Earticle

타이포그래피 표현에서 전통적 규범과 기능주의적 규칙으로부터의 이탈현상이 다양하고 광범위하게, 지속적으로 나타나고 있다. 연구자는 이 상황을 ‘타이포그래피의 몰형식성’으로 규정하고 연구의 중심개념으로 사용하고 있으며 이에 대한 논거는 리오타르의 포스트모던적 숭고론과 숭고체험의 핵심 기제인 ‘몰형식성’에 두고 있다. 이 연구는 타이포그래피 역할이 정보전달의 기능적 범주에서 미적 경험 확장의 방식으로 확장되고 있음과 더불어 타이포그래피 표현의 몰형식성이 수용자에게 숭고 체험의 계기가 될 수 있다는 데 주목하였다. 연구의 결과, 타이포그래피의 몰형식적 표현에서의 숭고의 체험의 계기는 첫째, 전통적인 형식과 지각방식의 균열로 인한 이견과 대립의 상충성이며 둘째, 이차적으로 파생되는 의미들에 의한 표현과 내용의 불일치가 가져오는 공약불가능성이다. 셋째, 타이포그래피에서 주체의 재발견에 따른 스타일의 내재적 생성이 낳은 표현의 차이와 이질성이고 넷째, 표현의 범주와 경계가 침식됨으로써 경험되는 인식 바깥의 사건성이다. 결론적으로, 타이포그래피 표현의 몰형식성은 기존의 어떤 규칙과 규범에도 얽매이지 않고 매우 다양한 양상으로 나타나기에 수용자의 내부에서 긴장과 상충, 좌절과 극복의 역동적 움직임을 특징으로 하는 감정을 촉발하며 포스트모던적 숭고의 체험을 가능하게 한다.

In typography expressions, the departure from traditional norms and functionalist rules is diverse and widespread. The researchers define this situation as 'formlessness of typography' and use it as the central concept of this study. The argument is based on 'formlessness' which is the key mechanism of Lyotard's post-modern sublime and sublime experience. This study has noted that the typography role is expanding from a functional category of information transfer to a way of aesthetic experience expansion, and that the formlessness of typography expression can be an opportunity for the audience to experience sublime. As a result of the study, the occasion of the experience of the sublime in the mental form expression of typography is as follows. First, there is a conflict between the disagreement and the opposition due to the crack of the traditional form and the perception method. Second, the disagreement between the expression and the contents by the secondary-It is impossibility of bringing. Third, there are differences and heterogeneity of expressions resulting from intrinsic creation of style by subject rediscovery in typography. Fourth, the category and boundary of expression are event events outside perception that are experienced by erosion. In conclusion, the formlessness of typography expression is not bound to any existing rules and norms, but manifests itself in a wide variety of patterns. It triggers emotions characterized by tension and conflict, dynamic movement of frustration and overcoming in the audience, It enables the experience of sublime.

