Earticle

본 연구는 뒤셀도르프 학파에 속하는 독일의 사진작가인 토마스 스투르스의 ‘타블로 형식’에 대한 사진 비평이다. 스투르스는 사진을 통해 공공 공간과 건축의 의미, 가족의 초상, 자연과 문화적 관계에 대해 다양한 시각적, 지각적, 감각적 실험을 한다. 본 논문에서는 스투르스의 <미술관 사진>과 <낙원에 서 온 사진>시리즈를 시지각적 측면에서 고찰하는데, 여기에는 문명과 원시성, 시공간성의 확대와 축소, 내러티브의 생성과 소멸이라는 상반되는 관점이 존재한다. 스투르스의 작업은 대형 포맷으로 유명한데, 인간의 눈으로 식별 불가능한 영역까지 고해상도의 선명한 기술을 활용하여 극사실적인 이미지를 만든다. 따라서 관람자는 오랜 시간 면밀히 작품을 관찰해야 하고, 그 과정에서 관람자는 몰입의 감정과 감각적 지각을 경험하게 된다. 스투르스의 사진은 유형학적 객관성과 모더니즘 회화의 특징을 동시에 보여주며, 회화적 가상성과 사진적 사실성을 중첩 시킨다. 사진과 회화적 경계를 넘나드는 그의 생동감 있는 사진을 ‘타블로 형식’이라 한다. 여기에는 실재성에서 파생되는 지표의 개념이과, 픽토리얼리즘이 지닌 사진과 회화의 우열 관계는 해체된다. 따라서 본 논문에서는 회화와 사진의 역할과 개념을 재맥락화하며, 새로운 사진적 실험을 하는 스투르 스의 사진을 중첩된 시각과 감각적 지각의 측면에서 살펴본다.

This study is a critique of the ‘tableau form’ photography by German photographer Thomas Struth. In his photography, Struth conducts various visual, perceptual, and sensory experiments on the meaning of public space and architecture, family portraits, natural and cultural relationships, and new technologies. In this paper, I consider the series of Museum Photography and New Pictures from Paradise in terms of their superimposed vision and sensory elements, which include civilization and primacy, expansion and reduction of spatio-temporality, and the creation and removal of narratives. These experiments connect the gap between the present and the past, the ego and the world, and leads to new photographic experiences. Although Struth's photographs take a typological approach, they simultaneously show the characteristics of modernist painting, and sought to overlay pictorial virtuality and photographic realism. In doing this, there are characteristics of individual and historical time, private and public space, figurative and abstract, control and immersion. Struth's work is famous for its large dramatic format, exploiting high-resolution sharpening techniques to areas that are not typically identifiable to viewers. Therefore, the viewer must take time to closely observe the photograph, and in the process, experiences emotions from immersion and sense-perception. During this time viewers also reflect on the society, culture, and art we live in and among. Thus, Struth’s art re-contextualizes the role and concept of painting and photography, and seeks to form a new discourse with ‘tableau form’ photography.

This paper examines the characteristics of post-modern self-portrait photography. Characteristics of postmodernism associated with the “loss of centeredness,” such as the death of the author, interdisciplinarity, and intertextuality, brought about a number of changes within the self-portrait. The distinction between post-modern and modern self-portraiture can be characterized by the following qualities: appropriation, the use of photography, and the utilization of the human body as an art. The characteristics of post-modern self-portrait photography can be represented through the works of Cindy Sherman, Orlan, and Morimura Yasumasa. By presenting prototypical women in her works, Cindy Sherman not only represents images of those women, but also exposes her fictitious role in the work. She creates a distance between herself in the works and herself in reality and discloses a paternalistic gaze. Meanwhile, Orlan transforms her face into a distorted image and presents it as an alternative identity that is representative of postmodernism. She corrodes the standard concept of identity through plastic surgery and treats the face not as a place where the identity stays, but as a simple body part or fragment of skin. Orlan’s post-human face is malleable according to the artist’s desire to raise the issue of what the human face is, and opposes the structure of modernism. Morimura Yasumasa also appropriates images from masterpieces and presents a hybrid identity between Eastern and Western, male and female, original and replica, and subject and object. In order to dissect social prejudice, he puts forth every single structural dichotomy that coexists in his self-portrait and suppresses a strong ego. He also studies the relationship between ‘seeing’ and being ‘seen’ by trading the painter’s role from that of the subject to that of the object.

