Earticle

기계가 움직일 때의 동작들은 일정한 원리에 의해 움직이기 때문에 아무리 복잡하고 다양한 기계라 할지라도 기계의 운동을 지배하는 근원적 원리가 있다. 자율적 움직임은 반복을 피할 수 있고, 더 인간적이며 더 자연적인 요 소에 근접하는 길이다. 복제가 아닌 독창적인 움직임은 더더욱 그러하다. 따라서 현재, 기계의 역동성은 인간의 참여 에 의해 더욱 다감각적으로 표현될 수 있는 가능성에 도전하고 있으며 사실과 복제의 경계에서 그 표현영역을 점점 확대시키고 있다. 테오얀센의 작품들은 각각의 시기별로 다른 환경에 적응토록 변화하여 그의 수십 년에 걸친 연구는 초기에서 현재까지 계속 진화되고 있음을 알 수 있다. 그 진화의 초점은 무엇보다 개체를 구성하는 부품들 간의 유기 적 결합이 가진 원리로부터 반복되는 원형운동과 수평적 왕복운동이라는 동일한 근원지를 가지고 있음을 알 수 있다.

Since the movements of a machine are driven by a certain principle, there is a fundamental principle that governs the movement of the machine, no matter how complex and diverse it may be. Autonomous movements are a way to avoid repetition, to approach more humane and more natural factors. That's all the more so when it comes to original movements, not cloning. So now, the dynamics of the machine are more multi-sensory by human participation. It is challenging the potential to be expressed and is gradually expanding its sphere of expression in the boundaries of fact and cloning. Theo Jansen's works have changed from period to period to adapt to different circumstances, indicating that his decades-long work has continued to evolve from early to present. The evolution's focus, among other things, can be seen as having the same source of circular motion and horizontal reciprocating motion, which are repeated from the principle of organic coupling between the parts that make up the object.

20세기 초 아방가르드 예술운동은 기계와 기계적 효과까지 미학의 대상으로받아들이며 기계인간을 새로운 인간상으로 내세웠다. 미래주의자들과 순수주의자들, 그리고 페르낭 레제는 기계가 갖고 있는 새로운 아름다움의 형태와 논리적, 기능적 성격을 미술에서 구현하고자 하였다. 다다 작가들은 기존의 예술과문화에 대해 거부하는 표현수단으로 기계를 사용하였다. 바우하우스의 오스카슐레머는 기계장치로 움직이는 추상적인 형상들을 무대에 올리며 공간과 인간의 관계를 기하학적으로 파악하였다. 이러한 아방가르드 예술운동의 기계인간은 미술의 순수성과 자율성을 추구하는 모더니즘과는 달리, 새로운 외부의 가능성과 결합하며 이질적이며 비유기적인 생명을 생성해내는 추상기계의 작동이라 할 수 있다.

In the early 20th century, the avant-garde art movement accepted the machine and its effects as aesthetic objects, and put up the mechanical man as a new human image. Futurists, purists, and Fernand Leger sought to embody the new forms of the beauty and the logical and functional characters of the machine in art. Dada artists used the machine as the means of defying the existing art and culture. Oskar Schlemmer, a professor in the Theatre of Bauhaus grasped geometric principles between space and man as placing abstract figures moving by mechanical devices on the stage. Unlike Modernism, which pursues the purity and autonomy of art, the mechanical man of the avant-garde is operated by the abstract machine that connect to the new external possibilities and generates heterogeneous and inorganic life.

Lawrence insisted art performed only in relationships with our life and nature should be artistic and moral. People have not been regarded as individuals with creativity and been treated as functional units like parts of machine in Mechanical civilization. Moreover, art in industrial society showed us the simple representation of objects and we couldn’t get a vision of our life through that kind of art works. The fatal flaw of industrial society is that mechanical reproduction makes our life and art unrealistic. So this study examines the conflict between mechanical reproduction and art in industrial society by following D. H. Lawrence’s viewpoint.

