Earticle

본고는 나홍진의 <곡성>(2016)과 장재현의 <파묘>(2024)를 중심으로, 한국 오컬트 영화가 식민지 경험의 기억을 친일・반일・항일 정동의 길항 속에서 현재화하는 재현 전략을 분석하였다. 친일은 일제 강점기의 부역과 협력 행위에 한정되지 않으며, 해방 이후에도 자본과 권력을 기반으로 지속되어 현재 한국 사회의 공동체 경계와 집단 정체성, 사회적 불안과 정치적 적대를 조직하는 정동 체제로 작동한다. 두 작품은 청산되지 않은 식민지 기억이 현재를 교란한다는 문제의식을 공유하지만, 재현 방식에서는 차이를 보인다. <곡성>은 일본인 외지인, 무당 일광, 경계적 존재 무명, 경찰관 종구를 둘러싼 갈등과 대립을 통해 역사적 진실에 대한 공동체의 오판과 내부의 불신을 드러내며, 반일 정동이 역설적으로 친일 정동을 호출하는 악순환 속에서 식민지 기억의 유령성을 재현한다. 반면 <파묘>는 친일파 조상과 오니, 파묘 의례와 결합해 식민지 기억의 현재성을 역사적 인과성 속에서 구성하고, 항일 기억을 체현한 인물들의 연대와 실천으로 친일 정동을 봉인하며 공동체 회복의 가능성을 제시한다. 본고는 한국 오컬트 영화가 식민지 기억을 현재의 감각과 정동으로 번역하며, 이를 문화적 기억으로 지속시키는 실천이라는 점을 조명하였다. 친일은 식민지 경험의 집단적 트라우마와 결부되어, 과거사 청산과 역사 인식을 둘러싼 사회적 갈등 속에서 반복적으로 호출되는 정치적 정동 체제로 작동한다. 두 작품은 식민지 기억이 비판적 성찰과 계승의 대상이자 장르적 상상력의 원천임을 시사한다. 나아가 장르 영화는 공포와 서스펜스가 주는 감각적 즐거움 속에서 관객을 역사적 기억과 조우하게 한다. 이러한 논의는 한일국교정상화 60주년을 맞아 성찰적 역사 인식의 공유와 미래지향적 한일관계를 모색하는 데 하나의 문화적 시사점을 제공한다.

This article examines the representation of colonial memory and pro-Japanese affect in contemporary Korean occult cinema. Focusing on Na Hong-jin’s The Wailing (2016) and Jang Jae-hyun’s Exhuma (2024), it explores how memories of Japanese colonial rule are reactivated through the antagonistic dynamics of pro-Japanese, anti-Japanese, and anti-colonial affect. Building upon scholarship on Korean occult cinema, including studies of genre hybridity, postcolonialism, historical trauma, and shamanism, the article reconceptualizes chinil (pro-Japanese) not simply as historical collaboration during the colonial period, but as an affective regime through which the unresolved legacy of colonialism continues to shape collective identity, social anxiety, and political antagonism in contemporary Korea. In this sense, Korean occult cinema translates colonial memory into present-day social conflict through the conventions of horror and the occult. The analysis demonstrates that although both films share the concern that unresolved colonial memory continues to haunt the present, they employ fundamentally different representational strategies. The Wailing constructs an atmosphere of uncertainty through the relationships among the Japanese outsider, the shaman Il-gwang, the mysterious woman Moo-myeong, and the policeman Jong-gu. The film depicts a vicious cycle in which anti-Japanese affect paradoxically reinforces pro-Japanese affect, rendering colonial memory as a spectral and uncanny presence. By contrast, Exhuma visualizes colonial memory more explicitly through the pro-Japanese ancestor, the Oni, and the exhumation ritual, while presenting collective solidarity and ritual practice as means of confronting and containing pro-Japanese affect. Whereas The Wailing emphasizes invisibility, ambiguity, and the proliferation of affect, Exhuma historicizes colonial memory and imagines the possibility of communal recovery. This article argues that Korean occult cinema does not merely represent colonial history but transforms it into an affective structure through which contemporary social conflicts are understood and experienced. It further contends that chinil should be understood not only as a historical category referring to colonial collaboration but also as a political affective regime repeatedly mobilized in contemporary struggles over historical memory and postcolonial identity. By translating historical trauma into cinematic affect, Korean occult cinema functions as a cultural medium through which colonial memory is continually reimagined and transmitted to new generations. In doing so, these films suggest that critical engagement with colonial memory remains essential not only for understanding contemporary Korean society but also for fostering historical reflection and a more future-oriented relationship between Korea and Japan.

