the existence of a property does not imply that of a substance. The problem of the second one is that Dodd does not provide proper criteria of the existence of a property. I criticize the third argument in IV. I argue that he does not provide an appropriate ontological analysis of causation. Thus he does not have good reason to claim that a type cannot be a relatum of causation.

대중음악과 관련된 표절 분쟁이 실제로 소송화된 사례들을 들여다보면, 피고 측에서 거의 예외 없이 하는 주장 중의 하나가 바로 피고가 작곡한 음악저작물의 특정 부분과 유사한 것으로 보이는 원고의 음악저작물 부분("원고 대비 부분")은 일종의 '관용구'에 해당하는 것이므로 창작성이 없다는 주장이다. 그러한 주장을 뒷받침하기 위해 피고는 원, 피고 당사자들이 아닌 제3자가 작곡한 곡들을 사례로 제시하면서 그것이 원고 측 음악저작물의 해당 부분과 유사하다고 주장하곤 한다. 이러한 사안에 대하여 법원이 어떤 원칙과 기준을 가지고 판단하여야 할 것인지에 대하여는 여러 가지 의문점들이 제기되어 왔다. 이 논문에서 연구대상으로 삼은 판결(대법원 2015. 8. 13. 선고 2013다14828 판결)은 바로 위와 같은 쟁점을 가진 사건에 대하여 최초로 그 판단의 원칙과 기준을 제시한 중요한 판례이다. 대상판결이 위와 같은 사안에 대하여 제시한 판단기준은 다음과 같다. 첫째, 음악저작물에 대한 침해소송에서 원고의 음악저작물 전체가 아니라 그 중 특정 부분(‘원고 대비 부분’)이 피고에 의하여 침해되었다고 주장하는 경우에는 먼저 그 특정부분에 한정하여 그 부분이 창작성을 가지는지 여부를 우선적으로 판단해야 한다. 둘째, 피고가 ‘원고 대비 부분’과 유사한 다른 선행저작물들을 제시하면서 그것이 관용구(관용적 표현)에 불과하므로 창작성이 없다고 주장하는 것에 대하여 어떤 기준으로 판단해야 할지의 문제와 관련하여, 대법원이 직접적 언급을 하지는 않았지만 결과적으로 유용하고 명료한 해결지침을 제공하였다. 즉, 대법원은 그러한 경우에 비교대상 저작물들 하나하나와의 개별적인 비교 판단을 통해, 비교대상이 된 음악저작물의 특정 부분과 사이에, 원고 대비 부분이 복제물에 해당하는지를 따지는 방식으로 결론을 내림으로써 그러한 경우에 ‘관용구’라는 애매하고 불확실한 개념을 중심으로 문제해결을 시도하는 것은 적절하지 않다는 것을 말해 주고 있다. 일부 유사한 선행저작물이 있다는 것만으로 ‘관용구’라고 단정하는 것도 적절하지 않지만, 그렇다고 해서 그것이 ‘관용구’가 아니라는 이유로 그 부분을 포함한 원고 음악저작물의 전체적 창작성을 인정한 다음 피고의 침해 여부에 대한 판단으로 넘어가는 태도도 옳지 않다. 대법원은 그러한 전제 하에, 오로지 '원고 대비 부분'이 하나하나의 '비교 대상 저작물'과 사이에 복제물이라고 볼 수 있는 요건을 갖추었는지 여부를 엄밀하게 따짐으로써 그 창작성의 유무에 대한 결론을 내리는 것이 타당하다는 점을 분명히 하고 있다. 대상 판결이 제시한 이러한 판단기준은 창작성에 대한 기존의 법리와 조화를 이루는 것이라 할 수 있고, 동일한 쟁점을 내포한 이후의 음악저작물 저작권침해 소송에서 중요한 가이드라인 역할을 할 것으로 예상된다.

