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고전춤은 지역별 민속춤에 관한 연구가 활발하게 되어 이들 춤이 전통춤으로 이동된 배경을 시작으로 서서히 그 자취를 감춰나갔다. 때때로 시대적 흐름은 연구하는 주체가 어떠한 가치를 부여하는가에 따라 다른 개념을 지닌 용어로 바뀌어 사용되기도 한다. 현재 고전춤은 용어의 혼용 속에서 어수선하게 전통춤과 공존하고 있다. 전통춤은 역사성과 시간성에 의한 것으로 전통은 비전통과 나뉘며, 전통에 반(反)하는 개념으로는 혁신을 들 수 있다. 이러한 전통춤은 갑오경장(1894)을 기점으로 한 근대성의 개념과 함께 살펴보아야 한다. 무엇보다 고전춤의 논의를 재고해야하는 이유는 현시대에 이르러 궁중춤의 재구성무와 고전적 가치의 춤이 등장하였고 이들은 개인의 개성을 포괄하여 펼치며 신고전의 기법을 지니며 고전춤을 향한 움직임의 등장으로 우리는 이것을 어떠한 용어로 부를 것에 대한 논의에 서게 되었다. 따라서 고전춤의 성격 규명은 꼭 필요한 만큼 절실하다. 연구결과는 다음과 같다. 첫째 고전춤의 의미론적 측면은 충효사상을 바탕으로 예(禮)를 통한 수양에서 배움과 존경을 갖고 수직적 관계로서 질서를 중시한다. 이것은 흠신(欠身)의 의미 속에 있는 마음과 음양오행(陰陽五行)을 통해 덕(德)을 받들어 성실하게 행하는 것으로서 질서를 바로 잡는데 있다. 고전춤은 조화성(harmonity) 속에서 영혼이 중용과 질서를 가져야 한다는 것과 장중한 의식처럼 인간의 욕망을 억제하는 예의규범을 통해 절제를 지녀야하고 이것을 주체하는 향유자의 주도로서 규범성(normality)을 결합시킨 춤으로 만들어졌다. 둘째, 고전춤의 기술적 측면은 정중동의 절제미와 춤의 구조에 드러나는 대칭성 그리고 원기(元氣)를 나타내는 것으로 힘을 모아 끌어 들이는 내부적 힘의 확보를 지닌다. 특히, 나막신을 신고 발을 딛는 것 같은 움직임으로 내딛는 발에 몸무게를 실어 무겁고 느리게 추는 향섭족도(響屧足蹈)와 앞으로 가고 뒤로 후퇴하는 진퇴(進退)의 춤사위, 그리고 이와 더불어 고풍스런 미소의 화전태(花前態)가 주요한 기술적 측면에 포함된다. 이로서 고전춤은 중후하고, 우아하며 넘치지도 부족하지도 않게 추는 춤으로 대칭성과 균형성을 지닌 정형화의 구속력을 지닌다. 이로서 고전춤의 개념은 감성보다는 이성의 요소로서 정연한 ‘형식’을 중요시 하며 균형성을 통한 수평적인 안정된 질서를 추구하여 기존의 질서와 존재를 유지하는 것을 요구한다. 고전춤은 민속춤이 주관성과 개성을 강조한다면, 이와 달리 작품의 객관성에 중점을 두는 춤이다. 특히 고전춤은 ‘과거로부터의 지속성’이 가장 중요하다. 현시대에서 새로운 신고전춤이 등장하며 고전춤은 변화를 맞이하고 있다. 고전춤의 구속력은 형식을 지닌 ‘규칙에 대한 탐구’로서 대중적 동의를 얻을 때 그것을 우리는 고전춤이라 부른다.

As the study on regional traditional dances became more active, classical dances slowly lost its identity on the backgrounds of its transformation into traditional dances. Sometimes the historical flow causes some terms with different concepts to be used instead of its original meaning depending on what value is added by the subject being studied. The current term of classical dance coexists in a disordered mix with the term traditional dance. Traditional dance is based on historic and temporal aspect which is divided into traditional and non-traditional, and should be observed with the concept of modernity that began with Gapohgyeongjang (institutional reformation policy in 1895). The reason why we must reconsider the discussion on classical dance is due the emergence of dance with classical reconfiguration and value, which led to the current discussion on what to call the movement of classical dances that hold individual characteristics and neo-classical techniques. Therefore the identification of the classical dance’s characteristic is as imperative as the need for its continued existence. The results of the study are as follows. First, the semantic aspect of classical dance is based on filial piety that emphasizes vertical relationship of respect and order that is learned through self-discipline in propriety. This is about keeping order that stems from the meaning of low bowing and diligently practicing the virtues of the Five Elements in the theory of Yin and Yang. It refers to the golden mean and order of the spirit within harmonity. Classical dance is an expression of self-control that suppresses the human desire through the practice of propriety much like a solemn ritual, which combines normality through the act of practice by the dancer. Second, the technical aspect of classical dance can be described as the beauty of moderation in ‘motion amidst rest’, symmetry revealed in the structure of the dance, vigor, and the internal power that attracts by combining strength. Especially, there are dances such as Hyangseopjokdo which is danced with heavy and slow footfall as if stepping with wooden shoes and Jintoi dance style that has advancing and retreating movements. There is also Hwajeongtae, which is danced with a traditional smile. Classical dances are solemn and elegant that is neither over the top nor lacking, and carries ‘the binding force of standardization’ in symmetry and balance. Classical dance emphasizes reason rather than emotional elements through orderly formality and seeks stable vertical order through balance, and it demands ‘former order and existence’. If traditional dances emphasize subjectivity and individuality, classical dances put more importance on the objectivity of the art. ‘Continuity of the past’ is especially important in classical dance. Currently, the emergence of new classical dances is bringing change to the world of classical dance. The binding force of classical dance is ‘the study of rules’ with form, and we can call it a classical dance when the consent is given by the general public.