본 연구는 한국의 다양한 문화 콘텐츠, 특히 K-드라마, K-pop, K-movie가 세계적으로 확산되고 있는 현상을 번역학적 입장에서 조명해 보고자 하였다. 최근에 한류로 불리는 한국의 문화 콘텐츠가 세계 각국에 강한 인상을 남기며 그 영향력을 급속도로 확대해 나가고 있다. 이러한 흐름 속에서 최근 영화 “645”와 “파묘”와 같은 문화적 색채가 짙은 한국 영화가 베트남에서 연이어 큰 성공을 거두고 있다. 본 연구는 이들 영화가 베트남에서 성공을 거둘 수 있었던 배경에는 단순히 영화의 내용이나 연출력뿐만 아니라 한국과 베트남 간의 문화적 간극을 최소화하기 위한 번역가들의 노력이 큰 역할을 했다는 점에 주목했다. 이에 따라 본 연구에서는 영화 ‘파묘’의 베트남어 자막에서 한국의 역사, 문화, 사회와 관련된 어휘들 즉 문화소(Cultureme)가 어떠한 번역 양상을 나타내는지에 대한 분석을 연구의 주요 목표로 설정했다. 본 연구는 서론에서 연구의 목적과 선행연구를 2장에서는 영상 번역과 자막 번역의 특징을 소개했다. 이어지는 3장에서는 문화소와 번역전략에 관한 다양한 연구와 이론을 다루었다. 특히, 이 장에서는 영화 “파묘”의 한국어 자막에서 문화소를 체계적으로 이해하고 분석하는 과정에서 유용한 뉴마크(Newmark)의 문화소 분류 방식을 원용하여 한국어 자막에 나타난 문화소를 추출했다. 그리고 자막에서 문화소 번역전략에 특화된 페데르센(Pedersen)의 자막 번역전략을 활용하여 베트남어 자막에 나타난 문화소 번역 양상을 구체적인 번역 사례를 들어 고찰해 보았다. 이를 통해 한국어를 베트남어로 전환할 때 문화소에 적용된 번역전략이 베트남인들에게 어떻게 전달되는지를 분석하고자 하였다. 그 결과 영화 ‘파묘’의 베트남어 자막에서 출발어의 문화소들을 도착어에 효과적으로 전달하기 위해 몇몇 특정한 번역전략이 우세를 보이고 있음을 알 수 있었다. 이를 구체적으로 살펴보면 출발어 지향적 번역전략의 갈래인 보존 전략이 27회(45.8%)로 가장 많이 사용된 것으로 나타났다. 이는 우리나라와 베트남 즉 출발어 문화권과 도착어 문화권 사이에 문화적 유사성이 많다는 것을 보여주는 동시에 출발어 문화권의 문화적 정체성을 유지하고자 하는 의도를 보여주는 것으로 판단된다. 이 밖에도 도착어 지향적 번역전략인 대체를 11회(19.3%), 일반화를 9회(15.8%) 적용함으로써 출발어 문화권의 문화적 요소에 대한 베트남 관객들의 이해를 돕는 데 기여하고 있었다. 이는 수많은 신조어, 유행어 등이 끊임없이 생성되고 일순간에 사라지는 현대 언어생활로 인해 베트남어로의 전환 시에 생긴 어휘의 공백을 보상하는 과정에서 도착어 지향적인 번역전략이 다수 사용된 것으로 생각된다. 둘째, 문화소 분류 범주별로 적용된 번역전략을 살펴보면 생태 문화소 11개 모두가 대체 전략을 사용했으며, 물질문화소에서는 대체, 생략, 보존 전략이 각각 1회, 사회문화에서는 일반화 5회, 구체화 1회, 조직, 관습 관련 문화소에서는 일반화 4회 보존 15회, 대체 6회, 구체화 2회 직접 번역전략이 2회, 언어문화에서는 대체 전략이 3회 사용된 것으로 나타났다. 이를 종합하면 한국어에서 베트남어로 문화소를 번역할 때 역사, 문화적 유사성과 어휘적 유사성을 바탕으로 보존 전략이 한국어에 서 베트남어로의 번역에 있어 가장 유효한 번역전략이라는 사실을 도출해 낼 수 있었다. 이러한 측면에서 해당 연구는 한국의 문화 콘텐츠가 베트남어로 효과적으로 전달되기 위해 적용되어야 할 번역전략을 파악하는 데 중요한 기초 자료로도 활용될 수 있을 것으로 판단된다.

This study aims to shed light on the global spread of various Korean cultural contents, particularly K-dramas, K-pop, and K-movies, from a translation studies perspective. Recently, Korean cultural content, known as the Korean Wave or Hallyu, has been making a strong impression around the world, rapidly expanding its influence. In this context, culturally rich Korean films such as “645” and “Exhuma” have recently achieved significant success in Vietnam. This study focuses on the fact that this success is not only due to the content or directorial prowess of the films but also to the efforts of translators to minimize the cultural gap between Korea and Vietnam. Accordingly, the main goal of this study is to analyze the translation patterns of culturemes-terms related to Korean history, culture, and society—in the Vietnamese subtitles of the film “Exhuma.” To this end, Chapter 2 discusses the characteristics of audiovisual and subtitle translation, while Chapter 3 covers the theories and concepts presented by various scholars and prior studies on culturemes and translation strategies. Specifically, in Chapter 3, Newmark’s classification of culturemes, which is useful in systematically understanding and analyzing culturemes in the Korean subtitles of the film “Exhuma,” was utilized to extract these culturemes. Subsequently, Pedersen’s subtitle translation strategies, which are specialized for translating culturemes in subtitles, were applied to examine the translation patterns of culturemes in the Vietnamese subtitles through specific translation examples. This analysis demonstrated how the translation strategies applied to culturemes in the transition from Korean to Vietnamese were conveyed to the Vietnamese audience. The results revealed that certain translation strategies were predominantly used to effectively convey the culturemes from the source language in the Vietnamese subtitles of the film “Exhuma.” Specifically, preservation, a source-oriented translation strategy, was used most frequently, appearing 27 times (45.8%). This suggests that there are significant cultural similarities between Korea and Vietnam, indicating an intention to maintain the cultural identity of the source language. Additionally, target-oriented translation strategies such as substitution (11 times, 19.3%) and generalization (9 times, 15.8%) were applied to help Vietnamese audiences better understand the cultural elements of the source language. This suggests that target-oriented translation strategies were often used to compensate for lexical gaps that arose during the translation of newly coined words, slang, and other contemporary language elements from Korean to Vietnamese. Furthermore, an analysis of the translation strategies applied by cultural category revealed that substitution was used for all 11 ecological culturemes, while substitution, omission, and preservation were each used once for material culturemes. For socio-cultural culturemes, generalization was applied 5 times and specification once. For organizational and customary culturemes, generalization was applied 4 times, preservation 15 times, substitution 6 times, specification twice, and direct translation twice. For linguistic culturemes, substitution was used 3 times. Overall, it can be concluded that, when translating culturemes from Korean to Vietnamese, the preservation strategy is the most effective translation strategy, based on historical and cultural similarities and lexical equivalence. In this regard, this study can also serve as essential foundational data for identifying translation strategies that should be applied to effectively convey Korean cultural content into Vietnamese.