Looking at the cases where plagiarism disputes related to popular music were actually litigated, one of the arguments made by the defendant almost without exception is that the part of the plaintiff's musical work that appears to be similar to a specific part of the musical work composed by the defendant("the plaintiff work's compared part") is a kind of "common phrase" so there is no originality. To support such a claim, the defendant usually presents songs composed by third party musicians as examples, arguing that they are similar to the corresponding part of the plaintiff's musical work. A number of questions have been raised as to what principles and standards the court should use to judge these cases. The court decision which is the subject of this review(Supreme Court Decision 2013Da14828 Decided August 13, 2015, "the subject decision") is an important precedent that first presented the principles and standards of judgment in cases with the above issue. The judgment criteria suggested by the subject decision in relation to the above issue are as follows. First, in the case that the plaintiff claims that a specific part of the plaintiff's musical work ("the plaintiff work's compared part") was infringed by the defendant, the court should focus on that specific part rather than the whole work and judge first whether it has originality. Second, in relation to the issue of what criteria should be used to judge the defendant's claim that there is no originality because it is only a 'common phrase', presenting other prior works similar to 'the plaintiff work's compared part, the Supreme Court does not directly mention, but it does provide useful and clear solutions as a result. That is, in such cases, the Supreme Court makes a conclusion in such a way that, through individual comparison with each of the works to be compared, it is determined whether or not 'the plaintiff work's compared part' can be redeemed as a reproduction of the specific part of the prior musical work being compared. In this case, it shows that it is not appropriate to try to solve the problem around the vague and uncertain concept of 'common phrase'. Actually It is not correct to conclude that it is an 'common phrase' just because there are some similar prior works, but it is also not correct to conclude that its originality has to be recognized, just because it is not a 'common phrase'. The Supreme Court made it clear that it is appropriate to draw a conclusion about the existence of originality by strictly examining whether 'the plaintiff work's compared part' can be regarded as a reproduction of the other prior work. This judgment criteria suggested by 'the subject decision' is in harmony with the existing legal principles on originality of copyrighted work and is expected to serve as an important guideline in subsequent lawsuits for copyright infringement involving the same issue.

<당시(唐詩)를 위한 아카펠라>는 중국 현대 작곡가 장첸이(张千一)가 당나라 고전 시가를 가사 소재로 채택하여 작곡한 무반주 합창(이하 ‘아카펠라’) 모음곡이다. 본 연구는 이 작품을 대상으로 음악적 구조 및 선율적 특징, 화성 어법, 리듬 등 음악 언어적 측면과 더불어, 전통 시가와 현대 합창 창작 간의 예술적 접목 방식을 고찰하였다. 이를 통해 작품이 어떻게 중국적 미학과 서양 합창 기법을 융합하여 독창적인 예술적 성취를 이루었는지를 탐구하였다. 연구 결과, 장첸이는 오음음계를 기반으로 한 선율 구성과 중국어의 성조 억양을 반영하여 음악과 시적 정서의 일치를 도모하였다. 화성 구성에서는 조성적 모호성, 색채적 화성, 전통적인 성부 교차 기법을 활용함으로써 합창 음향의 입체성과 표현력을 강화하였다. 또한 음악적 텍스처(texture)에서는 다성부 음악, 병행 진행, 모방 등을 유연하게 배치하여 다층적 성부 관계와 풍부한 음향적 공간을 창출하였다. 리듬 처리에 있어서는 중국어 특유의 언어적 리듬감과 음악적 리듬을 통합하여 작품의 생동감과 언어성을 부각시켰다. 나아가 본 연구는 장첸이가 당대 고전 시를 현대 합창 음악의 언어로 재해석함으로써, 전통 문화의 현대적 계승과 예술적 변용을 시도한 과정을 밝히는 데 의의가 있다. 이러한 분석은 동시대 합창 창작 및 해석에 유의미한 참고 자료로서, 중국 합창음악의 발전 방향과 전통-현대의 융합 가능성에 대한 학문적 논의를 확장시키는 데 기여할 수 있을 것이다.

A Cappella for Tang Poetry is a suite of unaccompanied choral works composed by the contemporary Chinese composer Zhang Qianyi, who adopted classical Tang dynasty poetry as the textual foundation. This study examines the work from the perspectives of musical structure, melodic characteristics, harmonic language, and rhythm, while also considering the artistic integration between traditional poetry and contemporary choral composition. In doing so, it explores how the piece fuses Chinese aesthetics with Western choral techniques to achieve a distinctive artistic accomplishment. The findings reveal that Zhang Qianyi constructs melodies based on the pentatonic scale and incorporates the tonal inflections of the Chinese language to enhance the alignment between music and poetic sentiment. In terms of harmonic writing, he employs tonal ambiguity, coloristic harmonies, and traditional voice-crossing techniques to enrich the dimensionality and expressive power of the choral sound. The musical texture is shaped through the flexible use of polyphony, parallel motion, and imitation, thereby creating multilayered voice relationships and a resonant sonic space. In rhythm, Zhang integrates the linguistic rhythm of Chinese with musical rhythm, highlighting both the vitality and the linguistic character of the a cappella writing. Furthermore, this study underscores the significance of Zhang’s reinterpretation of classical Tang poetry through the medium of contemporary choral music, revealing a process of cultural inheritance and artistic transformation. Such analysis not only serves as a valuable reference for contemporary choral composition and interpretation but also contributes to expanding scholarly discourse on the integration of tradition and modernity in Chinese choral music.