‘키네틱 아트(Kinetic Art)’는 ‘움직임을 주요소로 하는 예술 작품’을 뜻한다. 키네틱 작품에서 움직임은공기의 흐름으로 인한 흔들림이나 무게중심의 변화로인해 생기는 중력의 변화 등, 자연적인 동력으로 움직임이 수반되기도 하고 관람객의 참여와 전기 모터 등의 인위적인 물리동력에 의해 키네틱 효과를 만들어내기도 한다. 본 연구는 ‘키네틱 아트(Kinetic Art)’에 활용할 수있는 기계적인 운동 메커니즘 장치 설계와 제작에 관한 연구에서 시작되었고, 동적(動的) 기계장치와 융합을 이용한 운동성을 가진 조형 형태 표현에 목적이있다. 따라서 본 논문은 기계요소의 종류와 장치 특성을 분석하여 효과적인 동력전달 기계요소들을 모색하였고, 장치의 융합을 통한 복합 메커니즘 제작에 관해중점적으로 시도하였다. 본 연구 결과 및 내용은 다음과 같다. 첫째, 동력전달 기계요소의 사용 목적과 장, 단점에 따른 분석 결과를 제시하였다. 둘째, 동력전달 방식에 따른 운동형태 변화 원리에 대해 고찰하였다. 셋째, 이를 바탕으로 3종류의 특정 메커니즘 장치를 제작하였다. 넷째, 각 장치의 운동 변화 특성에 따른 키네틱 아트의 활용 방안에 대하여 모색하였다. 이러한 연구 결과를 바탕으로 동적(動的) 기계장치를 융합한 운동성 조형 표현이 가능했고, 특정 움직임을 구현하는데 있어 효과적인 동력 전달 방식에 대한결과를 도출 할 수 있었다. 이를 바탕으로 기계요소메커니즘을 적용한 다채로운 운동성을 가진 키네틱아트 작품에 활용 가능성을 제안 할 수 있을 것으로기대한다.

Kinetic Art refers to a work of art that focuses on movement. It moves with natural power, such as gravity changes caused by swaying air and changes in the center of gravity, and it produces an effect of movement through the participation of spectators or artificial power of electric motors. This research started with a study on the design and production of mechanical motion mechanisms that can be utilized in kinetic art, and the purpose of this research is to use mechanical devices and fusion to create expressions with motility. This paper analyzes the types and characteristics of mechanical elements, seeks effective power transmission equipment, and focuses on the production of composite mechanisms through the fusion of equipment. The results and contents of this study are as follows. First, we presented the analysis results based on the purpose of use and advantages and disadvantages of the power transmission machine elements. Secondly, we examined the principle of motion form by the power transmission system. Third, based on this, three specific mechanisms were created. Fourth, we explored ways to utilize kinetic art through the characteristics of movement changes in each device. Based on the results of such research, it is possible to form and express the motility by integrating dynamic mechanical devices, and the results are derived for an effective power transmission method that embodies a specific motion. Based on this, I hope that I can propose the possibility of utilizing kinetic artworks with a variety of motility using mechanical element mechanisms.

본 논문은 벤야민에게서 기술의 의미를 미메시스, 모방, 유희, 반복 등 그의 예술론적 개념들과의 연관 속에서 해명한다. 벤야민에게 기술은 인간의 지각과 종류, 나아가 그 방식을 변화시켜 자연에 대한 인간의 관계와 집합체의 존재방식을 변화시키는 결정적인 요소이다. 「기술복제」 논문에서 벤야민은, 사진과 영화 같은 당대 복제 기술이 예술작품을 다수화, 현재화시킴으로써 전통적 문화예술의 권위를 무너뜨려 그를 집합적 산물로 받아들이게 하고, 대중을 문화예술의 생산과 수용의 주체로 신경감응시키고 있음을 분석한다. 이는 ‘인간과 자연의 어울림’을 지향하는 제2기술의 잠재성이 발휘된 것이다. 「기술복제」 논문을 기존의 매체 중심적 독해에서 벗겨내어 기술을 통한 집합체의 신경감응이라는 관점에서 읽으면, 이로부터 기술 및 기술장치와 관계하는 오늘날 우리의 상황을 사유하기 위한 통찰을 얻을 수 있다. 이런 관점에서 본 논문은, 거의 모든 문화, 예술작품들을 ‘복제’해, 개개인이 이용가능하게 만들었을 뿐 아니라 광범위한 범위에서의 집단적 감상과 공유를 가능하게 한 스마트폰 기계장치와 관련된 네트워크 기술을 분석한다.