본 연구는 2020년대 이후 한국에서 제작된 무속 관련 영상 콘텐츠들을 분석하 여, 이들이 동아시아 샤머니즘의 전통을 어떻게 계승하고 변주하며 재현하고 있는 지를 살펴보고자 하였다. 근대화 이후 샤머니즘은 이성주의 합리적 사관에 벗어난 다는 이유로 미신으로 간주되어 퇴색되었지만 코로나19 팬데믹 이후 사회 전반에 확산된 불안과 과학주의에 대한 회의는 무속과 같은 전통적 감응 체계를 새로운 방식으로 호출하게 만들었고 다시 대중 매체를 통해 확산하는 조짐을 보이나. 그 러나 이러한 재현은 단순한 부활이 아니라, 현대 오컬트 장르의 시청각 문법에 맞 춰 조정되어 타자화 된 채 재현되고 있음을 비판적으로 고찰해 보고자 하였다. 이 에 20년대 이후 영상콘텐츠 중 흥행 지표를 고려하여 ≪잠≫, ≪선산≫, ≪파묘≫, ≪검은 수녀들≫, ≪클로젯≫의 다섯 작품을 대상으로 무속의 재현 방식을 크게 두층위로 나누어 분석하였다. 서구에서는 샤머니즘을 공동체성과 도덕성을 고려하지 않은 개인 기복만을 위한 주술이나 미신으로 타자화 해왔지만, 동아시아 샤머니즘 에서는 신과 인간 사이의 중재를 통한 해원(解寃)과 공동체 회복을 중시 한다. 특 히 한국에서 샤머니즘은 ‘무당’이 그 의례를 수행하는 사제로 무속 신앙으로 나타 난다. 한국 영상 콘텐츠에서 무속은 공포․퇴마 중심의 장르와 결합하여 그로테스 크함을 강조하면서 신비주의(미스터리)를 강화하는 경향을 보인다. 이러한 경향은 무속이 단지 시청각적 긴장 장치로 존재하면서 의미 작용의 권한을 갖지 못한 채, 자기 오리엔탈리즘적 구조로 작동함을 시사한다. 본 연구는 동아시아 샤머니즘의 현대적 부활이 장르적 기능성이나 자기 오리엔탈리즘의 프레임 안에서 제한되고 있음을 비판적으로 바라보고 무속의 해원 중심의 정서 구조나 공동체적 발화 구조 를 회복을 위한 방향성을 제언해보고자 한 것에 의의를 둔다.

This study examines how shamanistic elements have been inherited, transformed, and represented in Korean visual media content produced in the 2020s. While shamanism in East Asia traditionally functioned as a ritual system for mediating between the human and the divine, modern rationalist paradigms, particularly during Korea’s modernization, relegated it to the realm of superstition. In the wake of the COVID-19 pandemic, growing public anxiety and skepticism toward scientific rationalism have led to the renewed invocation of traditional affective systems, such as Korean shamanism, particularly in popular media. However, this resurgence does not signify a return to its original function; rather, shamanism is often reconfigured and aestheticized within the visual and narrative conventions of modern occult genres. This study critically investigates this phenomenon by analyzing five commercially successful Korean films: Sleep, The Cursed: Dead Man’s Prey, Exhuma, The Nun II: Shaman’s Wrath, and The Closet. The analysis is structured across two levels of representation: one wherein Shamanism is evoked but stripped of its agency and another where it is functionally integrated into occult genre conventions. Unlike the Western tradition that often frames shamanism as irrational or exotic, East Asian shamanism—particularly the Korean musok tradition—centers on emotional healing (haewŏn) and the restoration of communal order through the mediatory role of the mudang (shaman). Nevertheless, recent Korean content has tended to emphasize grotesque imagery and mystery, embedding shamanistic motifs within horror-oriented and exorcism-oriented genre structures. This paper argues that such representations frequently operate within the framework of self-orientalism, in which Korean Shamanism is reduced to a cultural signifier devoid of interpretive power. The study aims to reveal how the modern revival of East Asian Shamanism is constrained by genre functionality and global market expectations and proposes the recovery of its emotional and communal narrative structure as a meaningful cultural alternative.

