Earticle

본 연구는 대중음악 소비에서 나타나는 소비자들의 소비 행위를 분석한 것이다. 대중음악을 좋아하는 10대, 20대, 30대, 남․녀 각각 1명씩 총 6명을 대상으로 각 4회에 걸친 심층 면접을 실시하였으며, 그들이 대중음악을 소비하면서 나타나는 소비 행위들에 대하여 연구자가 해석적 분석을 실시하였다. 그 결과, 첫째, 소비자들은 자신이 투자한 시간 동안 '음악‘을 듣는 경험을 제공하는 것으로 대중음악 상품을 인식하고 있었으며, 금전적 지불 여부나 상품의 가시성 여부와 대중음악 상품의 인식과는 상관이 없는 것으로 나타났다. 둘째, 대중음악 상품의 소비 행동은 개인적 차원의 소비 행위와 사회적 차원의 소비 행위로 구분되었다. 개인적 차원의 소비 행위는 다양한 정서를 통한 쾌락적 소비 경험을 궁극적인 목적으로 한다. 여기에서 다양한 정서란 사랑이나 행복, 공감, 자부심, 카타르시스 등 기존의 소비자 심리학이나 마케팅에서 다루었던 감정(affect)이나 선호(liking)을 넘어서는 다양하고 복합적인 정서를 모두 포함한다. 또한, 대중음악은 사회관계에서 매개체로서 작용을 하며, 사회적으로 공유되는 이미지로 소비되고, 대중음악의 소비행위에 따라 소비자를 사회적으로 구분하는 등 사회적 차원으로도 소비되었다. 본 연구는 이제까지 경영학이나 소비자학에서는 거의 다루지 않았던 대중음악이라는 문화상품을 대상으로 소비 행위를 분석한 것으로서, 본 연구를 통하여 음악을 비롯한 영화, 연극, 스포츠, 놀이 공원 등과 같은 무형의 체험적 상품 소비에 대한 관심이 증대되고, 소비자학 연구의 범위가 확대되기를 기대한다.

The purpose of this study is to explore the characteristics of consumption practices of popular musical goods. The focus of the study conducted through in-depth interviews is an interpretational analysis on what consumers take the goods of popular music for and what the characteristics of diverse consuming practices are. The results are as follows: First, if consumers could have experience to listen to 'music' during their invested time without regard to their financial payment for the goods of popular music, they considered all of it the same musical goods. In other words, they think that a difference between the goods is just a distinction in hardware. Therefore, it is proved that popular musical merchandise is very likely to be considered as public goods like free parks or museums to consumers. Secondly, the consuming experience of popular music was analyzed a private and a social dimension. The private dimension was centered in the pleasure of the consuming experience through diverse and complex emotions like love, happiness, self-esteem, comfort, and sadness beyond affection or liking dealt with in the existing marketing and consumer psychology. In the consuming experience in a social dimension, popular music functioned as a social medium, was consumed as a public-owned image, and performed as a social classification. This study showed that it was possible to bring out popular music as one of popular cultural merchandise, which was out of the main stream of the existing marketing or consumer psychology, to a main stream theme of the study.

The purpose of this research was to analyze the clothing behavioral attributes of male music enthusiasts. A questionnaire was developed based on previous researches. Respondents were men who were concerned with music in terms of a job, a major or a hobby. A total of 200 responses were analyzed by SPSS 20.0 through factor analysis with Varimax rotation, ANOVA with post-hoc test(SNK-test) and ${\chi}^2$-test. Music preference was classified into 3 factors: New age/jazz, Hiphop/dance, and Metal rock/ballad factor. 5 Clothing purchasing orientation factors were extruded: hedonic, planned, convenience, brand pursued, and fashion pursued purchasing orientation. Using those factor scores, 3 groups were classified: Group1(G1), preferring Hiphop/dance music with lower hedonic and brand/fashion pursued purchasing orientation; G2, preferring Hiphop/dance music with no interest in clothing shopping and fashion; G3, preferring New age music with high convenience and brand pursued purchasing orientation. In addition, there were significant differences among groups in clothing behavior such as social ostentation, individuality, self-expression, fashionability, conformity; in purchase motivation such as hedonic and trend/designer oriented purchase motivation; in information source like advertisement/media source; and in store choice criteria such as store light/music and popularity. The findings showed even the enthusiasts for the same music showed the different sopping orientation and different clothing behavior, suggesting that a personal value or taste can be a plausible factor to figure out attributes of consumers. An interest/involvement in clothing could be helpful to subdivide the music enthusiasts as the target market.

본 연구는 중화권 여가수의 노래와 가사, 무대와 뮤직비디오를 대상으로 중국 대중음악에서 나타난 젠더 이데올로기의 다양성을 살펴보는 것을 목표로 하고 있다. 1990년대 이후 중화권 여가수들은 노래에 사회적 비판과 여성의식 각성이라는 의도적이고 노골적인 메시지를 담아내며 사회-구조적, 개인-가정적 폭력으로 희생당한 여성들을 위로하고 라이브 공연무대를 통해 직접적으로 퀴어인권 운동과 같은 정치적 담론을 제시한다. 이제 대중가요는 단순히 즐기는 음악이 아닌 사회적 현상이며 당대 문화-사상의 담지체가 된다. 강력한 영향력을 구비하고 있는 대중가요를 통해 반영된 현실의 구조와 사건의 맥락과 내면을 들여다 볼 수 있고, 은유를 구체적으로 탐색할 수 있게 된다. 젠더 문제 역시 대중가요를 통해 표출하는 담론의 일부로, 중화권의 몇몇 여가수들은 노래와 무대를 통해 여성-인간 해방에 대한 메시지를 끊임없이 던지고 있다. 특히 모든 대중문화예술분야에서 엄격하게 검열을 가하는 상황(중국 대륙)이나, 상업적인 도구(타이완)를 벗어나 정치·사회적 의미를 담아내는 수단으로써 여가수의 노래는 좀 더 특별하게 여겨진다. 이데올로기 선전 도구도 아닌, 돈 되는 음악도 아닌, 사회적인 노래로 가부장제를 위시한 다양한 폭력의 희생자들을 호명하는 그녀들의 목소리가 지니는 의미는 날이 갈수록 커져가고 있다. 대중가요는 더 이상 가수의 노래만으로는 전달되지 않는다. 자본, 과학기술과 매체의 발달로 대중음악은 복합적인 체계로 구성되며 하나의 거대한 산업이 되었다. 노래의 구성, 음악 장르, 가사, 무대, 옷차림, 뮤직비디오, 매체(전파), 유행(팬) 등에 다양한 의미가 포함되어 있다. 수많은 패러다임의 구성요소와 의미를 같이 살펴본다면 텍스트의 다의적인 함의를 더 잘 파악할 수 있을 것이다. 여성들에 의해 불려지는 중국의 대중가요에서 여성의 이미지는 타자화된 존재로 지배권력의 목소리를 답습하고 있는 양상이 주류를 형성하고 있지만, 한편으로 여성들에게 인간으로서 주체의식을 찾을 것을 격려하는 가요들도 존재감을 드러내고 있다. 여성가수의 대중가요를 통해 여성의 굴절된 이미지를 어떻게 전복하고, 억압적인 사회 구조의 직간접적 폭력에서 벗어나기 위한 노래와 내러티브의 의미에 대해 탐색하는 것이 본 연구의 주목적이다. 이는 대중음악에 등장한‘대중적이지 않은’목소리들이 지니고 있는 내용과 의미를 고찰하기 위해서다. 이 과정에서 지배문화에 대한 여성의 저항과 전복이라는 사고와 행위의 가능성과 현실태가 추출될 수 있고, 대중음악 속 젠더의식에 대한 연구가 여성의식 변화과정에 대한 이해와 동일선상에 놓일 수 있다. 젠더 담론의 메시지가 담긴 노래는 정치적 행사에 사용되고, 대중에게 현실을 직시하도록 만들며 다양한 의견을 문화의 영역에서 사회의 영역으로 끌어올린다. 이런 맥락에서 중국 여가수의 노래, 가사, 무대, 뮤직비디오 등의 텍스트를 독해하고 사회변화를 위한 투쟁의 공간으로 중국 대중가요의 일면을 제시한다.

