Earticle

본 연구는 뮤직프로덕션 분야 실용음악 전공자를 대상으로, 핑크노이즈 믹싱 기법의 교육적 필요성과 효과를 실증적으로 검토하고자 하였다. 믹싱 능력은 현대 음악 제작에서 작곡가에게도 필수적인 역량으로 요구되지만 학생들은 체계적인 기준 없이 주관적인 청감이나 시각적 정보에 의존하여 작업하는 경향이 있어 비효율적인 믹스 결과로 이어지고 있다. 이에 따라 본 연구는 21명의 실용음악 전공 학생을 대상으로 동일한 멀티트랙 기반의 믹싱 실험을 진행하였으며, 사전 믹스 후 핑크노이즈 믹싱 교육을 실시하고, 사후 믹스를 수집하여 정량적·정성적으로 변화 내용을 비교 분석하였다. 분석 항목은 Gain Balance와 Tonal Balance를 중심으로 설정되었다. 그 결과, 사후 믹스에서는 전체 21명 중 17명의 믹스가 –6.5dBFS 내외의 안정적인 헤드룸을 확보하였고, 21명 전체 믹스의 게인 밸런스의 편차 평균이 11.4 LUFS에서 6.5 LUFS 이하로 개선되었다. 토날 밸런스의 경우, 사전 믹스에서는 단 4개의 믹스만이 상업 트랙 기준 범위에 부합했던 반면, 사후 믹스에서는 19명의 믹스가 레퍼런스 트랙의 주파수 분포 범위 안에 수렴하였다. 이는 핑크노이즈 믹싱 기법이 믹싱의 핵심 요소인 게인 밸런스와 토날 밸런스를 개선하는 데 실질적으로 기여했음을 입증한다. 또한, 학생 대부분이 열악한 모니터링 장비와 협소한 공간에서 작업하고 있었음에도 불구, 핑크노이즈 믹싱은 실용적인 청각 기준점으로 기능하여 교육적 효과를 발휘한 것으로 나타났다. 따라서, 핑크노이즈 믹싱은 뮤직프로덕션 분야 실용음악 전공 학생에게 올바른 레벨 관리 기준 제시, 적절한 악기 밸런스의 체득, 불완전한 믹싱 환경의 실용적 대안이라는 세 가지 측면에서 그 필요성이 높다고 할 수 있다. 이에 핑크노이즈 믹싱이 실용음악 교육 현장에서 믹싱 교육의 효율성을 높일 수 있는 현실적이고 직관적인 대안으로서 기능하기를 바란다.

This study investigates the educational necessity and effectiveness of pink noise mixing for students majoring in music production within contemporary popular music programs. As mixing has become an essential skill for modern music creators, the ability to manage gain and tonal balance is critical to achieving high quality results. However, students often rely on subjective hearing or visual cues without a clear standard, leading to inconsistent mixes. To address this, 21 students participated in an experiment using a common multitrack project. After submitting pre-mixes, they received training in pink noise mixing and submitted post-mixes. Analysis focused on gain balance and tonal balance using LUFS-S values and iZotope’s Tonal Balance Control 2. Following the training, 17 students secured stable headroom near ?6.5 dBFS, and the average gain deviation improved from 11.4 LUFS to 6.5 LUFS. In tonal balance, 19 of 21 post-mixes aligned with the reference track’s frequency distribution, compared to only 4 pre mixes. Despite working in acoustically limited environments with entry level equipment, students reported improved judgment using pink noise as an auditory reference. The study concludes that pink noise mixing serves as a practical and intuitive tool for teaching level management, instrument balance, and critical listening in real world educational settings.

본 연구는 중국 유행음악 교육을 배경으로, ADDIE 모형에 기반한 음악 제작 수업의 교수설계 방안이 실제 음악 제작 수업에 어떻게 적용되는지를 탐색하였다. ADDIE 모형은 학습자 요구와 교수 목표를 중심에 두고, 단계적 계획과 지속적인 피드백을 통해 완결된 교수·학습 순환 구조를 구축하는 것을 강조한다. 이에 본 연구는 해당 모형의 틀 안에서 음악 제작 수업의 교수 목표, 교수 내용 구조 및 교수 실행 과정을 체계적으로 설계하고 최적화하였다. 유행음악 전공의 실천적·기술적 특성을 반영하는 한편, 본 연구는 수업 효과, 수업 상호작용 및 학습 분위기, 교사의 교수 역량에 대한 외부 평가를 핵심 분석 변인으로 설정하였다. 또한 설문조사와 통계 분석을 통해 서로 다른 교수설계 요소와 학생의 학습 참여도 및 학습 성취 간의 관련성을 검증하였다. 연구 결과, ADDIE 모형에 기반한 교수설계는 전체 교수 평가와 유의한 정적 상관을 보였으며, 수업 효과, 수업 상호작용 및 학습 분위기, 교사의 교수 역량에 대한 평가는 모두 학생의 학습 참여와 학습 성취와 유의한 관련을 나타냈다. 이러한 결론은 신뢰도 및 타당도 검증, 상관분석, 다중회귀분석 등의 양적 분석 결과를 토대로 도출되었으며, 음악 제작 수업에서 체계적 교수설계를 적용하는 데 실증적 근거를 제공한다. 본 연구는 유행음악 전공 음악 제작 수업의 교수 개선을 위한 실증적 자료를 제시함과 동시에, 교사가 수업 기획, 교수 실행, 교수 평가를 수행하는 과정에서 활용할 수 있는 과학적이고 체계적인 교수설계 틀과 실천적 참고 기준을 제공한다.

This study, situated within the context of Chinese popular music education, investigates the application of an instructional design framework for music production courses based on the ADDIE model. The ADDIE model emphasizes a learner-centered and goal-oriented approach, constructing a comprehensive instructional cycle through phased planning and continuous feedback. Within this framework, the present study systematically designs and optimizes the instructional objectives, content structure, and implementation processes of music production courses. While reflecting the practical and technical characteristics of the popular music major, the study identifies classroom instructional effectiveness, classroom interaction and learning atmosphere, and external evaluations of teachers instructional competence as core analytical variables. Through questionnaire surveys and statistical analyses, it examines the relationships between different instructional design elements and students learning engagement and learning outcomes. The results indicate that instructional design grounded in the ADDIE model demonstrates a statistically significant positive correlation with overall teaching evaluation. Specifically, classroom instructional effectiveness, classroom interaction and learning atmosphere, and evaluations of teachers instructional competence are all significantly associated with students learning engagement and learning outcomes. These conclusions are supported by quantitative analyses, including reliability and validity testing, correlation analysis, and multiple regression analysis, thereby providing empirical evidence for the systematic application of instructional design in music production courses. This study not only offers empirical support for pedagogical reform in music production courses within the popular music major but also provides a scientific and systematic instructional design framework and practical reference for educators in course planning, instructional implementation, and teaching evaluation.