Die vorliegende Arbeit soll der Begriff der Technik bei Walter Benjamin im weiteren Kontext erlautern, indem er mit anderen Begriffe wie Mimesis, Nachahmung, Wiederholung und Spiel einbezogen wird. Fur Benjamin ist Technik ein entscheidender Faktor, der nicht nur die Beziehung des Menschen zur Natur, sondern auch das Selbst-Verstandnis des Menschen bestimmt, indem sie auf die Art und Weise sowohl der Wahrnehmung als auch der Bewegung des Menschen entscheidend einwirk. Im Kunstwerk Aufsatz versucht Benjamin die Einwirkungen von damaligen reproduktiven Technik wie Photographie und Film aufzuweisen : sie vervielfaltigt und aktualisiert Kunstwerke in unterschiedlichen Situationen, was zur Erschutterung der Tradition, gleichzeitig Kollektivierung der kunstlerischen Produktion sowie des Bewußtseins der Masse fuhrt. Bei der Innervation, die durch und mit der Technik stattfindet, ist die Potential der reproduktiven Technik als die zweite Technik wirksam, die sich auf das Zusammenspiel des Mensschen und der Natur richtet. Was Benjamin im Kunstwerkaufsatz vorhat, ist nicht bloß eine medienspezifische Analyse von Photographie und Film, wie die bisherige Untersuchung unterstellt, sondern eine Konzeptualisierung der Technik, mit deren Hilfe wir uber die innervative Moglichkeit im Umgang mit den technischen Apparaten wie Samrtphone nachdenken konnen.

Focusing on transnational quality of Ishiguro’s novels in formal and thematic aspect, Rebecca Walkowitz argues that Ishiguro’s works can be valid examples of the new world literature that demands a new standard for scholarship, the focus of which is to compare multitudinous manifestations of a work in the network of different literary systems. Building on Walkowitz’s observation on transnational quality of Ishiguro’s novels, this paper explores ambivalent stance that Ishiguro takes in Never Let Me Go between two poles: one the national myth and humanism conceived on the basis of the concepts of identity, originality and authenticity, and the transnational network and posthumanism (or inhumanism) with stress on the value of unoriginality and aesthetics of copying. The critical investigation into the dualistic rhythm of the narrative in the novel leads to discussion of Kathy as an unreliable narrator and internal friction this narrator creates within the form of autobiography. This paper argues that Kathy’s narrative mimics, replicates, and reproduces psychological realism that records inwardness of humans using cliches and colloquialism. Conclusively in the novel, authenticity is nullified in ways authenticity is acknowledged, while cliche is approved in ways it is defied. In a word, Kathy’s narrative performs aesthetics of copying, suggesting a new standard of values in aesthetics and politics. In order to clarify what implications this new standard has for contemporary artwork, the paper draws on Walter Benjamin’s reflections on the radical change made to art in the age of mechanical reproduction, along with his emphases on reading history as a process of activating memory of what has been (in)completed in the past. This paper concludes that Ishiguro’s ambivalent posture throughout the work is not deliberate, but tracing their mechanical nature in his faithful portrayal of the clones, the author unknowingly reaches a critical point of revealing their inhuman or ahuman ethics and values in their mechanicality. Never Let Me Go throws profound questions regarding the boundaries between humans and nonhumans defined by mechanicality, setting a new standard for the relationship between the two.