This study aims to examine the diversity of gender ideologies found in Chinese popular music by analyzing the songs, lyrics, stage performances, and music videos of female singers in the Sinophone world. Since the 2000s, Sinophone female artists have embedded intentional and explicit messages of social criticism and the awakening of women’s consciousness in their music. Through their songs, they console women who have suffered from structural and domestic violence, and through live performances, they directly present political discourses such as queer rights activism. Popular music is no longer merely entertainment; it has become a social phenomenon and a carrier of contemporary culture and thought. With its powerful influence, popular music enables us to explore the structures of reality, the contexts and inner layers of events, and the metaphors embedded within them. Gender issues, too, form part of the discourses expressed through popular music. Several female singers in the Sinophone sphere continually deliver messages of women’s?and human?liberation through their music and performances. Particularly in contexts where cultural industries are subject to strict censorship (Mainland China) or commercialized as tools for profit (Taiwan), the songs of female artists that convey political and social meaning stand out as especially significant. Their voices, which call out various forms of violence rooted in patriarchy?not as instruments of ideological propaganda nor as commercially driven products but as socially conscious songs?are growing ever more meaningful. Popular music is no longer transmitted solely through a singer’s voice. With the development of capital, technology, and media, popular music has become a complex system and a vast industry. Its many components?song structure, musical genre, lyrics, stage performance, costumes, music videos, media dissemination, trends, and fandom?are embedded with diverse layers of meaning. By examining these numerous paradigms and their elements together, we can better grasp the polysemous implications of the text. In Chinese popular songs performed by women, female images are often constructed as the “other,” reproducing the voice of dominant power and forming the mainstream. Yet there also exist songs that encourage women to reclaim their agency as human subjects. The main purpose of this study is to explore how popular music by female singers subverts distorted images of women and expresses narratives that seek to break free from the direct and indirect violence of an oppressive social structure. This inquiry seeks to illuminate the content and significance of these “non-mainstream” voices appearing within popular music. Through this process, we can extract both the possibilities and actual manifestations of female resistance and subversion against dominant culture. Research on gender consciousness in popular music thus aligns with the broader process of understanding changes in women’s consciousness. Songs that convey gendered discourse are used in political events, compel the public to confront social realities, and elevate diverse perspectives from the cultural sphere into the social sphere. In this context, this study interprets the songs, lyrics, performances, and music videos of Chinese female singers, and presents an aspect of Chinese popular music as a site of struggle for social change.

하이라이프는 19세기 말에 탄생한 크리올 음악으로, 오늘날에는 서아프리카를 대표하는 대중음악으로 자리매김했다. 상류 생활(high life)이라는 중의적 의미를 갖는 하이라이프는 사회의 위계를 반영한다. 그것은 가나의 전통을 수호하고 식민 지배에 저항했으며, 국가 정체성 수립을 설파했고 무능하고 부패한 정치를 비판했다. 그러나 1980년대 초 지속적인 정치 불안과 국내외적 경제위기, 그리고 제리 롤링스 정권의 대중문화 말살 정책으로 하이라이프는 생존의 위기에 내몰린다. 본 논문은 하이라이프 연구 최초로, 하이라이프가 위기를 극복하는 과정에서 등장한 가스펠 하이라이프와 버거 하이라이프가 보여주는 생존 전략을 ‘생존을 위한 이동의 방향’, ‘모순적 이중 정체성에 대한 반응’, ‘전지전능한 자본주의와 관계’라는 키워드를 갖고서 비교 분석한다. 생존 과정에서 하이라이프는 자본주의에 잠식되고, 세계 체계 속에서 고통받는 양상을 보인다. 논문은 우열의 위계 속에서 하이라이프가 대중문화로서 가치를 잃지 않도록 과거의 ‘영성’과 ‘야성’을 회복할 것을 제안한다.

Highlife, born in the late 19th century as Creole music, has solidified its position as a representative of popular music in West Africa today. With the alternative meaning of "high life," highlife effectively mirrors the societal hierarchy. It has upheld Ghana's traditions, resisted colonial domination, contributed to establishing national identity, and criticized ineffective and corrupt politics. However, in the early 1980s, persistent political unrest, domestic and international economic crises, and Jerry Rawlings' regime's suppression of popular culture pushed Highlife into a survival crisis. For the first time in Highlife research, this paper conducts a comparative analysis of survival strategies demonstrated by Gospel Highlife and Burger Highlife, which emerged during Highlife's process of overcoming a crisis, utilizing keywords such as "direction of movement for survival," "response to contradictory dual identity," and "relationship with omnipotent capitalism." In the survival process, Highlife exhibits a pattern of being eroded by capitalism and enduring hardships within the global system. The paper suggests that to prevent Highlife from losing its value as popular culture in the hierarchy of superior and inferior, it should restore elements of the past, the "spirituality" and the "bravery."

The wave of contemporary popular songs swept in, the traditional genre of Beijing Opera and modern music combined to create freshness and interest in the public with unique music styles. It is noteworthy that traditional performing arts in China are of great value in that they preserve traditional Chinese culture and are focusing on popularization and industrialization as cultural products. “Jingge” in the text refers to popular music created using a new technique that combines contemporary music techniques with theatrical tunes, i.e., the cast, singing, and musical instruments of the Kyong drama. Singer Li Yugang, who was praised as the modern Mei Lanfang, his production of Namdan were sophisticated and delicate, and the expression technique of traditional drama harmonized in his music. He transformed the art form of the traditional Beijing Opera into a new genre of popular music, crossing between men and women on the stage. He was loved by the public for every step of his journey with such a deep taste of Chinese culture, and are now heating up as the “Li Yugang phenomenon.” The sensation he created led to the popularization of “Jingge” and it has been deeply ingrained in the hearts of the public even now. In this study, we focus on the ‘Li Yugang’ phenomenon, which is created by the combination of Beijing Opera and modern music, and look at the creation of “Jingge” and its musical characteristics, as well as the “nandan” artistic reform of Li Yugang.