이 글은 1960-70년대 냉전기에 한국과 일본의 국민 만들기 과정에서 두 나라의 대중음악이 어떤 담론과 실천을 거치면서 어떤 문화정치적 효과와 연결되었는지 비교, 대조하려는 시도다. 1945년 이후 제국-식민지 관계를 청산하고 새 출발해야 하는 두 나라에 국민 만들기는 공통의 과제였다. 특히 열전의 뒤처리가 끝나고 냉전 질서가 축조되던 1960년 이후의 상황을 중심으로 살펴본다. 한국의 대중음악에서는 권력과 대중음악인 양자 모두에게서 식민지 트라우마가 깊게 인식된다. ‘외래적인 것’에 맞서 ‘한국적인 것’을 구축해야 한다는 당위가 양자 모두에게 각인되지만, 양자 사이의 긴장과 갈등은 해소되지 않는다. 반면 일본의 대중음악에서는 모두가 함께 부르는 일본인의 진정한 마음의 표현이라는 하나의 지점을 향한 수렴이 일어난다. 그것을 가능하게 해주는 것은 식민지 지배와 전쟁에 대한 책임의 망각이다. 한국의 트라우마와 일본의 망각은 불평등하고 불행했던 과거로부터 비롯된 쌍생아일 것이다. 각자의 방식으로 극복하지 않으면 안 된다.

This article attempts to compare and contrast the discourses, practices, and cultural and political effects of popular music in South Korea and Japan during the Cold War in the 1960s and 1970s. After 1945, nation-building was underway in both countries. Both needed to liquidate their imperial and colonial relations and start anew, especially after 1960. In South Korean popular music, colonial trauma is deeply recognized by both those in power and popular music. The imperative to build something ‘Korean’ as opposed to something ‘foreign’ is imprinted on both sides, but the tensions and conflicts between them are not resolved. In Japanese popular music, on the other hand, there is a convergence towards a single point: the expression of the true heart of the Japanese people, sung by all together. What makes this possible is forgetting Imperial Japan’s responsibility for colonization and war. Although Korean trauma and Japanese amnesia are the twin children of an unequal and unhappy past, they must be overcome through different methods.

한국 대중음악에서는 사투리 부재 현상이 두드러진다. 선율법적 의미의 지역적 토리는 말할 것도 없고, 가사 텍스트의 사투리 또한 한국 대중음악에서는 사실상 거의 종적을 감추고 있다고 해도 지나친 말이 아니다. 대중음악이 풀뿌리 민중의 음악으로서의 가능성을 여전히 갖고 있다고 한다면, 오늘날의 총체적인 사투리 부재 현상은 극복되어야 할 한국 대중음악 일반의 미적 과제가 될 것이다. 비정상적인 수도권 집중의 도시화와 산업화 과정을 겪어 왔지만 한국 대중들의 적어도 절반 이상은 사투리를 자신의 일상 언어로서 쓰고 있다. 한국의 전통 민요는 이러한 민중들의 일상 언어를 타자화하지 않고 자연스럽게 자신들의 고유한 음악 언어로 승화시켜 왔다. 대중음악의 근대성은 전통 민요와의 일정한 단절을 내포하지만, 그 진정성은 대중들의 일상 언어와 맞닿아 있을 수밖에 없다. 전라도 사투리는 매우 음악적이면서 동시에 사회의 주류 계층으로부터 크게 소외되어 있다는 점에서 미국 흑인들의 사투리와 닮아 있다. 전라도 사투리의 감성적 복권이 한국의 대중음악을 다른 수준으로 이끌 수 있으리라 기대하는 것도 이 때문이다.

The absence of dialect is remarkable in Korean popular musics. It is not too much to say that the dialect is totally removed both in lyrics and tori(modes) in Korean popular songs. This should be an aesthetic problem for the Korean popular music scene to solve, if popular music in general retained its potential for the grass roots music. While Koreans have been experiencing the rapid urbanization and industrialization accompanied by the extreme concentration into the capital region, at least half of them are still speaking in dialects in their daily lives. Korean traditional folk musicians originally used regional dialects for their unique musical languages. Although the modernity of popular music illustrates a certain distance from the traditional folksongs, its authenticity should meet the colloquial language of the common people. There are some parallels between the dialect of Jeolla province and the African American black English, which has contributed to the development in the 20th century American popular music, in that both are musically affluent and socially alienated. That is the reason why I expect that the emotional rehabilitation of the Jeolla province dialect could lead Korean popular music to a different level.

본 논문은 1930년대 대중가요에 그려진 서울-모던-여성의 풍경을 통해 근대의 출구에서 서울-여성들의 욕망이 어떻게 드러나는지 살펴보았다. 1930년대 대중가요 속에서 빌딩, 고와 스톱을 외치는 네거리, 네온사인의 밤거리로 표상되는 근대의 서울은 청춘들의 도시이자 연애에 몸살을 앓는 도시로 자신의 이미지를 정립하고 있었다. 대중가요는 서울의 거리를 지향 없이 활보하며 속물적인 생활로 시간을 소비하는 모던한 청춘 남녀들을 풍자하기도 하고, 혹은 소비적이고 물질적인 근대도시의 세태를 긍정하며 청춘남녀들에게 연애지상의 가치를 부추겼다. 1930년대 대중가요는 여성들에게 결코 공존할 수 없는 ‘순결과 자유연애와 결혼과 스위트홈’에 대한 동경을 하나의 욕망으로 결합시켰다. 신식 교육과 신식 라이프스타일로 무장한 모던 여성들은 자유로운 연애를 통해 결혼에 이르고, 물질적 정신적 행복과 안락함이 보장되는 스위트홈이 영원하기를 꿈꾸었다. 대중가요에서 모던 여성으로 산다는 것은 성적인 해방이나 계급적인 해방을 의미하지 않았다. 근대적 자유연애와 근대적 가족제도에 입각한 결혼이 모던 여성의 욕망이었다. 한편 1930년대 대중가요에서는 하룻밤의 로맨스와 기생과 여급의 사랑이 ‘순애보와 스위트홈’이라는 공식과 결합되면서 신파적 멜로로 그려졌다. 근대적 결혼제도 안에 진입하기 위해 기생과 여급은 순애보적 사랑을 증명했다. 목숨을 아끼지 않는 순애보만이 일부일처제 결혼제도의 견고한 틀에 편입될 수 있었다. 진정 사랑한다면 죽음을 통해 한 남자의 아내로 인정받거나, 영원한 사랑을 보장받는 역설은 기생과 여급에게 주어진 바, 근대가 드리운 운명의 그림자였다. 대중가요에 드러난 대중들의 욕망을 정리해보면, 당대 여성들이 자유연애와 스위트홈의 환타지를 꿈꿀 때, 남성들은 순정의 환타지를 꿈꾸었다. 여성과 남성의 환타지가 결합하여 신파적 멜로는 대중적으로 확대 재생산되었다.

