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Spatial Composition and Audience Experience of the Site-specific Performance Rora Paek (Soongsil University) This research has two-fold aims: to investigate critical discourses in site-specific arts and to analyze the production and reception aspects of contemporary site-specific performances. These aims are motivated by the problematic issues brought up by the nature of site-specific performance in the areas of performance studies and staging. One reason is that more and more diverse styles of site-specific performances have recently been emerging in Korea. Another reason is that, even though scholars have given site-specific performance a lot of attention over the years, its conceptual definition still remains unclear. To clarify the concept of site-specific performance, this research undertakes the following three tasks. First, it examines the established critical theories of site-specific arts that have been proposed so far both in Korea and abroad. Second, it identifies tendencies that distinguish the site-specific performances of the 21st century. Third, for specific investigation, it analyzes the directing methods that organize the "found site" and audiences’ reception and experiences of specific sites through analyzing two site-specific performances—Heterotopia (2010) and en route (2012)—which have been highly acclaimed for their experimental and aesthetic qualities. This research will hopefully encourage a more comprehensive critical discourse on site-specific performance of our century -- a discourse which will also show how the directors who experiment with site-specific performances provide access to the sites, compose the site-specific performance space, and guide the audiences who not only watch but also participate in the performance.

본 연구는 현대 영화 및 OTT시리즈 제작과정에서 감독의 영화 연기연출 방법의 새로운 가능성을 모색하는 데 그 목적이 있다. 배우에게 역할에 몰입하고 자연스러운 연기를 끌어내는 데 초점을 맞춘 켄 로치(Ken Loach)의 독창적인 연기연출은 현대 영화감독 및 OTT시리즈 감독에게도 시사하는 바가 크다. 그의 작품은 전문 배우와 비전문 배우 모두에게서 연기의 진정성을 극대화할 수 있는 방법론들을 입증했다. 무명 배우인 피터 뮬란(Peter Mullan)은 켄의 작품을 통해 칸 영화제 남우주연상을 받았고, 비전문 배우였던 아역 배우 데이비드 브래들리(David Bradley)는 영국 영화 아카데미에서 신인연기자상을 수상하였다. 본 논문은 이러한 켄의 연기연출 방법론 연구를 토대로 그의 사회적 사실주의(Social Realism) 연기연출 방법 분석을 담고 있다. 첫째, 네오리얼리즘으로부터 기인한 켄의 비전문에 대한 캐스팅 방법론과 함께 비전문 배우와 전문 배우의 앙상블을 통한 ‘현존성 강화’ 방법에 관해 탐구하였다. 둘째, 배우와 ‘주어진 상황’(Given circumstance)에 대한 토론을 통한 현장 연출 방식을 통해 배우의 자발성(Spontaneity)을 강화하며 독립된 영역인 연출과 연기를 관통하는 감독과 배우의 소통 방법을 모색했다. 셋째, 카메라의 초점거리와 카메라의 위치를 활용하여 연기적 자율성과 배우의 몰입을 방해하지 않는 기술 계획(Technical plan)을 제시하였다. 이를 위해 켄의 연기연출 방법론을 ‘배우에 대한 접근 방법’과 ‘촬영 기술에 대한 접근 방법’으로 나누어 고찰하였다. 기술 중심의 연출 방식이 강조되는 현대의 제작 환경 속에서, 본 논문이 주장하는 배우의 자발성과 몰입을 중시하는 연기연출 전략은 감독과 배우의 창조적 소통을 유도하며 영화 제작 환경에서 사실적인 연기 예술을 구현하는 데 실질적인 기여를 할 수 있을 것으로 기대한다.

This study aims to reestablish the roles of directors and actors in the production of contemporary films and OTT series and to explore new possibilities in film directing methods. Ken Loach’s innovative approach to acting direction, which focuses on immersing actors in their roles to elicit natural performances, offers significant insights for modern filmmakers and directors of OTT series. Loach’s works have demonstrated methodologies that effectively maximize the authenticity of performances from both professional and non-professional actors. This study contains an analysis of his acting direction methodology in Social Realism, based on a study of his approach to acting direction. First, it examines his casting methods for non-professionals derived from Neorealism, and the “enhancement of presence” through ensembles of non-professional and professional actors. Second, it explores the director-actor communication that penetrates the independent realms of directing and acting, enhancing actors’ spontaneity through on-set directing methods that involve discussions about “given circumstances”. Third, it presents a technical plan that utilizes camera focal lengths and positioning to facilitate acting autonomy and actor immersion without interference. To achieve this, the paper divides and examines his directing methodologies into two main approaches: one towards the actors and another towards the techniques used on the set. In response to the increasing reliance on technology-oriented directing methods in contemporary film production, this study proposes an alternative strategy of acting direction that foregrounds actors’ spontaneity and immersive engagement. This approach aims to facilitate creative collaboration between directors and actors, ultimately contributing to the development of realistic performance aesthetics in cinematic practice.