기술 발전에 따라 문화산업은 크게 변화하고 있다. 대량생산과 대량소비를 특징으로 하는 문화산업은 획일적이고 무비판적인 소비를 만들 수도 있다. 디지털 시대에 들어 대중음악의 소비는 쉽고 빨라졌지만, 규격화된 디지털 음악이 양산되면서 수동적인 소비를 만들고 있다. 이 연구는 대중음악 소비자들의 음악 소비 방식과 대중음악 산업에 대한 인식을 탐구하는 데 목적이 있다. 연구목적을 위해 디지털 음악을 주로 소비하는 대학생들을 대상으로 심층인터뷰를 진행하였다. 연구 참여자들은 물리적 음반인 CD를 구입하기보다는 디지털 다운로드와 스트리밍 서비스를 활용해 음악을 소비하고 있었다. 음악을 듣는 방식이 변화한 것이다. 디지털 음악 서비스를 활용하는 이유는 편리함이나 최신 음악의 업데이트, 가격 등을 지적했다. 대중음악에 대한 인식과 관련해 대중음악 상품을 그대로 받아들이는 수동적 청취와 대중음악 산업에 대한 문제의식도 확인할 수 있었다. 인터뷰 참여자들은 획일적인 대중음악 소비에서 벗어나 공연이나 페스티벌, 장르의 다양성 등 디지털을 벗어난 음악 소비가 필요하다는 점에 동의했다. 대중음악 산업에 대한 인식에서는 독점적 자본과 아이돌 그룹 등 획일적인 상품 생산을 인정하면서도 현재 대중음악에 대한 과도한 비판을 경계하는 목소리도 나왔다. 이러한 인식은 문화산업 구조에서 음악 소비자들이 타협적으로 문화를 이해하고 소비하는 이중적 태도를 갖고 있음을 시사한다.

The cultural industry is changing greatly with the development of technology. The cultural industry characterized by mass production and mass consumption may create uniform and uncritical consumption. In the digital age, popular music consumption has became easier and faster, but as standardized digital music has been mass produced, it is making passive consumption. The purpose of this study is to explore how popular music consumers consume music and their perception of the popular music industry. For the purpose of research, in-depth interviews were conducted with university students who mainly consume digital music. Participants in the study were consuming music using digital downloads and streaming services rather than buying CDs, which are physical records. Also, participants said the reason for using digital music service was the convenience, the latest music update, and the price. Regarding the perception of popular music, passive listening to accept popular music products as it is and a sense of problem with the popular music industry were also confirmed. Interviewees agreed that non-digital music consumption, such as performances, festivals, and variety of genres, is necessary to break away from the uniform consumption of popular music. In recognition of the popular music industry, while acknowledging the production of uniform products such as monopoly capital and idol groups, voices were warned against excessive criticism of current popular music. This recognition suggests that music consumers have a dual attitude to compromisingly understand and consume culture in the cultural industry structure.

이 글은 현재적 시각에서 ‘1970년대 청소년층 대중음악 향유 현상’의 의미를 재평가함으로써 이에 대한 정당한 가치를 찾아내는 데 목적이 있다. 이는 1990년대 이후 막강한 영향력을 끼치고 있는 ‘한국 청소년층의 대중음악 향유 현상’의 의미를 역사적 맥락 속에서 이해하게 한다. 이를 위해 이 글은 우선, ‘청소년층의 대중음악 향유 현상’에 대한 이론적 관점을 제시한 후 1970년대 사회적 분위기 속에서 당시 중고등학생들이 청소년세대를 형성하며 ‘청소년층의 대중음악 향유 현상’을 그들의 문화로 구성해 나간 과정을 파악하였다. 그 다음으로, ‘1970년대 한국 청소년층의 대중음악 향유 현상’을 둘러싼 신문기사의 주요 담론을 정리하고, 이에 대한 비판적 분석을 시도하였다. 이상을 통해, 이 글은 ‘1970년대 한국 청소년층의 대중음악 향유 현상’이 지닌 의미를 ‘1970년대 한국 기성세대와 구별되는 감성과 의식 성향을 띠고 새로운 세대를 형성한 청소년층이 기성 문화와는 다른 내용과 방식으로 자신의 정체성과 창조성을 구성하고자 했던 하위문화 활동’으로 해석하였다.

The purpose of this study is to reevaluate the meaning of "culture of enjoying popular music among young generation in the 1970s" and discover its reasonable value from the contemporary view of points. This effort enabled to understand the meaning of enjoyment of popular music among young generation, which has had a powerful influence since 1990s, in the historical context. After presenting theoretical perspectives into the study on popular music cultures among young generation above all, therefore, this study grasped the process and situation where the culture of enjoying popular music among young generation emerged by looking into the social atmosphere and educational situation in the 1970s. Sequently, this study summarized the discourses of newspapers and magazines about the enjoyment of popular music among young generation in the 1970s and attempted to make a critical analysis of them. As a result, this study presented the meaning of enjoyment of popular music among young generation in the 1970s as sub-cultural activities in which the young and new generation with emotion and orientation differentiated from the older generation tried to make their identities and creativity with contents and modes different from those of the older generation.

1950년대 한국 대중가요의 새로운 흐름 중 하나는 이국취미(exoticism)의 노래들이 대중적 히트를 치게 되었다는 점이다. 이국적 취향을 표상한 범위 역시 동아시아를 넘어 이슬람풍이나 미국의 컨츄리풍 음악 등 보다 ‘세계화’된 범위로 확대되어 나타났다. 1950년대 이국적 취향의 노래는 두개의 상위 범주와 4개의 하위 유형으로 나눌 수 있다. 상위범주로는 아시아풍과 미국풍의 노래로 나눠진다. 아시아풍의 노래는 다시 이슬람풍과 중국풍으로 나눠지고 미국풍의 노래는 아프로아메리칸 음악과 백인의 컨츄리 앤 웨스턴 뮤직풍으로 나눠진다. 이슬람풍의 음악은 4/4박자의 볼레로 리듬형 위에서 16분음표 연속패지시가 반음과 증음정을 교대하는 것이 특징적이고 조성은 단조성 위에서 전개된다. 미국적 취향은 도시적 정서를 그리는데 블루스나 재즈의 음악양식이 차용되며 서부 개척시대를 연상시키는 음악에는 장조 선법이 두드러지는 가운데 컨츄리풍 사 운드를 흉내 내고 있다. 1950년대 이국취향의 대표적인 노래로는 <신라의 달밤>, <페르샤 왕자>, <아메리카 차이나타운>, <승리부기> 등을 들 수 있다. 이 곡들은 각각이 표 상하고자 했던 특정 이미지의 이국적 취향을 비교적 선명하게 드러내었다. 이를 통해 대중에게도 인기를 얻을 수 있었을 뿐만 아니라 당시에 일정정도는 대중음 악의 스펙트럼을 넓혀내고 새로운 음악기법을 차용하고 실험할 수 있는 계기로 작용할 수 있었던 것으로 보인다. 당시 이러한 이국취미가 대중들에게 인기를 얻을 수 있었던 것은 타자로 표상된 대상을 통해 현실과의 거리두기 및 도피적·낭만적 판타지를 맛보고 여흥적인 위무를 얻을 수 있었기 때문이다.