이 영화는 각 장에 부가한 제목과 함께 내용을 전개하면서 책을 읽는 듯한 느낌까지 제공한다는 점에서 독특한 구성을 보인다. 더 흥미로운 점은 무속신앙의 면모를 깊이 있게 다룸으로써 혼령, 정령 등의 차이와 물과 불, 쇠와 막대 등의 상극 관계에 대해서도 소개하고 있다는 점으로, 이성의 공간인 현실에 펼쳐진 비이성적 개념인 혼, 귀 등에 대한 이해를 촉구한다. 한국이라는 공간에서 묫자리는 어떤 개념으로 운용되는가와 그곳의 혼령과 억울함을 털어내지 못하고 죽은 혼귀가 정령으로 남아 산자들을 괴롭히는 것에 이르기까지 삶의 공간 속에 들어온 죽음의 의미는 무속 신앙에 대한 이해의 지평을 확장하게 함을 알 수 있다. 물과 불의 관계, 쇠와 목의 관계 등 일상에서 간과하기 쉬운 부분에 대해 종교적 시각에서는 어떻게 바라보고 있는지를 정령에 대처하는 모습을 통해 명확하게 보여주었다. 종교적 제의가 사자들의 혼을 위로하고, 결국에는 그들의 이야기를 들어주고 한을 풀어주는 것이 산자에게도 반드시 필요한 부분임을 알 수 있다. 결국 삶과 죽음은 하나의 연장선상에서 몸, 육체의 소멸로 끝나는 것이 아니라는 점을 보여주는 것이 무엇보다 중요하다. 이 지점에서 혼령에 대한 이해는 곧 핏줄에 대한 이해였고, 혼귀가 원하는 바를 파악하기 위해 그에게 말을 걸어 다가가는 방법이 결국 무속신앙을 통해 재현되고 있음이 매우 흥미로운 지점이다.

The film Exhuma (Digging Tombs), as one of the best Korean occult movies, is unique in adding its titles to each chapter. Interestingly, the film delves deeply into shamanism, exploring the differences between souls and nature spirits, as well as the conflicting relationships between water and fire, metal and wood. This approach encourages an understanding of irrational concepts like soul and ghosts within the rational realm of reality. The arduous efforts to console the spirits of the dead and prevent bloodline inheritance extends wide spectrums of shamanism in Korea. Particularly the meaning of a tiger is distiguished. It clearly demonstrates how religious perspectives can be applied in everyday life and how religious rituals comfort the spirits of the dead, listening to their stories and alleviating their grievances essential for the living as well. Ultimately, life and death is not a separate but continuous process, culminating in the annihilation of the body.

본 연구의 목적은 영화 <파묘>의 탈식민성을 규명하는 데에 있다. <파묘>는 일제강점기와 관련된 한국의 역사적 트라우마와 풍수 침략 모티프를 중심으로 전개된다. 본고는 친일/반일이라는 이분법적 도식에서 벗어나 <파묘>를 보다 첨예하게 분석하고, <파묘>를 둘러싼 상반된 견해를 포괄적으로 다루고자 한다. 본 논문은 <파묘>를 탈식민주의적 시각에서 분석한다. 주역들의 형상화와 문제 해결 과정에 내포한 탈이분법성을 밝히고, 아나크로니즘을 통한 악역 형상화가 식민주의를 비판하는 방식으로 작용함을 규명한다. 영화 속 주역들은 경계적 인물들로, 이분법을 초월하는 해결 방안을 통해 문제를 극복한다. 한편 표층적 악역인 친일파 근현과 심층적 악역인 오니를 구성하는 아나크로니즘은 우스꽝스러움을 유발함으로써 악역들이 표상하는 가부장제와 식민주의에 대한 해학적 비판을 달성한다. 본 연구의 의의는 <파묘>를 탈식민주의적 관점에서 분석함으로써 한국의 역사적 상처를 재조명하고, 기존의 이분법적 반일 담론을 넘어서는 가능성을 제시하였다는 데 있다. 이러한 논의를 통해 탈식민주의의 현대적 변용 가능성을 규명할 수 있을 것이다.

This study aims to examine the decolonialist implications of Jang Jae-hyun's film <Pamyo(Exhuma)>, which deals with the historical pain of Korea during the Japanese occupation and the effects of Japanese domination through the motif of ethnic extermination. This paper seeks to move away from the pro/anti-Japanese dichotomy to analyse the film more closely and comprehensively address the conflicting perspectives surrounding <Pamyo>. This paper analyses <Pamyo> from a postcolonial perspective. It reveals the inherent decoloniality of the film through the characterisation of the protagonists and the post-dualism of the problem-solving process, and discusses how the characterisation of the villain through anachronism works as a critique of colonialism. The film's protagonists are all boundary characters who overcome their problems through solutions that transcend dichotomies. On the other hand, the anarchronism that constitutes the ostensible villain, the pro-Japanese Geunhyun, and the in-depth villain, the Oni, achieves a satirical critique of patriarchy and colonialism by evoking the ridiculousness of the villains. The significance of this study is that by analysing <Pamyo> from a postcolonial perspective, it revisits the historical wounds of Korea and suggests the possibility of moving beyond the existing binary anti-Japanese discourse. Through this discussion, it is possible to identify the contemporary transformative potential of postcolonialism.

본 연구는 <파묘>와 <부산행>에서 헤테로토피아 공간이 사건과 인물의 관계를 재배치해 서사적 긴장을 형성하는 방식을 비교한다. 푸코를 중심으로 르페브르·드 세르토·오제·캐럴을 보완적으로 참조해 공간을 상징적 배경이 아닌 서사의 구조적 조건으로 파악하였다. 핵심 장면에는 공간 전환의 계기, 공간 규칙의 변화, 인물 행위의 제한, 갈등의 집중, 서사적 긴장 형성의 다섯 항목을 공통 적용하였다. 이들은 전환 과정·성립 조건·서사적 결과의 세 단계로 구성되며, 공간 규칙의 변화는 이질성·출입 통제·기능 전도·시간의 중층성으로 판별하였다. 분석 결과, 두 영화의 일상 공간은 특정 사건을 계기로 이질적 질서의 공간으로 전환되고, 변화된 규칙은 인물의 이동과 선택을 제한해 갈등을 공간 내부에 집중시키고 서사적 긴장을 형성하였다. <파묘>의 묘지·봉분·묘혈은 과거와 죽음의 질서가 축적·침투하는 고정형 헤테로토피아로, <부산행>의 열차·객차·통로·출입문은 이동·폐쇄·공간 분할로 위기와 갈등을 압축하는 이동형 헤테로토피아로 작동한다. 두 유형은 푸코의 기존 분류가 아니라 동일한 분석 항목의 적용에서 도출된 시론적 구분이다. 본 연구는 헤테로토피아를 상징적 공간 해석을 넘어 공간 규칙이 인물 행위·갈등·서사적 긴장을 조직하는 과정을 분석하는 방법론적 틀로 확장한다.

