Earticle

예술 장르의 경계가 갈수록 모호해지고 관객이 새로운 의미를 창출하는 제4의 창조자로서 또는 수행 자로서 역할이 확대되고 있는 시대와 더불어 4차 산업혁명 시대의 인공지능이라는 개념과 함께 로봇 배 우가 공연문화의 새로운 패러다임을 만들어내고 있는 현실을 살아가고 있다. 비재현적 연극들이 다양하 게 시도되고 있는 요즘, 과거 재현과 비재현의 경계사이, 과도기를 겪은 과정의 경계선을 허물어버린 대 표주자가 바로 고든 크레이그라 할 수 있다. 텍스트 중심의 전통적 희곡 개념을 거부하고 공연텍스트라 는 새로운 의미 창출과 ‘연출’이라는 개념과 중요성을 적극 활용 한 그를 통해 오늘날의 ‘연출’이라는 개 념의 의미를 다시금 새겨 볼 수 있다. 오래된 역사를 형성해온 연극, 특히 르네상스 이후 현실의 재현을 향한 발전의 서구 근대 연극사에서 고든 크레이그는 자연주의 연극과 계몽주의적이며 합리주의적 원칙 에 반기를 들며 저항하였다. 사실주의를 거부하고, 연극을 일상적 존재의 현실을 넘어선 현실의 표현을 위한 매개체로 변형시키고자 노력한 크레이그는 상징주의에 속하지는 않지만 상징주의 전통 안에 있었 다. 이처럼 비재현적 연극에 대하여 이론적 체계를 부여하는데 지대한 공헌을 한 크레이그는 자신의 혁 명적인 사상을 많은 저서를 통해서 독자들로 하여금 연극예술을 재평가하도록 하였다. 연출가로서 뿐만 아니라 연기자, 미술가, 작가, 그리고 무대디자이너였던 그는 상징주의적 양식무대의 초석을 만들어냈다. 이에 본 연구자는 새로운 현대적 무대 미학을 확립한 연출가, 고든 크레이그의 생애와 작품활동, 연극예 술론의 특징들에 대하여 알아보고 오늘날 공연예술분야에서 그가 가지는 의미와 앞으로의 오늘날의 무 대 발전 가능성을 고찰해 보고자 한다.

A theatre has been forming a long history, especially since Renaissance, western modern theatre has been in constant and reverse progress of reproducing reality. It reaches its peak when it comes to realism theatre. However, a dream of the reproducing reality ran into strong resistance by theatrical reformers who were against the principle of naturalism theater in early 20th century. Craig who tried to refuse the realism and transform the theatre into medium for expressing the reality beyond the ordinary reality is not sorted as symbolists but in traditional symbolism. Thus, Craig who is with respect to give a theoretical system of non-representational theory of theatre, he shocked people by writing a lot of books with his revolutionary ideas for re-evaluating the theatre arts. He advanced symbolic stage as a director, actor, writer, designer and artist. Through his concept of ‘space-light-movement-theatre’ and ‘space-light-direction’, Craig is beyond the naturalistic drama which focuses on a literal analysis. His interest is to form the visualization of the nature in accordance with the principle of musical composition. He checked an artistic characteristic of the theatre once again and criticized Europe drama that had lost its own artistic character at that time. Also he questioned of the nature of the drama in directing to improve the situation in Europe. He emphasized the direction because of the down grading the importance of text, created a new theory of the future that is the movement concept centered and directed by the director. Although his theory remains only drawing or idea, yet it can be said that the idea is alive and has great significance because they help establish other theatrical theory or give an inspire to the other artists.

A novel objective quality assessment method is proposed for super-resolution images in this manuscript. We not only estimate the preserved information of each spatial location in the super-resolution image by structural similarity, but also compute the local phase coherence (LPC) with which we can detect the image blur in the super-resolution image. After the preserved structural information and blur information is obtained, an overall evaluation of visual quality of the super-resolution image can be computed. Experimental results show that the proposed objective quality assessment method can be used in the real applications with the original high-resolution images unavailable.

본 연구는 오랫동안 인물의 초목표를 체화하는 도구로 좁게 인식되어 온 심리제스처를 재조명하여, 그 적용 범위를 다섯 층위로 확장하고 각 층위를 구현할 구체적 과정을 마련한다. 심리제스처는 본래 작품의 다양한 요소에 적용될 수 있는 폭넓은 기술이나, 그 쓰임이 초목표에 한정되어 논의되어 왔을 뿐 아니라 실천 과정에 대한 안내 또한 충분하지 않았다. 이에 본 연구는 미하일 체홉의 저서와 리사 달튼, 레너드 페티, 데이비드 진더 등의 논의, 그리고 본 연구자의 교육 및 연출 경험을 참조하여, 심리제스처의 적용 범위를 초목표와 장면 속 목표, 심리적 행동, 분위기, 주제의 다섯 층위로 확장하고, 체홉이 제시한 ‘원형 – 성질 – 반복 – 상상’의 네 단계를 ‘대상 – 원형 – 변형 – 성질 – 반복 – 상상 – 병행’의 일곱 단계로 발전시켰다. 이 일곱 단계는 다섯 층위 모두를 신체화하고 내면화하는 보편적 실천 과정이다. 층위가 달라질 때 실제로 달라지는 것은 대상과 원형, 변형, 성질로 이어지는 신체화의 과정이며, 그중에서도 무엇을 대상으로 삼는가가 관건이 된다. 초목표에서는 삶을 지배하는 가치를, 장면 속 목표에서는 상대를 향한 갈망을, 심리적 행동에서는 대사 이면의 의도를, 분위기에서는 공간에 속한 배우 자신을, 주제에서는 작품이 전하려는 메시지가 향하는 바를 대상으로 삼아 이를 온몸으로 체화한다. 본 연구는 그 구체적 양상을 안톤 체홉의 〈갈매기〉를 통해 예시함으로써, 같은 장면이라도 어떤 대상과 원형, 성질을 택하느냐에 따라 전혀 다른 연기가 빚어짐을 밝혔다. 이로써 본 연구는 심리제스처를 초목표에 고정된 기술이 아니라, 작품의 다양한 요소를 온몸으로 체화하는 효과적인 도구로 재정립한다.

This study reexamines the psychological gesture, long understood narrowly as a tool for embodying a character's super-objective, extending its scope to five layers while establishing a concrete process for realizing each of them. Although inherently a wide-ranging technique applicable to diverse elements of a work, the psychological gesture has been confined to the super-objective, with little guidance on how to put it into practice. Drawing on the writings of Michael Chekhov, the work of later Chekhov practitioners, and the researcher’s teaching and directing experience, this study expands its application to five layers?super-objective, scene objective, psychological action, atmosphere, and theme?and develops Chekhov’s four stages of archetype, quality, repetition, and imagination into seven: object, archetype, variation, quality, repetition, imagination, and parallel. These seven stages form a universal process for embodying and internalizing all five layers. What changes across layers is the process of embodiment that runs from object through archetype and variation to quality, and above all, the choice of object proves decisive: a life-governing value in the super-objective, a desire toward the partner in the scene objective, the intention beneath the line in psychological action, the actor’s self within the space in atmosphere, and what the message reaches toward in theme. Illustrating these applications through Anton Chekhov’s The Seagull, this study shows that the same scene yields entirely different performances depending on the object, archetype, and quality chosen, thereby reestablishing the psychological gesture not as a technique fixed to the super-objective but as an effective tool for embodying the diverse elements of a work with the whole body.