Earticle

<봄의 제전>은 혁명적인 현대파의 거성 스트라빈스키의 혁신적인 작품으로 ‘선사시대의 전원 곡’으로 불리는 원시주의 음악의 결정체이다. 스트라빈스키는 이 곡에서 리듬, 박자, 선율, 관현 악법 등 매우 새롭고 현대적인 작곡법을 사용함으로써 서양음악의 모더니즘 시대를 열었다. 음악 과 무용 두 분야에서 매우 중요한 가치를 지니고 있는 <봄의 제전>은 20세기 안무와 음악에 중 요한 밑거름이 되었고, 이 음악이 갖는 독특성과 새로운 아이디어는 많은 안무가들의 창작 의욕 을 자극시켜왔다. <봄의 제전>이 갖는 새로운 작곡 체계에 근거하여 오늘날 까지도 다양한 음악 적 해석에 기초한 작품들이 꾸준히 시도되는 만큼 이 음악에 대해 자세한 연구가 필요하기 때문 에, 이 연구에서는 발레 <봄의 제전>의 음악을 심도 있게 분석하는 것을 그 목적으로 하여, 작곡 가의 작곡 의도와 작품에 나타난 20세기 새로운 리듬 개념을 함께 살펴보았다. 많은 음악학자들이 <봄의 제전>을 리듬 면에서 매우 독특하고 혁신적이라는 찬사를 하고 있 지만, 연구 결과 이 작품은 리듬 이외에도 러시아 민속 선율의 변형 및 활용, 혁신적인 악기 음 색의 배합, 예상을 뒤엎는 다이내믹 등 모든 면에서 현대적이며 실험적인 작품으로 평가할 수 있었다. 다양한 형태의 폴리리듬, 불규칙한 악센트, 화음과 선율의 단편들을 비대칭적인 구조 하에서 반복하는 등 리듬의 실험적인 연구로 인하여 이 곡은 놀라운 역동성과 추진력을 갖게 되었고, 바 로크 시대 이후 서양음악을 지배해 왔던 강약의 규칙을 완전히 탈피한 획기적인 작품이 되었다. <봄의 제전>에 나타난 템포와 박자는 작품의 내용과 장면 묘사를 위하여 다양하게 활용되었다. 급격한 템 포의 변화와 한마디 단위로 바뀌는 박자변화를 볼 수 있었고, 지금까지 흔히 볼 수 없었던 5박, 7박, 11박 등 다양한 종류의 홀수박자를 사용하였다. 선율은 가사의 강세와 리듬이 음악의 박자에 맞지 않는 러시아 민속음악을 토대로 하였다. 작 품의 주제는 민속선율의 원형을 알아볼 수 없을 정도로 변형하였다. 2~5개의 음으로 선율을 구성 하였고 기존에 존재하지 않는 음계들을 창조하여 독특한 분위기로 변환시켰다. 화성 및 조성 역시 전통적 규칙에서 벗어나 복화음을 계속 반복하여 화음 덩어리로 표현하였 으며, 곡의 처음 부분에 제시한 조표에 치중하지 않고 복조성, 다조성 등 조성을 겹쳐놓음으로써 더욱 원시적으로 보이게 하였다. 다이내믹에 있어서도 ppp 에서 fff 까지 변화의 폭이 크고 sf, sff, sfff (그 음만 특히 세게) 등의 강세 표시도 나타났다. 효과적인 장면 묘사를 위하여 한 마디 동안 p 부터 ff 까지 다이내믹이 변 화하기도 하고, 쉼표 다음에 갑자기 ff 가 등장하기도 한다. senza sordino, con sordino 등 약 음기 사용이 빈번하고, 매우 커다란 음향을 얻고자 현악기의 detache(한음에 활을 한번 씩만 긋 기), 금관악기의 pavillon en l'air(공중을 향해 연주) 기법을 사용하였다. 스트라빈스키는 다채로운 관현악법으로 곡의 내용을 묘사하고자 했다. 대규모로 편성된 이 작 품에서 그는 신비한 분위기를 묘사하거나 민속 선율을 노래할 때에는 목관악기와 현악기를, 불규 칙한 리듬으로 원시성을 표현할 때에는 타악기와 금관악기를 많이 사용하였다. 타악기와 낮은 현 악기를 동시에 사용함으로써 풍부한 울림을 주거나, 솔로음색을 활용하여 신비감을 주기도 하였 다. 연주방법에 있어서도 고도의 기술을 요하는 음역, 특이한 연주법, 트릴, 트레몰로, 장식음 과 다양한 악상기호를 통하여 작품의 내용을 충분히 표현하고자 하였다. 발레음악 <봄의 제전>은 새로운 미의 척도를 다양하게 추구했던 시기에 스트라빈스키의 실험 을 통해 만들어진 ‘변화와 혁신의 결정체’이다. <봄의 제전>은 20세기 전체를 아우르는 독특한 리듬 어법을 탄생시킴으로써 이후 새로움을 추구하는 많은 작곡가들에게 도전과 확신을 안겨준 획기적인 작품이다.