This article compares how heterotopic space rearranges events, character agency, and conflict to generate narrative tension in Exhuma and Train to Busan. Drawing on Foucault with support from Lefebvre, de Certeau, Auge, and Carroll, the study treats space as a structural narrative condition rather than a symbolic background. Comparative textual analysis applies five items to key scenes: the trigger of spatial transition, changes in spatial rules, restriction of character agency, concentration of conflict, and formation of narrative tension. These items are organized into three stages?transition process, formation conditions, and narrative outcomes?while spatial rules are assessed through heterogeneity, access control, functional inversion, and temporal layering. The analysis finds that specific events transform everyday spaces into heterogeneous orders whose rules restrict movement and choice, concentrate conflict, and generate narrative tension. In Exhuma, the grave, burial mound, and burial pit form a fixed-type heterotopia through the accumulation and intrusion of the past and the order of death. In Train to Busan, the train, cars, aisles, and doors form a mobile-type heterotopia that compresses crisis and conflict through movement, closure, and spatial division. These types are not Foucault’s categories but provisional distinctions derived from the same analytical items. The study extends heterotopia beyond symbolic interpretation into a framework for analyzing how spatial rules organize character agency, conflict, and narrative tension.

The reality in occult cinema is no longer just the reality in the movie, but also a realm of the predictable dystopian world that human beings will face. This paper examines the characteristics of occult cinema in the films of The Mummy (2017) and Exhuma(2024). The feelings of anger that the protagonists express towards the world in the two movies are motivated by a strong desire for a new utopia that they want to tell the world about. The boundary between 'real' and 'fake' coexists with the subject and the abject, and as the realm of the ‘Chora’ leads to chaos and fear. However, the space and realm around it takes on the character of the potential that Gilles Deleuze claims. Since the process of reproducing horror feelings and resolving them are ultimately up to humans, the object of the occult genre remains the process of finding the essence of human beings and its ontological meaning, and the dystopia in the occult genre is reinterpreted to mean the desire of human beings to find utopia.

장재현 감독이 연출한 오컬트 영화 <파묘>는 2024년 2월 22일 개봉하여 32일차인 3월 24일에 누적 관객 수 1천만을 돌파한 바 있다. 대한민국 박스오피스에서 천만 명이라는 관객 수는 영화의 성공을 판가름하는 핵심적인 지표로 활용되며 특히 <파묘>는 국내 영화사에서 오컬트 호러 영화 최초로 천만 관객을 기록했다는 점에서 그 의의가 크다. 그러나 흥행 성공과는 별개로, 감독의 인터뷰, 영화 평론 커뮤니티 등에서 파악된 흥미로운 사실이 있다. 관객 대다수가 <파묘>를 전반부와 후반부로 명확히 나눠진 작품이라고 평가하려는 경향성이 관측된다는 점이다. 이는 기획자와 수용자의 독해법의 차이에 따른 현상이라고 해석된다. 이에 본고는 <파묘>의 플롯을 크리스토퍼 보글러의 12단계와 조셉 캠벨의 17단계, 두 가지 측면으로 분석함으로써 기획자와 수용자의 다양한 관점을 제시하고자 했다. 보글러의 이론은 <파묘>를 응시하는 일반 수용자의 입장을 대변하며 캠벨의 이론은 작품의 전반부와 후반부를 서사적으로 구분하여 연출하려는 의도가 없었다는 감독의 입장을 대변한다. 그리고 두 이론이 분화되는 지점이 <파묘> 스토리텔링의 소실된 공간, 상상적 대화 공간을 확인할 수 있는, 다시말해 스토리의 소실과 재생산이 활발히 일어나는 기획자-수용자 대화의 장임을 확인할 수 있었다. 본고는 <파묘> 분석을 통해 작품을 하나의 ‘갔다가 돌아오는’ 스토리로 파악할 수 있게 하는 인사이트를 제시함과 동시에 기획자와 수용자의 서사 해석의 불일치 양상을 설명하고자 했다.

The occult film <Exhuma>, directed by Jang Jae-hyun, was released on February 22, 2024, and on March 24, the 32nd day, it surpassed 10 million cumulative viewers. At the Korean box office, 10 million viewers is a key indicator of a movie's success, and it is especially significant because it is the first occult horror film to reach 10 million viewers in Korean cinema history. However, apart from the box office success, there are other interesting findings from interviews with the director and the film criticism community. The majority of the audience tends to evaluate the film as a work that is clearly divided into a first half and a second half. This is interpreted as a phenomenon due to the difference in the reading method of the director and the audience. Therefore, this paper analyzes the plot of <Exhuma> from two aspects, Christopher Vogler's 12 steps and Joseph Campbell's 17 steps, in order to present the different perspectives of the director and the audience. Vogler's theory represents the position of the general audience, and Campbell's theory represents the director's position that he did not intend to create a narrative division between the first half and the second half of the film. The point of divergence between the two theories is a place of dialog between the director and the receiver, where we can identify the ‘lost space’ storytelling, and the ‘Imaginative communication space’ of <Exhuma>. Through the analysis of <Exhuma>, this paper attempts to provide insights that allow us to understand the work as a narrative that 'goes away and comes back,' while also explaining the discrepancies in the narrative interpretations of the producers and the audience.