본 연구는 앙리 베르그송의 핵심 철학 개념인 ‘지속(durée)’과 ‘기억(mémoire)’을 분석 틀로 활용하여 대중음악 리메이크의 존재론적 의미를 탐구한다. 대중음악사라는 끊임없는 변화의 ‘지속’ 속에서, 특정 시대의 원곡은 그 시대의 사회문화적 정서와 음악적 혁신을 응축한 하나의 ‘순수 기억(mémoire pur)’으로 응고된다. 리메이크는 이 과거의 ‘순수 기억’을 현재의 감각과 만나 새로운 ‘이미지 기억(mémoire-image)’으로 재탄생시키는 창조적 행위이다. 이를 논증하기 위해, 각기 다른 시대적, 음악적 맥락을 가진 6곡 <너의 의미>, <삐에로는 우릴 보고 웃지>, <붉은 노을>, <숙녀에게>, <시대유감>, <꿈>의 원곡과 리메이크곡을 분석하였다. 연구 결과, 리메이크는 단순히 원곡을 재현하는 행위를 넘어선다. 이는 원곡이 내포한 시대적 정서와 음악적 구조를 현재의 사회문화적 맥락에 맞춰 해체하고 재구성함으로써, 과거의 시간성을 현재로 소환하고 새로운 의미를 부여하는 존재론적 변주임을 밝혔다. 즉, 과거의 ‘순수 기억’은 리메이크를 통해 끊임없이 현재와 결합하여 새로운 형태의 ‘이미지 기억’을 생성하며, 이는 베르그송의 철학이 제시하는 ‘창조적 생성’의 예술적 실천이된다. 본 연구는 리메이크 현상을 베르그송의 관점에서 재조명함으로써 대중음악이 단순한 소비재가 아닌, 살아있는 ‘지속’과 ‘기억’의 예술적 유산임을 논증하는 데 기여할 것으로 기대된다.

This study explores the ontological significance of popular music remakes by employing Henri Bergson's concepts of 'duration (duree)' and 'memory (memoire)' as an analytical framework. Within the constant flow of 'duration' that constitutes the history of popular music, original songs from specific eras become solidified as 'pure memories (memoire pur).' A remake is a creative act that re-creates this past 'pure memory' into a new 'image-memory (memoire-image)' by engaging with contemporary sensibilities. To substantiate this, the study conducts an in-depth analysis of six original songs (Sanulrim's "The Meaning of You," Kim Wan-sun's "Pierrot Smiles at Us," Lee Moon-se's "Red Sunset Glow," Byun Jin-sub's "To a Lady," Seo Taiji and Boys' "Regret of the Times," and Cho Yong-pil's "Dream") and their respective remakes, each from a distinct historical and musical context. The findings reveal that remakes summon the temporality of the past into the present by deconstructing and reconfiguring the original's musical material. Furthermore, they demonstrate how the ontological meaning of the original is newly varied according to the sociocultural context of each generation. This suggests that a remake is more than a mere reproduction; it is a 'bridge of time' connecting the past and the present, and a process of 'artistic creation' that continuously generates new meanings. This research is expected to contribute to expanding the ontological value of popular music by re-examining the remake phenomenon from a philosophical perspective.

본 연구는 21세기 중앙아시아에서 대중음악이 젠더 문제를 표현하고, 수용자들에게 젠더 문제에 관련된 반응을 불러일으키는 양상을 이해한다. 그럼에 따라 이번 연구는 페미니스트 사회구성주의 이론에 의한 페미니스트 문학 비평을 토대로, 역내 아티스트의 작품에서 젠더 문제 관련 모티프가 어떻게 투영되는지를 탐구하며, 역내 대중음악이 현지의 청자들에게 어떻게 젠더적인 맥락을 띤 채로 수용되는가를 파악한다. 한편 본 연구는 위의 현상을 포스트소비에트 이후 성장한 세대의 사회 진출에 따른 기존 중앙아시아 사회의 권위주의적·가부장적 가치관의 변동 과정의 일부분으로 이해한다. 해당 배경에서 여기서는 가부장제와도 결합된 권위주의 문화―그리고 그 역―에 대한 비판 활동이 제한적이지만 가장 활발히 전개되는 사례로서, 카자흐스탄과 키르기스스탄을 연구 대상으로 선정한다. 이 같은 바탕에서 본 연구는 카자흐스탄 및 키르기스스탄 대중음악에서의 젠더 문제 표현 양상을 크게 “가부장적 규범에서 탈피한 젠더 이미지 제시,” “가부장적 폭력에 대한 고발,” 그리고 “권위주의적 정치 부조리에 대한 저항의 연대” 사례로 유형화했다. 중앙아시아 현지에서 각각의 유형은 전통주의적 젠더 규범에서 벗어난 개개인에게 자긍심을 부여하고, 가정폭력이나 납치혼 등 젠더 기반 폭력의 고통에 공감할 수 있도록 하며, 가부장제와 권위주의로부터의 탈피 사이의 불가분성을 강조한다는 성격을 띤다. 대중음악을 통한 이 같은 시도는 가부장적인 사회로부터 윤리·종교적 규범으로부터의 일탈이면서, 민족·국가 정체성에 대한 위협으로 인식되며 공격받는다. 그러면서도 작품의 메시지에 공감하는 현지의 수용자들은 SNS상에서 직접 작품 관련 콘텐츠를 생산하면서, 본인이 작품을 통해 느낀 자긍심을 공유하고 이들 작품의 창작자와의 연대를 추구한다.

This research analyzes how popular music in 21st-century Central Asia represents gender issues and provokes gender-related responses among its audiences. Using feminist literary criticism grounded in feminist social constructionist theory, the study explores how gender issues are projected in the works of local artists and how local audiences perceive these works within gendered contexts. It further situates these cultural phenomena within the broader transformation of authoritarian and patriarchal values in Central Asian societies as the post-Soviet generation comes of age. Accordingly, this paper focuses on Kazakhstan and Kyrgyzstan?countries that provide the most active, though still limited, examples of public criticism of authoritarian governance often intertwined with patriarchal norms, and vice versa. Based on this approach, the study categorizes the representation of gender issues in the popular music of Kazakhstan and Kyrgyzstan into three main types: the presentation of gender images that deviate from patriarchal norms; the denunciation of patriarchal violence; and the expression of solidarity in resisting authoritarian political injustice. Each category highlights distinct functions: empowering individuals whose identities or behaviors depart from traditional gender norms; fostering empathy for victims of gender-based violence such as domestic abuse or bride kidnapping; and underscoring the inseparability of gender emancipation from political emancipation. These attempts within popular music are often condemned by patriarchal society as deviations from ethical and religious norms and threats to ethnic or national identity. Nevertheless, local audiences who resonate with these messages produce their own social-media content, expressing pride in these works and seeking solidarity with their creators.