최근 여성주의적 시각에서 과거사에서 문제의 발인을 찾는 노력들이 진행 중이나, 대부분 남성주의적 역사관을 그대로 답습하여 거대 담론에 여성 문제가 다시 함몰되는 경향을 보인다. 본 논문은 가부장제가 공적영역으로 최대 팽창되는 1970년대를 기점으로 일상 영역에서 여성에 대한억압과 저항이 교차하는 역사 과정에 접근하기 위해 대중문화를 연구하였다.특히 이제는 빛바랜 자료실 한편에 역사적 흔적으로 방치된 1970년대 음반을 발굴하여, 이에 투영된 여성 이미지를 통해 당시 근대화 과정에서 여성에게 가해진 정치적 문화적 권력 작용을 영상 분석을 통해 구체적으로 살펴보았다. 1970년대는 유신 체재와 새마을운동으로 대변되는 억압의 시대로 대중문화도 조국근대화 프로젝트의 일축으로 정치적으로 동원되고 조작되기도 하였다. 여성은 당시 사회 권력의 최하위를 점하며 산업노동자로 혹은 산업위안부로 동원되면서 사적 영역과 공적 영역 둘 다에서 가부장제의 희생물로화하는 이중고를 겪기도 하였다. 대중음악 음반에 나타난 여성의 이미지를 면밀히 분석해 보면 정치적 동원과 억압 또 밑으로부터의 문화적 저항의 복합적 관계를 유추해 낼 수 있다 본 연구에서는 년대 . 1970 음반에 나타난 여성 이미지를 주체성, 권력, 이데올로기의 세 변수를 중심으로 영상 분석을 시도하였다. 이론적으로는 기호학을 원용하여 정량적 분석과 질적 분석을 병행하였다. 1970년대의 억압적 정치 상황에서 여성은 전반적으로 비주체적 비권력 모습을 보이는데 권력의 최하위를 점한 여성에 대한 이중적 억압을 잘 엿볼수 있다. 그러나 대중문화가 일방향으로 강압될 수는 없는 것이고 일상적으로 유연하고 탄력적인 양식으로나마 저항의 기호 또한 음반에 각인되어 있는것을 찾아볼 수 있다. 이는 장르별로 차이를 보여 자연주의를 구가하는 포크음악 장르나 섹슈얼리티를 표현하는 록 음악에서 대안 문화의 추구와 여성가수들의 저항적 영상의 요소들이 모습을 드러내는 것을 찾아볼 수 있었다.

In Korea, 1970s was the most repressive era in the modern history. Authoritarian political regimes severely intervened people's daily lives under the name of economic development. Despite the rapid economic growth, democracy was postponed and freedom of people was sacrificed. In the due course, women were mobilized and exploited both by political economic power and patriarchal authority. Women were integrated into the system as industrial workers and sometimes industrial prostitutes. This research attempts to portray women's roles and images in the modern history by looking at LP jackets of popular music during 1970s. I adopted semiotics as methodology and analyzed women on LPs by looking at power, self identity and ideological aspects of images. Visual images of female singers represented their weakest social positions during the 70s authoritarian regime. Yet, popular culture cannot be simply subordinate to the political economic system. Culture has a certain realm of autonomy. I found that there were differences of women's representation depending on music genres. Conventional genres portray women as mothering roles or sexual objects, whereas folk music and rock music genres represent women as more powerful and independent figures. These new rising genres contribute to constructing potential models of women in the modern history.

1945년 이전 한국 대중음악에서 만주는 여러 가지 의미가 있는 지역이었다. 만주는 많은 작품의 소재가 되기도 했고, 공연이나 음반의 중요한 시장이기도 했다. 그리고 몇몇 한국 대중음악가는 만주에서 활동하면서 음악적 영향을 받기도 했다. 1920-30년대 만주에는 혁명의 혼란을 피해 이주해 온 러시아인들이 많이 거주하고 있었다. 하얼빈은 러시아인들이 특히 많이 모여 있던 도시였고, 거기서 음악 활동을 했던 러시아인들은 동아시아 각지 대중음악에 상당한 영향을 미쳤다. 중국이나 일본 대중음악에서는 만주 러시아인 음악가의 흔적이 분명하게 확인되며, 조선 대중음악에서도 그러한 만남과 영향의 흔적이 희미하게 보인다. 대표적인 예로 임씨 형제악단과 한영철이 있는데, 이들은 만주에서 먼저 음악 활동을 시작한 뒤 한국과 만주를 연결하는 연예 기획에 참여해 한국에서도 대중음악가로 활약했다. 또 만주에서 조선으로 흘러들어온 러시아인 음악이 조선 대중음악가와 상호작용했을 희미한 가능성도 자료를 통해 추정할 수 있다. 1930-40년대 조선 대중음악의 시장 규모가 중국이나 일본만큼 크지 않았기 때문에 만주로부터 영향은 제한적일 수밖에 없었지만, 당시 동아시아 대중음악 네트워크에서 조선이 예외가 아니었음을 확인할 수 있다.

Before 1945, Manchuria as a region had significant meanings in Korean popular music as well as music culture at large. Manchuria was not only the subject of a lot of songs but also an important market for performances and records. More specifically, some Korean musicians were influenced by foreign musicians while working in Manchuria. In the 1920s and 30s, many Russians who had migrated to Manchuria to flee the chaos of World War II and the Bolshevik Revolution. Especially, Harbin was the city where the Russians, including Jewish and other East Europeans, formed their own community. The classically trained Russians and Jewish had a significant impact on the formation of popular music across East Asia. While traces of Russian musicians are clearly identified in the cases of Chinese and Japanese popular music, those of such encounters and influences are dimly seen in Korean popular music too. Representative examples include Lim's Brotherhood Band and Han Young-chul, who first started their music activities in Manchuria and then participated in entertainment planning that connects Korea and Manchuria and worked as popular musicians after returning to Korea. Other data suggests the dim possibility that Russians flowing from Manchuria to the Korean peninsula interacted with Korean popular musicians. Despite the relatively limited impact of Russians in/from Manchuria and the virtual neglect of their roles in the Korean academia, it is certain that Korea was not completely excluded from the border-crossing and multiethnic networks of popular music in East Asia during the first half of the 20th Century.