본 논문은 2024년 한일 양국에서 큰 반향을 일으킨 영화 <파묘>와 드라마 Eye Love You를 중심으로, 양국 관계의 저변에 존재하는 식민지적 유산과 문화적 무의식이 대중문화에서 어떻게 재현되는지 분석하였다. <파묘>는 일본을 초자연적 공포의 형상으로 재현하면서 한국인의 민족 정체성을 강화하는 동시에, 일본을 소통 불가능한 ‘절대 타자’로 규정하여 역사적 트라우마를 초월적 방식으로 해소하고자 한다. 반면, Eye Love You는 한국 남성을 순수하고 매혹적인 존재로 타자화하면서도 일본의 과학적･이성적 우월성을 강조하여 한국을 여전히 ‘지도’와 ‘보호’의 대상으로 위치시킨다. 두 작품 모두 제국/식민지, 과학/비과학, 이성/감정이라는 일제강점기의 이항대립 구조를 변주하며 한일 관계의 갈등과 소통의 한계를 드러낸다. 특히 <파묘>에서 일본은 제거의 대상으로만 설정되어 공감과 대화의 가능성이 봉쇄되고, Eye Love You의 소통 역시 상호 존중이 아니라 타자의 해체와 포섭으로 귀결된다. 이는 두 작품이 타자를 절대화하거나 대상화하는 방식으로 결국 한일 관계의 근본적 소통의 어려움을 반복적으로 재현하고 있음을 보여준다. 이러한 분석을 통해 본 연구는 한일 간 진정한 화해가 민족주의적 정체성 강화나 피상적 교류의 제스처를 넘어, 양국이 공유하는 보편적 가치를 바탕으로 전체주의와 국가주의, 타자를 도구화하는 시선을 공동으로 성찰하는 데서 출발해야 함을 제안한다. 문화적 상상력이 이러한 성찰을 매개할 때, 한일 관계의 미래는 배타적 민족주의를 넘어선 새로운 상호 이해의 지평을 열 수 있을 것이다.

This paper analyzes how the colonial legacy and cultural unconscious underlying Korea?Japan relations are represented in contemporary popular culture, focusing on two major cultural hits of 2024: the Korean film Exhuma (Pamyo) and the Japanese drama Eye Love You. Exhuma depicts Japan as a figure of supernatural horror, reinforcing Korean national identity while casting Japan as an irredeemable “absolute Other” and seeking to resolve historical trauma through a transcendental framework. In contrast, Eye Love You portrays the Korean male protagonist as a pure and attractive Other, while simultaneously emphasizing Japan’s scientific and rational superiority, situating Korea once again as an object of “guidance” and “protection.” Both works reiterate binary oppositions rooted in the colonial period?empire/colony, science/superstition, reason/emotion?and thereby expose the limits of communication and reconciliation in bilateral relations. In Exhuma, Japan is positioned solely as an object of elimination, foreclosing any possibility of empathy or dialogue. Likewise, the communication presented in Eye Love You culminates not in mutual recognition but in the dissolution and appropriation of alterity. In this sense, both works reproduce the fundamental difficulty of dialogue between Korea and Japan by absolutizing or objectifying the Other. Through this analysis, the study argues that genuine reconciliation requires moving beyond nationalist identity-building or superficial gestures of exchange, and must begin with a joint critical reflection on totalitarianism, statism, and the instrumentalization of the Other, grounded in universal values. Furthermore, it suggests that cultural imagination, when mediating such reflection, can open a new horizon of mutual understanding beyond exclusionary nationalisms.

본 논문은 장재현 감독의 <사바하>(2019)와 <파묘>(2024)를 통해 한국 사회에 유령적으로 지속되는 식민지 남성성의 양상을 규명하고, 이에 대응하는 두 가지 탈식민적 상상력—경계적 연대와 민족주의적 봉합—의 가능성과 한계를 분석하고자 했다. 특히 기존 연구의 한계를 벗어나 탈식민주의와 젠더 이론을 결합한 분석틀과 데리다의 유령론을 통해 식민지 지배가 물리적으로 종료된 후에도 담론적·심리적 차원에서 작동하는 양상을 포착하고자 했다. <사바하>는 1899년생 김제석이라는 식민지 남성성의 유령을 통해 페미사이드와 가부장제의 구조적 폭력을 고발한다. 영화는 불교적 세계관을 활용한 종교적 혼종성으로 서구 중심적 선악 이분법을 해체했고, 정나한의 ‘아버지 죽이기’를 통해 가부장적 권위 자체를 근원적으로 해체한다. 또한 박웅재, 정나한, ‘그것’으로 이어지는 경계적 연대는 혈연과 권위를 넘어선 수평적 관계, 공통된 억압 경험, 돌봄과 증언의 윤리에 기반하지만 구원 불가능성이라는 절망적 현실 인식을 동반하며 쉬운 봉합을 거부하고 있음을 논했다. 반면 <파묘>는 친일파 박근현의 망령과 일본 오니를 퇴치하는 과정에서 김상덕이라는 ‘정의로운 아버지’를 등장시켜 식민지 시기 훼손된 남성성을 복원하고 있음에 주목했다. 무속을 매개로 한 토착성의 복권과 땅과 핏줄에 기반한 유기체적 공동체 상상은 강력한 정서적 해소와 집단적 연대감을 제공한다. 그러나 초반의 경계적 연대 가능성은 점차 김상덕 중심의 남성 연대로 수렴되었으며, 화림으로 대표되는 여성 주체성은 최종 장면에서 보조적 역할로 축소되었다. 결국 완결된 듯 보이는 결말은 진정한 화해 없는 형식적 봉합이며 해결되지 않은 균열 위에 세워진 불안정한 해결임을 논했다. 이를 통해 두 영화가 상반된 전략을 취하지만 모두 불완전한 해결책에 머무르며 탈식민 과제가 이분법적 해결이 아니라 지속적, 비판적 성찰을 요구하는 복합적이고 현재진행형인 문제임을 밝히고자 했다.