과학기술의 지속적인 발전은 전통문화와 현대과학의 결합을 통해 중국 고전 무용, 특히 돈황무의 보존 및 전승에 새로운 기회를 마련해 주었다. 본 연구의 목적은 현재와 미래의 발전 추세를 결합하여 돈황무의 디지털 보존 및 글로벌 화를 실현하고, 중국 고전무용의 전승과 혁신을 위한 공유 및 벤치마킹을 제공 하는 것을 목표로 하였다. 주요 연구 방법으로는 모션캡쳐 및 가상현실 기술을 돈황무에 적용한 사례 분석을 통해 둔황무를 포함한 교육 디지털화 과정을 개 발 설계하였다. 돈황무의 현대적 기술 응용을 활성화하는 것을 주요 내용으로 하며, 돈황무 교육의 디지털화, 관련 기술 전문가 양성, 학제간 연구 촉진, 국 가 정부의 지원 필요성을 강조하였다. 연구 결과, 디지털화를 통한 중국 고전 무용 활성화 방안의 타당성을 확인하였으며, 이는 무용 교육 발전에 이론적 근 거를 제공하고, 전통문화의 현대화 및 세계화에 기여할 수 있는 기술적 방법임 을 강조하였다.

With the continuous development of science and technology, the combination of traditional culture and modern technology has provided new opportunities for the preservation and dissemination of classical Chinese dance. This study aims to more effectively disseminate various forms of Dunhuang dance and revitalize Chinese classical dance by targeting Dunhuang dance, which represents classical Chinese dance. As a solution to this, he proposed the digitalization of Dunhuang wood using motion capture and virtual reality technology and emphasized the need to train related technology experts, promote interdisciplinary research, and support the national government. Prior to this, this paper discusses the research background and significance of this paper, introduces the contents of Dunhuang dance, and analyzes several cases of applying motion capture and virtual reality technology to Dunhuang dance to discuss ways to apply digital technology to classical dance. discuss. Necessity. Additionally, the purpose of this article is to combine the current and future trends of classical Chinese dance, realize digital preservation and globalization of Dunhuang dance, and provide sharing and reference materials for the succession and innovation of classical Chinese dance.

본 논문의 목적은 인도 무용 쿠치푸디의 기원과 공연 양식, 그리고 1960년대 이후의 변화를 살펴보는 것이다. 쿠치푸디는 인도 안드라 프라데시 주에 있는 쿠치푸디 마을에서 시작된 공연 형태로 브라만 남성이 행하는 공연이다. 전통적으로 여성들은 쿠치푸디에 참여할 수 없었기에, 여성 역도 남성이 맡아왔다. 그리고 이 속에서 쿠치푸디의 독특한 매력이 만들어졌다. 실제로 이러한 모습은 쿠치푸디의 대표적인 작품인 <바마칼라팜>에서도 확인할 수 있는데, 이 작품에서 사티아바마 역을 맡은 남성 배우의 연기는 이를 잘 보여준다. 또한 마다바/마다비를 연기하는 한 배우가 남성과 여성을 번갈아 가면서 연기하고, 무대 역시 그에 따라 분할되는 것도 매우 흥미로운 지점이라고 할 수 있다. 하지만 이러한 전통은 차츰 사라져가고 있다. 남녀 배우의 역할 구분이 공연에서도 확고해지고 있으며, 남성 배우들 역시 감소하고 있다. 1960년대에 쿠치푸디를 남인도의 무용 중심지인 마드라스로 가져온 벰파티 친나 사티암의 실험에서도 이런 모습은 나타난다. 그는 쿠치푸디에서 남자는 남자가, 여자는 여자가 연기를 하게 했으며, 심지어는 크리슈나와 시바와 같은 남성 신도 여성이 연기하도록 했다. 여성들이 공연할 때 쿠치푸디가 더 인기를 얻을 수 있다고 보았기 때문이다. 분명 그의 실험을 통해 쿠치푸디는 인도를 넘어 전 세계에 높은 인지도를 쌓을 수 있었다. 하지만 문제는 남성 배우의 여성 연기가 사라지면서 쿠치푸디의 정체성이 흔들리고 있다는 것이다. 물론 전통은 고정된 것이 아니며, 항상 새롭게 창조될 수 있다. 그러나 과도한 실험은 종종 창조가 아니라 파괴가 될 수도 있다. 쿠치푸디의 사례는 어느 경우에 해당하는 것일까? 이에 대한 진지한 고민이 필요한 시점이다.