이 논문은 김종삼의 시 <앙포르멜>에 주목하여, 서구에서 일어난 앵포르멜 미술 운동과 김종삼 시세계의 관련성을 살핀다. 앵포르멜 운동은 기존의 추상주의에 반하여 일어난 추상표현주의 운동으로, 한국에도 여러 방식으로 소개된 것이었다. 김종삼 시인은 앵포르멜 운동의 의의와 그 양상을 파악하고 있었으리라 여겨진다. 그것은 앵포르멜 운동이 갖는 여러 특성들과 공통된 지점에서 찾아진다. 김종삼 시인은 분열되고 깨어진 세계에 대한 인식과 함께 그러한 세계를 더 이상 표상해낼 수 없는 기존 예술 양식의 한계를 자각하고 있다. 그러면서 비정형의 예술 추구를 그 대안으로 여기고 있다. 이것은 안정된 형상이 내포하는 합리적 이성주의와 그것이 유발한 역사적 폭력성에 대한 거부를 뜻하는 것이었다. 이러한 고민이 낮은 유물론의 세계관을 받아들이고, 그것을 드러내는 예술적 양태로서 비정형의 양식을 발전시키게끔 한 것이다. 시인은 더 나아가 동일성의 주체로서의 자아를 소멸시키고 자기를 내어줌으로써 의미론적 언어 이면에 감추어진 침묵의 목소리에 귀 기울이는 윤리적 은유 과정으로 발전한다. 그러한 과정을 통해 깨어진 세계로 인해 사라진 아름다운 대상과 미적 가치들을 다시금 복원시키고 있는 것이다. 그것은 결코 동일성의 주체가 욕망하는 초월 의지나 이상향으로서의 추상 세계를 그리고 있는 것이 아니다. 오히려 자기를 소멸시키는 과정 속에서 상실된 가치와 대상들을 의미론적 언어 저편에 놓인 침묵의 언어를 통해 드러내려고 했던 것이다. 김종삼 시세계가 어떤 추상성을 가진다고 할 때, 그 근저에는 이러한 윤리적 인식이 바탕하고 있는 것이다. 이것은 지금껏 추상과 관련된 논의들에서 밝혀내지 못한 숨겨진 맥락이다.

This study examines the relevance between Art Informel and Kim Jongsam’s poetry. He recognized a broken world and also realized the limits of the art. Art can no longer represent the world. Thus, he was accepted as an alternative that the pursuit of formlessness. It was that rejected that an art form keep a stable figure. And it was that accepted to the world view on base materialism. So, It was appeared as extinction of self and language of silence. Accordingly, that developed a process of ethical metaphor. It is the purpose that to restore the lost beautiful object. Therefore, abstract of Kim Jongsam’s poetry is based on these ethical recognition.

도생은 法性을 諸法의 본성으로 이해하여, 현상의 배후에 있는 유일하고 보편적인 법칙으로 설정하였다. 이러한 법성은 곧 제법의 참된 모습으로서의 實相 개념과 연결된다. 곧 무상(無常)한 존재로서의 제법에는 실질적인 모습이 없으나(無相), 그 배후에는 法性이라는 참된 성질이 존재한다는 것이다. 도생은 支道林이 강조한 理 개념을 더욱 발전시켜 반야학과 열반학을 연결하는 일종의 통합개념으로써 사용하고 있다. 理는 우주의 최고 진리로서, 불교의 진리를 가리키며, 반야성공의 이치이기도 하다. 도생의 사유구조에서 법, 법성, 불성, 열반, 깨달음 등은 理 개념과 결합하여 함께 제시되며, 법성은 理와 동등한 지위에 있다고 간주된다. 理는 중생 성불의 원인이기도 한데, 일체제불이 모두 理에 대한 체득을 통해서 열반에 이르기 때문이다. 따라서 절대불변의 진리로서의 理는 佛果이며, 佛性이기도 하다. 이처럼 리는 법성이자 불성이기도 하므로, 불성은 곧 법성과 동등한 지위를 확보하게 된다. 불성은 사람의 본성이고, 법성은 제법의 본분이므로, 인간은 본성으로서의 불성을 본래 소유(本有)하는 것이 된다. 따라서 성불의 과정이란 우주 실상에 대한 체득의 과정에 다름 아니며, 이것이 인간 자신에게 적용될 경우 자기 본심에 대한 자각이 된다. 이로써 중국 불교이론의 중심주제는 우주론, 본체론에서 심성론, 수행론, 해탈론으로 전향하게 된다. 이는 우주의 無相性에 대한 논의로부터 인간의 인격성에 대한 탐구로의 전향을 의미하며, 이를 다시 불교적 범주로 해석하면 性空의 반야학에서 妙有의 열반학으로의 전향이라고 볼 수 있다.