This study examined the manifestations of colonial masculinity that spectrally persist in Korean society through director Jang Jae-hyun’s Svaha: The Sixth Finger(2019) and Exhuma(2024), and sought to analyze the possibilities and limitations of two postcolonial imaginations in response?liminal solidarity and nationalist suturing. In particular, moving beyond the limitations of existing research, this study employed an analytical framework combining postcolonial and gender theories and Derrida’s hauntology to capture how colonial domination continues to operate at discursive and psychological dimensions even after its physical termination. Svaha: The Sixth Finger denounced the structural violence of femicide and patriarchy through the specter of colonial masculinity embodied in Kim Je-seok, born in 1899. The film deconstructed the Western-centric binary of good and evil through religious hybridity utilizing a Buddhist worldview, and fundamentally dismantled patriarchal authority itself through Jung Na-han’s ‘killing of the father’. This study analyzed how the liminal solidarity connecting Park Woong-jae, Jung Na-han, and ‘that’ was based on horizontal relationships transcending blood ties and authority, shared experiences of oppression, and an ethics of care and witnessing, yet accompanied a despairing recognition of the impossibility of salvation and refused easy suturing. In contrast, this study noted how Exhuma restored the masculinity damaged during the colonial period by introducing Kim Sang-deok as a ‘righteous father’ in the process of exorcising the vengeful spirit of pro-Japanese collaborator Park Geun-hyeon and the Japanese oni. The restoration of indigeneity mediated through shamanism and the imagination of an organic community based on land and blood provided powerful emotional catharsis and collective solidarity. However, the possibility of liminal solidarity presented in the early stages gradually converged into a male-centered coalition led by Kim Sang-deok, and the female subjectivity represented by Hwa-rim was reduced to a supporting role in the final scenes. This study argued that the seemingly complete ending is formal suturing without genuine reconciliation, an unstable resolution built upon unresolved fissures. Through this analysis, the study sought to demonstrate that while the two films adopted contrasting strategies, both remained incomplete solutions, and that the postcolonial task is a complex and ongoing problem requiring continuous critical reflection rather than binary resolution.

This study examines Exhuma(2024), the terminus of Jang Jae-hyun’s occult trilogy, to clarify how the scapegoat mechanism and sacrificial narrative are critically transformed in a Korean context and how musok(Korean shamanism) is rearticulated—within the director’s auteurist framework—as both a narrative motor and a problem-solving device. The analysis adopts René Girard’s theory of sacrifice as its theoretical lens and combines comparative textual analysis of the trilogy with scene-level examinations of narration and character. The principal findings are as follows. First, The Priests(2015), Svaha: The Sixth Finger(2019), and Exhuma share a narrative architecture grounded in scapegoat ideology: diegetic Others are marked as scapegoats, while narrative agents are cast as marginal protagonists. Among these, Exhuma recenters “nation” and “history” as the axis of narration, exposing the articulation between scapegoat ideology and the exclusionary logic of nationalism; by laying bare its structural limits, the film proposes an ethical shift from exclusion of the Other to reception of the Other, thereby expanding the meaning of community and plotting a narrative of restoration and cohesion. Second, whereas musok has long been peripheral in Korean occult cinema, Exhuma elevates it into a practical system of problem-solving; in particular, its reconfiguration of the female mudang(shaman) overturns the genre’s conventional gender roles. Third, through these narrative and generic reconfigurations, Exhuma reduces reliance on the Western exorcism template and demonstrates the feasibility of a “Korean occult” genre grammar grounded in indigenous modes of thought. In sum, by critically reworking the sacrificial script to ethically reinspect self–Other relations and by installing musok as the axis of communal recovery to construct a narrative of haewon(解冤, ritual redress of grievance), Exhuma seeks autonomy from established genre conventions and narrative habits of the occult film. Building on this analysis, the study elucidates the film’s political, social, and cultural implications and proposes an interpretive framework explaining how Exhuma, by mediating historical context, indigenous religious–intellectual schemata, and ethical imagination, performs a distinctive genre practice that in turn renews the discursive terrain of the Korean occult genre and helps account for its commercial success.