The beginnings of digital photography were humble, but now are overwhelming the silver halide photography in 2015. The term Post-Digital Photographic Era mentioned by Fred Ritchin refers to a characteristic image of digital photography with the appearance of digital photography and the beginning that the surrounding infrastructure changes. It means the era that the value framework that the existing photography had changes and a new paradigm begins to appear. Such a new paradigm is giving direct changes, i.e. technology generalization, to photographers and predicting drastic changes to society, culture, politics, and economy. This study looks at the present of photography through literature review of analog photos and digital photos from 1839 to 2015 and based on this literature, investigates the currently-emerging trends of photography and the post-photographic era. It also looks at various cases of technological advancement and presents the future directions for photography. Roland Barthes thought that photography is what was passed away, what was in the past, and what was dead. Through consideration on digital photography, virtual reality, and 3D image – products of various efforts for reviving such dead photos, it looks at the world of visual illusion, ultimate purpose of something virtual and studies the images of photography beyond being ubiquitous, the end of desire for a graphic virtual world.

크라카우어는 흔히 영화이론가로 알려져 있다. 하지만 우리는 그를 짐멜, 벤야민과 함께 모더니티 세계와 대중문화에 대한 포괄적인 ‘문화철학자요 역사철학자’로 보아야 한다. 크라카우어가 열정적으로 대중문화 현상들을 주시한 것은, 이 현상들 속에 새겨져 있는 ‘이름 없는 자들의 작은 역사’ 혹은 ‘알려지지 않은 경험 영역’을 역사(철학)적으로 구제하려고 했기 때문이다. 본 논문에서 필자는 먼저 문화철학자로서 크라카우어가 지닌 고유한 면모를 살펴볼 것이다. 이를 위해 주관적이며 열정적인 관찰자, 회의적이지만 사유의 도약을 기다리는 태도, 신학적 구제의 지향, 유물론적-변증법적 관점, 미세-물리학적 시선과 현상의 역사철학적 구제의 전략 등을 논의해 본다. 이어 이러한 문화철학적 모티브와 방법론이 구체적인 문화 현상에 적용된 예로 1927년의 에세이 ｢사진｣을 세밀하게 분석해 볼 것이다. ｢사진｣은 사진 매체에 관한 단편적인 비평이 아니라, 대중문화에 대한 철학적 성찰에서 크라카우어가 도달한 이론적 깊이와 성취를 보여주는 의미심장한 텍스트이다. 여기서는 사진과 인간적 기억의 대비, 사진적 순간의 역설, 사진과 역사주의의 관계, 사진과 전통적 예술 개념의 대비, 복제 이미지의 위험성과 전복적인 활용 가능성 등을 논의할 것이다. 결론 부분에서는 크라카우어의 문화철학과 사진이론이 오늘날 이론적 논의와 관련하여 어떤 생산적인 잠재력과 현재성을 갖고 있는가를 간략하게 평가해 볼 것이다.

Siegfried Kracauer is usually regarded as a theorist of film. But he was also a significant philosopher of culture and history who has deeply cogitated about the modern world and popular culture since the late 19th century. The reason why he paid attention to the phenomena of mass culture with great passion is that he wanted to redeem 'small histories of nameless people' or 'unknown realms of human experience'(terra incognita). The aim of this paper is to inquire into methodological features of Kracauer’s philosophy of culture and his theory of photography. In a first step this paper examines some crucial motifs of his thoughts on culture philosophy, such as a subjective and passionate observer of modern world, his sceptical and ‘opened waiting’ attitude, his intention of theological salvation, his materialistic-dialectic viewpoint of history, and his strategy of ‘micro-physical’ critique and philosophical redemption of concrete phenomena. Then I move on to the detailed analysis of his remarkable essay “Photography” in 1927 which is to be undoubtedly esteemed as the representative example of his philosophy of culture. In this part, special emphasis should be laid on some meaningful observations and insights such as a contrary character between photographic record and human memory, the paradox of photographic moments, the internal relationship between photography and historicism, the essential difference of photography and art work in the traditional sense, his ambivalent view of mythical risk and subversive use of moving images in photography and film.