바타이유는 초현실주의 운동에 가담했지만, 관념론 미학과 단절하고 유물론을 옹호했다. 그는 자신의 이론을 니체에게서 출발했으며, 뒤르켐과 드 사드의 사상도 수용했다. 또한 그는 변증법적 유물론에 반발하고 저급한 유물론을 주창했다. 바타이유의 이론은 비정형성 개념에서 만개하는데, 그 개념으로써 포스트모더니즘 미술의 정의에 새로운 방향을 제시한 것이다. 크라우스는 이러한 바타이유의 비정형성 이론을 포스트모더니즘 미술에 적용하여 그린버그의 모더니즘과 형식주의 이론의 한계를 극복했다. 그리고 그 대안으로 수평성 개념, 저급한 유물론 개념, 박동 개념, 엔트로피 개념을 제시했다. 결과적으로 크라우스의 포스트모더니즘 조각비평에 있어서 바타이유의 비정형성 개념이 주가 되고 있지만, 그녀는 그것에 만족하지 않았다. 따라서 그녀는 다양한 학자들의 이론도 수렴하여 위의 네 가지 개념으로 정리함으로써 포스트모더니즘 조각의 다양성을 설명하려고 노력하였다. 그녀는 포스트모더니즘 미술이 완료형이 아니라 진행형임을 상기한다. 포스트모던 사회의 제 현상이 상호 복잡하게 뒤엉켜 있으며, 지속적으로 진화하고 있기 때문이다. 따라서 그 조각비평도 과거처럼 단일의 척도로 접근하는 것은 이미 그 한계에 부딪치고 있다고 판단한 것이다.

That G. Bataille defended materialism in order to be separated from the idealistic aesthetics after joining A. Breton's Surrealism movement is the starting point of his theory. The origin of a discord between the two was derived from heterology, and he searched for its answer from F. Nietzsche. The concept was to use for establishing the identity of the people who belong to the border area in society. He also introduced E. Durkheim's element by comparing the supernatural, spiritual life with the worldly one. And he paid attention to the accused share, the other without hope, within the dominant social order, discussing de Sade's use value. And then Bataille advocated base materialism, reacting against dialectical materialism. It has a dualistic character, which is defined as a waste like spittle. Bataille's theory is in full bloom in the concept of the informe. From the standpoint of this theory, he rearranged the art history ranging from the prehistoric art to the modern art. In particular, dilating on upon the concept of the informe in Documents that he founded, he suggested a new direction on the definition of the Postmodernism art. R. Krauss, applied Bataille's theory of the informe to the contemporary art and developed a systematic theory, overcame the limitation of C. Greenberg's Modernism and Formalism. She, escaping from the standpoint of interpreting the surrealistic artworks with S. Freud's theory, used the psychoanalytical understanding of impulse and unconsciousness more and more through Structuralism theory, Bataille's theory, etc. In effect, she became to suggest the concepts of horizontality, base materialism, pulse, and entropy. In conclusion, in logical development of a big theme, Krauss's critique of Postmodernism sculpture, Bataille's theory of the informe is central. But it is not enough to explain the varieties of Postmodernism sculpture only with his theory, for the expression subject or content in art, especially in sculpture, are also persistently varied more than the past, just as most of the phenomena in the postmodern society are intermingled with each other. If so, to approach with a single measure like the past in case of the critique of Postmodernism sculpture is seen as bumped against a limitation. And so Krauss's attempt to develop her own theory with adding the above three concepts to Bataille's concept is very noteworthy.

This study deals with formlessness designs that indicate a variety of related shapes between the human body and clothes depending on the 2D shape of fabric rather than a cubic and clear shape of fabric proportional to the human body. There have been formlessness fashion designs since the 1980s; however, there has been no attempts to define the concept of formlessness fashion designs. This study focuses on how formlessness clothing was named for clothes with no specific shape due to recognizing the body as a flat surface as referred in various prior studies and how a formlessness design is expressed. This study reviews formlessness designs from the viewpoint of eastern concepts as well as from the viewpoint of ancient Greek clothes to understand how eastern and western designers approached formlessness designs. We also simultaneously utilize a literature research and a case study of actual work. The scope of the research focuses on the case of female clothing starting from the 1980s when the formlessness trend first appeared.