AI는 인간의 고유한 영역이라고 여겨져 왔던 예술 창작 영역으로 진입하였고, AI 예술이라는 새로운 형태의 예술 결과물을 제시하였다. 하지만 AI 예술은 예술의 본질과 가치에 대한 근본적인 질문을 가져왔고, 그로 인해 예술계에서는 AI를 둘러싼 예술 비평이 치열하게 논의되고 있다. 하지만 AI 예술을 둘러싼 동시대의 논쟁은 과거 사진에 대한 비난처럼 소모적 양상으로 흘러갈 뿐이다. 따라서 예술계는 소모전을 멈추고 AI 예술이 가져온 새로운 미학적 가능성과 가치를 이해할 필요가 있다. 과거 벤야민의 주장처럼, ‘예술로서의 AI 예술’을 논하기보다는 ‘AI 예술로서의 예술’을 중점적으로 논하는 것이 예술계의 발전에 도움이 될 수 있을 것이라 사료되기 때문이다. 이에 본고는 AI 예술의 미학적 가능성과 가치, 미적 경험을 탐색하는 것에 목표를 둔다. 이를 위해 먼저 AI 예술에 대한 기본 이해를 토대로 AI 예술의 등장이 불러온 예술비판의 다카포를 확인하고, 이후 AI 예술에서 찾아볼 수 있는 미학적 가능성을 듀이의 기능적 이론, 단토의 절차적 이론, 플루서의 역사적 이론의 관점으로 각각 확인할 것이다. 마지막으로 AI 예술의 가치와 미적 경험에 대한 고찰을 데이비스의 관점을 통해 논할 것이다. 본 연구는 AI 예술이 단순히 인간 예술의 복제가 아니라 새로운 예술 영역을 탐구할 수 있는 잠재적 방안임을 입증함으로써 예술의 본질과 가치에 대한 재평가에 기여하고자 한다.

AI has entered the realm of artistic creation, long considered a uniquely human domain, and has introduced a new form of artistic output known as AI Art. However, AI Art has raised fundamental questions about the essence and value of art, leading to intense debates within the art world. These contemporary debates surrounding AI Art seem to echo the criticisms once directed at photography, often devolving into unproductive arguments. Therefore, the art world must move beyond these fruitless disputes and strive to understand the new aesthetic possibilities and values that AI Art brings. As Walter Benjamin suggested in the past, it may be more beneficial for the advancement of the art world to focus on discussing "Art as AI Art" rather than debating "AI Art as Art." This paper aims to explore the aesthetic possibilities, values, and aesthetic experiences associated with AI Art. To achieve this, it will first establish a basic understanding of AI Art and then examine the renewed wave of art criticism that AI Art's emergence has provoked. Following this, the paper will analyze the aesthetic possibilities found in AI Art from the perspectives of Dewey's functional theory, Danto's procedural theory, and Flusser's historical theory. Finally, it will consider the value of AI Art and the aesthetic experiences it engenders, focusing on the insights of Davies. Through this study, the paper seeks to demonstrate that AI Art is not merely a replication of human art but a potential avenue for exploring new realms of artistic expression and experience, thereby contributing to a reevaluation of the essence and value of art.

We provide a fudamental set of information on technologies in the area of mechanical engineering to draw action plans for intermationalization of the National R&D activites. First, we design and use a modified Delphi method to evaluate levels of our technological capabilities and developed countries' as well. We investigate technology acquistion methodolgies, technology characteristcs and various aspects of international cooperation in terms of technology. Secondly, we analyze final responses of participants (i.e,. the third round results of Delphi method) tosee the correlation between various factors in developing mechanical engineering technologies through international cooperation. The technology classification used in this research is developed by STEPI (Science and Technology Policy Institute).