이 연구는 2017년에 한국노동연구원 지원으로 실시된「디지털 시대의 서울지역 예술인 실태조사」자료를 바탕으로 예술인의 인적자본과 사회자본이 예술활동 경력을 전망하는 데 어떤 영향을 미치는지 탐색하였다. 분석 결과, 불안정한 고용과 불규칙한 작업기회로 인한 예술활동 중단경험과 더불어, 인적자본 요소라 할 예술적 테크닉 관련 잠재성이 지속적인 예술활동을 전망하는 데 중요한 요인으로 도출되었다. 한편 예술시장에 광범하게 퍼져 있는, 고용관계에 기반을 둔 조직자원을 결여한 프리랜서 예술인들의 경우, 보유하고 있는 예술인 영향력 연결망의 크기가 향후 안정적인 예술활동을 전망하는 데 영향을 미치는 것으로 나타났다. 이러한 분석 결과는 기초 소득보장에 국한된 기존 예술인복지정책이 보완될 필요가 있음을 시사한다. 즉 예술노동자들의 지속가능성을 제고하기 위해서는 이들이 기초 소득보장을 넘어 급변하는 기술환경에 대한 적응도를 높이는 예술적 숙련을 지원하는 한편, 조직자원을 결여한 진입 및 경력형성기 프리랜서 음악가들이 예술노동시장의 주요 관계망에 보다 평등하고 용이하게 접근할 수 있도록 돕는 기존 정책도구의 확장이 필요하다.

This study examines whether human capital and social capital have a significant effect in forecasting stable artistic activities. Especially, we have also empirically verify whether an artistic network have a meaningful effect in forecasting stable artistic activities for freelance contract artist, which is a universal form of contract in the art labor market. Based on the 『Survey of Artists in Seoul in the Digital Age』 conducted in 2017, the result of empirical analysis reveals that experience of discontinuing artistic activities due to unstable employment status and the potential of artistic skill have a significant impact in forecasting stable artistic activities. Furthermore, for freelance contract artists, the size of the influential network that indicates the amount of relationship with influential people in artistic network has a positve impact on the prospects of stable artistic activities in the future. Therefore, welfare policies for artists need to consider not only securing stable income, but also helping artists ain easier access to the core networks of the art labor market.

본 논문은 최근 세계적으로 문화산업을 국가의 성장동력원과 지역개발의 수단으로 활용하고자 하는 움직임이 활발한 가운데, 우리나라에서도 큰 관심을 보이고 있는 문화산업과 지역개발에 관한 정책적 쟁점을 해외사례 분석을 통해 파악함으로써 그 시사점을 도출하고자 하였다. 연구과정에서는 소비자 서비스로서 문화산업에 대한 이론적 이해와 산업적 고유특성을 검토하였고, 다음으로 이러한 시각을 토대로 세계적으로 가장 일찍이 문화산업의 지역개발 가능성을 모색하고 있는 영국의 두 지방자치단체가 추진하고 있는 대중음악의 지역개발 사업들을 중심으로 공공의 역할에 관해 논의하였다. 본 연구를 통해 지역의 일자리 창출과 같은 단기적 목표달성에는 생산자 지향적 개발전략이 효과적이나, 장기적인 지속 가능한 발전을 위해서는 개발초기에 소비자 지향적 개발전략에 보다 주목할 필요가 있고 아울러, 역내 구성원 간 지식과 정보가 자연스럽게 순환되도록 하는 비공식적 네트워크 형성을 포함한 소프트 인프라 구축에서 공공의 역할이 적어도 대중음악산업에서는 매우 중요한 요소임을 제시하였다. 본 논문이 지방의 중소도시 차원에서 그리고 제조업과 구별된 문화산업 고유의 관점에서 공공의 역할을 개괄적으로 논의했다는 점에서 기여를 한 것으로 보이지만, 향후 정량적 방법과 추가적인 자료 보완을 통해 연구가 이루어진다면 좀 더 세밀한 정책 방안이 도출될 수 있을 것으로 판단된다.

This paper studies the regional development of cultural industries which has been the important issue among many countries as well as for Korea. The research reports and theoretical papers are surveyed and analysed to know the main characteristics of cultural industries and their regional effects. Based on this information, some policy implications are reduced by discussing the role of public administrations between the two U.K. cities of Sheffield and Manchester and their development experiences, centering on development strategies and the services to establish social networks in their industry areas. This studies implies that a producer-oriented approach may be more effective to reach the goals of employment temporarily, but a consumer-oriented approach could be necessary on the initial stage to sustain the long-term potential development regionally. As an important role of public services, social networking needs to be promoted among the workers at least popular music industry including residents in regional areas. This study has taken a little step in developing policy implications for cultual industries in small- and medium-sized cities of Korea, but still needs further research to get rich implications by using sufficient and statistical data.

한류 문화를 비롯해 방송사들에서 시행하는 각종 오디션 프로그램들로 인해 대중음악계가 상당히 부각되고 있다. 이러한 가요계의 발전과 더불어 가수가 되고자 하는 지망생들이 급격히 증가하였는데, 아직은 이들을 가르치고 훈련을 받을 수 있는 교육적인 여건이 미비하다. 본 논문은 가수지망생, 즉 보컬이 기복적으로 갖추어야 할 호흡과 발성법에 관한 논문이다. 호흡과 발성은 노래를 잘하기 위한 과정이지만, 노래를 잘하기에 앞서 목소리를 크게 만들고 라이브 공연 시 목소리를 안정적으로 내기 위한 필수적인 요건이다. 명성에 비해 라이브 실력이 부족한 가수들을 흔히 볼 수 있는데 이것이 모두 호흡과 발성훈련을 소홀히 해서 생긴 결과이다. 따라서 본 논문에서는 크고, 안정적인 목소리를 만들기 위한 발성훈련 방법에 대해 알아보는 논문이다.

