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20세기부터 오선보를 활용한 가야금산조 채보가 이루어졌으나 초기부터 일정한 기준과 합리 적인 방법이 결여되었던 관행은 여전히 상존하여 여러 문제점을 노출하고 있다. 집단에 의한 공동 작업이 아닌 연주자 개개인의 채보이기 때문에 채보 방식은 그야말로 각양각색이었다. 오선보 한계를 보안할 방안을 모색한 경우도 있지만, 채보할 때에 기본적으로 고려할 사항조차 인식하지 못한 채 양산된 악보가 많다. 본고는 그간의 가야금산조 채보 악보에서 드러난 문제점을 진단하고, 이를 통해 합리적인 채보 를 위해서 중요하게 고려할 요소들을 다루었다. 논점은 실음기보와 음자리표, 조명(調名)과 청(淸) 변화 표기, 시김새, 장단과 박의 측면에 두었다. 본고의 목적은 채보에서 나타나는 문제점이나 불합리한 점을 논급하는 데에 두었으므로 필자 가 해결 방안 자체를 제시하는 것은 논외의 내용이었다. 본고 가야금 연주자들이 앞으로 모색해야 할 과제로서 최소한의 합의된 일정한 기준을 설정할 필요성을 전달하는 데에 의미를 두었다.

Since the 20th century, transcription of Gayageum Sanjo has been made using staff notation, but the practice still lacks a certain standard and reasonable method, exposing various problems. As performers transcribed musical scores individually rather than collectively as a group, the transcription methods were truly diverse. There are cases in which measures to secure the limits of staff have been sought, but there are many scores that have been mass-produced without even recognizing the basic considerations when transcribing. This paper diagnoses the problems revealed in the Gayageum Sanjo transcription scores so far, and deals with the elements to be considered important for rational transcription. The issues were placed on the aspects of real-tone notation and clef, changes in musical tones, notation of changes in central notes, sigimsae, jangdan and beats. Since the purpose of this paper was to discuss the problems or irrational points found in transcription, it was out of the question for the author to suggest a solution oneself. As a task that Gayageum players should seek in the future, this study focused on conveying the need to establish a minimum agreed-upon standard.

본 연구는 18세기 금보 소재 《중대엽》에 나타난 거문고 시김새의 기보 양상을 고찰하고, 조선 후기 거문고 음악의 특성과 전승과정을 구명하고자 한 것이다. 분석 결과, 18세기는 왼손 시김새 기법이 양적ㆍ질적으로 비약적인 발전을 이룬 정점기였음을 확인하였다. 한금신보, 신작금보, 어은보를 거치며 농현과 주법은 세분화되었고, 시김새의 복합적 기호 체계 도입으로 표현 영역이 획기적으로 확장되었다. 이후 현행 정악보에서 나타나는 기보의 생략 내지 간소화는 표현의 쇠퇴가 아닌 연주 관습의 내면화에 따른 기보 체계의 변화로 해석된다. 또한 《중대엽》에서 《삭대엽》으로의 변천은 음악 구조의 중심이 왼손 시김새를 이용하여 표현하는 여음 중심의 정적(靜的) 음악에서 리듬과 선율 중심의 동적(動的) 음악으로 변화되었음을 보여준다. 정악에서 축소된 시김새 요소가 산조 등 민속악으로 이행되어 재맥락화된 점은 시김새가 장르 간 이동을 통해 생명력을 지속해 왔음을 시사한다. 본 연구는 18세기 시김새의 재해석이 고악보 복원과 전통의 창조적 계승을 위한 학문적 토대임을 밝힌 데 의의가 있다.

This study examines the notation patterns of sigimsae (ornamental inflections) in Jungdaeyeop found in 18th-century geumbo (zither manuscripts), with the aim of elucidating the aesthetic characteristics and evolutionary processes of geumgon music during the late Joseon Dynasty. The analysis confirms that the 18th century was a pivotal era marked by significant quantitative and qualitative advancements in left-hand sigimsae techniques. Through manuscripts such as Hangeum Sinbo, Sinjak Geumbo, and Eoeunbo, nonghyeon (vibrato) and various playing techniques became increasingly refined, while the introduction of complex symbolic systems for sigimsae dramatically expanded the scope of musical expression. The subsequent simplification of sigimsae in contemporary court music (jeongak) scores should be interpreted not as a decline in expression, but as a shift in notation systems resulting from the internalization of performance conventions—a transition where visible symbols moved into the realm of invisible, embodied performance. Furthermore, the transition from Jungdaeyeop to Sakdaeyeop reveals a structural shift in musical aesthetics, moving from the ornamentation of yeoeum (lingering sound) through sigimsae toward a dynamic aesthetic centered on rhythm and melody. The fact that sigimsae elements, which were reduced in court music, migrated to folk genres such as sanjo and were recontextualized suggests that sigimsae has sustained its vitality through cross-genre movement. This study is significant in establishing that the reinterpretation of 18th-century sigimsae provides an essential academic foundation for the restoration of ancient scores and the creative succession of musical traditions.