"The Rite of Spring" by I. Stravinsky premiered on the 29th of May in 1913 by S. Diaghilev's Ballets Russes at Théȃtre des Champs-Élysées, Paris, with choreographer V. Nijinsky and conductor P. Monteux. This work has got a great importance as 'avant-garde' style both in music and choreography. Especially the music is appraised highly by primitivism and nationalism. This music has stimulated a lot of choreographers since that time. Nowadays there are many dance versions with the same music. Therefore it is necessary to comprehend and analyze this music. And the purpose of this study is to analyze "The Rite of Spring" by I. Stravinsky. As a result of the research, this music showed characteristics of modern music : rhythm, tempo, meter, melody, dynamic, orchestration. Stravinsky showed wide range of rhythmic variety from the typical barlines and regular accents to polyrhythm such as triplets, quintuplets, six triplets and glissando. He tried to express special scene using drastic tempo and unusual odd time signature such as 5, 7, 11 beats. Sometimes he changed meter every bars. Melody is based on the Russian folk song which has irregular accents. He broke up this melody and recomposed it beyond comprehension. He expressed the unique ambience with these melodies using 2 notes, tetrachords or his own scales. His harmony and tonality are deviated from typical rules. He amalgamated tonality using different harmonies and keys simultaneously. It could derive the primitive ambience. This music has a large range of dynamics. Dynamic changes from p to ff in one measure, abruptly ff comes right after rest. And also the composer wrote various playing indications for effective dynamic description such as 'senza sordino', 'con sordino', 'detache', 'pavillon en l'air', etc.. I. Stravinsky composed this music with very large scaled orchestra. He used woodwinds and strings for the mysterious melodies and atmosphere, used percussion and brass for the primeval rhythms and dynamics. By using strings and percussion of lower register, he derived plentiful sonority and also by using the several solo melodies by string he derived mysterious atmosphere. He demanded advanced instrumental techniques with unique playing methods; trill, tremolo, ornamentation, etc.. I. Stravinsky's new composition achieved confirming to modern music. Its novelty consisted not only in the rhythm but even more in the hitherto unheard orchestral effects and chordal combinations, and in the ruthless logic and elemental power with which all these were combined. His music exemplify nearly every significant musical tendency of the first half of the 20th century, his career might almost by itself serve as an epitome of that changeful epoch.