본 논문에서는 4차산업혁명이라는 새로운 시기, 급격한 기술발달이 불러온 또 하나의 문화로서 오늘날급속한 변화의 물결을 만들어 가고 있는 ‘기술과 예술융합의 현재 모습’을 점검해 보고자 한다. 더불어 그에 따른 몇몇 사례를 살펴보고 현상을 분석해보며 앞으로 ‘기술과 예술의 융합이 나아가야 할 방향성’에대해서도 검토하는 것을 목적으로 한다. 새로운 매체의 발달은 늘 예술의 발전을 수반했다. 그중 가장 커다란 흐름의 변화를 보인 시기에는 당대혁명적인 기술의 변화를 통해 발명된 신(新)매체가 있었다. 그러나 과거 벤야민이 기술했던 저서를 통해서도살펴볼 수 있었듯, 20세기에 ‘사진’과 ‘영화’가 가져다준‘기술복제시대’에도 많은 문제가 발생했었다. 그리고 인공지능 시기를 살고있는 우리는 이에 관한 것들을 이미 축적된 경험으로 많이 인지하고 있는 상태다. 따라서 본문에서는 고대 그리스로부터 예술에 있어서 가장 극적인 변혁이 이루어졌던 19세기의 사진과20세기의 영화의 탄생에 따른 예술의 변화에 대해서언급하고자 한다. 그리고 이것은 과거 벤야민이 언급했던 것처럼 고대부터 기술복제시대까지의 예술이 눈앞의 대상을 그대로 모방하는 것이었다면, 현재 인공지능과 같은 새로운 기술과 결합된 예술은 모방을 넘어 창작의 범위까지 전혀 다른 차원으로 예술의 개념에 접근하고 있음을 밝히는 과정이 될 것이다. 이를 뒷받침하기 위해 현재까지의 기술과 예술 융합의 발전과정 그리고 앞으로의 방향성에 대한 장·단점을 인류와 AI 사이의 세 가지 발전 범위에 따라 분석해보고자 한다. 몇몇 시기를 제외하면 예술에서 기술이 무시되거나 간과된 적은 없었고, 오히려 예술은본질적으로 기술적인 속성을 담고 있는 경우가 더 많- 250 - 았다. 하지만 20세기 초 미래파 등의 사례에서 볼 수있었듯이, 예술에 있어서 맹목적인 기술의 추구는 잘못된 결과로서 나타나고는 했다. 이와 같이 4차산업혁명 시대에 새롭게 이루어지고있는 매체의 발전에 따른 예술의 발전과 기술과의 융합과정, 그리고 그 방향성에 대해 논의해 보는 것은앞으로의 예술과 기술의 관계에 있어서 의미 있는 하나의 사례가 될 것이라 생각된다.

This study set out to check the current aspects of technology and art convergence, which is creating a wave of rapid changes today as a culture backed by the new era and fast technological development of the Fourth Industrial Revolution, as well as examine its several cases and its desirable future directionality. The development of a new medium has always led to the development of art. A new medium developed by the changes of revolutionary contemporary technology led to the biggest flow of changes. As Benjamin said in his book, many problems of the mechanical reproduction era brought by "cameras" and "movies" in the 20th century are already recognized through accumulated experiences. The study first examined changes to art according to the birth of photography in the 19th century and that of movies in the 20th century when the most dramatic changes to art happened in history from ancient Greece to mechanical reproduction. This process would demonstrate that new modern technologies such as artificial intelligence approach the concept of art in a completely different dimension to encompass even the scope of creation beyond imitation unlike the age of mechanical reproduction mentioned by Benjamin when technologies merely copied an object before an eye. The demonstration process was supported by an examination into the developmental process of technology and art convergence that had continued for many years since the past. Except for a few periods, no periods in human history saw art disregard and neglect technology. Rather art contained technological attributes essentially in more cases. However, the outcomes of art's blind pursuit of technology, which happened in Futurism in the early 20th century, were unspeakably horrible. The study analyzed the cases of this new convergence in the Fourth Industrial Revolution era and discussed the future directionality of technology and art convergence.