대중음악 페스티벌은 관객들에게 단순한 음악 감상을 넘어선 경험적 가치를 제공하고 있다. 이는 음악공연이라는 본질적요소는 물론 장소, 프로그램 구성, 부가 서비스 등 다양한 요소들이 결합하여 관객들의 만족도를 결정짓는 복합적인 이벤트 서비스의 형태로 제공되기 때문이다. 관객들에게 향상된 서비스 경험을 제공하기 위해서는 공연서비스 품질의 구성요소들을 규명하고, 이의 개선을 위한 노력이 요구된다. 따라서, 본 연구에서는 Kano 모델과 Timko의 고객만족계수를 이용하여 대중음악 페스티벌 서비스를 구성하는 주요 품질요인을 규명하고, PCSI 지수(Potential Customer Satisfaction Improvement Index)를 적용하여 관객들의 만족수준을 확인한 후 품질 개선을 위한 우선순위를 제시하였다. 연구 결과, 티켓 가격, 부대시설(화장실, 휴게시설, 주차장), 직원의 전문성, 충분한 인력 배치, 티켓 예매 시스템이 가장 개선이 시급한 요인으로 나타났다. 본 연구에서는 대중음악 페스티벌 서비스품질 구성요소를 확인하고, 개선방안을 제시하여 지속적인 발전을 위한 학문적 및 실무적 기반을 제공하였다.

Popular music festivals offer audiences experiential value that extends beyond simple music appreciation. These events integrate various elements?such as performances, venues, program composition, and auxiliary services?that collectively influence audience satisfaction. To enhance the service experience, it is essential to identify the core components of service quality and explore ways to improve them. This study aims to identify key quality factors in popular music festival services. It applies the Kano Model and Timko’s Customer Satisfaction Coefficient to classify service attributes. Additionally, the PCSI Index (Potential Customer Satisfaction Improvement Index) is used to assess current satisfaction levels and determine priorities for quality improvement. The findings indicate that ticket prices, auxiliary facilities (e.g., restrooms, resting areas, parking lots), staff professionalism, adequate personnel allocation, and the ticket reservation system are the most urgent areas requiring improvement. By identifying service quality components and proposing targeted enhancement strategies, this study provides both theoretical insight and practical guidance for the sustainable development of popular music festivals.

이 연구는 청년 및 시니어 세대 간 대중음악 취향에 대한 상호 이해를 파악하기 위한 것이다. 세대별 대중음악 취향 차이를 확인하기 위해 두 계층 간 객관적 일치도, 주관적 일치도, 정확도 등을 분석했다. 주요 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 음악에 대한 선호도와 인지도 등 2개 차원 모두에서 청년 및 시니어 세대 응답자들 간에 통계적으로 유의미한 차이가 나타났다. 청년 세대는 선호도가 낮은 음악 장르가 없었으며 특히 아이돌 음악 선호도나 인지도가 높았다. 시니어 세대도 힙합을 제외하면 비교적 아이돌 음악 선호도와 인지도가 낮지 않았고 트로트 음악 장르 선호도가 가장 높았다. 둘째, 시니어 세대를 중심으로 인식 평가 차이를 살펴본 주관적 일치도 1에서 대중음악 선호도나 인지도 모든 항목들에서 통계적으로 유의미한 차이가 나타났다. 선호도에서는 힙합 장르에서 주관적 일치도 값 차이가 가장 크게 나타났다. 청년 세대를 중심으로 인식 평가 차이를 살펴본 주관적 일치도 2에서도 대중음악 선호도나 인지도 모든 항목들에서 통계적으로 유의미한 차이가 나타났다. 선호도에서는 여자 아이돌 장르에서 가장 크게 나타났다. 셋째, 시니어 세대를 중심으로 살펴볼 때, 시니어 세대들은 남자 및 여자 아이돌 음악에 있어서 실제 자신들의 평가한 선호도나 인지도에 비해 청년 세대들이 추정한 값에 과소 추정이 나타났다. 반면에 트로트 음악에서는 시니어 세대 본인들의 평가한 값보다 청년 세대들의 평가가 과대 추정되었다. 청년 세대를 중심으로 살펴볼 때, 남자 및 여자 아이돌, 힙합 장르에서 청년 세대들은 자신들이 평가한 것에 비해 시니어 세대들의 평가가 과대 추정된 것으로 나타났다. 한편, 힙합 음악은 시니어와 청년 세대 집단 간 차이가 가장 크게 나타난 반면에 트로트 음악은 두 집단 간에 유의미한 차이보다는 평가 일치가 나타났다.

Using the co-orientation model, this study examined differences of mutual perceptions in popular music preferences between in their 20s and 50s. More specifically, this research measured three concepts including objective agreement, perceived agreement and accuracy of popular music preferences between two age groups. The major results were following: firstly, there were significant differences between two age groups in terms of the degree of popular music preference and knowledge. Secondly, there were significant differences between two age groups in terms of perceived agreement 1 based on their 50s and 2 based on their 20s. More specifically, music preferences for Hip Hop between two age groups were the most different factor in terms of perceived agreement 1. However, music preferences for girl goup between two age groups were the most different factor in terms of perceived agreement 1 Thirdly, although the twenties group under-estimated music preferences for Trot in their 50s, they over-estimate music preferences for boy band or girl group in their 50s. There was only an agreement for Hip Hop between two age groups in terms of accuracy 1 based on their 50s. In addition, there was only an agreement for Trot between two age groups in terms of accuracy 2 based on their 20s.

본 연구는 인공지능을 활용한 대중음악 창작활동 사례를 분석하고 이에 대한 특성을 파악하는 것을 목적으로 하였다. 이를 위해 문헌고찰 방식을 사용하여 인공지능에 대한 역사와 정의 및 기능, 인공지능을 활용한 대중음악 창작활동 사례 분석, 인공지능을 활용한 대중음악 창작활동의 특성에 대해 분석하였다. 연구결과 첫째, 인공지능은 예술창작 분야인 음악과 공연예술 분야에서 관객과 소통하고 있으며, 인간의 창의성과 독창성이 잘 발휘될 수 있도록 인공지능을 긍정적으로 활용할 수 있는 연구가 필요함을 시사하였다. 둘째, 인공지능을 활용한 대중음악 창작활동은 작곡, 홀로그램으로 대표되는 공연 컨텐츠 협업, 빅데이터를 기반으로 한 음악 추천의 기능을 활용할 수 있는 것으로 나타났다. 셋째, 인공지능의 기술력으로 시공간을 초월한 공연예술이 가능하며, 인간만이 할 수 있는 고유영역인 창작성에 인공지능이 가진 기술력을 더해 시너지 효과를 극대화 시킬 수 있는 방법의 모색이 필요함을 시사하였다. 이러한 연구결과를 통해 인공지능을 활용한 대중음악 창작활동 사례가 더욱 활발히 이루어져 인간이 가진 고유의 심미성과 창의성을 기반으로 하여 인공지능의 과학적 기술력과 함께 한국 대중음악이 많은 사람들에게 긍정적인 영향을 미칠 수 있을 것이라 기대한다.