“명작의 가치는 영원하다”는 말이 있듯이 세계적인 음악가 스트라빈스키(Igor F. Stravinsky) 의 음악과 니진스키(Vaslav Nijinsky)의 만남이 이뤄낸 명작발레 <봄의 제전>은 당시 큰 반향을 일으키며 성공적인 무대로 기억되지는 않았지만 이후 오늘날까지 수많은 인물들에게 음악적, 안 무적 영향을 미치며 계속적인 시도를 이끌어내고 있다. 따라서 과거 작품에 대한 기록을 바탕으로 각자의 안무색을 지니며 다각도의 버전을 지닌 <봄 의 제전>은 국내외 안무가들에 의해 제작되었고 세계적으로 널리 이름을 알린 작품들로는 모리스 베자르(Maurice Bejart)와 피나 바우쉬(Pina Bausch), 앙줄랭 프렐조카주(Angelin Preljocaj), 마리 쉬나르(Marie Chouinard), 쉔 웨이(Shen Wei), 자비에르 르 로이(Xavier Le Roy), 이마 누엘 갓(Emanuel Gat), 카 퓌블릭(Cas Public) 등의 인물들이 완성해낸 것들과 국내로는 국수 호, 안은미, 안성수의 작품을 들 수 있다. 이들의 작품에 대한 내용 설명들은 많지만 그 평가의 측면은 호불호(好不好)가 달라질 수 있기 때문에 그 측면을 살펴보는 일이 필요하게 된다. 따라 서 본 연구에서는 각 안무가에 대한 여러 평론가들의 리뷰를 바탕으로 예술적 특징을 고찰해보는 데 연구의 목적이 있으며 이는 앞으로도 봄의 제전 음악을 사용해 안무하고자 하는 여러 안무가 들을 위한 하나의 비전을 제시할 것이다. 사실상 <봄의 제전>이라는 음악을 접목시키는 것 자체가 어떠한 안무가에게도 음악적 난해함과 유명세로 인해 큰 부담감을 주겠지만 비평적 관점에서 새로운 버전에서는 어떠한 새로운 움직 임과 이미지를 만들어 내느냐가 관건이다. 더불어 혁신적인 움직임과 내용을 완성한다 할지라도 관객들은 스트라빈스키 음악에 대한 이해도와 친숙함이 이미 높기 때문에 음악을 뛰어넘는 움직 임과 작품이 나와야 만이 보는 사람들의 눈을 충족시킬 수 있을 것이라 생각된다. 뿐만 아니라 유명한 대가들의 음악을 작품에 사용할 때에는 과거 동일 음악을 이용한 여러 작품들에 대한 적 당한 이해가 필요하지만 안무자 자신만의 주관이 확실히 표현되어야만 한다. 그러한 면에서 모리스 베자르의 <봄의 제전>이 남성주의적 시각을 지니는 동시에 쉔 웨이와 같이 신고전주의적 특징을 보인다면 피나 바우쉬의 작품은 여성주의적 시각을 담는 동시에 앙줄 랭 프렐주카주와 같이 여성적 희생이 부각되기도 했다. 또한 마리 쉬나르처럼 포스트휴먼의 내음 을 풍기는가하면 카 퓌블릭이나 국수호의 작품에서는 원시성이 부각되며, 자비에르 르 로이처럼 컨셉츄얼하거나 이마누엘 갓의 살사춤의 차용이나 국수호의 전통춤사위의 사용 등 움직임의 기법 을 달리하기도 한다. 안성수의 경우는 음악적 구성을 타로 카드로 푸는 독특함을 보이기도 했다. 그렇지만 무엇보다도 위에서 언급했던 국내외 작품들의 공통점은 다양한 버전들에 있어서 안무가 들이 뛰어난 음악적 감각과 곡 해석력을 바탕으로 음악적 변형을 가했거나 혹은 움직임의 측면과 주제적 측면에서의 독창성에 있다. 결국 전 세계에 걸쳐 60여편에 달하는 버전이 나왔을 정도로 <봄의 제전>은 지금도 여전히 수 많은 안무가들의 창작적 원천이 되고 있다. 국내외 안무가들의 이러한 도전 속에서 지난 세기의 위대한 유산을 반추해보며 우리는 도래할 또 다른 도전과 모험을 준비해야 할 것이다.