본 연구는 훼손된 고미술품의 복원을 위해 사용되기 시작한 3D 프린팅 출력물의 기계적 특성 향상을위한 연구에서 시작되었다. 본 연구의 목적은 고미술품 복원에 사용되는 FDM 출력물의 출력 후 후처리방법을 통해 기계적 특성을 개선할 수 있는지에 대한연구를 진행하는 것이다. 따라서 본 논문은 복원 재료로 많이 사용되고 있는 PLA 출력물에 초음파 어닐링후처리를 적용하여 기계적 특성에 미치는 영향을 확인해 보고자 하였다. 연구결과 및 내용은 다음과 같다. 첫째, 인장 강도는 Truss 패턴으로 수평(0°) 출력된 50% 시편이 30℃ 항온에서 10분간 초음파 어닐링처리되었을 경우, 압축 강도는 Gyroid 패턴으로 수직(90°) 출력된 20% 시편이 60℃ 항온에서 10분간 초음파 어닐링 처리 되었때로 확인되었다. 이러한 연구결과를 바탕으로 출력물 내부 채움률을 이용해 하중을견딜 수 있도록 해온 기존의 방식 이외에도 기계적특성을 향상시킬 수 있는 방안이 있음을 확인할 수있었으며, 다양한 재질로 이루어진 고미술품 복원 시직접적으로 적용될 수 있기를 기대한다.

This study originated from research aimed at improving the mechanical properties of 3D-printed materials used in the restoration of damaged antique artifacts. The purpose of this research is to investigate whether post-processing methods can enhance the mechanical properties of FDM (Fused Deposition Modeling) prints used in artifact restoration. Specifically, this paper examines the effects of ultrasonic annealing as a post-processing method on PLA prints, a material commonly used for restoration purposes. The key findings and results of this study are as follows. First, tensile strength was observed to improve in specimens printed with a horizontal (0°) truss pattern at 50% infill when subjected to ultrasonic annealing at a constant temperature of 30°C for 10 minutes. Second, compressive strength was enhanced in specimens printed with a vertical (90°) gyroid pattern at 20% infill after ultrasonic annealing at 60°C for 10 minutes. Based on these results, this study demonstrates that methods to improve mechanical properties extend beyond simply increasing infill density to withstand loads. It is anticipated that the findings can be directly applied to the restoration of artifacts made from various materials, contributing to the advancement of artifact restoration techniques.

이 연구의 목적은 2030세대 이용자들의 딥페이크 기술 경험에 나타난 다양한 쟁점들을 분석하고, 딥페이크 기술 사례의 문제점을 극복하기 위한 예술의 정치화 실천 가능성을 모색하는 데 있다. 이를 위해 이론적 논의로서 발터 벤야민(Walter Benjamin)의 아우라 붕괴 논의에서 파생된 ‘아우라변형’의 논의들을 재검토하고, 정치의 심미화, 예술의 정치화 사유를 토대로 딥페이크 사례의 쟁점을 탐색하였다. 사례분석 방법을 적용해 연구참여자들의 딥페이크 기술 경험을 통한 정치의 심미화와 유희·오락을 통한 예술의 정치화 사례를 분석하였다. 기술 경험은 제작 및 이용 경험으로 나타났고, 정치의 심미화 사례는 허위정보와 신뢰성, 사회적·윤리적 문제, 상업적 기만을 통해 나타났다. 유희·오락을 통한 예술의 정치화 사례는 적극적 이용과 신뢰성 회복, 윤리적·제도적 발전의측면에서 검토되었다. 이 연구의 의의는 딥페이크 기술 경험과 인식 사례에 접근하여 딥페이크 기술의 긍정적 활용 방안을 모색하기 위한 공론화 계기 창출에 있다.

The purpose of this study is to analyze the positive and negative aspects of the deepfake technology experience of users in their 20s and 30s, and to explore the possibility of practicing the politicization of art to overcome the problems of technology reproduction. To this end, as a theoretical discussion, the discussions of the “Aura transformation” derived from Walter Benjamin’s discussion of the decline of the aura were reviewed, and the issues of the deepfake case were explored based on the aestheticization of politics and the reasons for politicization of art. By applying the case analysis method, the aestheticization of politics through the experience of deepfake technology of the study participants and the politicization of art through entertainment were analyzed. Technological experience appeared as production and use experience, and examples of the aestheticization of politics appeared through false information, reliability, social and ethical issues, and commercial deception. The case of politicization of art through entertainment was reviewed in terms of active use, reliability recovery, and ethical and institutional development. The significance of this study is to create an opportunity for public debate to seek a positive use of deepfake technology by approaching deepfake technology experience and recognition cases.