오늘날의 디지털 사진 이미지는 디지털 이미지와 아날로그 사진 사이에서 어떤 중첩된 영역을 보이고 있다. 즉 아날로그라는 과거와 디지털이라는 현재가 사진이라는 이름 안에서 현재진행형으로 동시에 드러나고 있는 것이 지금의 ‘디지털 사진 이미지’이다. 그리고 이러한 현상이 드러나고 있는 오늘날을 포스트포토그라피 시대라고 부르고 있다. 거기에서는 디지털 이미지와 아날로그 사진이 갖는 물리적 차이는 무의미해질 수밖에 없다. 하지만 매체가 갖는 물리적 특성, 그리고 그것으로부터 발생하는 조형적 특징들을 살펴보면 디지털 이미지와 사진은 존재론적으로 동일하지 않다. 즉, 그 두 매체가 갖는 물리적 차이를 중요하게 생각하는 시각에서 바라본다면 그 둘은 전혀 다른 것이 된다. 하지만 현재의 포스트포토그라피 시대에도 그 두 다른 매체는 ‘사진’이라는 이름 안에서 유사한 표현 방법으로 읽히고 있다는 데에서 그 둘을 구분하는 데에 난항을 겪고 있다.

Today's digital photographic images exhibit a certain overlapping area between digital and analog photography. In other words, the current ‘digital photographic image’ is a place where the past called analog and the present called digital are simultaneously revealed in the present progressive tense within the name of photography. And today, when these phenomena are being revealed, we call it the post-photography era. There, the physical differences between digital images and analog photographs become meaningless. However, if we look at the physical characteristics of the medium and the formative features that arise from them, digital images and photographs are not ontologically identical. That is, if you look at it from a perspective that values ??the physical differences between the two media, the two become completely different. However, even in the current post-photography era, it is difficult to distinguish between the two different media because they are read as similar methods of expression under the name of ‘photography.’

본 연구의 목적은 대상성이 예술 사진에 있어 어떤 가치를 가지고 있는지를 후기표 현주의와 근대 사진을 중심으로 살펴보고 현재에도 유효한 미학인지를 알아보고자 하 는 데 있다. 사진에 있어 대상성은 사진이 발명되는 순간부터 사진 그 자체가 가진 필연적인 가치였다. 그리고 사진을 통해 예술성을 획득하려는 시도는 대상의 선택에서 부터 시작되었다. 현대에 와서 사진이 다양한 매체와의 혼합에 의해 미술로서의 새로 운 지위를 획득했음에도 불구하고 사진 매체 본연의 주요한 특징인 대상의 재현은 결코 다른 매체가 따라올 수 없는 주요한 특징이다. 특히 디지털 시대에 이르러 많은 사람들이 디지털 카메라를 다루고 사진을 찍고 있지만 디지털 사진 역시 대상이 가진 성격과 사회성을 어떻게 드러내느냐가 주요한 목적이 되고 있다. 미술 및 예술 사진에 있어서의 이러한 대상성에 대한 역사적으로 중요한 논의는 1920년대 후반의 독일의 후기표현주의 회화에서 찾아볼 수 있다. 후기표현주의 회화 는 외부 세계에 충실하면서 확고한 개념과 직관적 방법으로 외부 세계를 내적으로 형상화하고자 하였다. 이러한 후기표현주의 회화는 당시 독일의 사진가들로 하여금 신즉물주의 사진을 발전시키게 하는 토양이 되었다. 근대 미국사진에 있어서도 사진이 갖고 있는 가장 큰 특징 중의 하나를 대상의 사진적 재현으로 보고 미국 모더니즘 사진의 역사를 이어가게 된다. 이러한 신즉물주의 사진 미학은 현대 사진예술에서 매우 중요한 위치를 차지하고 있다. 대상과 해석 방법에 따라 주제가 바뀔 수가 있겠지만 대상 자체가 풍기는 분위기 와 사진이 가지고 있는 극명한 사실성은 존재 자체를 넘어 사진만의 독특한 예술성으 로 다가오게 된다. 즉 세계에 대한 다양한 개념이 정착할 수 있는 터전을 마련한 신즉 물주의는 바로 존재의 마술성을 보여주고 있는 것이다. 현재와 같은 디지털 시대가 인터넷처럼 가상의 세계를 만들고 있지만 오히려 사진은 그러한 변화된 세상을 기록하 는 매체로써, 또 그 자체가 예술이 되어버리는 존재로서 세상이 발전하고 변하더라도 사진만이 가지고 있는 예술성은 더욱 더 굳건해 질 것이다.