The purpose of this study was to make a many-angled and in-depth analysis of the artistic activity of 11 choreographers by using Stravinsky's music <The Rite of Spring>. Based on the record of past work is not keeping up with their own version of the colorless, with multiple viewing angles to a <The Rite of Spring> is produced by domestic and foreign choreographers were widely reported by the name Maurice Bejart and Pina Bausch, Angelin Preljocaj or Marie Chouinard, Shen Wei, Xavier Le Roy, Emanuel Gat, Cas Public. And domestic choreographers were Kook soo ho, An Eun Mi, An sung soo. For the purpose of supporting their work description are many sides of likes and dislikes that assessment this study, because it can vary with each choreographer on many critic's reviews based on viewed. In conclusion, Bejart's <The Rite of Spring> have Male libertarian perspective carrying at the same time Shen Wei looks neoclassical characteristics. such as Pina Bausch's work put at the hem line perspective on feminism also Angelin Preljocaj emerged as sexual sacrifice. In addition, smelt like post human Marie Chouinard charming when it's in the primitive favor work of Cas Public or Kook soo ho. Xavier Le Roy, like concept limited, or Emanuel Gat's tenancy of Salsa dancing and Kook soo ho use of motion-in-law's classical dance technique, otherwise. In the case of a musical composition to An sung soo using Tarot cards is unique. But more than anything else I've mentioned above, domestic and foreign works of art have in common is that, in a variety of versions of the song, with a sense of this outstanding musical interpretations of the horsepower choreographers, based on the musical aspects of the movement have been the subject or a variation in terms of originality.

원시시대 이후 분화된 예술은 각각의 장르별로 발전되어 왔으며 20세기에 들어서는 예술장르 간의 통합, 혹은 다양한 매체와의 혼합으로 총체적인 예술을 지향하고 있다. 무용 예술 역시 20 세기 중반부터 이러한 총체예술을 지향한 시도들이 활성화되기 시작하였는데, 로이 풀러는 이러 한 예술의 경향에 앞서 19세기 말부터 총체적인 예술 활동을 펼친 무용가이다. 그녀는 총체예술 을 기반으로 한 상징물을 만드는데 주력한 인물로 무용이 총체예술로 발전을 이루는데 선구적 역 할을 하였다고 볼 수 있다. 이에 본 연구는 로이 풀러의 총체적 예술 성향을 알아보고자 총체예술의 개념과 특징을 살펴 보고, 이것이 로이 풀러의 예술 세계에 어떠한 형태로 드러나는지 알아보았다. 결과적으로 로이 풀러의 예술성향은 총체예술의 개념과 전문성, 유기성, 통합성, 예술장르 간 의 형평성, 실험성, 미래지향성 등을 바탕으로 하는 총체예술적 특징에 부합하였다. 그녀는 조명, 의상, 동작, 음악 등에서의 전문성 및 형평성을 바탕으로 실험적이고 미래지향적인 탐구를 통해 유기적이고 통합적인 예술 작품을 만들어냈다. 조명, 의상, 동작, 음악 간의 조화를 이용하여 하나의 새로운 상징물을 만드는 것에 초점을 맞 춘 로이 풀러는 19세기 말부터 20세기 초에 이르기 까지 총체예술적 성향을 지닌 예술 활동을 통해 21세기 컨템포러리 댄스와 공연예술에 발전적 방향을 제시하였다. 이로써 아르누보의 상징, 현대무용의 선구자로만 소개되어 온 로이 풀러는 20세기 이후 무용에 있어서 총체예술의 선구자로도 볼 수 있다.

Art has been diversified and developed individually for each genre since ancient ages. After 20thcentury, there has been a trend to be integrated among several kinds of art genres or formed with the mixture of various media technologies pursuing Total Art. It has started in dance to be examined targeting Total Art from mid-20th century. As one of choreographers, Loie Fuller, has performed the total artistic activities since 19th century. She has concentrated on the construction of symbols based on Total Art and acted as a role of developers of Total Art in Dance. In this study, the concept and feature of Total Art has been examined in order to investigate the artistic characteristic of Loie Fuller with a viewpoint of Total Art. As a result, her artistic pursuit is kept in line with Total Art with respect to the concept, specialty, integrity, equality for each artistic genre, experimentalism. She has produced the integrated artistic performance based on specialty and equality in lighting, costume, movement and music through experimental and future oriented investigation. Totally synchronized through the harmonization among lighting, costume, movement and music, she has focused on the novel symbol from 19th to early 20th with a performance of Total Art directing her unique way in 21th contemporary dance and performing art. Hence, Loie Fuller who has been generally recognized as a symbol of Art Nouveau and precursor of modern dance is surely esteemed as a pioneer of Total Art in dance since 20th century.