The purpose of this study is to analyze the cases of pop music creation activities using artificial intelligence and to identify the characteristics of them. To this end, the literature review method was used to analyze the history, definition and function of artificial intelligence, case analysis of popular music creation activities using artificial intelligence, and characteristics of popular music creation activities using artificial intelligence. Research results First, artificial intelligence is communicating with audiences in the fields of music and performing arts, which are the fields of artistic creation, and it is suggested that research is needed to positively utilize artificial intelligence so that human creativity and originality can be displayed well. Second, it was found that popular music creative activities using artificial intelligence can utilize the functions of composition, performance content collaboration represented by holograms, and music recommendation based on big data. Third, it was suggested that performance art that transcends time and space is possible with the technology of artificial intelligence, and that it is necessary to find a way to maximize the technology and creativity of artificial intelligence in creativity, a unique area that only humans can do. Through these research results, cases of pop music creation using artificial intelligence have become more active, and based on the unique aesthetics and creativity of humans, we collaborate with scientific technology of artificial intelligence to positively influence Korean popular music on many people.

본 연구는 카리브의 대중음악 칼립소를 그들의 역사와 관련해서 살펴보고 있다. 먼저 2 장에서는 칼립소의 기원과 형성과정을 플랜테이션 노예노동 및 노예해방의 역사와 관련지어살펴보고 있는데, 그것은 한마디로 노예선을 타고 전파된 아프리카의 음악 카이소가 칼린다를거쳐 칼립소로 정착되는 과정에 대한 분석이다. 플랜테이션 농장 및 노예해방 이후까지 지속된백인 엘리트계층의 다양한 억압과 규제를 극복하고 살아남아, 카리브 하위주체의 목소리를 대변하는 음악으로 정착한 과정에 대한 연구이다. 3장에서는 20세기 그중에서도 특히 1930년부터 64년까지 발표된 칼립소 음악들을 중심으로, 특히 대표적인 노래들의 가사에 나타난 카리브통합의 꿈과 좌절에 대해 고찰해 보았다. 그 기간은 바로 1933년 로조회담에서부터 트리니다드토바고 독립 직후까지로, 카리브연방공화국이 구체적으로 논의됐다가 실패했던 시기이기 때문이다. 본 논문에서는 그로울링 타이거의 노래에서부터 아틸라, 로드 비기너, 로드 키치너, 루이스 베넷, 마이티 스패로우 등의 노래를 중심으로, 카리브 민중들이 꿈꿨던 카리브 통합과 그좌절 등을 간략하게 분석해 보았다.

This present work examines the Trinidadian Popular Music Calypso from two historical perspectives: the origin and the times of the Caribbean Unity Movement. The origin and formation process of Calypso related to the Trinidadian black history is first demonstrated. It is the process in which the African music Kaiso, known throughout the slave-ship, turns into Calypso throughout Kalinda. During the process, Calypso represents the voice of the public, getting over the diverse oppression and restriction of the white ruling elite class. Then it examines the dreaming and breakdown of Caribbean Unity in the Calypso music between 1930 and 1964. That is to say, it examines the calypso lyrics released between Roseau conference and Trinidadian Independence: Atilla, Growling Tiger, Lord Beginner, Lord Kitchener Mighty Sparrow Louise Bennett.

본고는 『삼국유사』 권2의 「효소왕대 죽지랑」조를 검토하면서 <모죽지랑가>의 가요적 실체를 탐색하고, 그것에 내재되어 있는 동성애 코드에 주목하였다. 그동안 한국 문화에서의 동성애 기록은 공개적이지 못하고 다분히 음성적으로 약호화되어 있었다. 그렇지만 역대 기록들은 신라 화랑에 대해서 동성애를 시사하거나 남색의 일종으로 파악한 측면이 없지 않았다. 그것을 확인할 수 있는 향가 작품이 바로 <모죽지랑가>이다. 『삼국유사』권2의 「효소왕대 죽지랑」조에는 죽지랑과 관련된 ‘<화랑 죽지랑(현생담) ― 죽지랑의 출생(전생담) ― 모죽지랑가(노래)>’라는 세 개의 기술물로 이뤄져 있다. 지금까지 대다수의 연구자들은 <모죽지랑가>를 다양하게 파악하여 왔다. 본고에서는 이 노래를 득오가 익선에게 잡혀가 부역하기 훨씬 이전에 죽지랑을 사모하여 지은 연모적 성격의 노래로 파악하였다. <모죽지랑가>에서의 동성애적 약호는 가요명과 작품 내용에서 감지된다. 먼저 작품명에서 ‘慕’의 의미는 동성간에 연모적 의미로 쓰인 시니피에로 여겨진다. 작품에서 추출되는 그것에 대한 내용은 후절(7~8구)에서도 구체적으로 드러난다. 득오의 죽지랑에 대한 연모는 ‘郞이여 그릴  녀올길’로 절정에 달하고, 그것은 마침내 ‘다봊  잘밤’이라는 행위적 소망으로 연결되고 있었다. 여기 ‘다봊  잘밤’이라는 행위적 소망이 바로 동성애적 욕망이다. 그리고 ‘다봊 ’은 무덤이나 피안의 세계가 아니라 ‘잘밤’이라는 행위적 소망을 위한 구체적인 현실 공간으로 파악된다. 한 마디로 <모죽지랑가>에는 득오가 죽지랑을 사무치게 연모하는 동성애 코드가 자리를 잡고 있다고 보았다.

This thesis gives a search into <Mojukjiranga>'s nature as a popular music and the homosexuality code immanent in this old folk song. To date, any hint of homosexuality in the Korean culture was left elusively undisclosed and only covertly expressed in signs. Notwithstanding such, quite a number of history documents implied homosexuality and sodomite among Silla chivalries, of which <Mojukranga> is a good case in point indicating such. Homosexuality code can be identified in the title and story of <Mojukjiranga>. 'Mo' is interpreted as a signified for a love between homosexuals. He love becomes a little more plain in the latter half (7th~8th line). Deukoh's love for Jukjirang culminates in 'O Jukjirang, Path for My Longing for You' and turns into an acting wish in 'A Night to Sleep in a Village Thick in Mugwort', which represents the homosexual desire. This acting wish portrayed in 'A Night to Sleep' is a concrete reality, not a world beyond life in the tomb or elsewhere. In short, homosexuality code of Deukho in desperate affection for Jukjirang cuts across <Mojukjiranga>.