대중가요와 매체가 주고받는 상호작용은 매우 밀접하고도 복잡하여 상호간의 변화와 발전의 흐름에 있어 큰 기폭제가 되었다. 특히 2000년대 이후 폭발적으로 늘어난 디지털 매체의 발달은 대중가요 전반의 흐름을 바꾸어놓았고 이는 전세계적인 한류의 인기로 이어졌다. 이러한 흐름을 바탕으로 본고는 디지털 매체 수용에 따라 대중가요가 어떻게 변화하고 발전해 가는지를 살펴보는 데 그 목적이 있다. 그 결과 연구자는 디지털 매체 수용에 따른 대중가요의 변화를 크게 소비양상의 변화, 사고의 변화, 음악양식의 변화, 음악산업의 변화로 분류하였으며 그 양상을 다음과 같이 추론할 수 있었다. 먼저 대중가요에 나타난 소비양상의 변화이다. 첫째, 수용패턴이 소비자에서 사용자로 보다 적극적으로 바뀌었고 둘째, 소비하는 패턴이 소유형태에서 공유형태로 바뀌었으며 셋째, 문화의 분절화 현상이 뚜렷하게 나타남을 알 수 있다. 사고의 변화로는 첫째, 소비자들의 위치 변화로 인해 상호작용성이 강화되었으며 둘째, SNS를 통한 관계지향적 문화가 강화되고 셋째, 재미를 극대화할 수 있는 놀이적 사고가 만연해짐을 알 수 있었다. 음악 양식의 변화로는 첫째, 싱글음반의 발달로 인해 보다 자극적인 가사로 변화하고 있었으며 둘째, 훅으로 대표되는 반복적 리듬이 많이 사용되었으며 셋째, 1분듣기와 같은 디지털 매체의 변화로 음악형식의 전위가 일어나고 있음을 알 수 있었다. 마지막으로 나타난 대중가요 산업의 변화로는 첫째, 가수들이 음악프로그램이 아닌 예능으로 인기를 끄는 예능의 주류화 현상이 나타났으며 둘째, 유통의 권력화 현상을 꼽을 수 있으며 셋째, 디지털 네트워크를 통한 문화의 지구화 현상을 꼽을 수 있었다. 이처럼 본고의 연구는 디지털 매체가 대중가요 전반에 지대한 영향을 주었으며 이를 통해 대중의 사고, 수용양상, 음악양식, 산업의 향방까지 바꾸고 있음을 알 수 있었다.

The interaction between Korean Pop Musics and the digital media is very close and complex, which has been a big initiator in the course of mutual change and development. Especially, the development of digital media increased explosively since the 2000s has changed the flow of Korean Pop music, which has led to the popularity of The Korean Wave. Based on this trend, this study examined how pop musics change according to the acceptance of digital media. As a result, the change of popular musics according to the acceptance of digital media is classified as change of consumption pattern, change of thinking, change of music style, change of music industry. First, It is a change in consumption patterns in pop musics. first, acceptance pattern changed more positively from simple consumer to complicated user, second, consumption pattern changed from possession of a form to shared form, and third, cultural segmentation phenomenon appears to be conspicuous. As a result of the thinking, first, interaction is strengthened due to the positioning change of Consumer. second, the relationship-oriented culture through SNS is strengthened. Third, it is found that playful thinking that can maximize the fun is spreading. As a result of the change of music style, first, it was changed into more stimulating song lyrics due to the development of single music. Second, repeated rhythm represented by hook was frequently used. Third, it can be seen that the change of the digital medium such as 1 minute listening causes the dislocation of the music form. As a result of the changes in the pop music industry, the first one was the main streaming of the entertainment that attracted singers as variety programs rather than musical programs. Second, the power of distribution was one of the factors. third, the globalization of culture through digital network can be considered. Thus, the study of this paper shows that digital media has a great influence on popular songs in general, and it changes the way of thinking, acceptance, music style and industry of the masses.

본 연구는 문화적 근접성 인식과 케이팝 이미지, 그리고 한국 국가 이미지 간의 관련성을 분석하고자 하였으며, 아시아권과 서구권 수용자 차이를 실증연구를 통해서 검증하였다. 아시아권 수용자와 서구권 수용자를 대상으로 조사한 결과, 아시아권과 서구권 수용자의 문화적 근접성 인식 요소는 차이점보다 공통점이 더 많이 발견되어 케이팝의 혼종성과 보편성을 확인하였다. 또한 케이팝에 대한 문화적 근접성 인식이 케이팝 이미지에 긍정적으로 영향을 미친다는 사실을 밝혀내었으며, 케이팝 이미지가 한국 국가 이미지에 긍정적 영향을 미치는 것으로 나타났다. 그리고 케이팝 문화적 근접성과 한국 국가 이미지의 관계에서 케이팝 이미지가 완전 매개효과의 역할을 하고 있다는 것이 검증되었다.

The purpose of this study is to find Korean popular music(K-Pop)’s cultural proximity factors and how the factors influence oversea audience’s evaluation of K-Pop’s image and South Korea’s national image. Based on the survey, the factors of K-Pop’s cultural proximity between Asian and Western audience came out differently. The results showed that K-Pop’s cultural proximity factors had significant effect on evaluation of K-Pop’s image both in Asian and Western audience. Also, evaluation of K-Pop’s image had significant effect on evaluation of South Korea’s national image both in Asian and Western audience. The mediation effect of K-Pop’s image between K-Pop’s cultural proximity and South Korea’s national image was to be investigated. This study found that K-Pop’s cultural proximity was a important variable affects evaluation of K-Pop’s image and also proved that K-Pop’s image had a significant effect on evaluation of South Korea’s national image.

본 논문은 20세기 전반의 동아시아 대중음악, 특히 한국과 일본의 대중음악 형성 과정과 함께 이와 관련하여 근대 일본이 식민지 조선에 대해 가졌던 문화적 관심의 양상과 정도를 살펴보려는 시도이다.우선 일본의 ‘엔카’와 한국의 ‘트로트’장르를 중심으로 20세기 전반기에 한국과 일본의 대중음악이 어떠한 과정을 통해 성립되었는지를 알아본다. 이 두 가지는 19세기 말부터의 서양 음악 수용 과정을 거쳐 1920년대 말과 30년대 초에 레코드와 라디오의 미디어 혁명과 함께 일본과 한국에서 확립된 동아시아의 대중음악 장르라고 할 수 있다. 이들은 동아시아적 관점에서 볼 때 동일한 하나의 장르를 지칭한다고 보아도 무방하다. 따라서 일본의 ‘엔카’가 한국에서 공감을 얻고 한국의 가수가 일본에서 인기를 얻는 현상은 충분히 가능하다. 그것은 동아시아 공통의 전통 음악적 기반과 정서공동체가 형성되어 있기 때문이다. 실제로 조선의 대중음악이 ‘조선악극단’이라는 형태의 공연회를 통해 1930년대의 일본에서 많은 사람들의 호응을 얻었다. 이는 단순한 이그조시티즘의 차원을 넘어서 조선 예술가들의 노력과 기량도 작용했고 무엇보다 한일 양국의 정서적 기반이 유사하기 때문이었다.