The purpose of this research is to evaluate the value and present effectiveness of objectivity on art photography focusing on Post Expressionism and modern photography. The objectivity on art photography has been the essential value itself ever since photography was invented. The aesthetics of photography was achieved through object selection in the beginning. The representation of an object is definitely a unique and core part of photography which no other art can have, although modern photography was positioned as a new level of an art form in a mixture with different diverse media. Even in this digital age when many people use a digital camera and take a picture, the purpose of digital photography is still to reveal the fundamental features and social characteristics of an object. Historically, important discussions on objectivity of art photography were appeared in post-1920’s German Post Expressionism paintings. Post Expressionism paintings expressed the outside world in a subjective art form based on concrete concepts and instinctive interpretations and led German photographers to New Objectivity. Modern American Photography also continued to consider the photographic representation of an object as one of the most critical characteristics of photography. The aesthetic of New Objectivity plays a very important role in modern art photography. The theme of photography can be changed depending on an object and concept, but the direct impression from an object and extreme reality of photography go beyond existence itself and provide artistic uniqueness. Therefore, the New Objectivity which provides the possibility of diverse interpretations of the real universe shows the magic of existence. Especially in this digital age which creates virtual worlds like the Internet, the artistic uniqueness of photography will become stronger as an art form itself and a media form recording our continuously changing world.

본고의 목적은 포스트인터넷 현상의 하나로서 컴퓨터사진(computational photos)을 존재론적으로 구명하는 것이다. 인공지능에 의해 변형, 조작된 이미지인 스마트폰 사진은 언제든 전 세계적으로 유포될 수 있는 연결성과 순환성을 특징으로 한다. 러시아 아방가르드의 사물론을 전유한 슈타이얼은 빈곤한 이미지 담론을 통해 컴퓨터사진을 포함한 포스트인터넷 문화 현상에 대한 예리한 논평을 제공하는 한편, 사진적 이미지를 인간과 마찬가지로 하나의 사물로 바라볼 것을 제안한다. 이미지를 능동적 수행자로 바라보는 그의 시각에서는 특권적인 인간 주체 개념이 유보된다. 동시대 비인간 전회의 흐름에서 하먼은 존재하는 것들을 모두 동등하게 객체로 간주하고, 모든 것에서 물러난 독립적인 실재 개념을 정립한다. 그는 평평한 존재론에 대한 라투르의 통찰을 후설, 하이데거, 라이프니츠 등의 철학과 접목하여, 실재객체와 감각객체, 실재성질과 감각성질의 네 극점과 극점들 간의 갈등을 통해 존재자들을 해명하는 객체 모형을 마련한다. 실재 객체와 감각 성질이 결합할 때 매혹이 발생하며 감춰진 실재가 암시적으로 드러난다. 실재 객체인 인간은 감각 객체인 컴퓨터사진에 진솔하게 몰입함으로써 새로운 상위객체, 사진-지각자 통합체를 이룬다. 이 통합체의 연극적 구성요소로서 인간은 실재적 컴퓨터사진과 결합한 감각 성질을 공연함으로써 매혹을 이끌어낸다. 간과하지 말아야 할 것은 컴퓨터사진에 진솔하게 몰입하는 또 다른 실재 객체 인공지능이 존재한다는 것이다. 인공지능은 인간에 앞서 컴퓨터사진과 융합하여 사진-지각자 통합체를 구성하며, 이 두 사진-지각자 통합체는 상호 긴밀한 연관 안에 존재한다.

This paper aims to investigate ontologically computational photos taken with smartphone cameras as post-internet phenomena. Smartphone photos, which are images transformed and manipulated by AI, are characterized by connectivity and circulation. Steyerl provides a keen commentary on post-internet cultural phenomena with her theory of images, while proposing to regard images as things just like humans. In her view of the image the concept of a privileged human subject is reserved. In the current flow of non-human turn, Harman regards all things that exist as equal objects, and establishes an independent concept of reality withdrawn from everything. He proposes a quadraple model that posits the four poles of real/sensual objects and real/sensual qualities, and elucidates entities through the tension between the poles. When real objects and sensual qualities fuse, allure occurs and the hidden reality is alluded. A human, a real object, forms a photo-perceptor compound by sincerely absorbing themselves in a computational photo, a sensual object. As a theatrical component of this compound, the human elicit allure by performing sensual qualities combined with the real computational photo. What should not be overlooked is that there is another real-object AI that is sincerely absorbed in the computational photo. AI is fused with the computational photo before human to form a photo-perceptor compound, and these two photo-perceiver compounds exist in a close relation.