대중예술은 대중성과 상업성을 중심으로 시대를 반영하며 그 시대를 살아가는 대중들의 정서에 기반한다. 다양한 대중예술 중에서도 대중음악은 시대의 흐름과 맥을 같이하며 시대의 정신을 보여주고, 더 나아가 대중의 의식과 흐름을 바꾸어 놓거나 때로는 앞장서서 주도해가기도 한다. 세계적인 가수 밥 딜런(Bob Dylan)이나 존 레논(John Lennon) 등은 반전 운동 가수로 유명하며, 밥 딜런의 경우 노벨평화상과 노벨문학상 후보로 거론되기도 했다. 우리나라에도 1970년대 청년문화를 주도했던 록과 포크가수들, 1990년대 젊은이들의 문화에 커다란 영향을 미친 서태지 등은 대중음악계 뿐만 아니라 대중문화에도 많은 영향을 미쳤다. 하지만 대중음악이 가진 사회적 의미와 시대의 반영은 1990년대 이후 한국 대중음악계의 변화와 함께 의미가 퇴색하였다. 1990년대 이후 한국의 대중음악시장은 음반 산업, 방송매체, 매니지먼트 산업 등의 규모와 함께 팽창하기 시작하였고, 대중음악 생산의 핵심으로 부상한 프로듀서가 확산되었다. 이로 인해 음악보다는 가수의 춤과 외모가 더 중요해졌고, 가창력이나 음악성으로 승부하는 가수가 아닌 엔터테이너로 변모하기 시작했다. 본 고에서는 대중음악이 가진 사회적 의미와 규모의 팽창과 함께 산업으로 부상한 1990년대 이후 한국 대중음악계의 변화를 현재 막강한 영향력을 차지하고 있는 SM과 JYP와의 비교를 중심으로 살펴본다. 또한 이들의 영향력을 중심으로 한국 대중음악계의 문제점과 함께 여러 전문가들의 의견을 통해 음악공연의 활성화와 전문음악공연장의 설립을 제안하며, 우리나라 대중음악의 나아갈 방향에 대해 살펴보려 한다.

Popular art reflects the generation based on business and popularity and forms the basis of the public sentiment. Among the variety of popular arts, popular music goes with the current of time, reveals the idealism of the current era, and moreover changes or even sometimes leads the public’s conscious and trends. World renowned artists like Bob Dylan and John Lennon are artists who are famous for being anti-war campaign leaders. Especially Bob Dylan was even considered as a candidate for the Nobel Peace Prize and the Nobel Literary Prize. In Korea, the rock artists and folk artists who led the 1970s counter culture and artists like Seo Taeji who had a great influence on the culture of the 1990s young generation, brought about a profound effect on not only the popular music but also mass culture. However, after the 1990s, Korean popular music market started to expand tremendously with the grow of the album industry, broadcasting media, and the management industry. Also producers which are the core of popular music production have expanded. Because of this, the importance of dancing and appearance has become greater than that of the music itself and artists underwent a transfiguration as an entertainer instead of an artists with a great range of vocal aptitude and musical talent. We would like to go over the alteration of Korean popular music based on SM Entertainments and JYP Entertainments which occupy a great portion in influencing Korean popular music. Through this we will examine the problems of Korean popular music and the direction it should be advancing in.

대만 대중음악은 중국에서 매우 높은 인기를 누리고 있다. 그러나 이러한 현상과 그 원인에 대한 연구는 기존 문헌에서 간과되어 왔다. 본 논문은 적대적인 정치 관계가 지속되는 상황 속에서도 대만 대중음악이 성공을 거둔 이유를 탐구한다. 본 연구는 중국 팬들의 대만 대중음악에 대한 인식을 외래 문화와 민족 문화 사이의 역설로 위치 지운다. 대만 대중음악을 청취하는 방식은 청중들이 대만을 상상하는 전략과 밀접하게 연관되어 있으며, 이는 ʻ의미 중심ʼ의 문화사회학적 이해(Alexander, 2003)를 필요로 한다. 본 연구는 민족 정체성, 인간-음악 상호작용, 문화적 의미를 결합하는 새로운 이론적 관점을 제안함으로써, 음악적 경험이 민족적 경험과 어떻게 얽혀 있는지를 설명하고자 한다. 오늘날 중국과 대만 간의 모호하고 해결되지 않은 관계는 일부 중국 청취자들 사이에서 대만 및 대만 문화 상품에 대한 양가감정을 불러일으키고 있다. 한편으로, 일부 청취자들은 대만 대중음악을 ʻ중국 대중음악의 더 나은 버전ʼ으로 이상화하며, 이를 통해 대만과 중국을 사고하는 데 필요한 반성적 자원을 생성한다. 다른 한편으로는, 대만 대중음악이 애국심과 충돌할 때 소비주의적 감정, 협상, 갈등과 같은 다양한 반응을 표출하며, 이 과정에서 민족주의의 중요성을 부각시킨다. 본 연구는 음악적 경험을 지탱하는 두 가지 체험적 동인을 규명하였다. 하나는 민족적 경험이고, 다른 하나는 음악적 소통이다. 본 연구는 2013년부터 2022년까지 장기간에 걸쳐 수행되었으며, 주된 조사지는 베이징이고, 심천과 광저우가 보조 조사지로 설정되었다. 팬데믹 상황으로 인해 대만에 체류 중인 중국인 유학생들을 대상으로 타이베이에서도 일부 인터뷰가 진행되었다. 본 연구는 음악 애호가들과의 인터뷰 및 ʻ포스트-80(1980–1989년생)ʼ, ʻ포스트-90(1990–1999년생)ʼ, 그리고 소수의 ʻ포스트-00(2000년 이후 출생)ʼ 세대에 속하는 50명을 대상으로 한 참여 관찰을 포함한다. 이들은 모두 덩샤오핑의 ʻ개혁개방ʼ(1978-) 이후 성장한 세대로, 대만 대중음악의 ʻ샤오칭신(小清新)ʼ 장르를 선호하는 특징을 지닌다. 여기에 1950~ 1970년대 출생자 중 언론인 및 음악 전문가 9명이 추가되어, 전체 참여자는 59명이다. 본 연구는 대만 대중음악이 중국에서 성장할 수 있었던 배경에 이러한 정치적 딜레마가 일정 부분 기여했음을 시사하며, 음악 경험이 민족 정체성과의 결합과 충돌을 통해 정치적 경험으로 전환되는 과정을 규명한다. 나아가 중국 내 대만 대중음악은 양안(兩岸) 간의 정치적 실천이 상호 얽히는 공동 산물임을 보여준다.

Taiwanese pop music is hugely popular in China. However, this phenomenon and its causes have been largely overlooked in the literature. This article explores the reasons for the success of Taiwanese pop music despite ongoing hostile political relations. This study positions Chinese fans' perceptions of Taiwanese pop music as a paradox between foreign culture and national culture. How audiences listen to Taiwanese pop music is related to their imaginative strategies of Taiwan, which requires a ?meaning-centred? cultural sociological understanding (Alexander, 2003). This research proposes a new theoretical perspective that combines national identity, human-music interaction, and cultural meaning to explain how musical experiences are intertwined with national experiences. The ambiguous and unresolved relationship between China and Taiwan today has led to ambivalent feelings towards Taiwan and its cultural products among some Chinese listeners. On the one hand, some listeners idealise Taiwanese pop music as a ?better version? of ?Chinese pop music? and generate reflexive resources to feed their understanding when thinking about Taiwan and China; on the other hand, when Taiwanese pop music contradicts their patriotism, they may propose a variety of consumerist sentiments, negotiations and conflicts, highlighting the significance of nationalism. We find that there are two kinds of experiential pulls that together support the experience of music: one is the national experience, and the other is musical communication. This study is a long-term project, mainly conducted between 2013 and 2022, with Beijing as the main research site and Shenzhen and Guangzhou as secondary research sites. Due to the pandemic, interviews have also been conducted in Taipei with Chinese students studying in Taiwan. It includes interviews with music lovers and participant observation of 50 people from the ?post-80s? generation (born between 1980 and 1989), the ?post-90s? generation (born between 1990 and 1999) and a small number from the ?post-00s? generation (born after 2000). They all grew up after Deng Xiaoping's ?Reform and Opening Up? policy (1978-) and are enthusiasts of the ?Little Freshness? genre of Taiwanese pop music. In addition, there are 9 participants from the 1950-1970 generation (including media professionals and music experts), making a total of 59 participants. It suggests that the development of Taiwanese popular music in China may have benefited from this dilemma, and identifies the power of the connection and contradiction of national identity and identity with music to transform the musical experience into a political experience. It shows that Taiwanese popular music in China is a co-production intertwined with the political practices of both sides.