현대 사회에서 전통적인 종교의 영향력은 약화되고 있으나, 초자연적인 존재나미지의 힘에 대한 관심은 오히려 증가하고 있다. 이는 미디어, 특히 대중영화가주요 매개체로 기능하며 새로운 형태의 영성적 담론을 생산하고 있음을 보여준다. 공간성으로서의 모임집단에서 나아가 한 사람을 숭배하는 대중매체로서의 종교성에 더 열광하는 세대를 만나고 있다. 전혀 새로운 모습을 맞이하는 신종교가 갖는의미도 세대가 다르게 열광하는 매체로서의 종교를 말하고 있다. 영화가 갖는 대중성은 이미 새로운 모습을 보여주는 것에서 나아가 창조하는 것에 초점이 맞추어 있다. 특히 <곡성>과 <파묘>는 한국적 샤머니즘과 무속신앙을 강렬한 서사로 풀어내며 대중에게 큰 반향을 불러일으켰다. 이 두 영화가 단순한 오컬트 장르를넘어, 현대인의 영성적 갈증과 신종교 현상 간의 복잡한 연결고리를 시사하고 있다는 문제의식에서 출발한다. 영화를 통해 인간이 갖는 두려움의 존재를 숨겨놓는 방식으로 사람들에게 내세의 두려움을 말하고 종교를 통해 평안과 삶의 안위를 받으려는 것에서 동질성을 갖는 것에 주목하게 된다. 두 영화 속 서사로서 갖는 현대인의 무력감, 불안, 통제에 대한 욕망 등을 영화 속 무당과 외지인이라는대상 속에 숨겨놓음으로써 진실을 찾아가는 방식은 삶의 불확실성을 찾아가는성장의 과정을 나타내는 방식과 같다. 본 논문은 영화 <곡성>과 <파묘>에 나타난 샤머니즘 서사를 분석하여, 이것이 현대인의 영성 욕구를 어떻게 대리 충족시키고 있으며, 신종교 현상의 사회심리학적 역동성과 어떤 유사성 및 연관성을 가지는지 탐색하는 데 그 목적이 있다. 이를 통해 대중문화가 신종교의 형성 및 확산에 미치는 문화적 함의를 고찰하고자 한다.

In contemporary society, the influence of traditional religions has declined, yet interest in supernatural beings and mysterious powers has paradoxically increased. Popular films have emerged as significant intermediaries in this context, creating new forms of spiritual discourse that resonate with younger generations. These individuals often seek religiosity not only in communal gatherings but also in mass media centered around individual figures. This study focuses on two Korean films, The Wailing (Gokseong) and Exhuma (Pamyo), both of which vividly depict Korean shamanism and indigenous spiritual practices through engaging narratives. By analyzing the shamanistic elements embedded in these films, this research explores how cinematic stories symbolically address existential fears, helplessness, and the desire for control while simultaneously providing surrogate fulfillment for contemporary spiritual needs. Furthermore, these narratives reflect the socio-psychological dynamics underlying new religious movements, highlighting the cultural similarities and intersections between popular culture and emerging forms of religiosity. The findings suggest that cinema does not merely reflect spiritual imagination; it actively contributes to the formation and diffusion of new religious phenomena. By examining these intersections, this study contributes to a deeper understanding of how popular media shapes religious imagination and meets the spiritual needs of modern society.

본 연구는 스토리콘텐츠에 잠재된 스토리가 기획자의 전략적 의도와 향유자의능동적이고 참여적인 수행 사이에서 끊임없이 재구축·탈구축된다는 사실을 밝힌다. 이를 확인하기 위해 <파묘>의 스토리를 다룬 영향력 있는 유튜브 채널의 콘텐츠들을 분석하면서 해석적 향유자들에 의해 스토리가 집단적·협력적으로 재구성되는 양상을 해명한다. 연구 결과 유력 유튜버들은 ‘기순애/무라야마 준지’를 둘러싼 서사 정보를 각색하면서 ‘텍스트 확장 분기점(Textual Expansion Divergence Point)’을 창안하고 있었다. 또한 <파묘> 중반에 등장하는 인면뱀을 ‘누레온나’로 해석하는 유튜버들에 의해 스토리의 맥락이 내실화되는 국면을 확인할 수 있다. ‘쇼군/악귀/오니’의 외모, 행동에 대한 상징적 함의, 그가 언급하는 참외와 은어에 대한 해석도‘구상된 스토리(Conceived Story)’의 소실·굴절·수정·보완의 면면을 보여주었다. <파묘>의 스토리 전개에 지대한 영향을 끼치는 음양오행이라는 형이상학적 원리에 대한 논의도 스토리의 인과성을 강화하고 있었다. 마지막으로 ‘억압’과 ‘식민’의 이미지를 품은 일본 이미지를 재생하면서 역사적 차원에서 집단 기억을 자극하는 장면, 해석 게임을 요청하는 인물의 이름과 숫자들로 반일 정서를 견인하는 장면들 역시 ‘상상적 대화 공간(Imaginative Communication Space)’, ‘가능한스토리 세계(Possible Story Universe)’를 활성화하고 있었다. 유튜브 공간을 포함한 동시대 수평적인 대중비평장 전반을 분석하면서 스토리의 액체성을 해석하는 연구가 심화되어야 할 것이다.

This study demonstrates that embedded stories in narrative content are continuously reconstructed and deconstructed between the strategic intentions of creators and the active engagement of audiences. Analyzing content from influential YouTube channels discussing Exhuma, this research shows how interpretive audiences collaboratively reshape the story. Findings reveal that key YouTubers adapt narrative elements around ‘Gi Sun-ae/ Murayama Junji’ to create ‘Textual Expansion Divergence Points.’ The story context is further enriched by those who reinterpret the mid-story human-faced snake as ‘Nureonna.’ Interpretations of the ‘Shogun/Demon/Oni’ character, as well as symbolic references like melons and sweetfish, reflect the ‘Conceived Story’ undergoing processes of loss, refraction, and revision. Additionally, discussions of the metaphysical Five Elements principle strengthen Exhuma's causal narrative. Lastly, scenes laden with themes of ‘oppression’ and ‘colonization’ evoke collective historical memory. These scenes, alongside anti-colonial interpretive elements, activate the ‘Imaginative Communication Space’ and ‘Possible Story Universe.’ This study suggests further exploration of narrative ‘liquidity’ through analysis of horizontal platforms for popular criticism, such as YouTube.