본 연구는 디지털 인터렉티브 기술과 무용을 결합한 크라우스 오바마이어의 작품 <봄의 제전> 에 관한 것이다. 이 작품은 디지털에 의한 3D 입체기술과 오케스트라, 그리고 실시간 무용의 협 동 작업으로 이루어져 있다. 여기서 실재와 가상에 대한 미학적 문제를 논의하기 위해 보드리야 르의 ‘시뮬라시옹’ 이론을 소개하고 논의하였다. 사회현상으로서 나타나는 시뮬라시옹과 예술작품 속의 디지털 이미지에서 나타나는 시뮬라시 옹 현상의 공통점과 차이점을 살펴보고, 그 미학적 특성과 의의를 조명하였다. 또한 보드리야르의 시뮬라시옹 이론을 기반으로‘디지털 인터렉티브 기술’과 ‘무용’의 협동 작업 이 가지는 의미와 가능성을 논의해 보고자 한다.

This study examines Klaus Obermaier’s staging of <Le Sacre du Printemps>, an interactive real-time generated stereoscopic dance and music project. Obermaier’sinter-media performances and all the virtual objects created by a dancer are generated in real-time while the orchestra is influencing the virtual worlds. These interactive processes combined with stereoscopic 3D projections result in a unique experience that provokes aesthetical topics to consider. Based on Baudrillard’s “Simulation”theory, this study analyzes the collaboration between digital interactive installation and dance, illustrating the aesthetical meaning of digital images incorporated with dance and a dancing body.

민속무용은 인류의 역사와 함께 발전하여 현재까지 이어져오면서, 본능적으로 추었던 춤에서 점차 형식화되고 기능화된 캐릭터 댄스로 발전하였고 디베르티스망이라는 형식으로 발레에서 중 요한 부분을 차지하게 되었다. 본 연구는 마신의 <삼각모자>에서 나타난 민속적 요소들을 분석하여 민속무용이 단순한 춤의 형식이 아닌 발레창작에 영감을 주는 소재로서 발레의 발전과 창작범위 확장에 기여한 부분을 연 구하여, 발레 레퍼토리 개발의 역사적 기초를 제공하는데 연구의 목적을 둔다. 마신은 자신의 대표작 <삼각모자>의 안무에 민속무용을 적극적으로 수용하였으며 스페인 출신 예술가와의 협업을 통해 작품전체에서 스페인의 민속성을 나타내고자 하였다. 첫째, 대본 및 음악 분야에서는 스페인 출신인 시에라와의 대본 작업을 통하여 작품 배경을 스 페인으로 설정함으로서 작품 전체에 스페인적인 요소가 드러나도록 하였고, 음악 역시 스페인 출 신이며 스페인적인 음악을 추구한 작곡가 파야를 통해 스페인 전통음악인 파루카와 판당고를 사용 하면서도 기존의 발레 음악과는 다르게 무용수들이나 메조 소프라노의 육성을 활용하기도 하였다. 둘째, 움직임에 있어 안무가 마신은 스페인 집시 무용수 펠릭스를 통해서 스페인적인 움직임을 구성하고자 스페인 민속무용인 판당고와 파루카를 주역 무용수들의 솔로에 적극 수용하였으며, 작품 전체에서 스페인 민속무용의 특성인 화려하고 강한 느낌의 팔동작과 부츠나 구두를 착용한채 발을 구르거나 손뼉을 치는 동작이 많이 보여진다. 셋째, 의상 및 무대장치를 담당한 스페인 출신의 화가 피카소는 스페인 전통의상의 다양함과 화려함을 수용하는 동시에 스페인 민속무용에 자주 등장하는 도는 동작이나 스커트를 흔드는 동 작에 적합하도록 의상을 디자인하였으며, 무대장치는 단순함을 강조한 디자인으로 스페인의 산악 지대를, 옅은 배경색으로 스페인의 건조하고 온난한 기후를 표현하였다. 이처럼 스페인을 대표하는 예술가들과의 성공적인 협업을 통해 마신의 <삼각모자>는 민속무용 이 발레의 디베르티스망에서 한 단계 더 나아가 발레 창작의 소재로 발돋움할 수 있도록 해주었 으며, 캐릭터 발레를 시도하여 작품화한 것만으로도 역사적 가치를 인정받고 있다. 오랜 시간동안 발레의 생성과 발전에 기여하며 함께 성장해 온 민속무용이 발레의 디베르티스 망으로 형식화되고, 더 나아가 마신의 <삼각모자>를 통해 캐릭터 발레로 발전된 역사는 민속무용 의 창조적 확장이 곧 발레의 발전을 의미하는 것이라 할 수 있으며 현재 다양화되고 있는 창작 발레 양상의 한 맥락으로서 민속무용의 확장을 통한 창작 발레의 발전을 기대할 수 있을 것이다.