The purpose of this article is to study how the social change of Czechoslovakia, from the Prague Spring in 1968 to the Velvet Revolution in the 1980s, is reflected in Tom Stoppard’s Rock 'n' Roll. This play, set against the background of two cities, Cambridge in England and Prague in Czechoslovakia, is called “a kind of pseudo-autobiography” of Stoppard. It is based on his own supposition that he had gone back to the Czech Republic, where he was born, after World War II, rather than going to England. The primary concern of the play is the relationship between art and politics. Stoppard ponders whether it is possible to have a free society without complete freedom of expression. The aesthetic that Stoppard focuses on in this play is rock 'n' roll, from the historical fact that the Czech democratic movement started with the authoritative Communist regime’s suppression of an underground rock group named 'the Plastic People of the Universe’ and the Czech dissidents’ resistant movement against that suppression. Stoppard makes Jan’s change the main plot of the play, and shows how Jan, a rock 'n' roll maniac who was indifferent to politics, is changing into a dissident under the Czech Communist regime. The reason why the Plastic People kept playing rock 'n' roll, “a socially negative music,” in spite of the threat of the government originates from the basic idea of rock 'n' roll: ‘I wanna be me.’ In order to symbolize freedom and passion innate in rock 'n' roll, Stoppard evokes the image of Pan, the pagan god of music, as the muse of the music genre. He expresses rock 'n' roll as “the great god Pan” of modern times. He also opens each scene with the iconic rock music of, for example, Pink Floyd, Rolling Stones, and U2, presenting a proper atmosphere for the scene. Rock music is such a powerful presence in the play that it is virtually another character. Stoppard originally developed a situation in which a British Communist, a classical Marxist, argues with a man living in the Czech Republic under the communist regime. He tries to create a tension between the theory and the actuality taking place in the play. It is a very dramatic moment, when Max's Marxism is confronted with the reality of his family life, just as we see Marxism in theory confronted with real-socialism in post-invasion Czechoslovakia. Jan’s change of attitude represents the conscious change of the Czech intellectuals who led the Czech democratic movement. The Czech people’s ardent desire to protect the freedom and passion of the human soul, symbolized as rock 'n' roll, finally established one of the greatest political results, the Velvet Revolution. It shows “the potency of art in general and its ability to alter society.”

본 논문은 이태원 클럽 문화의 역사적 형성과정을 통해 한국 대중음악(사)의 국면적 변화를 탐구하고자 한다. 구체적으로는 해방 이후부터 1990년대 초반까지 이태원에 위치한 다양한 ‘클럽’들이 어떻게 당대의 대중음악의 경향 및 주체들과 상호작용했는지를 한국의 사회 및 역사적 변동 속에서 살펴보고, 이를 통해 탈/식민지적 공간인 이태원의 변화를 문화사라는 측면에서 분석하고자 한다. 이태원은 단지 미군들에 의해 점유된 미국화된 식민적 공간이나, 소비문화에 잠식된 젊은이들의 향락의 공간, 혹은 이종적인 문화들이 자유롭게 만나는 혼종성의 공간이 아니라, 당대의 대중음악 및 하위문화의 문화적 코드들과 주체들이 한국 사회의 역사적, 문화적, 정치적 계기들과의 교차 속에서 만나고, (재)구성되며 (재)의미화 되는 역동적인 공간이었다. 특히 이태원의 클럽들은 식민/탈식민, 미국/한국, 이국적/민족적이라는 상이한 코드들이 접합되고 탈구되며, 재생산되는 장으로서 한국의 대중음악사에서의 몇 차례의 순환을 견인하는 역할을 수행했다. 이 과정에서 식민지 타자에서 분열적 청년으로, 다시 탈식민의 가능성을 내장한 신세대들로 변모하는 문화적 주체성의 양상은 식민성과 혼종성의 사이에 지속되던 모순과 균열의 지점들을 드러내 준다. 결론적으로 이태원은 식민성의 모순으로 등장했지만, 식민과 탈식민, ‘미국’과 ‘한국’의 경계가 겹쳐지거나 경합하는 지점이자 경계 해체를 통한 탈식민의 가능성을 보여주는 공간이 된다.

Itaewon, located at the center of Seoul city is an intersectional space where various cultural, social and political forces were encountered throughout Korean modern history (e.g. U.S. occupation and camptown prostitution, Korean modernization and military government, gentrification and gay culture, globalization, migration, and tourism). This paper analyses how Itaewon was constructed in the context of Korean history of popular music, particularly focused on the ‘clubs’ which actively interacted with sub-cultures of different generations. Itaewon cannot be reduced to an ‘Americanized’ colonial space, a pleasure-seeking youth place in consumer society, or a space of cultural hybridity where different cultures meet each other freely. Rather, it could be understood as a dynamic space where heterogeneous cultural codes (e.g. cultures of U.S. army in the 1950~1960s, Go-Go culture in the 1970s, Disco culture in the 1980s, and Hip-hop culture around the 1990s) and different subjectivities (including colonized ‘others,’ fragmented ‘youths,’ and decolonized ‘new generation’) are encountered, (re)construcated, (re)signified, and transformed at a specific historical stage. Throughout this research, we can reconsider Itaewon as a site to lead Korean popular music and sub-culture, which has been rarely grasped by a uni-dimensional concept of cultural coloniality or hybridity, and show the possibility of decolonization that had already been in it, Itaewon.

본 연구의 목적은 대중음악의 신학화와 신학의 대중화에 기여하고자 대중음악에 대한 실제적인 신학적 해석학을 제시하는 것이다. 이를 위해 본 연구는 다음 네 가지 과제를 실행한다. 첫째, 종교와 문화와 예술의 관계를 밝히고 신학적 해석의 관점으로서 기독교 정체성을 설명한다. 둘째, 신학적 텍스트로서 대중음악의 구성과 그것에 대한 다양한 해석의 차원들을 탐구한다. 셋째, 대중음악에 대한 신학적 해석의 역사를 되돌아보며 그 성과와 한계를 반성한다. 마지막으로 앞선 논의를 토대로 대중음악에 대한 신학적 해석학의 단계적 과제를 제시한다.

This study aims to present practical theological hermeneutics of popular music in order to contribute to the popularization of theology and the theologization of popular music. To this end, this study performs the following four tasks. First, it illuminates the relationship between religion, culture, and art, and explains Christian identity as a perspective of theological interpretation. Second, it explores the composition of popular music as theological texts and its diverse hermeneutical dimensions. Third, it reviews the history of theological interpretations of popular music to reflect on its results and limitations. Lastly, it presents the phased tasks of theological hermeneutics of popular music based on the preceding discussions.