이 연구는 1970년대 한국 대중음악역사 서술을 더 두텁게 할 목적을 지니고 있다. 해당 시기에 대한 기존 연구를 살펴본 후 두 개의 결론을 내렸다. 첫째, 방송에 대한 논의가 더 이뤄져야 할 필요가 있다. 둘째, 서술을 위한 인식론적 기반을 마련하는 일도 시급해 보였다. 그에 답하기 위해 노르베르트 엘리아스의 결합태 개념을 빌려 왔다. 결합태(figuration) 논의를 기반으로 1970년대 초반 형성되었을 방송 결합태를 도출하였다. 그 결합태는 적어도 세 개의 사건에 기반하고 있었다. 첫째, 방송은 젊고 새로우며 위생성을 강조하며 도덕적 리더십을 유지하려 애쓰고 있었다, 둘째, 대중음악계의 의미있는 행위자 역할을 수행하고 있었다. 셋째, 음악적 이벤트를 방송으로 전유하는 능력을 보여주고 있었다. 그 같은 방송의 힘을 경험하며 새로운 방송 결합태가 형성되고 있었다. 구체적으로 1970년대 후반에 등장한 <대학가요제>와 트로트고고에 그 결합태가 고스란히 드러난다. 가요제에 등장한 경연자들은 방송결합태에 맞춘 의상, 스타일, 율동, 노래를 연출하고 있었다. 트로트고고 또한 방송 결합태에 부합하는 노래, 매너, 용모, 분위기를 유지하고 있었다. 대중음악계가 눈치를 봐야 하고, 입맛을 맞춰야 할 만큼 1970년대 들어 방송은 대중음악에 권력을 행사하고 있었다. 대중음악이 방송 결합태에 맞추는 이른바 대중음악의 방송화가 본격적으로 이뤄질 준비를 하던 시기였다.

This study examines the interplay between broadcasting and popular music in Korea during the 1970s, aiming to provide a richer understanding of this transformative period in Korean cultural history. Existing research highlights the need for deeper engagement with broadcasting’s role and a robust epistemological framework to analyze its influence. To address these gaps, this study adopts Norbert Elias’ concept of figuration, revealing how broadcasting shaped the development of Korean popular music during this era. In the 1970s, broadcasting emerged as a dominant cultural institution with three key characteristics. First, it positioned itself as a moral leader, emphasizing youth, novelty, and wholesome and uplifting modernity. Second, it functioned as a powerful gatekeeper, controlling access to audiences and shaping the direction of the popular music industry. Third, it demonstrated its ability to appropriate musical events, integrating them into its own institutional and cultural logic. These attributes gave rise to a broadcasting figuration?a network of interdependencies between broadcasters, musicians, and audiences that redefined cultural production and consumption. This broadcasting figuration is vividly illustrated through the emergence of Campus Song Festival and Trot-Go-Go in the late 1970s. The Campus Song Festival exemplified how contestants aligned their performances, from costumes to choreography, with the expectations set by broadcasting institutions. Similarly, Trot-Go-Go adhered to the broadcasting figuration’s aesthetic and behavioral norms, showcasing how deeply broadcasting shaped artistic expression. By the 1970s, broadcasting had established itself as a hegemonic force, exerting significant power over popular music. The industry’s increasing alignment with broadcasting’s norms signaled the beginning of the “broadcasting-ization” of popular music?a process in which music production, performance, and cultural significance became intertwined with broadcasting’s logic. This study contributes to the historiography of Korean popular music by demonstrating how broadcasting, as a central node of cultural power, not only influenced the music industry but also reflected broader socio-cultural shifts. Through Elias’ concept of figuration, it illuminates the complex interdependencies that underpinned the cultural transformations of 1970s Korea, providing a theoretical framework for understanding the institutional and relational dynamics of this pivotal period.

본 연구에서는 VR을 통한 대중음악 공연 특성이 관객몰입을 통한 관람의도에 미치는 영향 그리고 관여도의 조절효과에 대해 살펴보고자 한다. 전통적인 문화산업과 신기술의 결합을 통하여 더욱 혁신적인 문화산업 형성 및 발전을 조성하고 소비자의 성향에 대해 파악하고자 한다. 이를 위해 중국의 1선 도시 10곳을 선정하여 해당 지역의 소비자를 대상으로 설문조사를 실시하였다. 설문조사를 통해 분석한 결과 VR을 통한 대중음악 공연 특성은 관객몰입에 긍정적인 영향을 미치는 것으로 나타났으며 이는 대중음악 공연의 특성에 따라 관객몰입이 더욱 강해 지는 것을 알 수 있다. 또한 이러한 특성은 소비자의 관람의도에 모두 유의한 영향을 미치는 것으로 나타났으며, 관객몰입은 이들 간의 관계에서 유의한 매개효과를 일으키는 것으로 나타났다. 마지막으로 VR을 통한 대중음악 공연 특성이 관람의도에 미치는 영향에 있어 관여도는 유의한 조절효과를 가지는 것으로 나타났다. 본 연구는 음악 산업 및 이벤트 기획 분야에서 가상현실 기술을 활용한 공연의 중요성과 잠재력을 강조하며, 관객의 참여와 몰입을 촉진하기 위한 전략을 개발하는 데 중요한 지침을 제공할 것이다.

This study aims to examine the effect of the characteristics of popular music performances through VR on the intention to watch through audience commitment and the moderating effect of involvement. By combining the traditional cultural industry and new technologies, we intend to create and develop a more innovative cultural industry and understand consumer tendencies. To this end, 10 first-tier cities in China were selected and a survey was conducted for consumers in the region. As a result of analysis through the survey, it was found that the characteristics of popular music performances through VR have a positive effect on audience commitment, which shows that audience commitment becomes stronger according to the characteristics of popular music performances. In addition, these characteristics were found to have a significant effect on all of the consumers' viewing intentions, and audience commitment was found to have a significant mediating effect in the relationship between them. Finally, it was found that the degree of involvement has a significant moderating effect on the effect of the characteristics of popular music performances through VR on the intention to watch. This study emphasizes the importance and potential of performances using virtual reality technology in the music industry and event planning fields, and will provide important guidelines for developing strategies to promote audience participation and immersion.audience participation and immersion.