As folk dance has come of age by developing with the history of mankind, it gradually became formalized and developed into functionalized character dance from the dance that people danced instinctively and became an important part in ballet as divertissement format. Massine actively accepted folk dance in choreography of his own representative work, <Three-Cornered Hat>, and intended to express folk sense of Spain through his work by cooperating with artists from Spain in terms of spacial background, music composition, stage setting, and costume. He tried to express spanish elements in his work by setting Spain as the background by collaborating with a writer from Spain, Sierra. The music was from Spain as well, and unlike existing ballet music, he used spanish traditional music, Faruca and Fandango, through a composer, Falla, who pursued Spanish music, and used dancers or chorus voice of mezzo-soprano. Falla’s music is very dramatic that they are evaluated to be appropriate for dramatic stories and fancy spanish folk dance and to have perfect musicianship enough to be performed solely by orchestra without ballet. A choreographer, Massine, accepted spanish folk dancers, Fandango and Faruca, as the leading solo dancers wholeheartedly to compose spanish movement through a spanish gypsy dancer, Felix, and included many movements of fancy and angular arm movements, stomping with boots or heels on, and clapping hands in the whole production. A spanish artist, Picasso, who was in charge of costume and stage setting, highlighted simplicity of excluding details with his unique three dimensional and unique tendency, and adopted soft colours to compose unified atmosphere. The costume accepted diversity and splendor of spanish traditional costume, and at the same time, they were designed to fit spinning motion or movement of swinging skirts that often appear in Spanish folk dance, and the stage setting expressed mountainous area in Spain with simple design and dry warm climate with light background color. As said, <Three-Cornered Hat> portrayed the atmosphere of a town in Spain as music, costume, and stage setting formed perfect harmony based on the script, and the reason why <Three-Cornered Hat> became a huge success was because representative artists from Spain collaborated through the whole production. Through the production, <Three-Cornered Hat> by Massine contributed for folk dance to grow into a material for creative ballet from divertissement of ballet, and is receiving historical value by just making it into a work of art by attempting the character ballet. The folk dance, which has been contributing to the production and development of ballet for a long time, can be referred to as a significant keyword of the dance history as a representative culture that can express characteristics of each race in the global era of the world becoming one through communication. How folk dance that originated from regional culture became divertissement of ballet and developed into the character ballet through <Three-Cornered Hat> by Massine indicates that the creative expansion of folk dance signifies the development of ballet, and the development of creative ballet through the expansion of folk dance can be expected as a context of creative ballet aspect that is becoming more diversified now.