중국의 少数民族은 자기만의 유구하고 풍부한 예술전통을 가지고 있으며, 歌唱艺术도 다채로워 노래의 창법과 풍격이 헤아릴 수 없이 많아 각기 다른 民族文化를 형성하고 있다. 서로 다른 지역의 환경, 风土人情, 인물성격이 지방마다 특색을 가지고 있기에, 유행가곡은 바로 이런 민족음악의 각종 요소를 흡입하여 대중들의 사랑을 받을 수 있게 된 것이다. 티베트, 요원하고도 신비의 땅 , 험준한 산악과 가혹한 기후조건, 척박한 토양에서도 낙천적인 웃음과 친절을 베풀며 자신의 세계를 가꾸어 온 티베트는 물질문명에 점점 압도되어 가는 현대인들에게 신선한 바람을 불러일으킬 정신세계를 간직하고 있다.티베트 民歌는 가락이 높고 박절이 자유로울 뿐만 아니라 선율이 우렁차고 음역이 넓으며 기복 변화가 풍부하여 독특한 매력으로 90년대 이후 중국의 대중음악계에서 주목과 창작소재로 다양하게 활용되고 있다. 1960년대부터 티베트민속음악은 심화 발전되었고 90년대 초중반부터는 대중음악으로까지 확대되면서 전통적 창법에서 현재 세계음악과 어우러진 티베트 현대음악은 그 특유의 가창법과 특징으로 현대인들에게 티베트에 대한 새로운 관심을 불러일으켰다. “민족의 것이 곧 세계의 것이다”라고 주장하는 중국의 民歌风 대중음악이 주류로 발돋움하고 있는 이 시기에 티베트 음악이 이토록 빨리 발전할 수 있었던 것은 결코 우연이 아니다. 그것은 바로 그의 독특한 매력과 어느 민족도 대체할 수 없는 정신세계를 간직하고 있기 때문이다.

Tibetan folk song is one of the magnificent tibetan folk literature, profound ideological and artistic high. tibet an ancient nation, a gritty nation, the tibetan people warm and cheerful, expansive and imaginative. They dance as partners, free to live, tibetan folk song cadence, rhyme Hezhe paste, attractive. tibetan music tones long, broad range, rhythm free. Gives us a fascinating, iQue feeling Every time hear high-pitched, loud and clear, crisp, pure Tibetan song, mind as if already wandering in the Qinghai-Tibet plateau. Extremely beautiful. As well as the Tibet fashion in 1990s, Tibetan folk singing style and unique characteristics are well known and recognized. which formed by the singers named Li N，Ｈan Hong, Zhu Zheqin, Sa Dingding etc, who absorbed and transmitted the abundance fork song culture of Tibet in China. Since 60s of last century to today, tremendous changes have Tibetan folk songs. original from the original concert to now integrate with the world of Tibetan pop music can be said that the development of Tibetan folk song is fast. As the saying goes,"the nation is the worlds". China, with a vast territory and a great population, has various music charater in various section of it, which provides Chinese popular music with abundance materials and inspiration. Furthermore, the best way to supplement Chinese popular music works by using it by reference. on the base of it, various folk character is showed in Chinese popular music.

이 글은 신한류의 중심인 케이 팝에 대해 훅송을 중심으로 살펴보고자 한다. 훅송은 스타시스템에 의해 양산된, 소위 아이돌이라 불리는 걸그룹과 보이그룹에 의해 주로 연행되는 특유의 음악으로 볼 수 있으며음악 형식적인 측면에서는 극단적으로 후렴구를 강조하는 서사구조를지닌다. 실제로 우리는 훅송을 후렴구를 강조하는 중독성 있는 상업적인 음악으로 이해하며 사용하고 있다. 일반적으로 훅송은 그것이 지니고 있는 극단성과 단순성으로 인해 비판적으로 인식되기도 하지만 훅송에 대한 체계적 분석은 찾아보기 힘들다. 하지만 훅송의 본질인 훅에 대한 재해석을 시도함으로써 우리는 훅송에 대한 새로운 접근을 유도할 수 있다. 훅은 ‘우리가 어떤 하나의 곡을듣는 순간부터 그 곡에 대해 기억하는 여러 부분들’로 정의될 수 있다. 훅송 역시 훅에 대한 이러한 정의를 참고하여 후렴구를 포함한 음악내·외적인 모든 부분에서 총체적으로 접근할 수 있을 것이다. 훅송은 단순히 후렴구를 강조하는 노래로만은 볼 수 없으며 훅송에서 나타나는반복과 단순성 역시 반드시 부정적으로만은 볼 수 없다. 왜냐하면 반복에 의한 단순성이 결국 음악의 다른 요소들을 이끌어내며 음악의 새로운 지평을 열어줄 수 있는 가능성을 내포하고 있기 때문이다. 훅송에는 기존 음악 양식의 한계에 대한 대중의 욕망이 반영되어 있다. 이것은 또한 이 시대 전체의 사회 현상과 맞물려 있는 것이기도 하다. 훅송에서 나타나는 형식과 서사의 파괴 역시 동일한 맥락에서 파악할 수 있다. 최근의 노래에서 서사적인 의미를 찾는 것은 힘들 수 있지만 이러한 무의미성을 의미가 없는 것으로 볼 것이 아니라 그 자체로의미 있는 독특한 리듬, 비트를 형성하는 것으로 생각할 수도 있을 것이다. 이것은 가사 대신 다른 음악 요소들을 통해 메시지를 전달하는 것으로 볼 수 있으며 한편으로는 가사를 숨기는 방식, 즉 또 다른 형태의 서사 방식으로 이해할 수 있다. 따라서 훅송은 단순히 전통적인 음악분석관점인 멜로디나 화성의 분석을 넘어 양식적인 측면에 있어 하나의 개성 있는 음악스타일로 인식할 수 있을 것이다. 훅송은 그것의 핵심인 훅으로 대표되는 음악이며 한편으로는 요소요소에 훅들이 숨겨져 있는 음악으로 볼 수도 있다. 비록 이 음악 양식이 현 시점에서 비난받을 수 있을지 몰라도 한국의 대중음악 전반에 중요한 영향을 끼치고 있음을 부인할 수 없을 것이다. 따라서 훅송은 이 시대를 대표하는 하나의 양식으로 재평가될 필요가 있다.