This paper undertakes an examination of the historical origins, performance style, and evolutionary trajectory of Kuchipudi, a classical Indian dance originating from the village of Kuchipudi in Andhra Pradesh. Traditionally, due to restrictions, women were not permitted to participate in Kuchipudi, resulting in men assuming the female roles, thereby contributing to its distinctive appeal. This gendered performance practice, notably exemplified in works like Bhamakalapam, contributed to the distinctive character of Kuchipudi. Additionally noteworthy is the actor’s dual portrayal of Madhavi/Madhava, seamlessly alternating between male and female roles, with corresponding stage divisions to accommodate these transitions. However, the tradition has undergone significant transformations, particularly since the 1960s. Vempati Chinna Satyam, a pioneering figure in Kuchipudi’s modern evolution, introduced reforms aimed at broadening its accessibility and appeal. These reforms included casting men in male roles and allowing women to perform previously restricted female roles, even including male deities such as Krishna and Shiva portrayed by women. Chinna Satyam’s experimental approach sought to align Kuchipudi with contemporary artistic and societal expectations, leading to its widespread popularity both nationally and globally. Nevertheless, these changes have sparked debates surrounding Kuchipudi’s cultural identity and authenticity. Of course, traditions are not fixed and can always be reinvented. But it’s also important to remember that too much experimentation can often lead to destruction rather than creation. The case of Kuchipudi deserves serious consideration.

사자춤은 한중일을 비롯한 동아시아에서 광범위하게 전승되고 있다. 본고에서는 일본고전문학 텍스트를 중심으로 사자춤과 그 변천에 대해 분석했다. 먼저 궁중문학의『마쿠라노소시』와 『에이가 이야기』에 공통적으로 보이는 ‘사자와 고마이누(소호히)’ 는 첫째, 어가 행렬의 선두에서 길을 인도하는 역할을 한다. 둘째, 사자와 고마이누는 정지된 형상으로 공간 내부를 지키는 역할을 한다. 다음으로 중세 설화에서 사자춤은 골계적 문맥에서 사람이나 동물의 움직임을 비유하는 표현으로 사용되고 있다.『짓킨쇼』고다이신 설화에서는 남녀의 춤이 사자에 비유되며 스케모토 설화에서는 뱀의 모습이 마치 ‘기온의 사자’와 같다고 표현된다. 이때 『짓킨쇼』를 계승한 후대의 『고콘초몬주』가 ‘기온’이라는 말을 생략한 이유는 사자춤의 다양한 형태를 반영한 것이라고 해석할 수 있다. 설화 속 사자춤은 털옷 입은 당나라풍 사자와는 구별되며 휘장처럼 넓은 천을 쓰고 추는 춤이라고 지적할 수 있다. 사자춤이라는 용어는 하나이지만 그 속에는 무수한 형태의 사자춤이 담겨 있다. 문학 속에 각인된 사자춤은 스토리가 환기시키는 상상력을 통해 다양한 사자춤의 모습을 독자에게 제시한다.

This study analyzes the lion dance and its change as it appeared in Japanese classical literature. First, in courtly literature, the “Lion and Komainu(Sohohi)” dance in Makura no Soshi and The Tale of Eiga, serves to guide the palanquin during the emperor’s visit to the royal palace. Further, as a stationary shape, they serve to protect the interior of the space. Next, in medieval folktales, particularly, in the tale of Godaishin in the “Jikkinsho,” the steps of a monk and a woman, are described as a lion dance. Moreover, in the tale of Sukemoto in the same work, the movement of snake is expressed in the “lion dance of Gion.” In “Gokonchomonju,” the successor of “Jikkinsho,” the word “Gion” is omitted, generalizing it as a lion dance, thereby reflecting the variety of lion dances; that is, the lion dance in medieval folktales can be seen as having a form different from the “Lion and Komainu” in court literature or the lion in a fur in the “Sanye” of Choi Chi-won in Korean literature. The lion dance imprinted in Japanese classical literature gives us insights into the changes of the lion dance.