무용사에 있어서 기존의 관습과 형식을 벗어나 새로운 세계를 꿈꾸는 개혁의 인물들은 늘 존 재해왔다. 미셀 포킨과 이사도라 던컨이 시기를 맞물리며 발레와 현대무용 장르에서 이러한 일탈 을 대표하는 두 인물이다. 이들의 관계에서 던컨이 포킨의 급진적 사상에 중요한 분수령이 되었 다는 사실에 대해서는 많은 문헌들에서 다뤄지고 있으며 연구의 결과로 추출된 구체적 공통분모 는 다음과 같다. 첫 번째, 자연스럽고 자유로운 정신세계와 이를 반영한 움직임을 가지고 자유무 용을 표방했다. 두 번째, 그리스라는 이국적 세계에 대한 동경을 가지고 이를 작품에 반영했다. 세 번째, 형식적이기보다는 극적인 표현력을 강조하는 측면을 지녔다. 네 번째, 기존 무용에서 사 용되던 음악과는 다른 다양성을 추구하며 음악에 종속되지 않았다.

This study aimed to compare any correlation and explore the artistic world of Michel Fokin and Isadora Duncan. Dance World, dreaming of a new world beyond the existing customs and having the type of reform figures have always existed. Michel Fokin and Isadora Duncan, during this period is a ballet and modern dance in the genre, there are two figures representing these deviations. The radical ideas of their relationship from Duncan was an important role Fokin about the fact that many documents are handled in a study specifically extracted as a result of the common denominator is as follows. The first, they advocated a reflection of the spiritual world and the natural and free movement in the free dance. Second, They have adoration in Greece, where has the exotic world was reflected in this work. Third, it highlights the dramatic expressiveness, rather than the formal side to be chosen. Fourth, they were not subordinated and to the pursuit of music, which was used in the original dance with other varieties. The two figures mentioned above have in common is that it may be a product of the contemporary era, leading excellent artistic world and extraordinary talent of music. Isadora Duncan and Michel fokin, who will not be able to deny the genius of nature. Therefore, although the genre has been a pioneer in his field but otherwise outstanding achievements in research on the two figures who played a major role in the future, will be continued in terms of investigation and educational dance.

현대사회는 물질만능주의와 개인주의가 팽배하여 인간의 도덕적 품성과 감수성이 간과되고 이 로 인한 사회적 문제가 야기되고 있다. 이를 예방하기 위한 방편으로 강조되고 있는 전인교육은 주지교과 중심으로 시행되어 이성적인 지식과 경험은 크게 발달시켰으나, 전인을 양성하는 또 다 른 축인 감성의 발달은 간과되어 왔다. 최근 감성교육을 통한 감성적 지식과 경험의 발달은 창의 적인 인재 양성을 위한 중요한 요소가 될 뿐만 아니라 조화로운 전인교육 측면에서도 강조되고 있다. 그동안 인간의 이성과 감성의 조화로운 발달이 가능한 예술교육의 중요성이 논의되어 왔으 며, 그중에서도 감성교육으로서 활용 가능성이 큰 분야로 발레교육을 들 수 있다. 발레는 음악, 문학, 미술, 조명, 의상이 조화를 이룬 종합무대예술로, 발레교육을 통해 학생들은 신체적 측면뿐 만 아니라, 정의적 측면, 특히 예술적 감수성 및 표현성의 발달을 이룰 수 있다. 그러므로 본 연 구는 전인교육을 위한 감성 발달의 도구로서 문화예술교육의 가치를 정의하고, 대표적인 문화예 술교육 중 하나인 발레교육의 감성교육으로서의 가치와 발레교육에서의 바람직한 감성교육적 접 근방법을 제시하고 적용 가능한 프로그램을 제안하였다.

Mammonism and invidualism; these are evils common to all the classes in this society. Humanity and morality have been ignored it caused many social problems. In this situation, whole-person education as an educational way of prevention takes effort core subject-centered. It develops not an emotional aspect but a reasoning knowledge and experience. Recently, growth of emotional knowledge and experience are essential factor for development of creative human resource and harmonious education. Historically some may regard art education create harmonic development. Specially, ballet education is useful as an emotional education in many aspects. Ballet is a performing art corporate music, literature, fine art, light, and costume. Through the ballet education student can achieve development of physical health, artistic emotion, and expression skill. In this research identify the value of ballet education as one of the culture and art education and emotional education. Lastly, research suggest available ballet education program for emotional education.