This article will focus on hook songs to understand K-pop, which is at the center of what we call New Korean Wave. Hook songs can be understood as unique music performed mostly by girl groups and boy groups or the so-called idols, which are mass-produced by star systems. In practice, we regard hook songs as addictive commercial music, which emphasizes their choruses. In terms of music style, hook songs have a narrative structure that emphasizes the chorus extremely. In general,hook songs are criticized for their extremity and simplicity, but it is hard to find systematic analysis of hook songs. By trying to re-interpret hooks, which are the essence of hook songs,however, we can induce a new approach to hook songs. Hooks can be defined as some parts of music we remember from the moment we hear that music. We can approach hook songs holistically in all aspects inside and outside the music including the chorus referring to the definition of hooks as stated above. Hook songs cannot be simply considered as music that emphasizes choruses, and repetition and simplicity shown in hook songs cannot be seen negatively necessarily. For simplicity by repetition implies the possibility to open a new horizon in music by bringing up other elements of music. Hook songs reflect the desire of people, which goes beyond the limitation of existing music styles. This is also tied to social phenomena in this age. Destruction of forms and narratives, which is shown in hook songs, can also be understood in the same vein. It can be difficult to find narrative meaning in recent music, but such meaninglessness can be understood as forming unique rhythms and beats, which is meaningful in itself, not as meaning nothing. It can also be understood as delivering messages through musical elements other than lyrics, or seen as a way of hiding lyrics, that is, as another type of narrative. Therefore, hook songs can be recognized as a characteristic music style, going beyond analysis of melodies and harmony, which are the perspectives o f traditional mu sic analysis. Hook songs a re music that i s represented by hooks, their core, or they can be considered as music where hooks are embedded across various elements. Even though this music style can be criticized at this moment, we cannot deny that it is affecting significantly across popular music in Korea. Thus, hook songs need to be re-evaluated as a style that represents this age.

고려속요 「가시리」는 고려시대의 노래지만 현대에 와서도 유사한 내용, 유사한 정서로 숱하게 노래로 만들어졌다. 「가시리」는 애초에 민중에 의해 불리었던 민요였기에 시대와 세대를 초월하여 많은 이들 사이에서 공감대를 형성하였다. 「가시리」가 대중의 공감을 얻은 것은 사랑과 이별이라고 하는 보편적 정서를 다루면서 화자의 솔직한 태도가 드러나고 쉽고 친숙한 표현을 사용하고 있기 때문이다. 고려속요는 기본적으로 서민 하위문화의 속성을 고스란히 지니면서도 상층과 그들의 주변인에 의해 창작, 전수되었다. 당시 민중에 의해 향유되었던 민요의 특성이 궁중악의 음악적 특성과 결합되면서 더욱 복잡하고 세련된 형태로 변화한 것이다. 민요는 민중의 삶과 밀접한 관련을 맺고 있다. 민요가 민중의 노래였으며 그들의 질박한 삶의 정서를 반영하는 서민문화라는 속성에 초점을 맞추어 볼 때 민요와 대중가요는 충분히 연관성을 지니게 된다. 이로써 민요에 그 바탕을 두고 있는 고려속요와 대중가요도 밀접한 관련을 갖게 된다. 차이점이 있다면 속요는 궁중에서 기녀와 왕, 권신들에 의해 향유되었고 그들을 통해 민간에 전파되었지만 대중가요는 공연장에서, 또 방송매체를 통해 대중에 의해 더욱 널리 향유된다는 것이다. 또한 속요는 여음과 조흥구 등을 통해 흥을 돋우고 정서를 표출하면서 문학성을 획득하지만 대중가요는 상업성에 초점을 맞추어 창작된다. 고려속요 「가시리」는 그 시대에 살았던 사람들의 이별과 사랑에 대한 감정과 정서를 고스란히 반영한다. 본래 민중에 의해 창작되었던 민요였기 때문이다. 그러나 대중가요 <가시리>는 고려속요와 다르게 ‘민중에 의해서’ 창작된 노래가 아니라, ‘대중을 위해서’ 창작된 노래다. 이런 이유로 「가시리」의 변모 양상은 하나의 흐름을 유지하면서도 다채로운 양상을 나타낸다. 1970년대부터 현재까지 발표된 여러 곡의 <가시리>는 각각의 노래가 발표되던 그 시기 대중가요의 흐름을 반영했다. 대부분의 대중가요 <가시리>는 원작의 정서를 고스란히 드러내면서 노래가 창작되던 시기의 대중적 기호를 가미했다. 그러한 수용과 변용을 거치면서 대중가요 <가시리>는 원작에 가까운 형태로 나타나기도 했고, 원작에서 한참 멀어지기도 했다. 앞으로도 <가시리>는 대중이 즐겨 듣고 부르는 가요로 거듭해서 재탄생할 것이며 많은 이들에게 정서적 정화를 제공하고 살아가는 힘을 줄 것이다. 그런 점에서 고려속요 「가시리」는 과거의 노래로 머무는 것이 아니라 현재의 노래, 나아가 미래의 노래로 불리어질 것이다.

Koryo sokyo ‘Gasiri’ Song of the Koryo Dynasty, but also similar in the present, as in many times a song is made up of similar sentiments. ‘Gasiri’ folk in the first place was called by the people himself, to transcend time and generations, many of these were among the consensus. ‘Gasiri’ gained the sympathy of the public called the universal emotions of love and breakup dealing with an honest attitude of the speaker revealed the familiar and easy to use, because the expression. Sokyo considered basically intact the properties of ordinary sub-culture supernatant with Ginny but marginal by their creation, have been transmitted. Time was enjoyed by people of the characteristics of folk musical attributes, combined with the court as evil, more complex and sophisticated forms will be changed. Folk songs, people’s lives and is closely related. The people were singing folk songs of the tough life they reflect the sentiments of the populace with a focus on culture, when you view the property, folk and pop songs that are sufficiently paramount relevance. This is their roots in folk and popular songs sokyo consideration will have a close relationship. If there are differences in sokyo royal courtesan and the king, was enjoyed by passport and they spread through the private sector, but the performances from popular music, and broadcast by the public via the media will be more widely enjoyed. Another sokyo through the remaining portion of yin and titillating the taste of the songs express the emotions alive and the acquisition of the literature, but popular music is creative, focusing on the commercial. Koryo sokyo ‘Gasiri’ the separation of the people who lived in the era of love and reflects the feelings and emotions. Was a folk ballad that was originally due by the original. But the popular songs ‘Gasiri’ sokyo considered differently 'by the people’ rather than work under the song, ‘public order’ work under the song. For this reason, ‘gasiri’ aspects of the transformation, while maintaining a flow of colorful patterns. Since the 1970s, many songs released so far, ‘Gasiri’ for each song that were released at that time reflected the flow of popular music. Most popular song ‘Gasiri’ the emotion of the original song intact, revealing the creative period of the most popular symbols that were added. Such acceptance and transformation over the course of popular music ‘Gasiri’ close to the original story also appeared in the form, and was far from the original script. In the future, ‘Gasiri’ Is the public to call to hear a favorite for many people will be reborn again and again to provide emotional cleansing will give you the power to live. In this sense, considering sokyo ‘Gasiri’ Staying in the past, but now the song of songs, and even the future will be known as the song.