본 연구는 근대 독일 작센-마이닝겐 공국의 군주 '게오르크 2세 공작'의 연극관과 연출론에 대해 마이닝거 프린?에 기초하여 그의 동시대적 맥락에서 고찰하였다. 그는 연극을 국내외 현실을 중재하고 국위를 고양하기 위한 합목적적 매체로 활용한 연극-문화정치가이자 제작자 겸 연출자였다. 지면 여건상 그의 연출론을 중심으로 요약하면, 그는 마이닝겐 극단에서 종합예술작품인 연극의 창조를 목표로 하여, 희곡 원전을 작가의 대변자적 입장에서 상연하는 연출 방법론을 수립하였다. 그의 전제적인 연출법에 수반된 포괄적 역사주의, 학술적 선행연구, 원전에 충실한 해석과 완결된 앙상블 효과를 위한 목적연출, 제작 단계별 분업과 협업, 배우의 개성과 앙상블 연기 중시, 체계적인 배우훈련과 철저한 리허설 실행 및 배우연극의 스타시스템과 전문역 같은 낡은 관행과 관습의 배격 등은 연극창조의 새로운 가치관과 실천 체계로서 혁신적인 것이었다. 그는 연출(자)의 독립과 독자성을 수립하며 근대 연출자연극의 새로운 지평을 열었고, 이로써 근 현대 연출가연극을 위한 토대를 놓았다.

This research was studied in regard to theatre perspective and the directing methods of the 'Theater Duke Georg II.', the ruler of the Duchy of Saxe-Meiningen in modern Germany, in his contemporary context based on the Meininger Principle. He was a theatre-cultural politician, producer and a regisseur, who used theatre as purposive media to arbitrate domestic and international reality and enhance national prestige. Especially as a regisseur, he established directing principles and methods which was performing the original texts representing playwright's perspective targeting to creat theatre as synthesis of the arts at Meningen Company. It was innovative thing itself which was that his directing art was accompanied by new theatrical aesthetics, practical principles, and staged process. He established independence and originality of directing which was breakthrough of modern stage-director's theatre. Furthermore he layed a foundation for the development of the modern and contemporary director's theatre.

우리나라의 연극교육의 중심이 연극전통의 미학교육에만 몰두해 왔음을 부정할 수 없다. 그리고 연극교육의 바탕이 될 철학과 미학교육은 미흡하게 진행되고 연극제작 교육에 몰두하면서 본질적인 질문‘연극이란 무엇인가?’의 고민 없이 맹목적인 연극 만들기에 집중하고 있는 게 현실이다. 연극제작수업의 집중이 연기교육에 있다 보니 학생연출의 창의적 발상은 아예 무시되고 스스로 사고하여 창조하는 일은꿈도 꿀 수 없는 게 현실이다. 특히 전문연출가를 양성하기 위한 교육의 시스템이 정비되어야 할 것이다. 연출교육을 위한 방법은 해석적 발상을 할 수 있도록 교육하고 연극만의 독특한 시간과 공간의 계념을확립시키고 올바른 연습진행을 위한 방법이 존재해야 한다. 효율성이 높은 연습은 결과론적으로 창조적인 에너지를 작품제작에만 집중하게 할 수 있기 때문이다. 단계적인 연극제작교육 방식의 도입은 전문화된 연출 교육을 이끌어낼 수 있다.

It can not be denied that the center of theater education in Korea has been devoted to the aesthetic education of drama tradition. The philosophy and aesthetic education that will be the basis of theater education is insufficient and it focuses on making the blind play without worrying about the essential question 'What is the Theater?', while concentrating on the theatrical production education. The concentration of theater production class is in acting education, so creative ideas of student directing is ignored at all, and it is a reality that it can not dream to create by oneself. In particular, a system of education to train professional directors should be established. There must be a way to educate the students to do analytical thinking and to establish the unique time and space concept of drama and to make the right practice. Effective practice can result in creative energy being focused on the production of the work. The introduction of a step-by-step playmaking education method can lead to a specialized production education.